Книги з живопису

Мистецтво Крістіана Рекса ван Міннена є складним, інтригуючим та тривожним. Його провокаційні картини зображують динамічну привабливість та відразу людства, часто залишаючи глядача глибоко в споглядальній ейфорії. З моменту його першої персональної виставки у 2009 році його роботи були широко представлені по всьому світу, здобувши культову аудиторію шанувальників, глибоко зворушених його щирими картинами, які часто відображають власні думки художника про крихке чоловіче его та те, що означає ідентифікувати себе як білого американця.

Massa Confusa: The Art of Christian Rex van Minnen – це перша спроба ван Міннена представити свою чудово складну роботу – це розкішна художня книга, наповнена прекрасними картинами, які піднімають питання щодо нашої ідентичності, а також виявляють гротеск у кожному з нас.

Цей щедро ілюстрований том про творчість Боттічеллі робить найбільше мистецтво світу доступним для читачів будь-якого рівня оцінки.

Флорентійський художник Боттічеллі уособлює золотий вік раннього Відродження. Найвідоміший за «Народженням Венери» та «Примаверою», Боттічеллі писав із виразною поетичністю, яка уникала формального реалізму. Він використовував лінії та колір для чудового ефекту, створюючи одні з найулюбленіших і найвідоміших образів усіх часів. Переповнена бездоганно відтвореними зображеннями, ця книга пропонує повносторінкові розвороти шедеврів, а також виділення дрібніших деталей, що дозволяє глядачеві оцінити кожен аспект техніки та творчості художника. Розташована в хронологічному порядку, книга охоплює важливі біографічні та історичні події, які відображають новітню науку. Додаткова інформація містить перелік творів, хронологію та пропозиції щодо подальшого читання.

Про автора:

Федеріко Полетті спеціалізується на мистецтвознавчих предметах.

This generously illustrated volume on the work of Monet makes the world’s greatest art accessible to readers of every level of appreciation.

Monet’s dazzling depictions of flowers, sunsets, fields, and oceans, in which line and shape are suggested through pure color, changed the way we perceive our natural surroundings. His numerous series, in which he depicts the same object at varying times of the day and in different seasons, pushed the limits of representational art. His final series of water lilies are considered to have ushered in the abstract movement of the twentieth century. Overflowing with images, this book offers full-page spreads of masterpieces as well as highlights of smaller details, allowing every aspect of the artist’s technique and oeuvre to be appreciated. Chronologically arranged, the book covers important biographical and historic events that reflect the latest scholarship. Additional information includes a list of works, timeline, and suggestions for further reading.

This generously illustrated volume on the work of Jan van Eyck makes the world’s greatest art accessible to readers of every level of appreciation

As a 15th-century Flemish painter who spent most of his life in Bruges, Van Eyck was revered for his innovative manipulation of oil paint. Overflowing with impeccably reproduced images, this book offers full-page spreads of masterpieces as well as highlights of smaller details, allowing the viewer to appreciate every aspect of the artist’s technique and oeuvre.

Like Dreamers Do. The lyrical mark-making of a modern maestro

Explore the lyrical seven-decade career of Catalan-born Joan Miró, a towering figure of 20th-century art, whose highly individual style reflected Surrealist, Dadaist, and abstract elements in dazzling colors and unique symbolic narratives. From automated drawing to sculptures made of gas, this modernist legend abandoned categorization and approval in favor of his own dreamlike worlds.

With a career spanning seven decades, Catalan-born Joan Miró (1893–1983) was a polymath giant of modern art, producing masterworks across painting, sculpture, art books, tapestry, and ceramics, and embracing ideologies as varied as Fauvism, Surrealism, Dada, Magic Realism, Cubism, and abstraction.

Over the course of his prodigious output, Miró evolved constantly, seeking to eschew categorization and the approval of “bourgeois” art critics as much as he pursued his own dreamlike worlds. Emerging into the public spotlight in the early 1920s, he first experimented with Fauvism and Cubism before developing a distinctive style of symbols and pictograms, arranged in elusive visual narratives, with frequent reference to Catalan life. As his career progressed, Miró moved towards Surrealism, and, despite never fully identifying with the movement, emerged as one of its most celebrated practitioners with techniques including automated drawing, Lyrical Abstraction, and Color Field painting. In later years, he diversified his media further, working with ceramics, textiles, and even proposing sculptures made of gas.

