Книги про скульптуру та кераміку

The first-ever spomenik guidebook, with over 75 examples alongside map references and information on why they exist and who built them. 

Spomenik’ the Serbo-Croat/Slovenian word for ‘monument’ – refers to a series of memorials built in Tito’s Republic of Yugoslavia from the 1960s-1990s, marking the horror of the occupation and the defeat of Axis forces during World War II. Hundreds were built across the country, from coastal resorts to remote mountains. Through these imaginative forms of concrete and steel, a classless, forward-looking, socialist society, free of ethnic tensions, was envisaged. 

Instead of looking to the ideologically aligned Soviet Union for artistic inspiration, Tito turned to the west and works of abstract expressionism and minimalism. As a result, Yugoslavia was able to develop its own distinct identity through these brutal monuments, which were used as political tools to articulate Tito’s personal vision of a new tomorrow. Today, following the breakup of the country and the subsequent Yugoslav Wars of the 1990s, some have been destroyed or abandoned. Many have suffered the consequences of ethnic tensions – once viewed as symbols of hope they are now the focus of resentment and anger. 

This book brings together the largest collection of spomeniks published to date. Each has been extensively photographed and researched by the author, to make this book the most comprehensive survey of this obscure and fascinating architectural phenomenon. 

A fold-out map on the reverse of the dust jacket shows the exact location of each spomenik using GPS coordinates.

Чудовий каталог колекції V&A британської кераміки ХХ століття та сучасності

Сучасні керамісти, які працюють у Великобританії, зокрема Рейчел Нібоун, Грейсон Перрі та Едмунд де Ваал, є частиною ширшої міжнародної групи художників, які експериментують з глиною, розглядаючи те, як вона перетинає та працює в діалозі з іншими формами мистецтва та культурою в цілому. Нещодавні експерименти із засобом багато в чому завдячують швидкій еволюції кераміки в розширену сферу, а також роботі гончарів середини та кінця 20-го століття та їх новому винаходу кераміки як радикальної та сучасної практики мистецтва. Піонерські методи та переосмислення форми в роботах таких експонентів, як Бернард Ліч, Майкл Кардью, Люсі Рі, Ганс Копер і Алан Кайгер-Сміт, чиї орієнтири черпали не тільки зі Східної Азії, Африки, Стародавнього Середземномор’я та Близького Сходу, але й із їхньої власної спадщини, – продовжують впливати та надихати сучасних творців. У своєму вступному есе Алан Грейвс, старший куратор Музею Вікторії та Альберта в Лондоні, надає всім шанувальникам кераміки — колекціонерам, практикам, історикам і тим, хто цікавиться сучасним мистецтвом і ремеслами — історичний контекст, документуючи перехід середовища до експресивної, а іноді й інтервенціоністської форми мистецтва. Великий візуальний каталог Studio Ceramics є основною довідкою про студійну кераміку 20-го століття та сучасну Британію, а також запис національної колекції британської кераміки, що зберігається у V&A.

Список вмісту:

Передмова Тані Харрод
Передмова Алана Грейвза
Студія кераміки в Британії
Хронологія кераміки
Художники від А до Я

Про авторів:

Алан Грейвс є старшим куратором відділу кераміки та скла з 1900 року донині у відділі декоративного мистецтва та скульптури Музею Вікторії та Альберта в Лондоні. Він багато писав про британську кераміку та скульптуру 20-го та 21-го століть, публікуючи численні журнали, збірники статей і каталоги виставок. Він був куратором багатьох виставок і експозицій, у тому числі Саймон Керролл: Поттер-експресіоніст (2014–15), Барнабі Барфорд: Вавилонська вежа (2015) та Елісон Бріттон: Зміст і форма (2016).

Важливий довідковий посібник із методів і техніки скління

Наповнена інформацією та рецептами глазурі, The Glaze Book дозволить вам посилатися на сотні керамічних поверхонь. Кожен рецепт глазурі чітко проілюстрований, щоб ви могли бачити колір і реакцію поверхні, які він може запропонувати, і містить опис, включаючи його діапазон випалу та використання, для якого він може бути використаний.

The Glaze Book надає легкодоступну довідку щодо
- Методи і прийоми
- Сировина
- Інструменти та обладнання для скління
- Змішування глазурі
- Способи застосування
- Рецепти глазурі для фаянсу, кераміки та порцеляни

Про автора:

Стівен Мерфітт працює з керамікою протягом останніх 30 з гаком років як викладанням, так і виставлянням.

