Збірники робіт

Mark Seliger’s extraordinary portfolio is 30 years in the making.

In 1987 Seliger began shooting small assignments for Rolling Stone; in 1992 he became their chief photographer, a position he kept for 15 years. During the course of his time at the magazine, he photographed more than 125 covers. He has captured some of the most iconic images of the most famous and influential faces of our time, including Kurt Cobain, Nelson Mandela, Leonardo DiCaprio, Barack Obama, Hillary Clinton, Emma Stone, Angelina Jolie, Bruce Springsteen, David Byrne, Matthew Barney, Jennifer Lawrence, Mick Jagger, Bob Dylan, Jerry Seinfeld, Jay-Z, Misty Copeland, Amy Schumer, and Paul McCartney.

Mark Seliger Photographs showcases his best-known portraiture, as well as never before seen outtakes and select standouts from his landscape and personal work including portraits of Holocaust survivors and transgender men and women on Christopher Street, and documentary photography of Cuba. Accompanying the photographs is an interview between Mark Seliger and Judd Apatow, in which Seliger shares stories behind some of his most iconic work: Kurt Cobain showing up for a Rolling Stone shoot in a “Corporate Magazines Still Suck” T-shirt; taking a road trip with Brad Pitt; and navigating a room full of Tibetan monks while shooting His Holiness the Dalai Lama. In addition, the book also features an essay by Lyle Lovett. Mark Seliger Photographs is the ultimate celebration of one of the most in-demand portrait photographers.

About the author:

Mark Seliger is a preeminent American photographer. Seliger began working for Rolling Stone in 1987, and served as its chief photographer from 1992 to 2001. His work has appeared in Vanity Fair, ELLE, GQ, Vogue Italia, The New Yorker, Purple, and in museums and galleries worldwide. He lives in New York City.

Цікава колекція фотографій їжі Мартіна Парра, яка документує просте уявлення про те, що «ми є те, що ми їмо».

Real Food прославляє все, що пов'язано з їжею, очима відомого британського фотографа Мартіна Парра – калейдоскоп страв з усього світу, від хот-догів до липких булочок і лангустінів до лимонного пирога з безе.

Книги Real Food містить фотографії, зроблені протягом усієї плідної кар'єри Мартіна Парра, і включатиме найкращі культові знімки Парра – колекцію знімків їжі крупним планом у типових яскравих кольорах, зроблених Парром під час його подорожей світом.

Вступ до неї – есе Фергуса Хендерсона, британського шеф-кухаря та засновника ресторану St John's у Лондоні, яке розглядає фотографії Парра в контексті світової кухні та захоплення Парра соціальним аспектом їжі, що лежить в основі цих фотографій.

Про автора:

Роботи Мартіна Парра з'єднують художню та документальну фотографію. Його дослідження особливостей масової культури та споживацтва в усьому світі, його інноваційні образи та плідна творчість міцно поставили його на передній план сучасного мистецтва. Будучи членом міжнародного фотоагентства Magnum, Парр є завзятим колекціонером книг та світовим авторитетом у галузі фотокниг.

Фергус Хендерсон — британський шеф-кухар та автор кулінарних книг, який відкрив лондонський ресторан St. John у 1994 році, а пізніше St. John Bread and Wine, що отримав широке визнання критиків. Він добре відомий своєю простою, стриманою кухнею та філософією «їсти від носа до хвоста», що також є назвою його першої кулінарної книги.

The first career retrospective of leading contemporary photographer Mona Kuhn

Mona Kuhn: Works is the first retrospective by one of the most respected and widely exhibited contemporary art photographers at work in the world today. Over a career spanning more than twenty years, Kuhn’s underlying theme has always been humanity’s longing for spiritual connection and solidarity. She is renowned for developing close relationships with her subjects, resulting in images of remarkable intimacy. Her use of playful visual strategies reveals glimpses into the psyche as it is expressed through the human form, ultimately reinterpreting the nude in the canon of contemporary art.

Featuring images from throughout Kuhn’s career, including previously unseen work, this book introduces her distinct aesthetic to a wide, popular audience. Texts by Rebecca Morse, Chris Littlewood, Darius Himes and Simon Baker, and an interview with Elizabeth Avedon, offer invaluable insights into Kuhn’s creative process and the ways in which she works with her subjects and settings, and achieves the visual signature of her imagery. Mona Kuhn: Works is an essential volume for anyone with an interest in the human form in contemporary art.

