Дизайн

Безпрецедентний рівень майстерності – ключова риса дизайнерського духу Уніаке, що демонструється в цій довгоочікуваній монографії про видатні будинки, які вона створила.

Затребувана лондонська дизайнерка інтер'єрів та меблів Роуз Уніаке чудово демонструє низку будинків, які вона спроектувала, з чистими лініями та спокійними, світлими просторами, а також виставковими залами, що визначають легке поєднання традиційних деталей із сучасними просторами. Незалежно від того, чи це міський таунхаус, приморський затишок чи лондонська вілла, підхід Уніаке завжди однаковий – співпраця з клієнтами для створення стриманих, вишуканих святилищ, які пропонують ідеальні умови для повсякденного життя. Книга розкішно ілюстрована двома сотнями кольорових фотографій, які справді відображають спокій та позачасовість витонченого стилю Уніаке, вирізьбленого вручну.

Сторінки цієї книги випромінюють те саме тепло інтер'єру Уніаке, підсилене власними словами авторки, коли вона детально описує особливості кожного з одинадцяти досліджуваних проектів. Результат схожий на неформальну розмову, в якій Уніаке повертається до своєї подорожі, щоб поділитися інстинктами та натхненням. Цей елегантний том доповнює покажчик Rose Uniacke Editions, меблів, освітлення та текстилю дизайнерки.

Про авторів:

Роуз Уніаке — архітектурний дизайнер інтер'єрів, дизайнер меблів та освітлення, а також торговець антикваріатом. Вона та її команда працюють на міжнародному рівні, але базуються в Пімліко, в центрі Лондона. Еліс Роусторн, кавалер Ордена Британської імперії, — лауреатка премій, дизайнерська критикиня та авторка книг про дизайн, що отримали схвальні відгуки критиків. Франсуа Алар вже понад тридцять років регулярно пише статті для American Vogue, Apartamento, T Magazine та Cabana, серед інших видань. Саймон Аптон подорожує світом, знімаючи людей та їхні домівки від імені великих журналів та видавництв, включаючи World of Interiors, Architectural Digest, Cabana, Elle Decor (США), Vanity Fair та Vogue. Люк Вайт — високо оцінений фотограф, який знімає портрети, інтер'єри та архітектуру. Роботи Вайта представлені в елітних міжнародних журналах по всьому світу, а його портрети двічі були відібрані для престижної премії Taylor Wessing Portrait Award у Національній портретній галереї.

______________

Погортати книгу Rose Uniacke at Work​ на сайтi видавництва.

Renowned designer and former US national team oarsman Jack Carlson’s revised and expanded edition of Rowing Blazers is an essential and glorious celebration of the classic garment.

This handsome, eye-catching ode to the classic rowing blazer is a must-have for anyone who has raced the rivers or cheered on their favorite crew. Classic American style was born in British boathouses, where the very first blazers were made for college rowing clubs. This book, now revised and expanded, was created by champion rower Jack Carlson, who offers an insider’s guide to the elaborately striped, piped, trimmed, and badged garments, as well as the stories, historic clubs, and races associated with them and, of course, the elite athletes themselves.

Featuring stunning color photographs, Rowing Blazers is a visual feast, transporting readers to the highly atmospheric boathouses, campuses, and team rooms of clubs around the world. This revised edition features some 40 additional clubs, including the University of Tokyo; the Shanghai Rowing Club; Row New York, a nonprofit organization stressing academic achievement as well as rowing prowess; and Manley Career Academy High School in Chicago, the first all-Black high school rowing team in the US.

About the Author:

Jack Carlson is a designer, archaeologist, former US team athlete, and founder of the acclaimed New York–based clothing brand Rowing Blazers. A three-time member of the United States national rowing team, he is a World Championships bronze medalist, Henley Royal Regatta winner, and Head of the Charles champion. Carlson has a PhD in archaeology from Brasenose College, Oxford, and an undergraduate degree in Classics and Chinese from Georgetown’s School of Foreign Service. He is a Fellow of the Explorers Club and a member of the I.B.F. (the International Bar Flies) at Harry’s Bar in Paris.