Важливий довідник для всіх, хто працює з керамікою, від майстрів у вихідні дні та студентів до керамістів-практиків, які шукають універсальну довідку про техніки та процеси, цей семінар охоплює як традиційні, так і сучасні практики, збираючи широту та діапазон керамічних технік в одному остаточному томі для аматорів і спеціалістів.

Довідник матеріалів, інструментів, обладнання та меблів описує все, що вам потрібно для організації ефективної майстерні. Він містить розширений посібник із методів формування, від щипків, котушок, плит і колес до виготовлення прес-форм, шликерного лиття та екструзії, докладні розділи щодо декорування шликерів, тиснення та глазурування, рецептів глазурі та застосування. Ці техніки досліджуються тематично, щоб полегшити процес відкриття, який відбувається в майстерні, підкріплюючись детальними описами та покроковими фотографіями. У кінці книги є вичерпний посібник із випалу та печей, а також діаграми та таблиці для швидкого ознайомлення. Усі техніки ретельно перевіряються на відповідність практиці та якість обробки.

Практичні процеси ведення майстерні обговорюються разом із більш складними техніками створення унікальних робіт.

Приклади того, як створити студію, хороші практики майстерні, виготовлення інструментів і переробка матеріалів є основою для створення міцного середовища майстерні для виконання вашої роботи.

Відзначає сучасне відродження гончарства, зосереджуючись на шести надихаючих містах та їхніх творцях

​Глина повертається: старовинне ремесло кераміки охоплює нове покоління міських художників і колекціонерів. Автор Кеті Треггіден досліджує сучасне відродження кераміки, зосереджуючись на шести надихаючих містах та їхніх творцях. 27 молодих і пристрасних керамістів у Нью-Йорку, Лондоні, Токіо, Копенгагені, Сіднеї та Сан-Паулу знайомлять нас зі своєю роботою, студіями та джерелами натхнення.

Urban Potters: Makers in the City сподобається широкій аудиторії – не лише тим, хто займається гончарством, а й усім, хто цікавиться ручною роботою. Книга також містить практичний перелік джерел, де можна купити кераміку ручної роботи в шести представлених містах.

Про автора:

Кеті Треггіден – автор дизайну, редактор, куратор, викладач і консультант. Треггіден пише для журналів Guardian, Telegraph Magazine, Elle Decoration and Icon тощо. Вона є автором книг The Makers of East London та The Residents: Inside the Iconic Barbican Estate.

The book presents the extraordinary three-dimensional “live sculptures” by the Russian architect, designer, writer and artist.

Having some engineering experience, Klyukin was able to experiment and derive a concept of connecting steel sheets on a non-existent, speculative axis without any actual fasteners. The principle of mobility of each individual piece was the basis for this technological innovation. Each sculpture created without physical fasteners is easily assembled and disassembled. This new experience brought new satisfaction. One of the statuettes done using the “live sculpture” technique, the Golden Madonnina, was used as the official award during Milan Design Week in 2017, a kind of Oscar for designers.

Vasily Klyukin was born in Moscow in 1979. From 1995 to 2010, he was active in business; when he left business he moved to Monaco, where he took up writing, architecture, and design. In 2013, he published Designing Legends, an album of architectural concepts that contained fifty of his visions for future buildings such as towers, office buildings, museums, and opera houses. Klyukin is recognized by many for his pronounced individuality and the unique shapes of his buildings. He strives to make each building internationally recognizable and mark it as the symbol of the city, or even the country that hosts it. In 2016, he published a sci-fi novel, Collective Mind. This is a dystopia about the creation of artificial intelligence, a computer that uses human brain as fuel. The book has been translated into English and French and published around the world. The sequel to the novel is expected in 2019. Hollywood producer Peter D. Graves has optioned Collective Mind.

His main achievement is the live sculptures technique that he created in 2017 and that he uses to craft influential and memorable installations. His first solo exhibition of live sculptures is based on Dante Alighieri’s The Divine Comedy and is called

In Dante Veritas. Currently displayed at the State Russian Museum in St. Petersburg, the collection of twenty-seven sculptures will soon be traveling to Moscow, then the Vatican, Venice, Miami, and New York.

“My sculptures are a symbiosis of engineering and meaning.” —Vasily Klyukin

Навчіться різьбити та малювати виразні фігурки тварин з простих дерев'яних блоків!