Contents List:

Introduction by Rebecca Morse • 1. Evidence 2000-2007 • 2. Native 2007-2009 • 3. Venezia 2009-2010 • In Conversation: Interview by Elizabeth Avedon • 5. Bordeaux Series 2009-2011 • Essay by Simon Baker • 6. Private 2012-2014 • 7. Bushes and Succulents 2017-2018 • 8. She Disappeared into Complete Silence 2014-2019

About the Author:

Mona Kuhn (b. 1969) is a Brazilian photographer of German descent. She has lived and worked in Los Angeles since 1989 and is currently an independent scholar at the Getty Research Institute. Her previous series-based monographs include Mona Kuhn: Photographs, Mona Kuhn: Evidence and Mona Kuhn: Private. Rebecca Morse is the Curator of the Wallis Annenberg Photography Department at LACMA. Simon Baker is the Director of the Maison Européenne de la Photographie (MEP) in Paris. He was previously Curator of Photography and International Art at Tate. Elizabeth Avedon is a photography book and exhibition designer, independent curator and writer.

Друга книга Мотмайстера: ще більша та неземніша

У Dark & ​​Dystopian Post Mortem Fairy Tales Mothmeister — двоголове альтер-его анонімного бельгійського мистецького дуету — віддає належне багатьом музам, які створили його тривожний і ексцентричний світ мрій.

Вони варіюються від митців з усього світу, легендарних постатей і міфів і химерної колекції таксидермії до пустельних місць, де народилися найгротескніші та часто меланхолійні персонажі, такі як жахливі катакомби капуцинів у Палермо, покинуте неземне місто Піраміда на Шпіцбергені та місце Чорнобильської катастрофи.

Усе це переливається в унікальну казкову країну, яка заграє з хворобливими, релігійними та часто клоунськими речами, де тварин-таксидермії повертаються до життя найнезвичайнішими способами.

Про автора:

Антиутопічний світ мрій двоголового бельгійського альтер-его Мотмейстера інтригує понад 250 тисяч підписників в Instagram по всьому світу. Їх похмурі казкові персонажі, що безупинно мутують, віддають данину таксидермії. Музи Мотмейстера? Їхня вражаюча приватна колекція опудал тварин, масок, костюмів, численні міжнародні художники, з якими вони співпрацюють, і їхня нестримна жага до подорожей.

Three years after the conclusion of his trilogy, On This Earth, A Shadow Falls, Across the Ravaged Land, Nick Brandt returns to East Africa to photograph the escalating changes to the continent’s natural world.

In a series of epic panoramas, Brandt records the impact of man in places where animals used to roam, but no longer do. In each location, Brandt erects a life size panel of one of his animal portrait photographs, setting the panels within a world of explosive urban development, factories, wasteland and quarries.

The people within the photographs are oblivious to the presence of the panels and the animals featured in them, who are now no more than ghosts in the landscape. Some of the animals in the panels appear to be looking out at these destroyed landscapes with sadness, as if lamenting the loss of the world they once inhabited. By the end, we see that it is not just the animals who are the victims in this out of control world, but also the humans.

Inherit the Dust also includes plates of the original portraits of the animals that are featured in the life-size panels, the unique emotional animal portraiture for which Brandt is recognized.

There are also two essays by the artist: a text about the crisis facing the conservation of the natural world in East Africa, and behind-the-scenes descriptions of Brandt's elaborate production process, with accompanying documentary photographs.

About the Author:

Nick Brandt (b.1964) is an English-born, US-based photographer whose themes always relate to the disappearing natural world. He is the co-founder of the Big Life Foundation, in Kenya, where all of these photographs were shot.

Working in colour for the first time, Nick Brandt’s latest project uses complex composition and dramatically cinematic staging to highlight environmental degradation in the world and its effect on both animal and human life

This Empty World, Nick Brandt’s new monograph, features a series of dramatically staged photographs that bring together and reveal the animals and people of East Africa as the victims of environmental degradation in an emotionally powerful, cinematic way.

Moving into colour photography for the first time, the work is both a technical tour-de-force and a massively ambitious project in which the sets are constructed on a scale typically seen in major film production. Each panoramic image is a combination of two moments in time, almost all of them captured weeks apart from the exact same camera position.

Brandt first builds and lights a partial set, then waits for the animals that inhabit the region to enter the frame. Once captured on camera, the full set is built with the camera remaining fixed in place. The sets include bridge and highway construction sites, a petrol station, a bus station and even a dead forest. Completing the scene with a huge cast drawn from local communities, Brandt then photographs the second sequence. The final large scale prints are a composite of the two intricately plotted elements.

