Дизайн

The most compelling collection ever of the world's most innovative, stylish, and influential chairs

Throughout history, the chair has presented designers the world over with infinite opportunities to experiment with new methods and materials within the set parameters of an object that is primarily there to serve a practical purpose. Chair: 500 Designs that Matter celebrates the humble chair as never before, from early examples to today's cutting-edge creations. It invites you to sit back and be taken on a journey through the creative imaginations of hundreds of internationally renowned designers.

About the Author:

Conceived and edited by Phaidon Editors

What is it that distinguishes a chair designed by an architect?
Why is it so tempting for an architect to have a chair in his or her portfolio?
Is it possible to use creative solutions interchangeably in both domains?

Chairs by Architects answers these and many other questions to show how qualities in the buildings by architects are also evident in their chair design: pieces of furniture, like manifestos, become signatures of architectural style.

The 55 architects include early modern architectural pioneers such as Otto Wagner, Charles Rennie Mackintosh, Antoni Gaudí and Walter Gropius, together with more recent modern masters such as Oscar Niemeyer, Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Frank Gehry and Daniel Libeskind. The book contains interviews on Designing (in conversation with David Adjaye), Manufacturing (with David E. Bright, Knoll Inc.), Selling (with Zeev Aram), Collecting (with Richard Wright) and Preserving (with Susanne Graner, Vitra Design Museum).

This is essential reading for everyone concerned with design, architecture and the relationship between creators and their creations.

What is it that distinguishes a chair designed by an architect?
Why is it so tempting for an architect to have a chair in his or her portfolio?
Is it possible to use creative solutions interchangeably in both domains?

Chairs by Architects answers these and many other questions to show how qualities in the buildings by architects are also evident in their chair design: pieces of furniture, like manifestos, become signatures of architectural style.

The 55 architects include early modern architectural pioneers such as Otto Wagner, Charles Rennie Mackintosh, Antoni Gaudí and Walter Gropius, together with more recent modern masters such as Oscar Niemeyer, Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Frank Gehry and Daniel Libeskind. The book contains interviews on Designing (in conversation with David Adjaye), Manufacturing (with David E. Bright, Knoll Inc.), Selling (with Zeev Aram), Collecting (with Richard Wright) and Preserving (with Susanne Graner, Vitra Design Museum).

This is essential reading for everyone concerned with design, architecture and the relationship between creators and their creations.

Стиль Шанель - непреходящая ценность, эталон высокой моды. Ее имя - синоним сдержанной элегантности и утонченного шика. Коко Шанель сыграла, пожалуй, главную роль в моде XX века. Карл Лагерфельд, нынешний ведущий дизайнер Дома Chanel, однажды сказал о Коко: "Она пережила всех". И оказался прав: творения Шанель, давным-давно ставшие классикой, до сих пор служат источником вдохновения для современных молодых дизайнеров. Жером Готье, собрав уникальные работы самых ярких фотографов минувшей эпохи и наших современников, показал эволюцию этого знаменитого стиля и его ключевых элементов - от маленького черного платья до знаменитого костюма Шанель.

Посмотреть англоязычное издание книги Chanel. Энциклопедия стиля - Chanel: The Vocabulary of Style

For almost a century, the name of Chanel has been inextricably linked to elegance, modernity and fashion innovation. It was Chanel who single-handedly made striped jerseys and loose trousers chic, costume jewellery desirable, the little black dress the height of sophistication, and tweed suits a staple of every stylish woman's wardrobe.

In this beautifully illustrated book, dress historian Amy de la Haye celebrates Gabrielle Coco Chanel as the couturier who changed the way stylish women everywhere dress, then and now. She examines the creative output of this most famous of fashion houses, from its infancy in the 1920s to the present day as it continues to prosper under the direction of Karl Lagerfeld.

About the Author:

Amy de la Haye is a curator, writer, dress historian and fashion critic.

"Character Design for Mobile Devices" is a unique look at the creative challenges of designing sprites and icons for mobile phones, portable games platforms, and computers, and at how the limits of designing for the smallest screens are the inspiration for vibrant and colorful art.

It is a book for anyone with a passion for painting with points of light. Included in the book are profiles of some of the top names in the field, together with showcases of the best in pixel art, and an exploration of the links between technology limitations and the appearance of graphics. Also featured are workshops looking at the challenges of redesigning existing brands, games characters, and icons for new interfaces and devices, including how rich 3D graphics can be ported to handheld devices and mobile phones.

"Character Design for Mobile Devices" reveals how to design eye-catching, identifiable graphics and recognizable characters with only a few pixels at your disposal. But above all, it forms a gallery of astonishing design.

