Искусство

A deluxe, large-format edition of this beautifully illustrated introduction to Katsushika Hokusai, the most prolific artist of Japan’s Edo period, and master of ukiyo-e – ‘images of the floating world’

Hokusai: the blue, foam-crested wave rearing above Mount Fuji; the celebrated volcano idealized and reinvented by the artist in every nuance of view, season and painting; extraordinary bridges, the waterfalls of Japan, the contortions, costumes, gestures – the very breath of men, women, peasants, townsmen, warriors, artisans, leaping horses, birds, insects, fish, almost live on the ground on which they are painted – the countless imaginative drawings or the lively sketches done on the spot for the Manga, Hokusai’s record of shapes and forms drawn from life or imagined over time. With a body of work comprising more than 30,000 drawings and paintings, Hokusai (1760–1849) was the most prolific, varied and indisputably the most creative artist of old Japan. A universal genius in everything that constituted drawing and painting in his time, he practised all genres of ukiyo-e, those ‘images of the floating world’, as his contemporaries liked to describe their pleasures and their daily life.

This book traces the career of this child from a working-class district of old Tokyo, then known as Edo, evoking the special atmosphere of this great city and of Japanese life, when Japan – closed to foreigners – developed in a vacuum a powerfully original culture. Hokusai became one of the great masters of the woodcut, this ‘brush gone wild’, as he called himself, being rediscovered by the Impressionists and aesthetes at the end of the 19th century. He remains one of the greatest and – thanks to his personality – one of the most attractive figures of world art.

About the Author:

Henri-Alexis Baatsch is a writer and translator who lived in Tokyo in 1981 and again from 1984 to 1986, during which time he wrote an essay on Hokusai, revised for this book. He is the author of several plays and numerous books, including Henri Michaux: Painter and Poetry and Questions of Style.

This stunning collector's edition includes the original John Derian Picture Book and the equally gorgeous John Derian Picture Book II. Packaged in a beautiful slipcase, this is the ultimate gift for fans of the beloved artist and home goods designer.

Since the publication of his bestselling book, John Derian Picture Book, in 2016, John Derian has expanded his already far-reaching home goods empire with a line of puzzles and stationery and renewed collaborations with global brands like Target. His products have continued to garner worldwide recognition, while his collection of timeless, vintage art keeps growing. Now, seven years after his debut book, Derian returns with a second installment, John Derian Picture Book 2. An assortment of 375 full-bleed images in their original form, John Derian Picture Book 2 continues the celebration of the best of his world, from intensely colored flowers and birds to curious portraits, hand-drawn letters, and breathtaking landscapes. The result is an oversized object of desire, a work of art in and of itself that brilliantly walks the line between commerce and art, and that is destined to become the gift book of the season.

About the Author:

John Derian is an artist and designer who transforms printed images from the past, and in doing so transports the viewer to another world. He established John Derian Company Inc. in 1989, and his decoupage plates, platters, paperweights, coasters, and bowls are still entirely handmade in his studio in New York City, where he employs a small staff of artisans to assist with production. His designs are sold at upscale home stores, in catalogs, and at gift shops worldwide, and he has designed exclusive collections for Cisco Brothers, Astier de Villatte, Target, and more. His retail shops, studio, and homes have been featured in Vogue, T: The New York Times Style Magazine, The World of Interiors, Elle Decor, and Vanity Fair, among others.

Celebrate 30 years of DreamWorks Animation’s visually rich worlds with this luxurious edition of the studio’s artistic achievements in both film and television

Brimming with rare concept art, preproduction designs, and character sketches, this comprehensive collection offers behind-the-scenes access to the DreamWorks archives.

Featuring a foreword from Cameron Diaz, along with insider anecdotes and perspectives from actors, directors, producers, and artists, The Art of DreamWorks Animation celebrates the studio’s enduring legacy of delivering fully immersive worlds, compelling characters, and great stories that inspire endless possibilities.

DreamWorks Animation’s teams of artists, writers, directors, producers, engineers, and innovators are renowned for their excellence, telling stories about dreams and the journeys their unconventional heroes take to make them come true. Over the past 30 years, the premier studio has produced some of the most groundbreaking and illustrious animated movies of all time, such as Shrek, Trolls, Kung Fu Panda, How to Train Your Dragon, The Bad Guys, Madagascar, and the newest addition, The Wild Robot, as well as acclaimed TV shows, such as Gabby’s Dollhouse, Jurassic World: Camp Cretaceous, Trollhunters, and Spirit Riding Free — among many others.

About the Authors:

Ramin Zahed is a Los Angeles–based author and editor in chief of Animation Magazine. His books include the New York Times bestselling Spider-Man: Across the Spider-Verse: The Art of the Movie, as well as The Art of DreamWorks Puss in Boots: The Last Wish, Spider-Man: Into the Spider-Verse: The Art of the Movie, The Art of Love, Death + Robots, and the previous edition of The Art of DreamWorks Animation. Jerry Beck is a noted animation historian and cartoon producer. As a film distributor, his company Streamline Pictures brought Miyazaki’s Totoro and Otomo’s Akira to the US. His over 15 books on the animation history include The Animated Movie Guide, Looney Tunes: The Ultimate Visual Guide, and The 50 Greatest Cartoons. He currently teaches animation history at Cal Arts, UCLA, and Chapman University, curates a monthly “Cartoon Club” for Quentin Tarantino’s New Beverly Cinema in Hollywood, and edits two blogs, Animation Scoop and Cartoon Research. He lives in Glendale, California

A lively introduction to and history of international contemporary art from 1960 to the present

What does it mean?
Is it really art?
Why does it cost so much?
While these questions are perpetually asked about contemporary art, they are not the questions that E. H. Gombrich set out to answer in his seminal book The Story of Art. Contemporary art is very different from what came before. From the 1960s, where Gombrich’s account concludes, artists began to abandon traditional forms of art and started to make work that questioned art’s very definition. This is where Godfrey picks up the story.

Developments in contemporary art have followed no straightforward line of progress or sequence of movements. Recognizing this, Tony Godfrey creates a narrative from a series of often dramatic creative conflicts and arguments around what art is or should be. From object versus sculpture and painting versus conceptual to local versus global, gallery versus wider world, The Story of Contemporary Art traces a history in terms of drastic changes in social and political life over the last sixty years.

How do we experience being human in a world that seems to change so quickly? In exploring art’s relationship to this question, Godfrey asserts that multiple voices must be heard: critics, theorists, curators and collectors, but also audiences and artists themselves. Key to the book is the story of how a perception that art was made almost exclusively by white men from North America and Western Europe has been radically overturned. Compelling and intelligent, but never academic, this book tells us how.

About the Author:

Tony Godfrey, former Programme Director of the MA in Contemporary Art at Sotheby’s Institute, London, now lives in Manila, where he works as a curator with artists from South-East Asia. He has written for the Burlington Magazine and Art in America, and is the author of Conceptual Art and Painting Today, as well as numerous exhibition catalogues.