Viewed as a whole, the images vividly illustrate a world in which, overwhelmed by runaway human development, there is no longer space for animals to survive, and beg the question: what kind of world will we live in when stripped of its natural wonders.

About the Author:

Nick Brandt (b.1964) is an English-born, US-based photographer whose themes always relate to the disappearing natural world. He is the co-founder of the Big Life Foundation, in Kenya, where all of these photographs were shot.

У Paris Blues Матьє Біттон демонструє красу та чарівність міста Париж, яке має для нього особливе значення. Через свій об’єктив він вловлює суть Парижа, місця, яке є домом його дитинства та постійним джерелом натхнення для його мистецької роботи. Біттон відомий своєю здатністю вловлювати правду предмета й автентичність моменту, що також відображено в цій колекції.

Ця книга є не лише даниною пам’яті його рідному місту, а й продовженням його успішних виставок, таких як Travelogue, Ascension та Darker Than Blue, які отримали всесвітнє визнання. Роботи Біттона демонструють глибокий зв’язок із Парижем і пропонують глядачеві інтимний погляд на місто, яке мало тривалий вплив на його спогади та творчість.

_Одне з найпопулярніших і найбільш відвідуваних міст у світі, сфотографоване відомим дизайнером, арт-директором і фотографом Матьє Біттоном
_Посол Leica Матьє Біттон показує захоплюючі картини повсякденного життя Парижа, а також особливі моменти паризького вищого суспільства
_Особисті анекдоти та роздуми дають зрозуміти його спогади та досвід у Місті Світла та демонструють його глибокий зв’язок із Парижем

Про автора:

Матьє Біттон, який народився в Парижі, є відомим фотографом, дизайнером і арт-директором. Він фотографував таких зірок, як Квінсі Джонс, The Rolling Stones і Леді Гага. Багаторазовий лауреат Греммі та кавалер Ордена мистецтв і літератури, Біттон займається дизайном альбомів, плакатів і книг. Його виставки та роль амбасадора Leica підкреслюють його універсальність і відданість справі вловлення правди моменту.

Light and Shadows. Paul Outerbridge’s provocative nudes and pioneering colour

American photographer Paul Outerbridge created shimmering “artifical paradises." From Cubist still life images to nudes, his sensitivity to light and shadow and pioneering use of colour transformed everyday scenarios into near-abstract compositions. This unique aesthetic helped him seductively champion the expressionistic, as much as commercial, potential of colour photography.

Whether in his sumptuous images for advertising or his soft-hued nudes, Paul Outerbridge (1896–1958) was an alchemist of desire. Colour was integral to his aesthetic allure, embracing the complex tri-colour-carbro process to create a seductive surface of texture and tone. His quest was for “artificial paradises” — a perfection of form, with a surreal edge.

This concise monograph introduces Outerbridge’s unique aesthetic and its commercial and artistic trajectory, from his professional peak as New York’s highest-paid commercial photographer through to his retreat to Hollywood in the 1940s after a scandal over his erotic photography. With key examples from his oeuvre, the book explores Outerbridge’s innovative style through Cubist still-life images, magazine photographs, and his controversial nudes, as well as his interaction with other avant-garde photographers, such as Alfred Stieglitz, Paul Strand, and Man Ray. Along the way, we recognize Outerbridge’s particular ability to transform everyday objects into a quasi-abstract composition and his pioneering role in championing the expressionistic, as much as commercial, potential of colour photographs.

The editor:

Manfred Heiting is an internationally acknowledged designer, curator, and expert on and collector of photographs and photobooks; he lives in Malibu and Brussels. He is a founding member of the J. Paul Getty Museum Council and since 2016 UCLA Distinguished Lecturer in the Humanities. He is editor and designer of Deutschland im Fotobuch, The Soviet Photobook, and The Japanese Photobook and co-editor and designer of Autopsie: Deutschsprachige Fotobücher 1918–1945.

The authors:

Elaine Dines-Cox is an independent art museum curator living in San Francisco. Her 1981 monograph on Paul Outerbridge was the first published catalogue raisonné on an art photographer.

Carol McCusker is Curator of Photography at the University of Florida’s Samuel P. Harn Museum of Art, Gainesville, Florida. She is former Curator of Photography the Museum of Photographic Arts, San Diego.