Character Design Quarterly (CDQ) is a lively, creative magazine bringing inspiration, expert insights, and leading techniques from professional illustrators, artists, and character art enthusiasts worldwide. Each issue provides detailed tutorials on creating diverse characters enabling you to explore the processes and decision making that go into creating amazing characters. Learn new ways to develop your own ideas, and discover from the artists what it is like to work for top studios such as Disney, Warner Bros., and DreamWorks.

Bursting from the pages of issue 11 are dynamic tutorials, in-depth interviews, and expressive characters from a selection of the industry’s most talented creators. Delve into dynamic demonstrations by Jake W Morrison, Amanda McFarlane, and Vanessa Morales, as they create characters with a life of their own; and uncover the tools and techniques used by Sam Nassour to develop his captivating cover art.

For a little lighter reading, check out the informative mini-features to pick up top tips on how to effectively indicate scale, as well as how to approach alternative color palettes, and imbue characters with emotion. And lastly, relish a jam-packed gallery of engaging artwork by Roma Gewska, Madison Harper, and Leonard Furuberg.

Character Design Quarterly (CDQ) is a lively, creative magazine bringing inspiration, expert insights, and leading techniques from professional illustrators, artists, and character art enthusiasts worldwide. Each issue provides detailed tutorials on creating diverse characters enabling you to explore the processes and decision making that go into creating amazing characters. Learn new ways to develop your own ideas, and discover from the artists what it is like to work for top studios such as Disney, Warner Bros., and DreamWorks.

Crafted by a selection of the industry’s best and brightest; adorable creatures, kooky aliens, and an array of more personable characters bound from the inside of issue 12. Devised for a range of audiences, the designers outline how best to understand your viewer, reveal some of their favorite techniques built for speed and efficiency, and impart the importance of harnessing your unique take on a client’s brief.

Absorb invaluable advice from professional visual development artist, Simon Baek (Toy Story 4, Onward), and the motivational and deeply inspiring words of whimsical illustrator, Sara Kajba of Moonchild Illustrations. Sit back and revel in the fascinating technical approaches of cover artist Sarah Conradsen, the mastermind behind this issue’s shady gang of mere criminals; Tom van Rheenen, and 2D designer for Atomic Cartoons, Lara Carson.

Charles James, often considered to be America’s first couturier, was renowned in the 1940s and 1950s as a master at sculpting fabric for the female form and creating fashions that defined mid-century glamour. Although James had no formal training as a dressmaker, he created strikingly original and complex designs, including intricate ball gowns worn by members of high society in New York and Europe. This lavishly illustrated book offers a comprehensive study of James’ life and work, highlighting his virtuosity and inventiveness as well as his influence on subsequent fashion designers.

Featuring exciting new photography of the spectacular evening dresses James produced between 1947 and 1955, this publication includes enlightening details of these intricate creations alongside vintage photographs and rarely seen archival items, such as patterns, muslins, dress forms, and sketches. A detailed and illustrated chronology of James’ life describes his magnetic personality, his unorthodox design processes, his colorful supporters — such as Salvador Dalí, Elsa Schiaparelli, Christian Dior, and Cristobal Balenciaga — and profiles of a number of his famous clients, such as Gypsy Rose Lee. With flair and style echoing that of its subject, Charles James brings to life one of the most fascinating and creative figures in American fashion.

Les livres techniques consacrés à la menuiserie historique sont rares. Grâce aux nombreuses croisées d’époque que l’auteur a pu examiner, copier ou restaurer, il nous présente ici le fruit de sa longue étude des châssis de fenêtre datant du XVe au XVIIe siècle. Jean-Louis ROGER est en effet un des rares artisans dont les recherches historiques et techniques ont été couronnées par une thèse de doctorat passée en Sorbonne au titre des métiers d’art. 
À partir d’exemples de châssis anciens, l’auteur présente leur conception et leurs techniques de construction telles qu’elles étaient pratiquées depuis la Renaissance. C’est en effet à partir de cette époque que l'on commença à demander aux menuisiers de construire des fenêtres plus confortables : meilleure étanchéité à l’air et à l’eau, meilleur passage de la lumière, esthétique plus recherchée. L’assemblage, la mouluration et le montage des cadres, les ferrures, les volets, les systèmes de fermeture, tout y est présenté sous forme de plans cotés et commentés par l'auteur, classés par époques.
L'ensemble constitue un document unique sur la menuiserie et son évolution. Il permet ainsi de restaurer des châssis anciens en connaissance de cause ou de les refaire dans l’esprit de l’époque. Si vous ne voulez pas entendre parler de joints en silicone, de fermeture hermétique ou de double vitrage, vous trouverez dans ce livre tout pour réaliser vos fermetures à l'ancienne

Sommaire :
Préfaces (d’Henri Enguehard, Architecte des Monuments historiques, et de P. Levêque, président d’honneur de l’U.N.A.) Avant-propos. Le nom de menuisier ébéniste. Le menuisier.
Aperçu historique depuis les origines. Principes des fenêtres au Moyen-âge.

