Искусство

Увлекательная книга о секретах и тайнах мира искусства. Все описанные события реальны и фактически достоверны.

За книгу «Покушение на искусство» Григорий Козлов удостоен премии «Просветитель» (декабрь 2009)

Прекрасный подарок всем, кто интересуется современной культурой и искусством

«Каждое значительное произведение, как и человек, имеет свою судьбу. Иногда перипетии таких судеб напоминают лихо закрученный сюжет авантюрного романа: картины, скульптуры, иконы похищают и находят, их «убивают» и спасают, они становятся национальными реликвиями и объектами политических спекуляций. В книге сделана попытка рассказать о тайной истории искусства – известной профессионалам, но скрытой от широкой публики». Григорий Козлов

В книге – 12 историй. Каждая из них – расследование громкого покушения на искусство.

Вы узнаете, как бесценная «Джоконда» стала картиной картин всех времен и народов; как скромному голландскому художнику, возомнившему себя вторым Вермером, удалось провести самого Геринга; как было организовано одно из крупнейших музейных ограблений ХХ века и как распродавались ценнейшие полотна из российских собраний.

Григорий Козлов – известный историк искусства, автор книг о судьбе европейских музеев в годы Второй мировой войны, член редколлегии «Art News» в Нью-Йорке, был ведущим программы «Страницы истории» на радиостанции Deutsche Welle и цикла передач «Тайная история искусства» на Перовом Канале.

Поп-арт – это сокращенный вариант словосочетания «популярное искусство» (popular art).

Поп-арт возник в середине 1950-х годов в Англии, как реакция на абстрактную живопись, которую сторонники поп-арта считали слишком сложной и элитарной, однако своего расцвета он достиг в 1960-х годах в США. Он заменил возвышенное повседневным, изделия массового производства поставил наравне с уникальными предметами и стер различия между высокой и популярной культурами.

Основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы. Поп-арт открыто оспаривал принципы «хорошего дизайна», отрицая модерн и его ценности. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление. Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. На первый план вышел стиль, впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму. Излюбленным материалом дизайнеров стал пластик, изделия из которого – ярких цветов и броских форм – пришлись по вкусу молодежи.

Черпая вдохновение в самых разных течениях от ар нуво и ар деко до футуризма, сюрреализма, оп-арта, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна.

Средства массовой информации и реклама были основными темами поп-арта, остроумно прославлявшими «общество потребления». Восторг, вызванный поп-артом с момента появления первых его произведений на широкой публике, больше уже не утихал – сегодня же он велик, как никогда ранее.

Эта книга - практическое пособие, которое знакомит читателя с базовыми материалами и техническими приемами в изобразительном искусстве.

Представлены следующие техники:
- рисунок
- акварельная живопись
- энкаустика
- яичная темперная живопись
- фреска
- масляная живопись
- акриловая живопись

Хотя эта книга и не является энциклопедией, тем не менее каждая глава может стать в своем роде существенной основой, на которой художник может уже выстраивать что-то свое. Хорошо проиллюстрированные упражнения, представленные шаг за шагом, были придуманы для сопровождения каждого процесса, чтобы простимулировать творческое исследование. Кроме того, книга богато проиллюстрирована работами мастеров, раскрывающими их собственный опыт, использованные ими средства и приемы. Они являются важными примерами того, что было и может быть сделано.

Крупнейший российский исследователь истории французского искусства Наталья Бродская посвятила эту книгу удивительно интересному этапу развития мировой живописи, получившему название "постимпрессионизм". С ним связаны имена блестящих мастеров изобразительного искусства, таких как Сезанн, Ван Гог, Гоген, Тулуз-Лотрек... Их искания, новаторство и творческие победы позволили назвать последнее десятилетие XIX в. эпохой - так огромен был вклад этих художников в сокровищницу мирового изобразительного искусства.

«Злата Прага», «Волшебная Прага», «Прага стобашенная»... Прага действительно пленительна и чарующа: многие века никто не оставался равнодушным к ее очарованию. **В серию «Города и страны» входит пятнадцать альбомов-путеводителей: «Париж», «Нью-Йорк», «Лондон», «Прага», «Замки Баварии», «Турция», «Австралия», «Бразилия», «Венгрия», «Андалусия», «Замки Луары», «Венеция», «Египет», «Тибет», «Замки Шотландии».