Game Control. An essential, early portrait of Africa’s wildlife crisis

Peter Beard’s landmark publication on Africa’s wildlife crisis remains a seminal account of a continent transformed by the human quest for adventure and “progress.” With hundreds of historical photographs and writings, as well as Beard’s own indelible images of elephant, rhino, and hippo populations, this new edition includes an interview with conservationist Dr. Esmond Bradley Martin.

“The deeper the white man went into Africa, the faster the life flowed out of it, off the plains and out of the bush...vanishing in acres of trophies and hides and carcasses.” — Peter Beard

A landmark publication on Africa, The End of the Game combines Peter Beard’s salient text and remarkable photographs to document the overpopulation and starvation of tens of thousands of elephants, rhinos, and hippos in Kenya’s Tsavo lowlands and Uganda parklands in the 1960s and ’70s.

Researched and compiled over two decades, and updated several times since with new material, this is Beard’s essential book — a powerful and poignant testimony to the damage done by human intervention in Africa. His own images and writings are supplemented by historical photographs of, and quotations from, the enterprisers, explorers, missionaries, and big-game hunters whose quest for adventure and “progress” were to change the face of a continent: Theodore Roosevelt, Frederick Courteney Selous, Karen Blixen (Isak Dinesen), Philip Percival, J. A. Hunter, Ernest Hemingway, and J. H. Patterson.

This new edition includes an interview with conservationist Dr. Esmond Bradley Martin, as well as essays from previous editions by renowned writer Paul Theroux and ecologist Dr. Richard M. Laws, and contributions to the afterword by agronomist Dr. Norman Borlaug. Touching on such themes as distance from nature, density and stress, and loss of common sense, this seminal portrait is as resonant today, amid growing environmental crises, as it was a half-century ago.

The editor and author:

Peter Beard (1938–2020) began taking photographs and keeping diaries from early childhood. By the time he graduated from Yale University, he had developed a keen interest in Africa. Throughout the 1960s and ’70s, he worked in Tsavo Park, the Aberdares, and Lake Turkana in Kenya’s northern frontier. A constant creator, Beard the chronicler photographed, wrote, drew, collaged, and assembled a history of his life experiences and our own.

The Lindbergh lens. Unique fashion storytelling that first launched the supermodels

When German photographer Peter Lindbergh shot five young models in downtown New York City in 1989, he produced not only the iconic British Vogue January 1990 cover but also the birth certificate of the supermodels. The image didn’t just bring revered faces together for the first time; it marked the beginning of a new fashion era and a new understanding of female beauty.

Coinciding with his major retrospective at the Kunsthal in Rotterdam, the Netherlands, this book gathers more than 400 images from four decades of Lindbergh’s photography to celebrate his unique and game-changing storytelling and the new romantic and narrative vision it brought to art and fashion.

Whether in striking single portraits or dramatic situations of figure and setting, we trace the photographer’s cinematic inflections and his provocative play with female archetypes as subjects adopt the guise of dancers, actresses, heroines, and femmes fatales. Raw and seductive at once, we see how Lindbergh’s trademark monochrome pictures also redefined standards of beauty by emphasizing spirit and personality as much as looks, celebrating the elegance and sensuality of older women, and privileging natural and authentic beauty in an era of pervasive retouching.

In a testimony to Lindbergh’s illustrious status in the fashion world, his images are contextualized by commentaries from collaborators such as Jean Paul Gaultier, Nicole Kidman, Grace Coddington, Cindy Crawford, and Anna Wintour, who chose Lindbergh to shoot her first US Vogue cover. Their tributes explain just what makes Lindbergh’s images so unique and powerful.

The photographer:

Peter Lindbergh (1944–2019) was a master of his craft who has made his mark in the halls of photography history, with such credits as shooting the first American Vogue cover under Editor-in-Chief Anna Wintour, bringing together for the first time a group of young women who would become the ’90s supermodels, and numerous exhibitions at renowned institutions including Victoria & Albert Museum in London and Centre Pompidou in Paris, as well as in solo exhibitions at Hamburger Bahnhof, Museum for Contemporary Art, Berlin, Bunkamura Museum of Art, Tokyo, and the Pushkin Museum of Fine Arts in Moscow.

The author:

Thierry-Maxime Loriot was born in Québec City, Canada, in 1976. After working more than ten years in the fashion industry between New York, Milan, and Paris, he curated the exhibition The Fashion World of Jean Paul Gaultier: From the Sidewalk to the Catwalk, a blockbuster show seen by more than two million visitors. He collaborates with different magazines and fine art museums around the world on fashion and photography projects.

Серед значущих проектів останніх років його життя Річард Аведон (1923–2004) завершив книгу своїх фотографій жінок.