Now available again in a new edition, this opulent book reaches back 25,000 years to trace the history of jewelry from the Paleolithic era to the present day

Drawn from the extensive holdings of the Staatliche Museen in Berlin, this collection of jewelry through the ages links cultures and eras to show how the design, wearing, and collecting of personal adornment has evolved over the ages. They range from classic items such as necklaces, rings and earrings to less common items with origins in non-European cultures. The book features jewelry, ranging from the splendid crowns of ancient Greece, gold earrings from Babylon and jewelled collars worn by 13th-century Islamic royalty to more modern pieces such as those contained in the imperial collection of Queen Louise of Prussia, Art Nouveau jewelry designed by Rene Lalique, and work by contemporary designers. This chronologically arranged survey includes numerous brief essays and 400 illustrations with detailed captions, making it an ideal reference for anyone interested in cultural history, the history of jewelry, or the art and craft of jewelry making.

About the Author:

Maren Eichhorn-Johannsen is deputy head of the department of Exhibitions and Special Events at the Staatliche Museen zu Berlin. Adelheid Rasche is head of the collection of Textiles, Clothing and Jewellery at the Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg.

This glorious, authoritative, and unprecedented retrospective of Doré’s prints and paintings, drawn from an oeuvre of more than 10,000 works, comes in a spectacularly ornate package that reflects the artist’s own dramatic style.

If you were a consumer of literature in the nineteenth century, chances are the volumes in your library featured the illustrations of Gustave Doré. From the Bible to Shakespeare, Balzac to Milton, Cervantes to Poe, Doré’s intricate, romantic, and exuberant drawings brought great works to life, and were as treasured as the stories and poetry they depicted. Furthermore, as this magnificent book reveals, he was also a skilled sculptor, painter, and cartoonist. This book spans Doré’s entire career, with chapters dedicated to specific works such as The Divine Comedy, Don Quixote, Tennyson’s Idylls of the King, and medieval fairy tales — each featuring exquisite full-page reproductions that allow Doré’s genius for line, shading, and texture to shine through.

The authors also provide a background on the techniques that Doré employed to achieve his exquisite works. Fans of Doré will appreciate this volume’s spectacular production, which features quarter binding, gold foil stamping, embossing on the cover and spine, a belly band, and silkscreen printing on three edges. Filled with incisive analysis and expert historical perspectives, this book is the consummate collector’s item — a volume as expansive and sensational as the artist himself.

About the Authors:

Alix Paré is a lecturer specializing in 17th, 18th, 19th, and 20th century Western painting. She held previous positions at the Louvre Museum in Paris and the Château de Versailles, France.

Valérie Sueur-Hermel is curator of the Department of Prints and Photography at the Bibliothèque Nationale de France, in Paris, France. She has curated numerous exhibitions such as: Daumier (2008), Gustave Doré (2014), Odilon Redon (2011).

New in paperback, this revelatory book features rarely-seen multimedia works by the revered cult filmmaker David Lynch showing how he applies his powerful imagination and visual language across genres.

David Lynch has always been in the spotlight as a filmmaker, directing some of the most iconic movies ever made, but as a visual artist, he is less widely known. Lynch delights in the physicality of painting and likes to stimulate all the senses in his work. This new paperback edition brings together Lynch’s paintings, photography, drawings, sculpture and installation, and stills from his films. Many of these works reveal the dark underpinnings behind Lynch’s often-macabre movies. Others explore his fascination with texture and collage. Throughout, Lynch’s characteristic style — surreal, stylish, and even humorous — shines through. An introduction by music journalist and Lynch biographer Kristine McKenna, along with a thought-provoking essay by curator Stijn Huijts, offers fascinating new information and perspectives on Lynch’s life and career. This book reveals an unexplored facet of Lynch’s oeuvre and affirms that he is as brilliant a visual artist as he is a filmmaker.

About the Author: 

Kristine McKenna is an American journalist, critic, and curator. She has written for Artforum, The New York Times, ARTNews, Vanity Fair, The Washington Post, and Rolling Stone Magazine. Stijn Huijts is Artistic Director of the Bonnefantenmuseum, Maastricht in the Netherlands.

'a mixture of artistic sensibility and imagery that leaves nothing to the imagination'  - The Telegraph

In early modern Japan, thousands of sexually explicit paintings, prints, and illustrated books with texts were produced. These were euphemistically called ‘spring pictures’ (shunga) and were originally created by the artists of the ukiyo-e school of the floating world to advertise brothels in 17th-century Yoshiwara, including the celebrated artists Utamaro and Hokusai.

This catalogue of an exhibition in 2013/4 at the British Museum aims to answer some key questions about what shunga is and why it was produced. Erotic Japanese art was heavily suppressed in Japan from the 1870s onwards, and it is only in the last twenty years or so it has been possible to publish unexpurgated examples in Japan. 

Drawing on the latest scholarship and featuring over 400 images of works from major public and private collections, this book sheds new light on this unique art form within Japanese social and cultural history.

About the Author:

Timothy Clark, Head of Japanese Section, British Museum

Originating as an ancient tribal practice serving as rites of passage, symbols of religious devotion or marks of bravery, tattoo art has slowly grown into an essential fashion item, a personal statement, a decorative memorial or pledges of deep beliefs. From miniature, hand-drawn pieces to extensive tribal-inspired tattoo markings, contemporary lineworks to retrospective designs, the new wave of tattoos reveals an international aesthetic movement grounded in the love of art.

Varied by striking motifs, INK — The Art of Tattoo amasses some 700 recent and classic flash designs, original patterns and illustrations that encapsulate how tattoo styles around the world have evolved. Readers can start examining the subject by admiring a diverse spectrum of tattoo flash categorised by artist, then go on to a photography showcase of inked bodies modelled for fashion and art projects. The book continues with interviews that provide a portal into the mind of select tattoo artists, each distinct in style and approach. Available in three covers, INK is a collectable reference for practitioners and those craving for new tatts.

A celebration of Ukraine’s rich cultural heritage, drawing on over 100 of the country’s most important works of art and architectural monuments from prehistory to the present.

Showcasing more than one hundred objects and buildings — from Byzantine icons and wooden churches to gold-domed cathedrals, folk art, and avant-garde masterpieces — Treasures of Ukraine chronicles the rich arts and heritage of a country currently facing destruction and devastation. The significance of the pieces is explained by renowned artists, curators, and critics, revealing the nation’s complex history and its impact on the present. From the development of ancient cultures like Trypillia and Scythia to early states such as Kyivan Rus and the Cossack Hetmanate, to the dawn of Modernism and the striking contemporary paintings and political artworks being produced today, Treasures of Ukraine reminds us that art and monuments represent powerful sources of collective memory and identity.

All proceeds will be donated to PEN Ukraine, to help Ukrainian authors in need and support museums in Ukraine.