У цій книзі майстер-скульптор Міо Хашимото розкриває секрети та техніки своїх сільських, химерних та реалістичних скульптур тварин. Вона навчає вас усьому процесу створення чарівної скульптури тварини — від попереднього ескізу та вибору деревини до технік, необхідних для її розпилювання, ліплення та розписування. Вона навіть рекомендує інструменти та матеріали для придбання.

Книга містить 5 детальних навчальних посібників із сотнями кольорових фотографій для наступних скульптур тварин:

- Миле кошеня з завитим хвостом та проникливими очима
- Пінгвінчик з пуховим пір'ям
- Кіт, що дрімає, із заплющеними очима та підігнутими лапками
- Ведмедик на гойдалці, готовий до вистави
- ​​Чарівний віслюк з круглим животом та короткими лапками

Також включено десятки натхненних фотографій дерев'яних тварин з великого портфоліо Хашимото. Навчіться створювати ескіз та вибирати дерев'яний блок. Потім надайте йому форми пилкою та вирізьбіть деталі за допомогою набору стамесок. Нарешті, навчіться розфарбовувати готову різьбу, зберігати її та готувати до показу. Ви будете вражені результатами!

Ілюстрації: понад 450 кольорових фотографій, детальні інструкції до 5 проектів

Про автора:

Міо Хашимото завжди мала особливу схильність до тварин. У 17 років вона почала вивчати мистецтво у Хіроюкі Нішімури та Широ Тамури в Художній академії Зокей у Токіо, де навчилася різьбити теплих, виразних істот. Після закінчення навчання вона почала отримувати замовлення на скульптури тварин та проводила персональні виставки по всій Японії. У 2010 році їй доручили створити скульптури пустельних тварин під час перебування в ОАЕ. Нещодавно вона організувала виїзні заходи, в яких брали участь майстер-класи з різьблення по дереву та виставки скульптур тварин, яких можна торкнутися, у співпраці зі своєю подругою-скульптором Еміко Хондою. Міо живе в Японії, де продовжує створювати скульптури разом зі своїм чорним собакою породи шіба-іну, Цукі-куном.

Цей детальний двотомний комплект пропонує неперевершений науковий погляд на історію данської порцеляни. Відома своєю керамічною промисловістю, Данія заслужила статус провідного експортера порцеляни завдяки жорсткому суперництву з іншими фірмами по всій Європі. Завдяки своїм фабрикам, які неодноразово перемагали на найбільших міжнародних виставках 19-го та початку 20-го століття, данський порцеляновий виробник зайняв своє місце на світовій арені.

Заснована в 1775 році, компанія Royal Copenhagen залишається одним із найстаріших виробників порцеляни, що працює й донині. Протягом своєї історії фабрика пережила численні злети та падіння, а також витримала понад 130 років конкуренції з боку порцелянової фабрики Bing & Grøndahl. Після 1882 року дві фабрики розташовувалися менш ніж за милю одна від одної, а їхні флагманські магазини зрештою конкурували пліч-о-пліч за продажі в самому серці Копенгагена.

Видання «Датський фарфор» було натхненне колекцією порцеляни, кераміки та фаянсу Royal Copenhagen та Bing & Grøndahl, яку складав батько автора у 1947 році протягом двох поколінь. Розроблена протягом останніх 20 років, ця публікація є першим комплексним виданням, яке критично розглядає історію обох фабрик, від їхнього заснування до остаточного об'єднання. Ці два томи, що містять детальні додатки та понад 2400 зображень, є важливим джерелом інформації про історію данського фарфору, включаючи численні технічні та художні успіхи кінця 1880-х років, які революціонізували виробництво в усьому світі.

Про автора:

Доктор Елліот Тодд — колекціонер данського фарфору, кераміки та фаянсу у другому поколінні з фабрик Royal Copenhagen та Bing & Grøndahl. Отримавши ступені бакалавра, магістра та доктора філософії в Університеті Вісконсина, він зараз є професором у провідному американському університеті. Міжнародно визнаний дослідник та викладач у своїй галузі.

Від глини до печі та всіх технік між ними, ця книга є дослідженням технік і процесів понад сорока п’яти працюючих керамістів.

Земля і вогонь представляють два елементи, які створюють керамічний предмет. Без іншого вони просто компоненти; разом вони створюють як практичні предмети, так і твори мистецтва. Працюючи як початковий матеріал і джерело натхнення, Earth & Fire досліджує техніки, практики та інструменти понад сорока п’яти працюючих керамістів.