1 - MENUISERIES ET FERRURES AU XVe SIÈCLE
Début du XVe siècle : Châssis d’une baie quadrangulaire, description du châssis bas (cadre, volet, ferrures), reconstitution du châssis haut. Remarques historiques.
Milieu du XVe siècle : Étude de la fabrication d’un châssis.
Fin du XVe siècle : Description des châssis haut et bas d’une baie quadrangulaire.
Extrême fin du XVe siècle : Étude du châssis de fenêtre du château de Martigné-Briand.
Conclusions sur les châssis du XVe siècle.

2 - MENUISERIES ET FERRURES AU XVIe SIÈCLE
Étude de la fabrication d’un châssis du Manoir de la Roche-Thibault. Détail de construction. Conclusion sur la fabrication.
Autres châssis du XVIe siècle. Leur reconstitution.
Deux solutions pour la fabrication suivant la largeur de la baie.
Conclusions sur les châssis du XVIe siècle.

3 – MENUISERIES ET FERRURES AU XVIIe SIÈCLE
Texte de lois établissant la contribution sur les portes et fenêtres.
Le manoir de la Chappe : Étude de la fabrication d’un châssis du XVIIe siècle reconstitution d’après des éléments d’époque : bâti dormant, châssis ouvrant, volet intérieur ouvrant et pliant, ferrages et fermetures.
Châssis à petit bois avec meneaux en bois. Étude de sa fabrication, détails de construction, charnières.

4 – CONCLUSIONS ET ANNEXES
L’étanchéité des châssis anciens et de leurs copies : Conclusions et mise en garde.
Lexique des principaux termes et mots techniques employés dans la menuiserie jusqu’à nos jours.
Les outils traditionnels
Bibliographie

Pierre Ramond, professeur à l’école Boulle, est l’auteur du livre de référence « La marqueterie ». Il nous fait partager ici sa connaissance des techniques utilisées en marqueterie d’art, et son expérience de marqueteur-restaurateur. Il nous livre une abondante documentation, accumulée au cours de ses voyages où il a pu relever et étudier de nombreux chefs d’œuvre de marqueterie bois et de marqueterie Boulle.

L’auteur nous présente les techniques utilisées pour réaliser les plus somptueuses marqueteries depuis les origines jusqu’au XVIIe siècle. Il décrit dans le détail les procédés employés dans la marqueterie Boulle – qui mêle le métal (étain ou laiton) à l’écaille de tortue et à l’ébène pour dessiner des arabesques souvent d’inspiration végétale - et dans celui de la marqueterie en bois qui n’utilise que des bois de couleurs différentes pour représenter des bouquets, des guirlandes ou des animaux.

Un soin tout particulier a été apporté à l’illustration : elle présente un florilège de vingt chefs d’œuvre de la marqueterie : meubles exceptionnels (tables, commodes ou armoires), menuiseries ou menus objets ont été choisis dans des musées (notamment celui du Louvre et  le Musée Paul Getty en Californie) et des collections privées du monde entier. De nombreuses photographies souvent très détaillées et des relevés (dessins et essences) sur papier Japon parfois reproduits en double page servent de support aux commentaires techniques de l’auteur.

Ce premier tome est la suite logique et un approfondissement du livre « La marqueterie », du même auteur. L’exploration des techniques à travers les chefs d’œuvre se poursuit dans le tome 2, « De la régence à nos jours », et dans le troisième volume, « Marqueteurs d’exception : Oeben, Reisener et Roentgen ».  