Contents List:

Introduction: Andrey Kurkov
Map of Ukraine
1. Pre-history to Early History Andriy Puchkov
2. Kyivan Rus Christian A. Raffensperger
3. The Lithuanian–Ruthenian State Diana Klochko
4. The Ukrainian Baroque Era Maksym Yaremenko
5. The Nineteenth Century and the Fin-de-Siecle Alisa Lozhkina
6. Avant-Garde Art and Theatre Myroslava M. Mudrak
7. Soviet Rule, the Ukrainian SSR and Non-conformist Art Oleksandr Soloviev
8. Postmodern and Contemporary Art Victoria Burlaka
Appendix: Folk arts Alisa Lozhkina
Timeline of Ukrainian History

About the Authors:

Andrey Kurkov is Ukraine’s most acclaimed living novelist and public commentator. Andriy Puchkov is a specialist in Ukrainian architecture and author of more than two dozen monographs. Christian Raffensperger is professor of history and department chair at Wittenberg University. Diana Klochko is a prominent art historian and author of 65 Masterpieces of Ukrainian Art. Maksym Yaremenko is Professor at the Department of History at the National University of Kyiv Mohyla Academy. Alisa Lozhkina is an art historian, critic and author of Permanent Revolution: Art in Ukraine, XX–early XXI century. Myroslava Mudrak is Professor Emeritus of Art History at the Ohio State University and a member of the National Academy of Arts of Ukraine. Oleksandr Soloviev is a leading art critic and a local expert in contemporary art; Victoria Burlaka also specializes in contemporary art.

Published to accompany the Royal Academy exhibition from 29 June to 13 October 2024, a major study of Ukrainian art from 1900 to the mid-1930s – with loans from major museums in Ukraine, elsewhere in Europe, the United States (including MoMA) and Israel

How does artistic life flourish during revolution and conflict? Ukraine in the early 1900s endured unimaginable political upheaval, yet this became a period of true renaissance in Ukrainian art, literature, theatre and cinema.

In the Eye of the Storm: Modernism in Ukraine, 1900–1930s, presents the ground-breaking art produced in Ukraine in the early 20th century, focusing on the three key cultural centres of Kyiv, Kharkiv and Odesa. Against a complicated socio-political backdrop of collapsing empires, World War I, the revolutions of 1917 with the ensuing Ukrainian War of Independence, and the eventual creation of Soviet Ukraine, several strands of distinctly Ukrainian art emerged.

While émigrés such as Sonia Delaunay and Alexander Archipenko found fame outside their homeland, the followers of Mykhailo Boichuk focused on Byzantine revivalism, and the artists of the Kultur Lige sought to promote the development of contemporary Yiddish culture. The first avant-garde exhibitions in Ukraine featured the radical art of Davyd Burliuk and Alexandra Exter, and the dynamic canvases of the Kyiv-based Cubo-Futurist Oleksandr Bohomazov. In Kharkiv, Vasyl Yermilov championed the industrial art of Constructivism, while Vadym Meller, Anatol Petrytskyi, Oleksandr Khvostenko-Khvostov and Borys Kosarev revolutionized theatre design. The attempt to build a national identity in Ukraine resulted in a polyphony of styles and artistic developments across a full range of media – from oil paintings, sketches and sculpture to collages, cinema posters and theatre designs.

Twelve internationally renowned scholars, including curators from the National Art Museum of Ukraine, bring to life this astonishing period of creativity in Ukraine and all the movements it encompassed.

Table of Contents:

Foreword
Francesca Thyssen-Bornemisza
Acknowledgments
Introduction
Konstantin Akinsha

I. Kyiv

From Kyiv to Paris: The Cosmopolitanism of Alexandra Exter
Katia Denysova

The Beginning: The First Avant-Garde Exhibitions in Ukraine
Olena Kashuba-Volvach

The Art Section of the Kultur Lige: Yiddish Avant-Garde Art in Kyiv (1918–1922)
Hillel Kazovsky

Oleksandr Bohomazov: The Ukrainian Version of Futurism
Olena Kashuba-Volvach

Boichukism
Myroslava M. Mudrak

Bauhaus on the Banks of Dnipro
Olena Kashuba-Volvach

II: Kharkiv

The Tragic Sensuality of the Kharkiv Avant-Garde
Tetiana Zhmurko

Constructor Vasyl Yermylov: A Captive of the Material World 
Konstantin Akinsha

Visual and Spatial Experiments in Ukrainian Scenography of the 1920s
Olena Kovalchuk

Ivan Kavaleridze: Searching for the Hero of the New Age
Oksana Barshynova

Nova heneratsiia (1927–1930)
Myroslava M. Mudrak

III. Odesa

The Odesa Society of Independent Artists
Olha Barkovska

From Symbolism to Avant-Garde: The Emancipation of Ukrainian Cinema in the 1920s
Ivan Kozlenko

IV. Aftermath

In the Shadow of Russia: Ukrainian Art at the XVI Venice Biennale of 1928
Olena Kashuba-Volvach & Maryna Drobotiuk

The Émigrés from Ukraine: Archipenko, Delaunay and Baranoff-Rossiné
Katia Denysova

From Oblivion to Glory: Spetsfond or The Special Secret Holding
Yuliia Lytvynets

Plates
Authors’ Biographies
Picture Credits
Index

About the Author:

Konstantin Akinsha studied at the Shevchenko Art School in Kyiv, Ukraine, and in 1986 completed an MA in art history at the Moscow State University. He completed a PhD in art history at the University of Edinburgh. In the course of his career, Konstantin Akinsha has been curator at the Kyiv Museum of Western and Oriental Art, Moscow correspondent for ARTnews, contributing editor for ARTnews magazine, New York, as well as a Research Fellow at both the Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg, and Bremen Kunstverein, East European Institute of Bremen University. From 1999 to 2000 he was also Deputy Research Director, Art and Cultural Property, Presidential Advisory Commission on Holocaust Assets in the United States, Washington, D.C. In 2006 he became the European Correspondent for ARTnews magazine in Budapest, and in 2007 he also became a Eugene and Davmel Shklar Fellow at the Ukrainian Research Institute of Harvard University. Akinsha has written a number of books, including Stolen Treasure (Weidenfeld & Nicolson, 1995), co-authored with Gregorii Kozlov, and The Holy Place, co-authored with Gregorii Kozlov and Sylvia Hochfield (Yale University Press, 2007).

Published to coincide with the 40th anniversary of its original publication, this special edition of the beloved, best-selling cult classic features a new design, new cover illustration, and 15 never-before-seen drawings.

Featuring a handsome new package redesigned by the author himself, this edition is a must-have for fans and collectors of Luigi Serafini’s art. First published in 1981 in Milan by F.M. Ricci, the book has been hailed as one of the most unusual yet beautiful art books ever made. A visual encyclopedia of an unknown world written in an unknown language, it has fueled much debate over its meaning. Written for the information age and addressing the import of coding and decoding in genetics, literary criticism, and computer science, it has now fascinated and enchanted two generations.

While its message may be unclear, its appeal is obvious: it is a most exquisite artifact, blurring the line between art book and art object. This edition presents it in a new, unparalleled light complete with 15 new illustrations by the author. With the advent of new forms of communication, continuous streams of information, and social media, the Codex is more relevant and timely than ever.

About the Author:

Luigi Serafini is an architect, ceramist, glazier, painter, sculptor, designer, opera director, set designer, and critic who works in Italy and abroad. In 2007, the Padiglione d'Arte Contemporanea in Milan dedicated a successful mostra ontological (ontological exhibition) to him. He has illustrated works by Franz Kafka and Michael Ende.

__________

A limited numbered Codex Seraphinianus Deluxe Edition, bound in real cloth and presented in a handsome slipcase, is also available. It includes a signed print of a new illustration made by the author to commemorate the 700th anniversary of the death in 1321 of Dante Alighieri, one of Italy’s greatest writers and creator of The Divine Comedy.