Завжди виходячи за межі категорій — він був і фешн-фотографом, і відомий як «поет портрета» — Аведон цікавився тим, як елементарні факти сучасного життя та існування людини відображаються в його роботах. А що може бути більш елементарним, ніж жінки, які століттями зачаровували митців? Дивлячись на свою роботу таким чином, Аведон зміг створити незрівнянний погляд на жінок свого часу, бурхливого півстоліття швидкої зміни суспільних звичаїв, культурних ідеалів, популярних стилів і високої моди. Як художник, він глибоко реагував на нюанси виразу, жестів і поведінки, і його фотографії незмінно відкривали вікно у внутрішнє життя його суб’єктів.

Серед них були знаменитості (Мерилін Монро), художники (Марія Каллас, Ісак Дінесен) і моделі високої моди (Сьюзі Паркер, Кейт Мосс) до жінок, які просто привернули його увагу. Як і найкращі твори мистецтва та літератури, портрети Аведона нагадують насичене життя та складний досвід. Пронизливий нарис історика мистецтва Енн Голландер пропонує огляд жіночих образів Аведона за півстоліття.

Про авторів:

Річард Аведон був одним із найвідоміших фотографів 20 століття. Його портрети є авторитетним записом нашої епохи, і він переосмислив модну фотографію. У 1992 році він став першим штатним фотографом The New Yorker.

Енн Холландер є автором кількох книг, зокрема Feeding the Eye, Moving Pictures та Seeing Through Clothes.

Як фотограф, Робер Дуано відомий своєю здатністю наповнювати образи повсякденного життя поетичними нюансами, що зробило його фотожурналістику незмінною популярністю серед публіки. Безпрецедентний масштаб цієї колекції надає можливість вивчати його більш стримані, естетично структуровані зображення поряд з його знімками, які пропонують більш анекдотичний опис Парижа Дуано. Організована тематично, книга веде нас у захопливу подорож садами Парижа, вздовж Сени та крізь натовпи парижан, які визначають їхнє улюблене місто. Понад 600 фотографій, багато з яких рідкісні, забуті та раніше не публіковані, зібрані в цьому прекрасному томі, щоб створити унікальний портрет Парижа. Від малюків, які поспішають перейти вулицю Ріволі, до свіжоликих акордеоністів, від елегантних вигульників собак до жвавих роликових ковзанярів, від незабутнього поцілунку перед готелем Hétel de Ville до велосипедистів під Ейфелевою вежею, магія Парижа в чорно-білому кольорі є вічним скарбом. Фотографії, відредаговані дочкою Дуано, доповнені цитатами самого фотографа, які свідчать про його глибоке захоплення містом, де він жив і працював.

У золотий вік, коли Монпарнас кишів художниками, Робер Дуано отримав чудовий доступ до художників, які працювали в Парижі з 1937 року, відвідував їхні студії та ловив їх у різних особистих моментах: під час роботи, роздумів і навіть гри з дітьми. Ця книга, яка містить деякі раніше неопубліковані фотографії, ділиться глибоким поглядом Дуано на творчість і життя цих художників. Багато хто залишається відомим – Пікассо, Девід Хокні, Джаспер Джонс, Джакометті, Соль Штайнберг, Марсель Дюшан, Ле Корбюзьє, Фужіта – тоді як інші канули в забуття, можливо, одного дня будуть знову відкриті. Незалежно від соціального статусу художника – чи то була визначна постать того часу, чи новачок, який бореться за своє життя – Дуано підходив до кожної теми з однаковою скромністю. Його фірмові чорно-білі фотографії вловлюють ностальгію за тим періодом і є свідченням цих митців у процесі створення одних із найкращих творів мистецтва світу. Ця книга, видана у співпраці з дочками Дуано, є захопливим документом повсякденного життя митців від одного з найвідоміших і найпопулярніших фотографів світу.

Від балів вищого суспільства та модних фотосесій до портретів художників та сцен з міського життя Франції, цей чудовий том, який має відкритий корінець, щоб він лежав рівно, щоб найкраще показати фотографії, демонструє найкращі фотографії Дуано для Vogue Paris.