Створення всього, починаючи від дров’яних виробів і вишуканих порцелянових виробів; скульптурні вази; повсякденні чашки, миски, тарілки; до ювелірних виробів і настінних виробів, ці художники працюють у широкому діапазоні стилів і середовищ для створення своєї кераміки. Хоча методи різняться, загальна думка полягає в тому, що земля та вогонь, які художники використовують для створення своїх об’єктів, є найкращими майстрами. Коли вони думають, що знають одне, глина, глазур і тепло навчать їх іншого. Завжди буде чому навчитися. Працювати з глиною – це просто смирно.

Написаний і зібраний Кайлі Джонсон і Тіффані Джонсон, Earth & Fire відображає різноманітну красу та корисність кераміки, демонструючи, що глина потрапляє не просто під нігті: вона потрапляє під шкіру.

Про авторів:

Кайлі Джонсон — художниця кераміки, власниця галереї та письменниця з Брісбена. За останні десять років вона курувала понад п’ятнадцять виставок як австралійських, так і японських художників у своїй студії. Кайлі опублікувала дві поетичні книги та збірку цитат зі своїх керамічних робіт. Тіффані Джонсон присвятила своє професійне життя книжковій та видавничій діяльності понад двадцять років. У той же період вона була поруч зі своєю сестрою Кайлі Джонсон, працюючи над виставками та проектами прес-кераміки паперових корабликів.

5000 Years of Tiles is the essential, single-volume colour compendium of tile art and production around the world, from ancient times to the present day.

Over 350 beautiful colour illustrations showcase an incredible range of tile arts, including the first fired roof tiles in ancient Greece in the third millennium BC, English medieval floor pavements from Clarendon Palace, figural tiles from China, richly patterned Iznik tiles from the Islamic world and stylized ceramic tiles of the Arts and Crafts movement.

Placing the tiles firmly in their historical and cultural context, this richly illustrated book highlights the continuity and diversity of tiles, examining how tile art in one time and place has inspired and rejuvenated those in others. The function and form of this versatile art is examined in stunning detail, from floors to roofs, stoves to bathrooms, cathedrals to metro stations to reveal a fascinating history of design, colour and decoration.

This stunning two-volume set evokes the differences, as well as the affinities, between the works of groundbreaking artists Yves Klein and Alberto Giacometti.
 
Volume one of this beautiful new book features archival images of both artists among new texts by curator Joachim Pissarro and others, as well as never- before-translated texts by Isaku Yanaihara, Dino Buzzati, and Pierre Descargues. Detailed illustrated chronologies for each artist complete volume one, while the colourful second volume includes colour plates of all the works displayed during Gagosian Gallery’s 2016 London exhibition of the same title, as well as installation images.

About the authors:

Joachim Pissarro is the Bershad Professor of Art History and Director of the Hunter College Galleries at Hunter College in New York City. He was a curator at MoMA’s Department of Painting and Sculpture. 

Danielle Peterson Searls is an art historian specializing in French Modernism, Romanesque art, and Islamic textiles. 
Catherine Grenier has been the director of the Fondation Giacometti since 2014. She has organized several major exhibitions of Alberto Giacometti’s work. 

Daniel Moquay is director of the Yves Klein Archives. He has organized more than forty retrospective exhibitions of Klein’s work and published more than thirty books on the artist. 

Cecilia Braschi is an art historian and former researcher at the Fondation Alberto et Annette Giacometti (2005–2011). She has curated exhibitions of and written extensively on Alberto Giacometti. 

Richard Calvocoressi is the former curator at the Tate Gallery, London (1977–1983), as well as the former director of the Scottish National Gallery of Modern Art (1987–2007) and of the Henry Moore Foundation (2007–2015).

Ця книга, що є всебічним оглядом творчості легендарного швейцарського художника, ілюструє та досліджує понад 100 його скульптур, картин, малюнків та гравюр.

Ця щедро ілюстрована ретроспектива простежує ранній та середній період кар'єри видатного швейцарського художника Альберто Джакометті (1901–1966), досліджуючи становлення його самобутнього фігуративного стилю через такі роботи, як серія чоловіків, що йдуть, видовжених жінок, що стоять, та численні бюсти. Рідкісні картини та малюнки періоду його становлення показують значення пейзажу в творчості Джакометті, а також розкривають вплив художників-постімпресіоністів, які оточували його батька, художника Джованні Джакометті. Інші сфери досліджень, на які Альберто Джакометті проливає нове світло, - це його студійна практика, щедро ілюстрована фотографіями, його одержима зосередженість на зображенні людської голови, його співпраця з поетами та письменниками, а також його розвиток скульптури людини, що йде, завдяки численним малюнкам, багато з яких ніколи не виставлялися. Оригінальні есе фахівців з сучасного мистецтва та Джакометті проливають нове світло на скульптурні шедеври, що визначили епоху, зокрема «Людину, що йде», «Ніс» та «Колісниця», або на ключові аспекти його творчості, такі як значення сюрреалізму, його практика малювання чи питання простору.