__________

Пролистать книгу Codex Seraphinianus на сайте издательства.

An updated edition of the most comprehensive critical history of 20th and 21st-century art

Groundbreaking in both its content and its presentation, Art Since 1900 has been hailed as a landmark study in the history of art. Conceived by some of the most influential art historians of our time, this extraordinary book has now been revised, expanded and brought right up to date to include the latest developments in the study and practice of art. It provides the most comprehensive critical history of art in the twentieth and twenty-first centuries ever published.

With a clear year-by-year structure, the authors present 130 articles, each focusing on a crucial event – such as the creation of a seminal work, the publication of an important text, or the opening of a major exhibition – to tell the myriad stories of art from 1900 to the present. All the key turning-points and breakthroughs of modernism and postmodernism are explored in depth, as are the frequent antimodernist reactions that proposed alternative visions. This third edition includes a new introduction on the impact of globalization, as well as essays on the development of Synthetic Cubism, early avant-garde film, Brazilian modernism, postmodern architecture, Moscow conceptualism, queer art, South African photography, and the rise of the new museum of art.

The book's flexible structure and extensive cross-referencing enable readers to plot their own course through the century and to follow any one of the many narratives that unfold, be it the history of a medium such as painting, the development of art in a particular country, the influence of a movement such as Surrealism, or the emergence of a stylistic or conceptual body of work such as abstraction or minimalism. Illustrating the text are reproductions of almost eight hundred of the canonical (and anti-canonical) works of the century. A five-part introduction sets out the methodologies that govern the discipline of art history, informing and enhancing the reader's understanding of its practice today. Two roundtable discussions consider some of the questions raised by the preceding decades and look ahead to the future. Background information on key events, places and people is provided in boxes throughout, while a glossary, full bibliography and list of websites add to the reference value of this outstanding volume.

Acclaimed as the definitive work on the subject, Art Since 1900 is essential reading for anyone seeking to understand the complexities of art in the modern age.

Contents List:

How to use this book * Preface: A reader's guide Introductions Psychoanalysis in modernism and as a method * The social history of art: models and concepts * Formalism and structuralism * Poststructuralism and deconstruction * Globalization, networks and the aggregate as form 1900 - 1909 * 1910 - 1919 * 1920 - 1929 * 1930 - 1939 * 1940 - 1944 * Roundtable: Art at mid-century * 1945 - 1949 * 1950 - 1959 * 1960 - 1969 * 1970 - 1979 * 1980 - 1989 * 1990 - 1999 * 2000 - 2015 * Roundtable: The predicament of contemporary art Glossary * Further Reading * Selected useful websites * Picture credits * Index

About the Authors:

Yve-Alain Bois is Professor in the School of Historical Studies at the Institute for Advanced Study in Princeton.

Benjamin H. D. Buchloh is Franklin D. and Florence Rosenblatt Professor of Modern Art at Harvard University.

David Joselit is Carnegie Professor of the History of Art, Yale University.

Hal Foster is Townsend Martin, Class of 1917, Professor of Art and Archaeology at Princeton University

Rosalind Krauss is Meyer Schapiro Professor of Modern Art and Theory at Columbia University.

Third edition

637 illustrations, 413 in colour - First Edition

744 illustrations, 510 in colour - Second Edition

----------------------------------------

Новаторская по содержанию и форме, книга «Искусство с 1900 года» уже признана вехой в истории искусства. Сто двадцать две главы, выстроенные хронологически, год за годом обозревают ключевые события в искусстве — будь то создание выдающегося произведения, публикация важного текста или открытие значительной выставки, — образуя не одну, а множество историй искусства в период с 1900 года до наших дней. Углубленному анализу подвергнуты все поворотные моменты и прорывы модернизма и постмодернизма, а также шедшие им наперекор антимодернистские реакции.

Гибкая структура книги, пронизанной сетью перекрестных ссылок, позволит читателю выбрать свой собственный курс в изучении искусства ХХ — начала XXI века с опорой на один из нескольких сценариев — таких, как история определенного медиума, например живописи; развитие искусства в определенной стране; эволюция того или иного направления, например сюрреализма; формирование единого стилистического или концептуального корпуса произведений, например абстракционизма или минимализма.

В четырех введениях подробно рассмотрены основные методологии, направляющие историю искусства наших дней: это поможет читателю лучше понять сегодняшние критические подходы.

В рамках двух круглых столов авторы совместно обсуждают некоторые вопросы, поднятые искусством первой и второй половины XX века, а также выступают с предположениями о будущем. Дополнительная информация о внешних, но важных для истории искусства событиях, местах и людях дана во врезках, пунктиром сопровождающих текст.

В конце тома помещены глоссарий, разъясняющий ряд ключевых понятий книги, обширная библиография по ее темам и перечень основных интернет-ресурсов по искусству.

Считающаяся итоговой на данный момент работой в своей области, книга «Искусство с 1900 года» будет полезна каждому, кто хочет разобраться в хитросплетениях искусства современной эры.

Хэл Фостер — профессор кафедры искусства и археологии Принстонского университета, автор книг «Пересмотры: искусство, спектакль, культурная политика», «Антиэстетика», «Возвращение реального», «Навязчивая красота», «Дизайн и преступление» (рус. пер. 2014), «Протезированные боги».

Розалинд Краусс — профессор Колумбийского университета, автор книг «Подлинность авангарда и другие модернистские мифы» (рус. пер. 2003), «Холостяки» (рус. пер. 2004), «Фотографическое: опыт теории расхождений» (рус. пер. 2014, совместная издательская программа Музея «Гараж» и издательства «Ад Маргинем»), «Оптическое бессознательное», «Бумаги Пикассо».

Ив-Ален Буа — профессор Высшей школы исторических исследований Института углубленного образования Принстонского университета, автор книг «Живопись как модель» (рус. пер. 2015), «Бесформенное: руководство пользователя», «Матисс и Пикассо».

Бенджамин Х. Д. Бухло — профессор кафедры современного искусства Гарвардского университета, автор книг «Неоавангард и культурная индустрия» (рус. пер. 2015), «Немецкое искусство сегодня» и монографий об отдельных художниках, в том числе о Карле Андре, Марселе Бротарсе, Дэне Грэме, Габриэле Ороско, Энди Уорхоле.

Дэвид Джослит — профессор кафедры истории искусства Йельского университета, автор книг «Фидбэк: телевидение против демократии», «Бесконечный регресс: Марсель Дюшан в 1910–1941 годах», «Американское искусство с 1945 года».

