Книги по живописи

Все, що ви завжди хотіли знати про Гоппера

Ця незрівнянна меланхолія в картинах Едварда Гоппера час від часу спонукає нас поглянути на деталі його життя. Де саме жив і працював цей майстер самотності? Що було найважливішим впливом на нього під час роботи над його чудовими картинами Америки? У цій чудовій, просто структурованій книзі від А до Я Ульф Кюстер досліджує ці теми, які багато говорять про художника та його інтереси, і все ж він ніколи не втрачає з поля зору художника та необхідної дистанції до його неповторних картин.

Таким чином, Кюстер проходить азбукою життя та творчості Гоппера, від «американського пейзажу», «Б'юїка», «Ґете» та «тіні та сонячного світла» до ключового слова «нуль». По дорозі він відкриває багато нових дверей або ідей, збагачуючи погляди на картини Гоппера та даючи змогу інтерпретувати їх по-новому. Цікава та пізнавальна книга.

Едвард Гоппер (1882–1967) – майстер американського реалізму. Його картини відображали життя його епохи. Його метод живопису швидко став стилістичною основою різновиду американського модернізму. Джерелом натхнення для незліченних художників, фотографів та кінематографістів, його творчість продовжує впливати й донині.

Теоретик мистецтва та куратор Ульф Кустер (*1966, Штутгарт) працює у Фонді Бейелера в Рієні з 2004 року. Він проводить багато міжнародно визнаних виставок та публікацій. Гаттьє Канц опублікував низку з них, зокрема своє есе про Луїзу Буржуа в серії Reading Art.

Now available in an attractive flexicover format, this visually stunning collection of landscape paintings and drawings by Egon Schiele brings to light a little-known aspect of this famous painter's oeuvre.

Best known for his depictions of the human form, Schiele was also interested in portraying the beauty and structure of the world he inhabited. In fact, Schiele's paintings of the countryside and his native Vienna comprise a large portion of his body of work. Nearly one hundred of the artist's landscapes are exquisitely reproduced in this handsome book and presented alongside photographs of the scenes he depicted, taken from the vantage point of the original works.

This volume proves that Schiele's mastery extends beyond his radical renditions of the human figure and reveals themes that appear throughout his work. Schiele's landscapes represent an important facet of his career and are a valuable contribution to the school of European nature painting.

________

Пролистать книгу Egon Schiele Landscapes

Twisted Brilliance. Obsessive, radical, disturbing: Egon Schiele

With his revolutionary and liberated view of the naked body and sexuality, Egon Schiele emphatically wrote himself into the history of art at the beginning of the last century. Even today, the women and self-portraits painted by the enfant terrible of the Viennese modern age still have an exciting and bold effect. They were all created during the last decade of his short life.

After Egon Schiele (1890–1918) freed himself from the shadow of his mentor and role model Gustav Klimt, he had just ten years to inscribe his signature style into the annals of modernity before the Spanish flu claimed his life. Being a child prodigy quite aware of his own genius and a passionate provocateur, this didn’t prove to be too big a challenge.

His haggard, overstretched figures, extreme depiction of sexuality and self-portraits, in which he staged himself with emaciated facial expressions bordering between brilliance and madness, had none of the decorative quality of Klimt’s hymns of love, sexuality and yearning devotion. Instead, Schiele’s work spoke of a brutal honesty, one that would upset and irreversibly change Viennese society.

Although his works were later defamed as “degenerate” and for a time were almost forgotten altogether, they influenced generations of artists—from Günter Brus and Francis Bacon to Tracey Emin. Today, his then misunderstood oeuvre continues to fetch exorbitant prices on the international art market.