Grand Prix du livre des meilleurs ouvriers de France

Sommaire :
1) Histoire du décor en placage et évolution des procédés : Du ciseau à la scie ; Les marqueteurs italiens et leurs techniques ; Diffusion en Allemagne et en France ; L’art des filets composés ; Travail de la nacre.
2) Mise en œuvre d’un ouvrage dans le style Boulle : Travail de l’écaille, de l’os, de la corne et de l’ivoire ; Constitution d’un paquet pour découper la partie et la contre-partie ; Outils ; Découpage ; Incrustation ; Collage ; Gravure.
3) Mise en œuvre d’un ouvrage dans le style de la peinture en bois : Essences ; Préparation du paquet ; Découpe.
4) La marqueterie de pierres dures
5) Florilège de la marqueterie, photographies et relevés : la Bastie d’Urfé ; Cabinet et table par Pierre Golle ; Coffrets, cabinets et armoires par André-Charles Boulle ; Paire d’armoires-médaillers, tables, cabinets, écritoire, bureau et commodes anonymes.

Public : Amateurs, restaurateurs et antiquaires, collectionneurs, artisans marqueteurs.

Pierre Ramond, professeur à l’école Boulle et auteur du livre de référence « La marqueterie » continue de nous dévoiler les techniques propres à chaque époque, en insistant ici sur la réalisation des jeux de fond ou frisage. Il présente des techniques avancées de restauration et analyse une quarantaine des chefs d’œuvre de la marqueterie d’art des trois derniers siècles.

Il détaille les procédés utilisés à chaque période : le sciage conique, le sciage manuel ou mécanisé, le tranchage et le déroulage, la teinture du plaquage, la micro-marqueterie, la technique Boulle revisitée par les marqueteurs de l’époque Napoléon III, les matériaux nouveaux du XIXe et du XXe siècle, les techniques le la marqueterie Art Nouveau et Art Déco, la marqueterie de paille, les nouvelles techniques de découpage au laser ou au jet d’eau. Les techniques indiennes, japonaises, d’Afrique du Nord et du Moyen Orient sont également abordées.
L’auteur insiste sur les techniques de restauration utilisées en marqueterie : méthodes anciennes et nouvelles de décollage et de dépose des placages, traitement des fentes, des perces, réhydratation des colles anciennes, remplacement ou reconstitution de marqueterie disparue. Il passe ensuite en revue les ateliers contemporains comme Spindler ou Vriz et montre plusieurs exemples de leurs réalisations.
Un chapitre important est consacré au frisage et aux jeux de fond qui décrit les techniques et montre des réalisations exemplaires des maîtres du XVIIIe siècle et des artistes contemporains.
Enfin, la dernière partie de l’ouvrage décrit et analyse une quarantaine de meubles de marqueterie parmi les plus magnifiques jamais réalisés, et présente de nombreuses photos détaillées et des relevés.

Ce deuxième tome des « Chefs d’œuvre des marqueteurs » se présente comme un approfondissement du livre « La marqueterie », du même auteur. L’exploration des techniques à travers les chefs d’œuvre, commencée dans le tome 1, « Des origines à Louis XVI », continue dans le troisième volume, « Marqueteurs d’exception : Oeben, Reisener et Roentgen »

Grand Prix du livre des meilleurs ouvriers de France

Sommaire :
1) Histoire du décor en placage : fin de la période de Louis XIV
2) Évolution des procédés à partir du XVIIIe siècle : Van der Cruse et van Riesenburg, Hache et Couleru ; Le sciage conique. Renaissance de la marqueterie au XIXe siècle – Sciage manuel et mécanisé, tranchage et déroulage, la scie alternative au bois montant – Le placage teint – La micro-marqueterie – Le mobilier sous Napoléon III et les meubles à la manière de Boulle - Matériaux nouveaux – L’incrustation en Inde. Le mobilier Art Nouveau et Art Déco – La marqueterie en Afrique du Nord et au Moyen-Orient. Procédés japonais. La marqueterie de paille.
La dépose des placages : Méthodes anciennes – Procédés nouveaux – Réhydratation des colles anciennes – Reconstitution d’une marqueterie disparue – photographie sous éclairage ultraviolet.
Nouvelles techniques de découpage : laser et jet d’eau.
Ateliers de marqueterie en activité au XXe siècle : Pierre Rosenau, Robert Bonnefond, les Spindler, Gorges Vriz, Éric et Dominique Sanson, Silas Kopf, Jean-Claude Devaux, Arlette Martin, Dominique Ciamarone, Pierre Beuchey, l’atelier Ilex, Michel Lefèvre, Rafael de la Conception, Lacroix et Marrec, Philippe Guerrin.
La formation des marqueteurs : enseignements, diplômes, concours des Meilleurs ouvriers de France.
3) Frisages et jeux de fond
Marqueterie géométrique et mosaïque : exemples et analyses
4) Florilège de la marqueterie des XVIIIe, XIXe et XXe siècle : secrétaires, bureaux, commodes, tables, régulateur, encoignures, pupitre à musique, vitrines, marqueteries récompensées aux concours des Meilleurs ouvriers de France. Photos et relevés.