Содержание:

Как пользоваться этой книгой
К читателям
Введения
Психоанализ в модернизме и психоанализ как метод
Социальная история искусства: модели и понятия
Формализм и структурализм
Постструктурализм и деконструкция

1900–1910

1900а Зигмунд Фрейд публикует «Толкование сновидений»: в Вене возникновение психоанализа совпадает с расцветом экспрессивного искусства Густава Климта, Эгона Шиле и Оскара Кокошки.
1900b Анри Матисс посещает Огюста Родена в его парижской мастерской, но отвергает скульптурный стиль мастера.
1903 На Маркизских островах в южной части Тихого океана умирает Поль Гоген: его обращение к племенному искусству и бегство в примитивистские фантазии оказывают влияние на ранние произведения Андре Дерена, Анри Матисса, Пабло Пикассо и Эрнста Людвига Кирхнера.
1906 Поль Сезанн умирает в Эксе на юге Франции: его смерть, а также ретроспективы Винсента Ван Гога и Жоржа Сёра, прошедшие годом ранее, знаменуют конец постимпрессионизма, наследником которого выступает фовизм.
1907 Стилистическим разладом и примитивистскими импульсами «Авиньонских девиц» Пабло Пикассо начинает самую грозную атаку на миметическую репрезентацию.
1908 Вильгельм Воррингер выпускает книгу «Абстракция и вчувствование», в которой противопоставляет абстрактное и изобразительное искусство: первое отстранено от мира, второе вовлечено в него. Немецкий экспрессионизм и английский вортицизм по-разному разрабатывают эту психологическую оппозицию.
1909 Ф. Т. Маринетти публикует «Первый манифест футуризма» на первой полосе парижской газеты «Фигаро»: впервые авангард вступает в сотрудничество с медиакультурой, резко противопоставляя себя истории и традиции.

1910–1919

1910 «Танец II» и «Музыка» Анри Матисса подвергаются резкой критике в парижском Осеннем салоне. Художник предельно обостряет в этих картинах свою концепцию «декоративного»: созданные им широкие поля чистого цвета оказываются нелегким испытанием для взгляда.
1911 Пикассо возвращает «заимствованные» иберийские головы в Лувр, откуда они были украдены. Он пересматривает свой примитивистский стиль и вместе с Жоржем Браком разрабатывает аналитический кубизм.
1912 Кубисты изобретают коллаж в контексте противоречивых обстоятельств и событий — сохраняющегося влияния поэзии символизма, зарождения массовой культуры и протестов социалистов против войны на Балканах.
1913 Робер Делоне выставляет в Берлине серию «Окна»: по всей Европе разрабатываются базовые проблемы и парадигмы абстракции.
1914 Владимир Татлин и Марсель Дюшан с разных сторон атакуют традиционные искусства: первый создает свои конструкции, преобразующие кубизм, а второй — реди-мейды, с ним порывающие.
1915 На выставке «0,10» в Петро граде Казимир Малевич показывает свои супрематические картины, созвучные концепциям искусства и литературы, выдвинутым русскими формалистами.
1916a В Цюрихе возникает международное движение Дада — двойная реакция на катастрофу Первой мировой войны и на провокации футуризма и экспрессионизма.
1916b Работы Пола Стрэнда публикуются на страницах издаваемого Альфредом Стиглицем журнала «Камера Ворк»: сложные отношения между фотографией и другими искусствами образуют основу для формирования американского авангарда.
1917a После двух лет напряженных поисков Пит Мондриан совершает прорыв к абстракции, а затем создает неопластицизм.
1917b В октябре 1917 года Тео ван Дусбург в голландском городке Лейден начинает выпускать журнал «Де Стейл»: до 1922 года он выходит ежемесячно, затем нерегулярно; последний номер появляется в 1932 году как дань уважения только что скончавшемуся в швейцарском санатории ван Дусбургу.
1918 Марсель Дюшан пишет «Tu m’» — свою последнюю картину, суммирующую его опыты, связанные с отказом от живописи, использованием случайности, переходом к реди-мейду и индексальной природой фотографии.
1919 В Париже проходит первая за тринадцать лет персональная выставка Пабло Пикассо: его обращение к пастишу совпадает с широкой антимодернистской реакцией.

1920–1929

1920 В Берлине проходит ярмарка Дада: поляризация авангардной и традиционной культур приводит к политизации художественных практик и появлению нового медиума — фотомонтажа.
1921 Сотрудники московского Института художественной культуры определяют конструктивизм как логическую деятельность, отвечающую запросам нового коллективного общества.
1922 Ханс Принцхорн публикует книгу «Художественное творчество душевнобольных». Макс Эрнст и Пауль Клее занимаются практическим исследованием той же темы.
1923 Баухаус, самая влиятельная школа модернистского искусства и дизайна в ХХ веке, проводит свою первую публичную выставку в Веймаре.
1924 Андре Бретон выпускает первый номер журнала «Сюрреалистическая революция», в котором утверждаются основы эстетики сюрреализма.
1925a Выставка «Ар-Деко» в Париже удостоверяет рождение современного китча. Машинная эстетика Ле Корбюзье становится мечтой и кошмаром модернизма. «Рабочий клуб» Александра Родченко пропагандирует новые отношения между людьми и вещами.
1925b Куратор Густав Хартлауб организует в Кунстхалле Мангейма первую выставку живописи «новой вещественности». Будучи очередным вариантом интернациональной тенденции «призыва к порядку», этот «магический реализм» сигнализирует о конце экспрессионизма и дадаистских практик в Германии.
1925c Оскар Шлеммер выпускает книгу «Театр Баухауса», в которой представляет манекен и автомат в качестве образцов для современного актера. Аллегорический потенциал куклы и марионетки осваивают
и другие художники, главным образом женщины — участницы движения Дада.
1926 В Ганновере строятся «Демонстрационная комната» Эль Лисицкого и «Мерцбау» Курта Швиттерса: конструктивисты и дадаисты диалектически осмысляют архитектуру музея как архива и модернистское пространство как аллегорию меланхолии.
1927a После периода работы коммерческим художником в Брюсселе Рене Магритт присоединяется к сюрреалистическому движению в Париже, играя в своем искусстве с образным языком рекламы и с двусмысленностями слова и изображения.
1927b Константин Бранкузи отливает из нержавеющей стали «Новорожденного». Его скульптура провоцирует конфликт между высоким искусством и промышленным производством, решающей точкой которого становится судебное разбирательство в США вокруг «Птицы в пространстве».
1927c Компания «Форд» поручает Чарльзу Шилеру фотосъемку ее нового завода в Ривер-Руж. Модернисты Северной Америки развивают лирическую трактовку машинного века, которую Джорджия О’Кифф распространяет на природный мир.
1928a Публикация Владиславом Стржеминским «Унизма в живописи», а затем, в соавторстве с Катаржиной Кобро, книги о скульп туре «Композиция пространства» становится апогеем интернационального распространения конструктивизма.
1928b «Новая типографика» Яна Чихольда подтверждает влияние советского авангарда на книжный дизайн и рекламу в капиталистических странах Западной Европы, а также удостоверяет оформление нового интернационального стиля.
1929 В Штутгарте с 18 мая по 7 июля проходит выставка «Кино и фото», организованная Немецким Веркбундом и представляющая широкую интернациональную панораму фотографических практик и дебатов. Выставка обозначает одну из вершин фотографии XX века и свидетельствует о появлении новой критической теории и истории этого медиума.