Відомий фотограф Роберт Дуано працював для Vogue з 1949 по 1965 рік, ілюструючи повоєнну Францію, сповнену оновленого жагу до життя. Його маловідомі знімки високої моди зображували таких моделей, як Бріжит Бардо та Беттіна, яких він фотографував у студії та на вулицях. Він зафіксував членів кафе-товариства в їхніх величних будинках та на гламурних костюмованих гала-вечорах, які танцювали всю ніч безперервно. Найбільш відомий своїм гуманістичним підходом, він майстерно зафіксував сцени з повсякденного життя — від грації весільної процесії по пішохідному мосту до вередливої ​​дитини, яка нетерпляче чекала торта. Фотографії Дуано вловили дух епохи та представили таких знаменитостей, як Карен Бліксен, Пікассо, Колетт та Жан Кокто, а також джазових музикантів, кінозірок та простих майстрів за роботою. Особиста шана легендарного головного редактора Vogue Едмонда Шарля-Ру фотографу, який був її другом і колегою, пропонує глибоке занурення в людину за камерою, таку ж складну та прекрасну, як люди та місця, які він увічнив.

From high-society balls and fashion shoots to portraits of artists and scenes from urban life in France, this handsome volume — which features an open spine binding so that it lays flat to show off the photographs to their best advantage — showcases Doisneau’s best photographs for Vogue Paris.

Celebrated photographer Robert Doisneau worked for Vogue from 1949 until 1965, illustrating a postwar France filled with a renewed zest for life. His little-known images of haute couture featured models like Brigitte Bardot and Bettina, who he photographed in the studio and out on the streets. He chronicled the members of the café society in their stately homes and at glamorous costume galas, dancing the night away. Best known for his humanist approach, he masterfully captured scenes from everyday life — from the grace of a wedding procession over a footbridge to the petulance of a child impatient for cake. Doisneau’s photographs captured the spirit of the era and featured celebrities like Karen Blixen, Picasso, Colette, and Jean Cocteau, as well as jazz musicians, movie stars, and humble craftsmen at work. Legendary Vogue editor in chief Edmonde Charles-Roux’s personal homage to the photographer — who was her friend and colleague — offers intimate insight into the man behind the camera, as complex and beautiful as the people and places he immortalized.

Відоме повернення основоположної фотокниги Роберта Франка The Americans до каталогу Aperture — одного з найважливіших фотороботів, коли-небудь створених.

За майже сім десятиліть після публікації у Франції в 1958 році та в Сполучених Штатах у 1959 році «Американці» Роберта Франка стали одним із найвпливовіших і довготривалих творів американської фотографії. За допомогою вісімдесяти трьох фотографій, зроблених по всій країні, Френк представив Америку, яка раніше була невизнаною — зіткнувши її народ із підчеревищем расової нерівності, корупції та несправедливості, а також сувору реальність американської мрії. Погляд Франка — водночас приголомшливий і чіпкий — пройнятий людяністю й ліризмом, малює гострий і незрівнянний портрет нації на переломі історії.

Це видання «Американці» є урочистим поверненням культової назви до каталогу Aperture понад півстоліття після публікації видання Aperture та Музею сучасного мистецтва в 1968 році. Представлене до сторіччя народження Френка та на великій виставці в Музеї сучасного мистецтва, воно було створено за допомогою найкращого тритонового друку з видання 2008 року, у кожному кроці якого Френк брав особисту участь. дизайн і виробництво.

Точне бачення, виразний стиль і поетична проникливість Френка змінили хід фотографії ХХ століття та вплинули на наступні покоління фотографів, у тому числі Лі Фрідлендера, Нан Голдін, Денні Ліона, Джоела Меєровіца, Еда Руша та Гаррі Віногранда. Зараз вихваляють як одну з найбільш новаторських фотокниг усіх часів, The Americans залишаються такими ж потужними та провокативними, якими вони були після публікації, і продовжують резонувати з аудиторією сьогодні.

Про авторів:

Роберт Франк (народився в Цюріху, 1924; помер у Новій Шотландії, 2019) був швейцарським американським фотографом і документалістом. Він найбільш відомий своєю основоположною книгою «Американці», вперше опублікованій у 1958 році, яка породила виразну нову форму мистецтва у фотокнизі, та його експериментальним фільмом «Витягни мою ромашку», знятим у 1959 році. Серед інших його важливих проектів — книги «Лінії моєї руки» (1972) та «Чорне, біле та речі» (1954), а також фільми «Півень» Блюз (1972) і Я і мій брат (1968).

Джек Керуак (народився в Лоуелл, штат Массачусетс, 1922; помер у Санкт-Петербурзі, Флорида, 1969) був американським прозаїком, письменником, поетом і художником, найбільш відомим своїм романом «На дорозі». Він був одним із піонерів біт-покоління 1950-х років.