This monograph, first published in an XL edition, is now available in a slightly abridged, more compact edition to celebrate TASCHEN’s 40th anniversary and features the paintings and drawings that retrace the fertile last decade of Schiele’s life. These works are accompanied by essays introducing his life and oeuvre, situating the Austrian master in the context of European Expressionism and charting his extraordinary legac

The editor:

Tobias G. Natter is an internationally acknowledged expert on art in “Vienna around 1900.” For many years he worked at the Austrian Belvedere Gallery in Vienna, latterly as head curator. He also worked as guest curator at the Tate Liverpool, the Neue Galerie New York, the Hamburger Kunsthalle, the Schirn in Frankfurt am Main, and the Jewish Museum in Vienna. From 2006 to 2011, he directed the Vorarlberg Museum in Bregenz, and from 2011 to 2013 was director of the Leopold Museum in Vienna. In 2014 he founded Natter Fine Arts, which specializes in assessing works of art and developing exhibition concepts. He is the author of TASCHEN’s Gustav Klimt. Complete Paintings, Art for All. The Colour Woodcut in Vienna around 1900 and Egon Schiele. The Complete Paintings 1909–1918.

About the series:

TASCHEN is 40! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. Today we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program — now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.

This volume assembles the Expressionist master draughtsman's works on paper for the first time.

Apart from his few hundred paintings, Schiele created nearly 3,000 drawings and watercolours, but limited access to these fragile works has made a comprehensive survey of his work a rarity. Here then is a unique opportunity to study his astonishing artistic development over the 12 years of his brief career.

Jane Kallir, the author of Schiele’s catalogue raisonné, introduces each year of the artist’s output, discussing his step-by-step progression from child prodigy to master of the human form and expression.

Egon Schiele (1890-1918) was one of the greatest artists of the twentieth century.

A superb draftsman and colourist, he produced images of startling emotional power. Following the lead of his mentor, Gustav Klimt, Schiele created figurative works of uncanny intimacy and brought a new openness to the art of his time. Schiele's premature death at the age of 28 has added a mythic quality to his artistic achievements. Egon Schiele: Portraits focuses on five groupings of the artist's work: family and academy, fellow artists, sitters and patrons, lovers and allegory. In addition, it features a special section on a traumatic and pivotal period in Schiele's life: his arrest and imprisonment during the summer of 1912. Documenting the artist's changing style, both pre- and post-imprisonment, the book features many key works that have been assembled for this exhibition from both American and European museums and private collections.

About the Author:

Alessandra Comini is University Distinguished Professor of Art History Emerita at Southern Methodist University and a specialist in the work of Egon Schiele.

A joyful and celebratory gift book devoted to the work of the much-loved English artist Eric Ravilious (1903–1942) and the influence of natural forms and themes in his work.

Eric Ravilious was a designer, painter, printmaker and illustrator best known for his depictions of the English landscape, particularly the South Downs. Often described as a particularly ‘English’ artist, key to his style was an ability to convey in watercolour the mild vagaries of the British climate. His engagement with nature, though romantic rather than precise, pervades his works in many different techniques. This book explores his appreciation of the natural world and the techniques he used in a variety of media to convey those elements.

Drawing on the V&A’s collections, more than 100 beautiful images capture Ravilious’s deep enjoyment of everything in nature, from dewponds, cockerels, grassy hills, owls, greenhouse geraniums, cornsheaves and snow, to the rainy seas, airport-runway puddles and tideswept beaches of his later work as a war artist. The book includes sections on weather, plants, landscape, animals and birds, and ends with a section devoted to man in the landscape, showcasing Ravilious’s love of rusting machinery and other signs of human presence within nature, not least his famous depictions of hillside chalk figures.

This book will appeal to those with a love of English landscapes, flora and fauna or an interest in British art and design in the interwar period.

About the Author:

Ella Ravilious is Curator of Architecture and Design at the Victoria and Albert Museum, having worked there in various roles since 2005. She is the granddaughter of Eric Ravilious and Tirzah Garwood.
 

Гострі кути, дивні форми, похмурі кольори та спотворені перспективи є класичними ознаками експресіонізму, течії двадцятого століття, яка віддавала пріоритет емоціям над об’єктивною реальністю.

Незважаючи на те, що цей рух особливо присутній у Німеччині та Австрії, цей підхід процвітав у всьому світі і сьогодні вважається одним із найвпливовіших зрушень в історії мистецтва.