A stunning volume showcasing the magnificent court dress of the Russian Empire, culled from the authoritative collection at the State Hermitage Museum in St. Petersburg, photographed with the Winter Palace as a backdrop. Prerevolutionary Russia was renowned for the glamorous and luxurious lifestyles of the nobility, with their opulent palaces and glittering social life. Now, this lavish volume reveals the incredible clothing they wore, from everyday dress and ceremonial attire (traditional holidays outfits and military uniforms) to dress for special occasions, including elaborate evening wear for theater and musical events and fancy masquerade balls. Celebrated for luxurious materials and impeccable craftsmanship, the dress of the Russian nobility was haute couture at its finest. With beautiful photography and details highlighting the hand-spun silks and lace and jeweled embroideries, Russian Splendor highlights the glamour of this gilded age and offers a fascinating window into a vanished world. Essays by Hermitage Museum curators, alongside historic Russian paintings and photographs, place the clothing in a historical context, revealing the rich cultural layers and artistic influences of czarist Russia.

About the Author:

Mikhail Piotrovsky has been the director of the State Hermitage Museum since 1992 and has dedicated his career to making the treasures of the museum accessible to individuals and institutions around the world. Georgy Vilinbakhov, Evelina Tarasova, Tamara Korshunova, Nina Tarasova, and Julia Plotnikova are top researchers and curators at the Historic Costume Department of the State Hermitage Museum in St. Petersburg, Russia.

Russian Textiles демонструє чудові друковані бавовняні тканини, створені та виготовлені в Росії та експортовані до Центральної Азії приблизно з 1860 по 1960 рік. Представлено понад 175 вражаючих візерунків, що охоплюють різні періоди та стилі, від квіткових візерунків у стилі модерн до агітпропу радянської епохи. Люди в цих країнах Центральної Азії, включаючи узбеків, таджиків та туркменів, використовували яскравий візерунчастий матеріал у своєму одязі, зокрема в халатах, та предметах домашнього вжитку.

Короткі есе автора та його колег-експертів з текстилю описують «соціальне життя» тканин та захопливу історію цього злиття російських, західних та центральноазіатських естетичних стилів; Роберт Кушнер пропонує жвавий текст про те, як художник «бачить» ці дизайни та надихається ними. Зображення візерунків доповнюють старовинні фотографії початку 20-го століття, а також чудово деталізовані репродукції халатів та інших виробів, які були підшиті та прикрашені цими тканинами.

Перша книга про великого американського пейзажиста, яка зосереджена переважно на його роботі в Неваді, відображаючи красу американського Заходу, його відкритих просторів та ландшафту, що розвивався, на зорі сучасної епохи.

Це перше комплексне видання картин, листів, фотографій та поезії Мейнарда Діксона (1875–1946), створених під час його перебування в Неваді. Ця велика книга альбомного формату супроводжує масштабну виставку про цього колоритного західного художника та ілюстратора.

Хоча внесок Діксона як художника широко визнаний на всьому американському Заході, це значне видання охоплює майже 180 робіт мистецтва, створених ним у Неваді, на озері Тахо та у Східній Сьєррі з 1901 по 1944 рік. Діксон вперше відвідав штат Невада майже 125 років тому; і хоча за останнє століття багато що змінилося, досі можна досліджувати багато тих самих віддалених місць, зображених на цих картинах, або проїхатися штатом під тим, що багато хто любить називати хмарним «небом Мейнарда Діксона».

Багато ілюстрована, включаючи безліч картин, що перебувають у приватній власності та ніколи раніше не репродуковані, ця книга містить тексти вченого Дональда Дж. Хагерті про подорожі Діксона до Невади, значне есе про мистецтво греблі Боулдер (нині гребля Гувера) та зображення Діксоном робітників, які будували греблю. Книга має палітурку з трьох частин та позолочені краї.

Про авторів:

Енн М. Вулф — головний куратор родини Андреа та Джона К. Дінів та заступник директора Музею мистецтв Невади в Ріно.

Дональд Дж. Хагерті — автор книг Desert Dreams: The Art and Life of Maynard Dixon, The Life of Maynard Dixon, та Art of Maynard Dixon.

Енн Кеністон, доктор філософії, — поетеса, есеїстка та літературна критикиня з Ріно, а також професорка англійської мови в Університеті Невади в Ріно.