Public : Amateurs, restaurateurs et antiquaires, collectionneurs, artisans marqueteurs.

Pierre Ramond, professeur à l’école Boulle et auteur du livre de référence « La marqueterie », nous montre ici les techniques et les réalisations de quatre marqueteurs parmi les plus grands de tous les temps : Jean-François Oeben, Jean-Henri Reisener, Abraham et David Roentgen. Le propos de l’auteur est illustré par de nombreux relevés et des photographies souvent très détaillées. La décoloration des bois de marqueterie est étudiée dans un article de Brian Considine, conservateur-restaurateur au Musée Paul Getty (États-Unis), et lors de l’analyse de plusieurs oeuvres.

Jean-François Oeben (1721 – 1763) était d’origine germanique, et émigra en France où il travailla avec Boulle et produisit de nombreux meubles pour la Cour. Il excella dans la production de meubles à mécanismes ornés de magnifiques marqueteries. Pierre Ramond présente et analyse une dizaine de ses ouvrages, dont le célèbre bureau du roi Louis XV aujourd’hui à Versailles, considéré comme un des plus beaux meubles du monde. Plusieurs copies, dont la dernière date de 1992 (atelier Daïdé), sont aussi présentées.

Jean-Henri Reisener (1734 – 1806) est lui aussi d’origine germanique. Il vint assez jeune en France se former au Faubourg Saint-Antoine, où il travailla pour Oeben. À la mort de celui-ci, il prit la direction de l’atelier, épousa sa veuve et termina le Bureau du roi qu’Oeben avait conçu et commencé. Il est l’auteur de plusieurs meubles célèbres, comme la commode du Concordat. Pierre Ramond en présente et analyse une vingtaine. Un dessus de table a été étudié et photographié lors de sa restauration, ce qui permit de décrire précisément les différentes techniques utilisées par Reisener.

Abraham Roentgen ( 1711 – 1792) et son fils David Roentgen (1743 – 1807) étaient des virtuoses de la marqueterie, qui travaillèrent à Neuwied en Rhénanie. David élargit l’entreprise en lui donnant une dimension européenne que la Révolution vint ruiner. Il excellait dans les tableaux de genre qui décoraient ses meubles, exécutés avec la plus grande précision. Il est aussi l’auteur d’étonnants tableaux de marqueterie avec de nombreux personnages, dont la surface dépasse les 10 m2. Pierre Ramond présente et analyse une vingtaine d’œuvres.

Ce dernier tome des « Chefs d’œuvre des marqueteurs » se présente comme un approfondissement du livre « La marqueterie », du même auteur. L’exploration des techniques à travers les chefs d’œuvre, commencée dans le tome 1, « Des origines à Louis XVI », continué dans le second, « De la Régence à nos jours », se termine ici.

Grand Prix du livre des meilleurs ouvriers de France

Sommaire :
Jean-François Oeben - Sa vie - Ses meubles remarquables – Le Bureau du roi et cinq de ses copies.
Jean-Henri Reisener - Sa vie. Dix-huit de ses meubles remarquables - Étude d’un dessus de table de salon à l’occasion de sa restauration.
Les Roentgen - Leur vie - Seize de leurs meubles remarquables - Grands tableaux de marqueterie.

Public : Amateurs, restaurateurs et antiquaires, collectionneurs, artisans marqueteurs.

The cherry blossom is considered a national flower in Japan. It has been celebrated for many centuries and holds a very prominent position in Japanese culture.

The Chronicle of Japan, the second oldest book in classical Japanese history, records the tradition of cherry blossom viewing parties being held as early as the third century. The imperial households, poets, singers, and other aristocrats would gather and celebrate under the blossoms and it has been passed down through the generations. This tradition continues today as the Japanese Meteorological Agency and the public track the cherry blossom front as it moves northward up the country. The Japanese people pay close attention to these forecasts and turn out in large numbers at parks, shrines, and temples with family and friends to hold flower-viewing parties. In 1912, Japan gifted 3,020 cherry trees to the United States to celebrate their growing-friendship. These trees were planted in Manhattan and along the shore of the tidal basin in Washington, D.C. This gift was renewed with 3,800 more trees in 1965. A new title in the traditional patterns series, this book shows another Japanese traditional motif, the cherry blossom.

About 220 works are featured in the book dating from the eighth century through the twentieth century, including such artists as Hiroshige and Taikan Yokoyama.