З провідними групами Die Brucke (Міст) та Der Blaue Reiter (Блакитний вершник), а також ключовими гравцями, такими як Василь Кандинський, Егон Шіле та Еміль Нольде, експресіоністи відмовилися від імпресіонізму, який вони вважали «людиною, опущеною до позиції грамплатівки зовнішнього світу, щоб замість цього зобразити сирий і внутрішній досвід життя, яким воно відчувається, а не видно на поверхні. Їхні картини наповнені емоційною силою, переданою, зокрема, через інтенсивні та ненатуралістичні колірні палітри, вільний мазок і густі текстури.

Охоплюючи стилістичні тенденції групи, впливи та найважливіших героїв, ця вступна книга досліджує експресіоністську панораму настроїв, ідей та емоцій та їхній постійний пошук глибокої автентичності.

Про серію:

Кожна книга серії «Основний жанр» TASCHEN містить:

- докладний ілюстрований вступ, а також хронологія найважливіших політичних, культурних і соціальних подій, які відбулися в той період
- добірка найважливіших творів епохи, кожна з яких представлена ​​на 2-сторінковому розвороті із зображенням на всю сторінку та з інтерпретацією відповідного твору, а також портретом і короткою біографією митця.
- близько 100 кольорових ілюстрацій з пояснювальними підписами

The Swiss artist Félix Vallotton (1865-1925) was born in Lausanne, but spent much of his working life in France. Closely associated with Pierre Bonnard and Édouard Vuillard, and a fellow member of the avant-garde group Les Nabis, Vallotton has nonetheless sometimes been overshadowed by his more famous contemporaries. Although he produced some of his most important work in Paris in the 1890s, his original and innovative approach persisted throughout his career.

Texts by leading authorities look at Vallotton's life, work and reception. Generously illustrated throughout with the finest exemplars of the artist's paintings and prints, this book accompanies a new presentation of Vallotton's oeuvre that aims to re-evaluate his output and legacy, and includes works never seen in public before.

Exhibition organised by the Royal Academy of Arts, London, and The Metropolitan Museum of Art, New York, in collaboration with Fondation Félix Vallotton, Lausanne.

About the Authors:

Dita Amory is curator at The Metropolitan Museum of Art, New York, and author of Madame Cézanne (2014). Philippe Büttner is Keeper of the Collection at the Kunsthaus Zürich. Ann Dumas is curator at the Royal Academy of Arts, London. Patrick McGuinness is a novelist, critic and poet, and Professor of French and Comparative Literature at the University of Oxford. Katia Poletti is Director of the Vallotton Foundation. Christian Rümelin is Keeper of Prints and Drawings at the Cabinet d'arts graphiques du Musée d'art et d'histoire in Geneva. Belinda Thomson is an honorary fellow at the University of Edinburgh and an independent art historian.

Всебічне та розкішне дослідження, яке відзначає красу та привабливість квітів у мистецтві, історії та культурі

Вирушайте в подорож континентами та культурами, щоб дізнатися про нескінченні способи, якими художники та іміджмейкери використовували квіткові мотиви протягом історії. Завдяки 316 кольоровим ілюстраціям, що демонструють різноманіття квітів з усього світу, «Квітка» охоплює широкий спектр стилів і засобів масової інформації — від мистецтва, ботанічних ілюстрацій і скульптур до квіткових композицій, кадрів із фільмів і текстилю — і дотримується візуально приголомшливої ​​послідовності робіт, незалежно від епохи, продумано поєднаних, щоб забезпечити цікаве та відверте зіставлення між ними. Квітка йде по стопах Plant, Exploring the Botanical World, який Martha Stewart Living назвала «захоплюючим».