1930–1939

1930а Появление массового потребителя и модных журналов в Веймарской Германии двадцатых — тридцатых годов создает новый контекст производства и распространения фотоизображений и содействует формированию круга влиятельных женщин-фотографов.
1930b Жорж Батай публикует в журнале «Документы» рецензию на книгу «Примитивное искусство», выявляя разногласия в отношении авангарда к примитивизму и глубокий раскол в сюрреализме.
1931a Альберто Джакометти, Сальвадор Дали и Андре Бретон рассуждают в журнале «Сюрреализм на службе революции» об «объекте, служащем символом»: сюрреализм распространяет эстетику фетишизма и фантазии на сферу создания объектов.
1931b Повторенная несколько раз клятва Жоана Миро «убить живопись» и переход Александра Колдера от изящных «мобилей» к бесстрастным «стабилям» отражают переориентацию европейских живописи и скульптуры под влиянием концепции «бесформенного», выдвинутой Жоржем Батаем.
1933 Вспыхивает скандал вокруг портрета Ленина на фреске Диего Риверы в Рокфеллер-центре. Представители мексиканского движения муралистов выполняют росписи на общественно-политические сюжеты в разных городах США, подавая пример американскому политическому авангарду.
1934a На первом Всесоюзном съезде советских писателей Андрей Жданов провозглашает доктрину социалистического реализма.
1934b В статье «Задачи скульптора» Генри Мур формулирует британскую эстетику прямой резьбы, занимающую промежуточное положение между фигуративностью и абстракцией, между сюрреализмом и конструктивизмом.
1935 Вальтер Беньямин пишет первую версию «Произведения искусства в эпоху его технической воспроизводимости», Мальро задумывает «Воображаемый музей», а Дюшан приступает к сбору «Коробки в чемодане». Влияние механической репродукции, проникающей в искусство через фотографию, проявляется в эстетической теории, истории искусства и художественной практике.
1936 В ходе реализации «Нового курса» Франклина Рузвельта Доротее Лэнг, Уокеру Эвансу и другим фотографам поручается документирование сельской Америки в тисках Великой депрессии.
1937a Европейские страны соревнуются в национальных павильонах искусства, торговли и пропаганды на Всемирной выставке в Париже, а нацисты тем временем открывают в Мюнхене выставку «Дегенеративное „искусство“», резко осуждающую модернизм.
1937b Наум Габо, Бен Николсон и Лесли Мартин выпускают в Лондоне книгу «Круг», в которой закрепляется институциональный статус геометрической абстракции.
1937c Пикассо представляет картину «Герника» в павильоне Испанской республики на Всемирной выставке в Париже.

1940–1944

1942а С отходом Клемента Гринберга и редакторов «Партизан Ревью» от марксизма деполитизация американского искусства достигает критической точки.
1942b Вторая мировая война вынуж дает многих сюрреалистов к переезду из Франции в США. Две выставки в Нью-Йорке по-разному отражают их изгнанническое положение.
1943 В Нью-Йорке выходит в свет книга «Современное негритянское искусство» Джеймса Портера, отражающая главную цель «гарлемского ренессанса» — стремление привлечь внимание к специфике и куль- турному наследию черной расы.
1944а Пит Мондриан умирает, оставив неоконченной «Победу буги- вуги» — картину, воплощающую его концепцию живописи как деструктивного предприятия.
1944b В начале Второй мировой войны «старые мастера» современного искусства — Матисс, Пикассо, Брак и Боннар — рассматривают отказ бежать из оккупированной Франции как акт сопротивления варварству. Выработанный ими в военные годы стиль, получивший известность после Освобождения, становится вызовом для нового поколения художников.
1945 Дэвид Смит создает «Воскресный столб»: в концепции конструкционной скульптуры находят отклик ремесленный фундамент традиционного искусства и промышленные основы современного производства.

Круглый стол. Искусство в середине века

1945–1949

1945 Дэвид Смит создает «Воскресный столб»: в концепции конструкционной скульптуры находят отклик ремесленный фундамент традиционного искусства и промышленные основы современного производства.
1946 Жан Дюбюффе выставляет свое «густое тесто», свидетельствующее о возникновении в послевоенном французском искусстве нового, скатологического течения, которое вскоре получит название «информель».
1947a Йозеф Альберс приступает к созданию серии картин «Вариант»; импортированная в США, модель Баухауса трансформируется под влиянием различных художественных императивов и институциональных требований.
1947b Публикация «Возможностей» в Нью-Йорке знаменует сплочение абстрактного экспрессионизма в единое движение.
1949a Журнал «Лайф» обращается к читателям с вопросом о Джексоне Поллоке: «Величайший из ныне живущих американских художников?»; живопись Поллока становится символом передового искусства.
1949b «Кобра» — бунтарская группа молодых художников из Копенгагена, Брюсселя и Амстердама — начинает выпускать одноименный журнал, ратующий за возвращение к «источнику жизненной энергии»; в это время в Англии «новые бруталисты» предлагают грубую эстетику, отвечающую суровым условиям послевоенного мира.

1950–1959

1951 Вторая выставка Барнетта Ньюмана терпит неудачу: коллеги Ньюмана, абстрактные экспрессионисты, подвергают его остракизму; и только позднее художники-минималисты провозгласят его своим родоначальником.
1953 Композитор Джон Кейдж участвует в создании «Отпечатка шины» Роберта Раушен берга: индексальный след используется в ряде работ Раушенберга, Эллсворта Келли и Сая Твом бли как оружие против экспрессивного знака.
1955а Первая выставка группы «Гутай» в Японии свидетельствует о распространении модернистского искусства посредством медиа; другим примером переосмысления модернизма художниками за пределами США и Европы служит возникшая в Бразилии группа неоконкретистов.
1955b Выставка «Движение» в галерее Дениз Рене в Париже дает начало кинетизму.
1956 Выставка «Это — завтра» в Лондоне демонстрирует итоги деятельности художников «Независимой группы» — предвестников британского поп-арта, исследовавших отношения между искусством, наукой, технологией, дизайном и поп-культурой.
1957а Две маленькие авангардные группы, Леттристский интернационал и Имажинистский Баухаус, объединяются и создают Ситуационистский интернационал — самое политически ангажированное из послевоенных художественных движений.
1957b Эд Рейнхардт пишет «Двенадцать правил для новой академии»: в то время как в европейской живописи происходит реформа авангардных парадигм, американские художники Рейнхардт, Роберт Райман и Агнес Мартин исследуют монохромную живопись и модульную сетку.
1958 «Мишень с четырьмя лицами» Джаспера Джонса появляется на обложке журнала «Артньюс»; для одних художников Джонс представляет модель картины, в которой фигура и фон соединены в один образ-объект, а для других не менее важными уроками его живописи оказываются использование повседневных знаков и концептуальная двусмысленность.
1959a Лучо Фонтана проводит свою первую ретроспективу: китчевые ассоциации используются им в качестве критики идеалистического модернизма, которую усиливает его протеже Пьеро Мандзони.
1959b Брюс Коннер показывает в Художественной ассоциации Сан-Франциско «ДИТЯ» — изуродованную фигуру на высоком стуле, выражающую его протест против смертной казни. Коннер, Уоллес Берман, Эд Кинхольц и другие художники Западного побережья США развивают практику ассамбляжа и энвайронмента в более вызывающей версии, чем ее аналоги в Нью-Йорке, Париже и т. д.
1959с Музей современного искусства в Нью-Йорке представляет выставку «Новые образы человека»: эстетика экзистенциализма распространяет свое влияние на политику фигуративности периода холодной войны в работах Альберто Джакометти, Жана Дюбюффе, Фрэнсиса Бэкона, Виллема де Кунинга и других художников.
1959d «Наблюдения» Ричарда Аведона и «Американцы» Роберта Франка устанавливают диалектические параметры нью-йоркской школы фотографии.