Джон Отт, доктор філософії, — професор історії мистецтв в Університеті Джеймса Медісона.

Подібно до того, як кіно, мистецтво, музика та література мають силу зворушувати людей, інноваційна робота Штефана Загмайстера показує, що графічний дизайн також може швидко розчулюватись. Його бажання — змінити застаріле мислення, і Sagmeister: Made You Look робить саме це.

Переконливий, чесний і глибоко особистий, Made You Look охоплює 20 років графічного дизайну Sagmeister. Завдяки тексту історика дизайну Пітера Холла та анотаціям із власних творів Саґмейстера книга містить зображення з архіву студії, а також конкретні впливи та опорні точки для його проектів та ідей. Ця монографія, повністю ілюстрована червоним полівінілхлоридним футляром і сріблястими позолоченими сторінками, є компіляцією практично всіх робіт Сагмейстера та його студії до 2001 року, навіть поганих речей.

Про авторів:

Штефан Загмайстер, народжений в Австрії, отримав ступінь магістра графічного дизайну в Університеті прикладних мистецтв у Відні та, як стипендіат Фулбрайта, ступінь магістра в Інституті Пратта в Нью-Йорку. Після роботи в M&Co. у Нью-Йорку з Тібором Калманом і як креативний директор гонконгського офісу рекламної агенції Leo Burnett, Sagmeister заснував нью-йоркську Sagmeister Inc. у 1993 році. Пітер Холл є дизайнерським критиком і педагогом, який багато писав про дизайн у виданнях, зокрема Metropolis, Print, I.D. Magazine, The New York Times і The Guardian. Раніше він працював старшим редактором Інституту дизайну Університету Міннесоти, написав кілька книг про дизайн і зараз викладає дизайн в Техаському університеті в Остіні.

У світі типографіки нерідко можна побачити поєднання шрифтів із засічками та без засічок в одному дизайні. Однак потрібне вміння поєднувати їх, щоб уникнути напруженості та зіткнень і забезпечити максимальну читабельність тексту в дизайні.

Від щільності шрифту до класифікації, кожен шрифт має свою особливу індивідуальність, і його слід ретельно поєднувати, щоб передати правильний тон і настрій дизайну. Завдяки добірці зразків шрифтів і їх застосуванням у дизайні Sans In Use поєднує найкращі комбінації двох категорій шрифтів і служить орієнтиром для дизайнерів і типографів, які шукають натхнення.

Це перша опублікована книга про одного з найвидатніших американських дизайнерів 20-го століття, який був відомий як своєю роботою в кіно, так і корпоративним стилем та графічними роботами.

Сол Басс (1920-1996) створив одні з найпереконливіших образів американської повоєнної візуальної культури. Розширивши сферу графічного дизайну, включивши до неї титри до фільмів, він продовжив трансформувати цей жанр. Серед його найвідоміших робіт – серія незабутніх постерів та титрів до таких фільмів, як «Запаморочення» Альфреда Гічкока та «Людина із золотою рукою» та «Анатомія вбивства» Отто Премінгера. Він також створив одні з найвідоміших логотипів та кампаній корпоративного стилю століття, зокрема для таких великих компаній, як AT&T, Quaker Oats, United Airlines та Minolta.

Його дружина та колега, Елейн, приєдналася до офісу Басса наприкінці 1950-х років. Разом вони створили вражаючу серію короткометражних фільмів, що отримали нагороди, зокрема «Чому людина творить», який отримав «Оскар», а також не менш вражаючу серію фільмів, починаючи від «Спартака» Стенлі Кубрика на початку 1960-х років і закінчуючи «Мисом страху» та «Казино» Мартіна Скорсезе в 1990-х роках.

Розроблена дочкою Сола Басса, Дженніфер, та написана видатним істориком дизайну Пет Кіркхем, яка знала Сола Басса, ця книга містить понад 1400 ілюстрацій, багато з яких з архіву Басса та ніколи раніше не публікувалися, що надає глибокий огляд діяльності одного з провідних художників-графіків 20-го століття.

Це вичерпне дослідження з нетерпінням чекають ентузіасти дизайну та кіно.

Published on the occasion of the couture house’s ninetieth anniversary, this book celebrates Elsa Schiaparelli’s shared creative passion with the twentieth century’s most esteemed artists.