Завдяки великим зображенням і доступним текстам Flower пропонує всебічне ознайомлення з темою та включає в себе як улюблені твори, так і приклади, які можуть стати більш дивовижними відкриттями навіть для спеціалістів. Відібрані міжнародною групою істориків мистецтва, кураторів музеїв, ботаніків, флористів, садівників та інших представлені роботи різноманітного кола як менш відомих, так і культових художників та іміджмейкерів, зокрема: Нобуйосі Аракі, Сесіл Бітон, Георг Ерет, Девід Хокні, Горст П. Хорст, Нік Найт, Яйоі Кусама, Леонардо да Вінчі, Роберт Меплторп, Анрі Матісс, Клод Моне, Седрік Морріс, Вільям Морріс, Джорджія О'Кіф, Ірвінг Пенн, Девід Хокні, П'єр-Жозеф Редуте, Рейчел Руйш, Констанс Спрай і Флора Старкі.

Консультативна група: Луген Б. Бруно, д-р Джеймс Комптон, Шейн Конноллі, Анн-П’єр д’Альбіс-Ганем, Селія Фішер, Сьюзен М. Фрейзер, Вікторія Гейгер, Елізабет Хаммер, Дейзі Гельман, Кетрін Гесс, Паскаль Хьортел, д-р Ліза Хостетлер, Ліндсі Інгрем, професор д-р Ханс Уолтер Лак, д-р Фред Г. Мейер, Коллін Морріс, Поллі Ніколсон, Лінн Паркер, Анна Паворд, Гілл Сондерс, Ліндсі Тейлор, Анатоль Чикін і Бетсі Візман

Додаткові тексти: Джованні Алої, Луїза Белл, Луген Бруно, Шейн Конноллі, Клер Коулсон, Луїза Елдертон, Селія Фішер, Даян Фортенберрі, Вікторія Ґейгер, Дейзі Гельман, Паскаль Хьортел, Ліндсі Інґрем, Ганс Уолтер Лак, Фред Г. Мейєр, Елісон Морріс, Коллін Морріс, Поллі Ніколсон, Мікеле Робеккі, Ребекка Роук, Гілл Сондерс, Джеймс Сміт, Ліндсі Тейлор, Девід Трігг і Мартін Волтерс

Про автора:

Книги Анни Паворд включають її всесвітній бестселер The Tulip та The Naming of Names, а нещодавно The Seasonal Gardener, виданий Phaidon. Її колонка про садівництво в газеті Independent у Великобританії тривала тридцять років від запуску газети в 1986 році до останнього друкованого видання. Сьогодні вона пише для Sunday Times і є помічником редактора журналу Gardens Illustrated. Паворд живе в Вест-Дорсеті і був нагороджений золотою медаллю Veitch від Королівського садівничого товариства в 2001 році.

Шейн Конноллі є засновником Shane Connolly & Company Flowers у Лондоні та власником Королівського ордера Його Величності Королеви та Його Високості Принца Уельського.

Tearing Things Up. The radical gestures of Lucio Fontana

Italian artist Lucio Fontana literally tore the art establishment apart. Trained as a sculptor, he combined form and colour in radical spatial gestures, most famously his slashed canvases of the 1950s and ’60s. Regarded as the father of midcentury Spatialism, his provocative practice channelled postwar innovation in a pioneering synthesis of art, technology, and science.

Lucio Fontana (1899 –1968) was an Italian sculptor, painter, and ceramicist, regarded as the father of Spatialism, a midcentury modern movement that linked artistic experimentation with scientific principles and theories.

Debuting in Milan, Fontana settled in Paris in the mid-1930s, where he joined the Abstraction-Création group and created expressionist sculptures in ceramic and bronze. He later moved to Argentina, where he developed his highly influential Technical Manifesto of Spatialism, a modernist marvel, characteristic of postwar innovation and fueled by a forward-looking synthesis of art, technology, and science. With Spatialism, the artist sought to project colour and form into spaces, most famously in his minimally ripped or slashed canvases, such as his extensive Spatial Concept Waiting series.

This dependable artist introduction follows Fontana on his personal and artistic journey to explore the evolution of his pioneering ideas as well as their remarkable legacy on conceptual and performance art.