1960–1969

1960а Критик Пьер Рестани организует в Париже группу из разных художников, чтобы, пересмотрев парадигмы коллажа, реди-мейда и монохрома, создать «новый реализм».
1960b Клемент Гринберг публикует «Модернистскую живопись»: его критика принимает новое направление, которое станет определяющим для дебатов шестидесятых годов.
1960с Сначала Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, а за ними Джеймс Розенквист, Эд Рушей и другие начинают использовать в качестве источников своих картин комиксы и рекламу: рождается американский поп-арт.
1961 В декабре Клас Олденбург открывает в нью-йоркском Ист-Виллидже «Магазин» — притворившийся одной из окрестных дешевых лавок «энвайронмент», в котором все предназначено для продажи: на протяжении зимы и последующей весны на его территории будут проведены десять «хеппенингов» олденбурговского «Театра лучевого пистолета».
1962а Джордж Мачюнас организует в Висбадене (ФРГ) первое из серии международных «событий», обозначившее начало движения «Флюксус».
1962b В Вене складывается группа художников, включающая Гюнтера Бруса, Отто Мюля и Германа Нитча, которая дает начало венскому акционизму.
1962c Под влиянием книги Камиллы Грей «Великий эксперимент: русское искусство 1863–1922 годов» на Западе возрождается интерес к советскому конструктивизму, получающий развитие в работах Дэна Флавина, Карла Андре, Сола Левитта и других.
1962d Клемент Гринберг первым отмечает абстрактный аспект раннего поп-арта — черту, которая будет постоянно напоминать о себе в произведениях его ведущих представителей и их последователей.
1963 После публикации двух манифестов, написанных совместно с живописцем Ойгеном Шёнебеком, Георг Базелиц выставляет в Берлине картину «Большая ночь пошла прахом».
1964a Двадцатого июля, в двадцатую годовщину провала заговора Штауффенберга против Гитлера, Йозеф
Бойс публикует свою фиктивную автобиографию и провоцирует вспышку публичного насилия на «Фестивале нового искусства» в Ахене (ФРГ).
1964b «Тринадцать подозреваемых в тяжких преступлениях» Энди Уорхола ненадолго появляются на фасаде павильона штата Нью-Йорк на Всемирной ярмарке в Нью-Йорке.
1965 Дональд Джадд публикует статью «Специфические объекты»: минимализм получает теоретическое обоснование в текстах его ведущих представителей — Джадда и Роберта Морриса.
1966а Незадолго до смерти Марсель Дюшан завершает инсталляцию «Дано» в Филадельфийском художественном музее: его растущее влияние на молодых художников достигает пика после открытия этой работы.
1966b В Нью-Йорке открывается выставка «Эксцентрическая абстракция»: работы Луиз Буржуа, Яёй Кусамы и Евы Хессе намечают экспрессивную альтернативу скульптурному языку минимализма.
1967а Публикацией альбома «Путешествие к памятникам Пассейика, Нью-Джерси» Роберт Смитсон утверждает «энтропию» в качестве одного из ключевых понятий художественной практики конца шестидесятых годов.
1967b Итальянский критик Джермано Челант организует первую выставку «арте повера».
1967c В качестве своей первой манифестации четыре художника, образовавшие группу «БМПТ», устраивают публичное выступление, каждый из участников которого повторяет от холста к холсту одну из простых конфигураций по своему выбору: эта форма концептуальной живописи становится последней в череде атак на «официальную» абстракцию в послевоенной Франции.
1968а Два крупнейших музея, ориентированных на самое передовое искусство Европы и Америки, — Музей Ван Аббе в Эйндховене (Нидерланды) и Музей Абтайберга в Мёнхенгладбахе (ФРГ) — выставляют работы Бернда и Хиллы Бехер, помещая их на переднем рубеже интереса к концептуальному искусству и фотографии.
1968b Публикации Сола Левитта, Дэна Грэма и Лоренса Винера дают начало концептуальному искусству, первые выставки которого проводит Сет Сигелауб.
1969 Выставка «Когда отношения становятся формой» демонстрирует итоги постминимализма, а «Антииллюзия: процедуры/материалы» фокусируется на процесс-арте, три главных аспекта которого разрабатывают Ричард Серра, Роберт Моррис и Ева Хессе.

1970–1979

1970 Майкл Ашер представляет свой «Проект для Помона-колледжа»: с распространением сайт-специфичного искусства открывается логическое поле между модернистской скульптурой и концептуальным искусством.
1971 Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке отменяет ретроспективу Ханса Хааке и удаляет работу Даниэля Бюрена из экспозиции Шестой международной выставки Музея Гуггенхайма; одновременно практика институциональной критики наталкивается на сопротивление со стороны художников-минималистов.
1972а Марсель Бротарс показывает в Дюссельдорфе (ФРГ) инсталляцию «Музей современного искусства, отдел орлов, секция фигур».
1972b Международная выставка «Документа 5» в Касселе (ФРГ) свидетельствует об институциональном признании концептуального искусства в Европе.
1973 Центр видео, музыки и танца «Кухня» открывает свое пространство в Нью-Йорке; видео-арт претендует на институциональное место между визуальным искусством, перформансом, телевидением и кино.
1974 В акции «Пригвожденный», в ходе которой Криса Бёрдена прибивают гвоздями к «Фольксвагену „Жук“», искусство перформанса в Америке достигает крайних пределов физического присутствия, после чего многие из его адептов оставляют, смягчают или трансформируют эту практику.
1975 Режиссер Лора Малви публикует новаторскую статью «Визуальное удовольствие и нарративное кино», а художницы-феминистки Джуди Чикаго и Мэри Келли развивают различные способы репрезентации женщин.
1976 В Нью-Йорке открывается пространство «P.S.1» и проходит «Выставка царя Тута» в музее Метрополитен: важные изменения в институциональной системе арт-мира регистрируются как альтернативными пространствами, так и выставочными блокбастерами.
1977 Выставка «Pictures» представляет группу молодых художников, чьи стратегии апроприации и критики оригинальности прокладывают путь понятию постмодернизма в искусстве.

1980–1989

1980 В Нью-Йорке начинает работу группа галерей «Метро-Пикчерс», открытая для молодых художников, исследующих фотографическое изображение и его использование в новостях, рекламе и моде.
1984a Виктор Бёрджин читает лекцию «Отсутствие присутствия: концептуализм и постмодернизмы». Публикация этого текста наряду с эссе Аллана Секулы и Марты Рослер обозначает новый подход к наследию
англо-американского фотоконцептуализма и, шире, к истории и теории фотографии.
1984b Фредрик Джеймисон публикует книгу «Постмодернизм, или Культурная логика позднего капитализма»; дебаты о постмодернизме выходят за рамки искусства и архитектуры, в культурную политику, и в них определяются две противоположные позиции.
1986 В Бостоне открывается выставка «Конец игры: референция и симуляция в новейшей живописи и скульптуре»: одни художники обыгрывают растворение скульптуры в товарном мире, другие подчеркивают всевластие дизайна и витрины.
1987 Проходит первая акция сообщества «ACT-UP»: в связи с критической ситуацией вокруг СПИДа возрождается акционизм, на первый план выходят группы коллективного действия и политические интервенции, зарождается квир-эстетика.
1988 Герхард Рихтер пишет картину «18 октября 1977 года»: немецкие художники рассматривают возможность возрождения исторической картины.
1989 В Париже открывается выставка «Маги Земли»: создание и представление современного искусства испытывает влияние постколониального дискурса и дебатов о мультикультурализме.