Эти альбомы познакомят вас с достопримечательностями и историей самых популярных среди туристов городов и стран мира, а великолепные цветные иллюстрации позволят воочию убедиться в неповторимости их своеобразия.

Замечательный альбом из известной серии «Великие музеи мира» снова в продаже; Наиболее полное издание о знаменитом музее; Высочайшее качество полиграфии, потрясающие иллюстрации; Прекрасный подарок ценителю искусства и прекрасное дополнение домашней библиотеки. В роскошном фолианте «Прадо» — 850 иллюстраций, что позволяет полноценно представить одно из богатейших в мире собраний живописи. Коллекция включает произведения величайших мастеров — Боттичелли, Босха, Брейгеля, Эль-Греко, Веласкеса, Рубенса, Гойи и десятков других. Знаменитые полотна были написаны по заказу королевского двора и аристократии или приобретены испанскими послами в крупных городах Европы. Авторы издания — ведущие европейские историки искусства, каждый из которых написал раздел об одной или нескольких национальных школах — вместе эти работы составляют яркий очерк истории европейского изобразительного искусства.

Другие книги серии "Великие музеи мира"

Уффици и Питти - Великие музеи мира

Ватикан - Великие музеи мира

Музеи Берлина - Великие музеи мира

Венеция - Великие музеи мира

Орсе - Великие музеи мира

Русский музей - Великие музеи мира

Дрезденская галерея - Великие музеи мира

Лувр - Великие музеи мира

Лондонская Национальная Галерея - Великие музеи мира

Мюнхенская пинакотека - Великие музеи мира

Эрмитаж - Великие музеи мира

Национальная галерея. Вашингтон - Великие музеи мира

«Против интерпретации» - собрание эссе Сьюзен Сонтаг, сделавшее ее знаменитой. Сонтаг была едва ли не первой, кто поставил вопрос об отсутствии непроходимой стены между «высокой» и «низкой» культурой, а вошедшие в сборник «Заметки о кэмпе» и эссе «О стиле» сформировали целую эпоху в истории критической мысли ХХ века.

Книга «Против интерпретации», впервые опубликованная в 1966 году, до сих пор остается одним из самых впечатляющих примеров картографии культурного пространства минувшего столетия.

Если проследить, как менялось со временем отношение к творчеству Никола Пуссена, основателя французского классицизма, становится ясно, что оно сильно разнилось от века к веку и от страны к стране.

При жизни художника, после его смерти и вплоть до XVIII века он был признанным главой французской школы и величайшим представителем французской живописи. Однако в XIX и XX веках художники Франции отвернулись от творчества Пуссена, ассоциируя его с ограниченностью и отсталостью академизма. В то время предпочитали изучать и обсуждать импрессионизм или раннее итальянское искусство, а картины Пуссена характеризовались как скучные, костные и высокопарные. Личность художника интересовала только литераторов (к примеру, юный Пуссен появляется мимоходом в повести Оноре де Бальзака "Неизвестный шедевр", опубликованной в 1831 году) и представителей разнообразных политических сил: для правых, сторонников монархии, сформировавших группу "Аксьон Франсез", классицизм Пуссена позволил противопоставить его современным, особенно республиканским, тенденциям; члены левого "Юнион де ля Верите", с другой стороны, видели в его рационализме влияние эпохи Просвещения и прогрессивный образ мысли.

Только в 1960 году, когда состоялась первая крупная выставка произведений Пуссена в парижском Лувре, как искусствоведы, так и публика осознали, в чем художник современен для нас - скрупулезное изучение возможностей живописи, а также его постоянное стремление к обновлению.

Посмотреть англоязычное издание книги Пуссен - Poussin

A Guide to Art Nouveau Style

Стиль ар нуво - разновидность модерна - получил широкое распространение в изобразительном искусстве и архитектуре последних десятилетий прошлого века и в начале нынешнего. Данный "Путеводитель", принадлежащий перу английского искусствоведа Уильяма Харди, призван помочь читателю проследить периоды становления, расцвета, а затем и упадка ар нуво, разобраться в художественных особенностях стиля, а также лучше узнать творчество его ведущих мастеров. Книга богато иллюстрирована и снабжена алфавитным указателем.