Known for her bravado and boundary-pushing dresses, Elsa Schiaparelli is undoubtedly one of the greatest icons of twentieth-century fashion. After launching her eponymous haute couture house in Paris in 1927, the Roman-born designer captured the attention of the world at large not only thanks to her trompe l’oeil patterns and surrealist forms — but also because of her creative relationships with some of the epoch’s most renowned artists.

From Salvador Dalí, who collaborated with Schiaparelli on her infamous Lobster Dress to Alberto Giacometti’s furnishings for her salon and René Magritte, whose surrealist works inspired some of the designer’s creations, this beautifully illustrated tome delves into the couturiere’s fascinating rapports with these artistic legends. Through never-before-seen photography, intimate anecdotes, and essays penned by some of today’s most authoritative fashion critics, curators, and personalities, this volume is the first definitive work dedicated to the shared inspiration between the designer and her circle of artist friends.

Unique in its breadth of artwork and diverse contributors, this visually stunning book is a must for anyone interested in avant-garde art, twentieth-century fashion, or thought-provoking design.

About the Authors:

Hamish Bowles is the International Editor at Large for Vogue, and recognized as one of the most respected authorities on fashion and interior design. In addition to collecting and amassing an extensive private collection of historic haute couture, Bowles has curated numerous exhibitions, including Jacqueline Kennedy: The White House Years (2001); Balenciaga: Spanish Master (2010); and Balenciaga and Spain (2011), and has also written countless articles, reviews, and books, including: Vogue: The Covers (2011); Vogue: The Editor’s Eye (2012); Vogue Weddings: Brides, Dresses, Designers (2012); and Vogue and The Metropolitan Museum of Art Costume Institute: Parties, Exhibitions, & People (2014).

Donald Albrecht is an American curator specializing in design and architecture. He’s curated exhibitions such as Paris/New York: Design Fashion Culture, 1925–1940 for the Museum of the City of New York and New Directions in Sustainable Architecture and Design for the National Building Museum. He has worked with famous designers like Andrée Putman and Michael Gabellini. He teaches architecture at the American Academy.

André Léon Talley is an esteemed fashion authority, author, and contributing editor at Vogue.

Dawn Ades is Professor Emeritus of art history at Oxford University. She has additionally collaborated on exhibitions in London and Venice, including the exhibition celebrating Salvador Dalí’s centennial at the Palazzo Grassi.

Dilys Blum is a curator of costume and textiles at the Philadelphia Museum of Art.

Justine Picardie is a British author who wrote the bestselling 2011 biography of Coco Chanel, Coco Chanel: The Legend and the Life. She is the editor in chief of British Harper’s Bazaar and British Town and Country.

Angelo Flaccavento is an Italian fashion journalist whose work has appeared in Vogue and Business of Fashion, among others.

Suzy Menkes is a British journalist and fashion critic. 

Christian Lacroix is a French fashion designer and founder of his eponymous label.

____________

Погортати книгу Schiaparelli and the Artists

Highly creative people are good at seeing connections. By enhancing your ability to see connections, you can enhance your creativity. Supported by the latest neuroscience, this book gives you hands-on advice on how to enhance your own creativity. An inspiring combination of theory, techniques, anecdotes and exercises to help you access better ideas and bigger breakthroughs.

"Love the book. Terrific work. An excellent idea and a great contribution to our field. It was a pleasure to read". - Dr. Gerard Puccio, Director of the International Center for Studies in Creativity

"Guess what? The Secret of the Highly Creative Thinker isn't a secret any more. Nielsen and Thurber have spilled the beans. Bravo!" - Tim Hurson, author of Think Better

У світі типографіки нерідко можна побачити поєднання шрифтів із засічками та без засічок в одному дизайні. Однак потрібне вміння поєднувати їх, щоб уникнути напруженості та зіткнень і забезпечити максимальну читабельність тексту в дизайні.

Від щільності шрифту до класифікації, кожен шрифт має свою особливу індивідуальність, і його слід ретельно поєднувати, щоб передати правильний тон і настрій дизайну. Представляючи добірку зразків шрифтів і їх застосування в дизайні, Serif In Use поєднує найкращі комбінації двох категорій шрифтів і служить орієнтиром для дизайнерів і типографів, які шукають натхнення.