Про автора:

Емілі Бувар — директор колекцій та наукової програми Фонду Джакометті, Париж.

Найунікальніші маски та скульптури представлені та детально розглянуті.

Anima Mundi – це каталог великої колекції африканського мистецтва Яна та Крістіни Енгельс. Вже кілька років вони представляють власну приватну колекцію у своєму музеї JAS (Jan aan de Stroom). Це місце, де зустрічаються творчість, мистецтво та традиції. У книзі ви знайдете чудові фотографії їхнього зібраного мистецтва, супроводжувані текстами спеціаліста з африканського мистецтва Франсуа Нейта.

_Повний каталог чудової колекції африканського мистецтва.
_Колекціонери з Антверпена розкривають свою приватну колекцію.
_Містить 464 сторінки, повні прекрасних зображень та супровідних текстів Франсуа Нейта, спеціаліста з африканського мистецтва.

Текст англійською, французькою та голландською мовами.

Про автора:

Франсуа Нейт – етнолог, філософ, археолог та історик мистецтва. Раніше він опублікував три книги про африканське мистецтво.

What was particularly memorable for those who saw Anish Kapoor’s first shows, in the early eighties, was the silence conveyed to the exhibition space by those small sculptures covered with yellow, red, black or blue pigments.

When the young Kapoor became established on the international scene at the beginning of the eighties,immediately attracting the attention of critics, the art scene was characterized by very noisy art made of large-format paintings, mainly with harsh and violent colors, and redundant in memories and citations ranging from art history to mythology. In this context, Kapoor’s intimist sculptures were offbeat and also distinguished themselves from the so-called “New British Sculpture” so widely discussed in those years.

On closer inspection, that “new” sculpture was not so very new at all, since it constructed narratives and figurative images made through a system of signs placed in relation to each other to give life to a compositional whole.

The young British sculptors had inherited this conception of sculpture from Anthony Caro, and although it was already the postmodern era Caro, as the expression of a tendency to be overcome, was considered the father to kill. The only one of those artists who created a new way to understand sculpture was Kapoor himself, who felt it was possible to return to the origins of art without suffering inferiority complexes towards the artistic avant-gardes of the twentieth century.

Not that Kapoor distanced himself from the history of modern art - as evidenced by his interest in Constantin Brancusi, Marcel Duchamp, Yves Klein, Barnett Newman, Robert Smithson or Donald Judd. To put it simply, he believed there were archaic forms tied to the spiritual dimension that never lost their ability to create relationships between individuals.

A new and updated edition of the definitive monograph on the British artist Antony Gormley, now available in an affordably priced format.

This beautiful and comprehensive monograph, expanded and updated in a new affordably priced edition, examines the entirety of Gormley’s career, from his earliest sketches to his best-known public installations. Martin Caiger-Smith’s “magnificent, magisterial overview” (The Independent) examines the relationship between Gormley’s life and art and identi-fies the singular vision that ties together a vast canon of work in an extraordinary range of media and materials.

Best known for the major public works that most visibly represent his innovative approach to sculpture, Gormley is a prolific artist who has renegotiated the tension between the individual and the universal. Drawing on images that range from childhood snap-shots to photographs of his most recent installations, this book traces the evolution of Gormley’s work, from the drawings he makes every day in the studio, through the constantly evolving process of casting his own body in various forms, to the ultimate expression of his ideas in such masterpieces as the colossal Angel of the North or the scattered figures of Another Place.

Illustrated with hundreds of images that explore the scale and impact of Gormley’s work — including his acclaimed exhibition at the Royal Academy in 2019, as well as recent installations in Florence, Delos, and New York City—and “dense with insight and deeply considered analysis from the author” (Financial Times), this book is the definitive survey of a monumental career.

About the Author:

Martin Caiger-Smith is Head of the MA Curating the Art Museum program at the Courtauld Institute in London. In his prior roles as Head of Exhibitions and Acting Director of the Hayward Gallery, he organized major exhibitions that showed internationally, including retrospectives of Francis Bacon (1998), Roy Lichtenstein (2004), and Dan Flavin (2006). He writes frequently on art, photography, and architecture.