Это, пожалуй, самая известная из книг Ипполита Тэна. Она состоит из двух томов: первый содержит описание путешествия в Рим и Неаполь; второй - в города Центральной и Северной Италии. Книга построена в форме писем, обращенных к другу. Автор ведет диалог с анонимным адресатом, и по признанию автора "книга не претендует на полноту - это всего лишь дневник, в котором не хватает многих страниц, и который носит, прежде всего, личный характер".

Книга 1

Неаполь и Рим
(переводчик: Петр Перцов)
Улицы почти пусты, и зрелище величественно и печально, как офорты Пиранези. Очень мало света; его ровно столько, сколько нужно, чтобы выказать крупные очертания и отдалить мрак. Грязь, ветхость, дурные запахи - все исчезло. Луна сияет на безоблачном небе, и свежий воздух, тишина, интерес новизны - все возбуждает и волнует.
Это грандиозно: вот впечатление, которое возобновляется постоянно. Ничего мелкого, обыкновенного или плоского: нет улицы или здания, которые не имели бы своей физиономии - отчетливой и яркой. Никакое деспотическое общее правило не порабощало и не уравнивало этих строений. Каждое из них выросло на свой лад, не заботясь о других, и их смешение прекрасно, как беспорядок в мастерской великого художника.

Книга 2

Флоренция и Венеция
(переводчик: Петр Перцов)
Ноги шагают сами собою по большим плитам, которыми вымощены нее улицы. От дворца Строцци до Пьяцца Санта Тринита толпа гудит непрерывным потоком. Всюду видны признаки интеллигентной и приятной жизни: почти блестящие кафе, магазины эстампов, алебастровых изделий, изделий из камня и из мозаики, книжные лавки, богатый кабинет для чтения, дюжина театров. Конечно, старая городская часть пятнадцатого столетия все еще существует и образует зерно города; но она не заплесневела, как в Сиене, не сослана в угол, как в Пизе, не запачкана грязью, как в Риме, не окутана и средневековую паутину и не покрыта современной жизнью, как присосавшимся к ней паразитом. Прошлое здесь и согласии с настоящим...

«Путешествие по Франции» позволит вам заглянуть во многие уголки этой многообразной страны, не только побывать в широко известных туристам достопримечательных местах, но и открыть для себя потайные «жемчужины». И где бы вы ни оказались, вам дано будет насладиться автомобильным туром, пешеходной экскурсией или даже прогулкой на катере по каналу.

Ориентируясь по цифрам на основной карте и соотнося их с разделами «Содержания», вы легко сможете определить, где находится нужная вам местность.

Книга известного арт-критика и куратора Виктора Мизиано представляет собой первую на русском языке попытку теоретического описания кураторской практики. Появление последней в конце 1960-х — начале 1970-х годов автор связывает с переходом от индустриального к постиндустриальному (нематериальному) производству. Деятельность куратора рассматривается в книге в контексте системы искусства, а также через отношение глобальных и локальных художественных процессов. Автор исследует внутреннюю природу кураторства, присущие ему язык и этику. Прочитанный впервые как цикл лекций в московском Институте УНИК текст книги сохраняет связь с устной речью и сопровождается экскурсами в профессиональную биографию автора.

Книга выходит в серии «GARAGE Pro»,  новой инициативе Музея современного искусства «Гараж» и издательства «АAd Marginem». Задача серии — представить размышления кураторов, художников, критиков и искусствоведов из разных уголков мира о кураторской практике, функциях современных музеев и работе в сфере искусства сегодня.

Будущее государственных музеев, способных представлять интересы 99% населения, а не укреплять привилегии меньшинства, никогда еще не было столь мрачным. Или уже было?

В ответ на жесткое сокращение государственного финансирования несколько музеев современного искусства разработало убедительные альтернативы мантре «чем больше, тем лучше и богаче». В «Радикальной музеологии» Клэр Бишоп говорит о новом понимании современного в современном искусстве, приводя в пример постоянные экспозиции собраний Музея Ван Аббе в Эйндховене, Музея королевы Софии в Мадриде и Музея современного искусства Metelkova в Любляне.