Друга книга новаторської серії музею Вікторії та Альберта представляє 17 викрійок одягу та аксесуарів з жіночого гардеробу сімнадцятого століття. Вона включає викрійки для вільної сукні, жакета, пари корсетів та ліфа з кісткою, ковдр зі слонової кістки та дерева, взуття, капелюха, корсета, лляних стрічок та підтримок, сумки та футляра для ножа. Вона також містить опис процесу виготовлення корсетів. Для кожного предмета одягу наведено повні покрокові креслення послідовності пошиття, щоб читач міг точно їх відтворити. Є масштабні викрійки та схеми для виготовлення мережива з лляних та металевих ниток та вишивальних візерунків. Численні фотографії предметів, деталі пошиття крупним планом та рентгенівська фотографія розкривають приховані елементи одягу, точну кількість шарів та стібки, використані всередині.

__________

Погортати книгу Seventeenth-Century Women's Dress Patterns: Book One

Цей вичерпний посібник досліджує основні методи шиття, необхідні модельєрам, та навчає професійному конструюванню одягу.

У першому розділі представлено швейні інструменти та обладнання (включаючи промислові машини). У ньому обговорюється, як працювати з викрійками, та пояснюються методи розкрою. Другий розділ присвячено різним тканинам та принципам їхньої роботи, зосереджуючись на конструюванні одягу, включаючи застібки та оздоблення, а також використання матеріалів для підтримки структурованих деталей, таких як корсети. У третьому розділі розглядаються техніки ручного шиття та основні шви. Техніки демонструються за допомогою покрокових фотографічних посібників у поєднанні з технічними кресленнями. Посібник з виготовлення деталей одягу та декору, таких як кишені, лінії талії та вирізи, знаходиться в четвертому розділі. У п'ятому розділі розглядаються техніки, специфічні для тканини, для всього, від мережива до неопрену. Для кожної тканини обговорюються найкращі технічні підходи до створення викрійок та конструювання. Зображення з подіуму демонструють, як дизайнери використовують ці методи.

Про автора:

Анет Фішер — старший викладач 3D-розробки в Університеті творчих мистецтв Епсома. Вона також викладає на післядипломному сертифікаційному курсі з інноваційного крою викрійок у Central Saint Martins, Лондон, а також є запрошеним доповідачем на семінарах з крою та конструювання одягу для Британської ради моди. Вона працює в індустрії моди понад 20 років, працюючи з такими іменами, як Вів'єн Вествуд, Givenchy Couture та Julien Macdonald.

The multidimensional nature and simplicity of geometric shapes have fascinated designers since design's early days

The creative possibilities that they offer are unlimited, and we interpret them constantly. Whereas the rectangle represents symmetry and order, the square, with its equal faces and angles, denotes calm and neutrality, and the circle evokes perfection and infinity.

Shapes: Geometric Forms in Graphic Design reveals how the most innovative studios and agencies continue to reinvent geometric shapes to create new design philosophies.

This is an essential guide for those who wish to incorporate new insights into their creative repertoire.

Нове видання вичерпної монографії про японського дизайнера Шіро Курамату з новим вступом від автора Деяна Суджіча

Ця високо оцінена, перша в історії монографія про надзвичайно впливового японського дизайнера Шіро Курамату (1934–1991) – це двотомник, що представляє всі його захопливі та самобутні роботи у приголомшливому, спеціально розробленому акриловому футлярі.

Дизайнери та ентузіасти дизайну, які люблять Курамату, будуть вражені широтою та глибиною визначного доробку Курамати, від культового крісла Miss Blanche, виготовленого зі штучних квітів та смоли, до його незвичайної підставки для парасольок, дизайн якої включає тростину, та крісла How High the Moon, виготовленого з металевої сітки, багато з яких виробляються й сьогодні.

Про автора:

Деян Суджіч – критик і куратор. Він є почесним директором Музею дизайну в Лондоні та заслуженим професором дизайну та архітектури в Ланкастерському університеті. Він редагував журнали Blueprint, Domus та Anima, а також є колишнім директором Венеційської архітектурної бієнале (2002). Його книги були опубліковані п'ятнадцятьма мовами.