The author:

Barbara Hess (b. 1964) is an art historian, critic, and translator and resides in Cologne. Her numerous articles on contemporary art have been featured in Camera Austria, Flash Art, Kunst-Bulletin, and Texte zur Kunst. She co-curated the touring exhibition Ready to Shoot: Fernsehgalerie Gerry Schum/videogalerie schum at the Kunsthalle Düsseldorf and the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.

About the series:

Each book in TASCHEN's Basic Art series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

Unflinching truth. Portraits which scrutinized beneath the skin

Lucian Freud (1922–2011) was interested in the telling of truth. Always operating outside the main currents of 20th-century art, the esteemed portrait painter observed his subjects with the regimen and precision of a laboratory scientist. He recorded not only the blotches, bruises, and swellings of the living body, but also, beneath the flaws and folds of flesh, the microscopic details of what lies within: the sensation, the emotion, the intelligence, the bloom, and the inevitable, unstoppable decay.

Despite rejecting parallels between him and his renowned grandfather, the correlation between Lucian Freud's sitting process for portraiture and Sigmund Freud's psychotherapy sessions is a fascinating element to this figurative oeuvre. Despite the thickness of the impasto surfaces, Freud's portraits of subjects as varied as the Queen, Kate Moss, and an obese job center supervisor, penetrate the physicality of the body with a direct and often disarming insight. The result is as much a psychological interrogation as it is an uneasy examination of the relationship between artist and model.

This book brings together some of Freud's most outstanding and unapologetic portraits, to introduce an artist widely considered one of the finest masters of the human form.

About the series:

Each book in TASCHEN’s Basic Art series features:

 - a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
 - a concise biography
 - approximately 100 illustrations with explanatory captions

Frida Kahlo (1907–1954), as an artist and a woman, has a unique international appeal. Her instantly recognizable work draws extensively on her life and her extraordinarily personal reflections upon it.

On Kahlo’s death, her husband, Diego Rivera (1886–1957), ordered that her most private possessions be locked away until 15 years after his death. The bathroom in which her belongings were stored in fact remained unopened until 2004. Through this incredible archive, Frida Kahlo: Making Her Self Up gives readers a unique window into Kahlo’s life. It will focus on the personal, combining her prosthetics, jewelry, and clothes with self-portraits, diary entries, and letters to build an intimate portrait of the artist through her possessions, setting this in the context of her political and social beliefs.

 - Includes six inset booklets, containing photographs of Kahlo’s most intimate possessions
 - 16 page section showcasing Kahlo’s wardrobe, specially conserved and mounted
 - Spectacular details of embellishments and textiles

About the authors:

Claire Wilcox is Senior Curator of Fashion at the V&A and Professor in Fashion Curation at the London College of Fashion, University of the Arts London. She curated the exhibitions Vivienne Westwood (V&A, 2004), The Golden Age of Couture: Paris and London 1947–1957 (V&A, 2007) and Alexander McQueen: Savage Beauty (2015), and edited the accompanying catalogues.
Circe Henestrosa is an independent curator and Head of the School of Fashion at LASALLE College of the Arts, Singapore. She curated the exhibition Appearances Can Be Deceiving: The Dresses of Frida Kahlo (Museo Frida Kahlo, Mexico City, 2012).

This definitive appreciation of Kahlo’s career features gorgeous full-page reproductions and insightful commentary to illuminate connections between the artist’s life and work.

Few painters have been as celebrated and adopted into popular culture as Frida Kahlo — often to the detriment of her amazing achievements as a painter. In this striking volume, one of the world’s foremost scholars on Kahlo’s art looks past the hype to focus on the artist’s technique and motifs. Reproductions of Kahlo's paintings, along with selected details, are accompanied by illuminating observations about the role of physical and mental suffering in the creative process, Kahlo’s mastery and reinvention of European traditions, and the wealth of coded and metaphorical elements hidden in so much of her work. A rich and rewarding exploration of an artist all too easily reduced to a single narrative, this nuanced study is also an exquisitely produced celebration of Kahlo’s genius.