«Радикальная музеология» – страстный манифест в защиту понимания современности как метода, а не как периодизации, в защиту важности политизированной репрезентации истории в музеях современного искусства.

Клэр Бишоп – профессор программы докторантуры по истории искусства в Городском Университете Нью-Йорка (CUNY). Дан Пержовски – художник из Бухареста.

«Брассай – живое око», - написал Генри Миллер. Сказанное справедливо не только потому, что автор этой книги – один величайших фотографов. Его взгляд – это взгляд художника, которого ничто не оставляет равнодушным и от которого ничто не ускользает. Но мир слишком разнообразен, чтобы Брассай мог ограничить себя каким-то одним способом выражения. Он оставил нам творения фотографа, но также и художника, рисовальщика, скульптора, кинематографиста и писателя.

Одно из его первых литературных произведений – «История Марии» – представляет собой удивительный эксперимент. Брассай записал свои беседы с домработницей так живо и с таким искусством, что у читателя возникало ощущение, что героиня книги ему давно знакома. А потом он повторил удачный опыт, но уже не со скромной женщиной, а с великим Пикассо.

В замке Буажелу Брассай фотографировал скульптуры художника при свете фар его «испано-сюизы». Он знал Пикассо в те годы, когда тот жил на улице Боеси. И потом, когда художник перебрался на улицу Гранд-Огюстен. И наконец, Брассай приезжает к нему на Лазурный берег. Центральную фигуру окружают близкие и друзья: Превер, Элюар, Реверди, Сартр, Камю, Кокто, Мишо…

Книга изобилует всевозможными историями, и Брассай, обладающий даром рассказчика, передает их во всем блеске и обаянии. В то же время, его книга – это глубокий анализ, доносящий до читателя масштаб дарования Пикассо и проблемы, с которыми художник сталкивался в своем творчестве.

О гениальном художнике написаны десятки книг. Но ни в одной из них он не предстает перед читателем настолько живым, непосредственным и понятным, как в «Разговорах с Пикассо».

Брассай (1899-1984) родился в городе Брашов в венгерской части Румынии. Во Францию приехал после Первой мировой войны. Вначале увлекался живописью, был близко знаком с Генри Миллером, Мишо, Райхелем и многими другими. Славу ему принесли его первые фото ночного Парижа, после чего Брассай сделал окончательный выбор в пользу карьеры фотографа. В его наследие, кроме прочего, входят эссе о Пикассо, Миллере и Марселе Прусте.

Книга о жизни и творчестве великого итальянского художника Высокого Возрождения Рафаэля Санти. Писал картины на религиозные и мифологические сюжеты, портреты и монументальные фрески, исполнял картоны для шпалер и декоративные росписи (в частности парадных комнат Ватиканского дворца). Руководил мастерской художников и граверов. Возглавлял ведение раскопок в Риме. Участвовал в строительстве собора Святого Петра. Основы профессиональных знаний он получил в мастерской своего отца в небольшом городке Урбино, затем учился в Перудже у Пьетро Перуджино. Его ранние работы отражают воздействие манеры Перуджино, но вместе с тем в них заметен отход от его художественных установок. Далее, переехав во Флоренцию, около 1502 г. Рафаэль создает свое первое самостоятельное крупное произведение «Распятие», в 1504 г. появляется его шедевр «Обручение Марии» и становится по стилю ближе к таким мастерам, как Леонардо да Винчи и Микеланджело. Не смотря на соседство с такими признанными мастерами, Рафаэлю удается получать заказы от флорентийцев, особой популярностью пользуются его мадонны. Но уже в 1508 году Рафаэль едет в Рим – по свидетельству Вазари, его пригласил Браманте, который в то время строил в Вечном городе собор Святого Петра по заказу папы Юлия II. Рафаэль получает задание расписывать комнаты (станцы) Ватиканского дворца. Над этими росписями Рафаэль работает с 1509 по 1517 год, в результате появляются такие шедевры, как «Парнас», «Диспута», «Афинская школа», «Месса в Больсене».