1990–1999

1992 Фред Уилсон представляет в Балтиморе проект «Подрывая музей»: институциональная критика выходит за пределы музея, и самые разные художники усваивают антропологическую модель проективного искусства, основанного на полевой работе.
1993a Мартин Джей публикует книгу «Потупленный взор» о дискредитации зрения в современной философии; критика визуальности развивается рядом художников этого времени.
1993b Снос «Дома» Рейчел Уайтред, слепка типовой постройки в восточном Лондоне, на передовую британской арт-сцены выходит новая группа художников-женщин.
1993c На биеннале Уитни в Нью-Йорке на первый план выступает тема идентичности, по-новому воплотившаяся в политизированном искусстве художников-афроамериканцев.
1994a Выставка Майка Келли демонстрирует рост интереса к регрессивным и «ничтожным» мотивам, в то время как Роберт Гобер, Кики Смит и другие используют образы разорванного и деформированного тела, поднимая вопросы сексуальности и морали.
1994b Уильям Кентридж завершает «Феликса в изгнании», вслед за Раймондом Петтибоном и другими художниками демонстрируя новую актуальность рисования.
1998 Выставка огромных видеопроекций Билла Виолы отправляется в мировое турне по музеям: формат проекции широко распространяется в современном искусстве.

2000–2010

2001 Выставка в МоМА Андреаса Гурски, находящегося на пике карьеры, свидетельствует о господстве пикториальной фотографии, часто создаваемой с применением цифровых технологий.
2003 Выставки «Станция Утопия» и «Зона неотложного», показанные в рамках Венециан ской биеннале, становятся образцом неформального и дискурсивного подхода к художественной и кураторской практике в новейшем искусстве.
2007a Большая ретроспектива Кристиана Маркли в парижском «Городе музыки» убеждает французскую столицу в значимости этого американского художника для будущего авангардного искусства; Министерство иностранных дел Франции, доверяя Софи Калль представлять страну на Венецианской биеннале, выражает свою веру в это будущее; Бруклинская музыкальная академия заказывает южноафриканцу Уильяму Кентриджу декорации для постановки «Волшебной флейты».
2007b В нью-йоркском Новом музее открывается выставка «Немону мен тальное: объект в XXI веке», демонстрирующая интерес молодого поколения скульпторов к ассамбляжу и аккумуляциям.
2007c Работа Дэмиена Хёрста «Ради Бога» — инкрустированная бриллиантами платиновая отливка человеческого черепа себестоимостью 14 миллионов и рыночной ценой 50 миллионов фунтов стерлингов — служит ярким примером искусства, делающего ставку на сенсацию и инвестиционный потенциал.
2009а На мультимедиа-конференции «Наша буквальная скорость» Таня Бругера представляет «Типичный капитализм» — перформанс, который визуализирует исходные узы доверия и общности взглядов аудитории, представляющей арт-мир, путем нарушения этих уз.
2009b Ютта Кётер представляет в галерее Рины Сполингс в Нью-Йорке выставку «Свет внутри», в которой смысловым центром живописи становятся перформанс и инсталляция: влияние сетевых структур не обходит
стороной даже такой традиционный медиум, как живопись, и распространяется среди художников Европы и США.
2009c Харун Фароки выставляет ряд работ на тему войны и ви?дения в Музее Людвига в Кёльне и в выставочном пространстве «Raven Row» в Лондоне, показывая связь между развлекательными формами новых медиа, в частности видеоиграми, и современными методами войны.
2010а В Турбинном зале лондонской галереи «Тейт Модерн» открывается масштабная инсталляция Ай Вэйвэя «Семена подсолнечника»: в ответ на стремительную модернизацию и экономический подъем своей страны китайские художники создают работы, которые затрагивают тему огромного рынка рабочей силы Китая и сами по себе превращаются в социальные проекты массового трудообеспечения.
2010b Представленная в Музее современного искусства Северного Майами (Флорида) ретроспектива вымышленной французской художницы Клер Фонтен, «управление» которой, осуществляемое двумя реальными ассистентами, само по себе служит ярким выражением разделения труда, заостряет
внимание на экономике искусства: выставка обозначает появление новой формы художественной субъективности — аватара.

Круглый стол. Современное искусство на распутье
Глоссарий
Дополнительная литература
Полезные интернет-сайты
Источники и правообладатели иллюстраций
Указатель

If you love cinema and would like to know more about it, look no further than Cinema: The Whole Story. This is an indispensable book for all those who love watching and reading about films, and who want to understand more about the international world of cinema.

• Places key works in the context of genre and social and cultural developments
• Historical timelines highlight key influences and events
• Inside the world of film-making – the glamour, the triumphs, the disappointments and the realities of stardom
• Written by an international team of film experts, led by Philip Kemp, film historian, lecturer and author

Illustrated, in-depth text covers every genre of cinema, from the first silent films to epic blockbusters, CGI graphics and ground-breaking special effects of the 21st century. Detailed timelines accompany the text and clarify cinematic history.

Everything from camera and lighting to acting styles, animation and the film’s social and cultural impact is explained, enabling you to interpret the full meaning of world-famous movies. Discover what makes a star, what makes a film a success – and why even the most promising of ideas can prove an expensive disaster. 

_________

В этой книге тщательно исследуются основные периоды, жанры и кинопроизведения разных стран, помещая цветущий мир кино в контекст изменяющихся социальных и культурных условий. Построенная в хронологическом порядке, она прослеживает эволюцию кино от кинопроекторов до многоэкранных кинотеатров и современных супертехнологий. Иллюстрированный, углубленный текст охватывает все жанры кино — от первых немых фильмов до эпических блокбастеров, компьютерной графики и новаторских эффектов XXI века.

An accessible and hugely popular history of art explained through many of the world’s most famous masterpieces

This comprehensive, vibrant book leads you through the world’s iconic images – those that we encounter every time we open a newspaper, visit a gallery, or look at the front cover of a novel

Art: The Whole Story traces the development of art period by period, with the illustrated text covering every genre, from painting and sculpture to conceptual art and performance art. Cultural timelines are there too, to help the reader with historical context.

• The most accessible history of world art ever assembled
• More than 1,100 colour illustrations of iconic pieces
• Covers every genre of art, from painting and sculpture to conceptual art
• Designed in an easily navigable and user-friendly fashion

Written by an international team of artists, art historians and curators, this absorbing and beautiful book will give you insight into the world’s most iconic images.

Masterpieces that epitomize each period or movement are highlighted and analysed in detail. Everything from the use of colour and visual metaphors to technical innovations is explained, enabling you to interpret the meanings of world-famous masterpieces – Mughal miniatures; Japanese prints in the nineteenth century; the colour theories behind Seurat’s remarkable La Grande Jatte; and why Picasso’s Les Demoiselles D’Avignon was so shocking in its day.