About the Author:

Helga Prignitz-Poda is an art historian and specialist in Latin American studies and lives in Berlin. She is a specialist on Frida Kahlo and a co-editor of the catalogue raisonné of Frida Kahlo's work.

__________

Пролистать книгу Frida Kahlo: The Painter and Her Work

Француз на Таїті. Пошук Гогеном первозданності та непідробної природи

Поль Ґоґен (1848–1903) не мав потреби у фінансах. Також він не протримався особливо довго у французькому флоті чи як продавець брезенту в Копенгагені, який не розмовляв данською. Він почав малювати у вільний час у 1873 році і в 1876 році взяв участь у Паризькому салоні. Через три роки він виставлявся разом з Піссарро, Дега та Моне.

Сварливий, п'яниця, Гоген часто називав себе дикуном. Його близька, але важка дружба з таким же темпераментним Вінсентом Ван Гогом досягла кульмінації в насильницькому інциденті в 1888 році, коли Ван Гог нібито зіткнувся з Гогеном лезом бритви, а пізніше відрізав собі вухо. Незабаром після цього, після завершення шедевру «Бачення після проповіді» (1888), Ґоґен вирушив на Таїті з наміром уникнути «всього, що є штучним і звичайним…» На Таїті безмежна радість Ґоґена від природи острова, місцевих людей і образних образів різко зросла, що сприяло плідній публікації картини та гравюри. У таких роботах, як «Жінка з квіткою» (Vahine no te Tiare, 1891) і «Священна весна: солодкі сни» (Nave Nave Moe, 1894), він розвинув чіткий примітивістський стиль, який позитивно сочився сонячним світлом і кольорами. У традиціях екзотичної чуттєвості його густі, маслянисті нальоти фарби затримувалися, зокрема, на вигинах таїтянок.

Ґоґен помер на самоті на сусідніх із Таїті Маркізьких островах, а багато його особистих паперів і речей були розігнані на місцевому аукціоні. Лише після того, як розумний арт-дилер почав курувати та показувати роботи Гогена в Парижі, глибокий вплив художника почав відчуватися, особливо на нову породу французьких художників-авангардистів, таких як Пікассо та Матісс.

Ця книга пропонує суттєве знайомство зі справді яскравим життям художника, від імпресіоністських салонів у Парижі 1870-х років до його останніх днів на Тихому океані, продуктивне та пристрасне до кінця.

Про серіал:

Кожна книга серії Basic Art від TASCHEN містить:

- докладний хронологічний виклад життя та творчості митця, що висвітлює його або її культурну та історичну важливість
- стислу біографію
- близько 100 ілюстрацій з пояснювальними підписами

Опублікований разом із виставкою Gauguin: Metamorphoses в Музеї сучасного мистецтва, цей том досліджує дивовижний зв’язок між рідкісними й надзвичайними гравюрами та малюнками Поля Ґоґена та його більш відомими картинами та скульптурами з дерева та кераміки.

Створені під час кількох стриманих спалахів діяльності з 1889 року до його смерті в 1903 році, ці чудові роботи на папері відображають експерименти Гогена з різними засобами, від радикально примітивних гравюр на дереві, що поширюються від скульптурного різьблення його дерев’яних рельєфів, до ювелірних акварельних монотипій і великих таємничих малюнків. Книга Gauguin: Metamorphoses, багато ілюстрована приблизно 190 роботами в різних техніках, досліджує радикальний експериментальний підхід художника до техніки та його ключове місце в історії мистецтва. Вступне есе Старра Фігури розглядає значення новаторської графіки Гогена та зв’язок між його гравюрами та роботами в живописі та скульптурі.

Про авторів:

Елізабет Чайлдс пише про радикальні дерев’яні скульптури Гогена, використовуючи їх як пробний камінь для подальшого дослідження його перипатетичної практики.
Есе Хела Фостера розглядає примітивізм Гогена та його естетичні та культурні наслідки.
Есе Еріки Мозьє пропонує реставратору зрозуміти незвичайні техніки гравюри Гогена.