Through his vivid colors, dreamlike fantasies, and enigmatic symbols, this book brings together the numerous strands of Miró’s kaleidoscopic oeuvre to introduce his fascinating career, its interaction with major modernist movements, and how it made him into a modernist legend.

The author:

Janis Mink studied art history at Smith College and gained her doctorate in Hamburg under Martin Warnke. She is presently a writer and curator.

About the series:

Each book in TASCHEN's Basic Art series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

A new concise history of modern painting, offering an indispensable reference to the complexities and characteristics of this medium.

While acknowledging the legacy of Herbert Read’s classic 1959 study A Concise History of Modern Painting in the World of Art series, academic and artist Simon Morley places the foundation of modern art much earlier than Read, at the emergence of Romanticism and the dawn of the industrial age. Structured loosely chronologically by period, the focus is as much on individual artists as well as movements, with works discussed within a broader context - stylistic, historical, geographical, and gender and ethnic frames - themes that recur throughout the chapters. Generously illustrated, the global and diverse range of artists featured include William Blake, Édouard Manet, Hilma af Klint, Kazimir Malevich, Willem de Kooning, Amrita Sher-Gil, Faith Ringgold, and Kehinde Wiley.

This guide also includes an Appendix in the form of questions the reader might like to ask in relation to the artists and the ideas discussed - in order to reconsider the works from a contemporary perspective.

About the Author:

Simon Morley is a visual artist and Assistant Professor in the College of Arts, Dankook University, Republic of Korea. He has lectured at such museums as Tate, The National Gallery, Hayward Gallery, Serpentine Gallery, Whitechapel Gallery and Camden Arts Centre, and has contributed to numerous publications including Third Text, World Art, the TLS, The Burlington Magazine, Art Monthly, The Art Newspaper, Contemporary Art and the Independent on Sunday.

Discover the dramatic life and work of Amedeo Modigliani, a pioneer of modern figurative painting

Amedeo Modigliani experimented with sculpture and drawing, but is primarily known for his paintings of nudes and portraits characterized by elongated figures, faces, and necks. He began painting in his youth in Italy before moving to Paris in 1906, during the height of the avant-garde movement. Influenced by Henri de Toulouse-Lautrec and Paul Cezanne, Modigliani developed his own unique, uncharacterizable style. His nudes upended traditions at the time due to their immodesty, candid sexuality, and ability to convey the subject's personality. Because of the works' scandalous nature, Modigliani had very little success with his paintings while he was alive. This volume features stunning full-page illustrations of Modigliani's works, along with information about his life, including his bohemian, over-the-top lifestyle and his untimely, tragic death. Featuring some of Modigliani's best-known works, this book gives an insightful and comprehensive overview on the artist known for modernizing figurative painting.

About the Author:

Olaf Mextorf is an art historian currently working for museums. He already published books on Oscar Schlemmer, Vincent van Gogh and others.

Новаторський, новий погляд на скандальні оголені картини художника.

Серед найвідоміших робіт короткої, але блискучої кар'єри Модільяні є його великоформатні оголені картини. Наповнені кольорами та сяючі глибокою повагою художника до жінок та жіночих форм, ці роботи започаткували нову еру портретної живопису оголених жінок, водночас спричинивши величезний скандал. Цей приголомшливий каталог виставки пропонує новий погляд на цей аспект творчості Модільяні, вперше розглядаючи його портрети емансипованих жінок зі зачісками «купе гарсон» та пов'язками на стегнах. Модільяні був одним із перших літописців сучасної жінки, яка також вплинула на його картини оголених жінок та скандал, який вони спричинили.

Цей том, що містить розкішні репродукції та проникливі тексти провідних вчених, також досліджує культурний контекст Модільяні в європейському класицизмі, від Тулуз-Лотрека та Сезанна до творчості його сучасників, включаючи Паулу Модерзон-Беккер, Густава Клімта, Егона Шиле, Жанну Маммен та Вільгельма Лембрука; та простежує його вплив на майбутній європейський модернізм та нову об'єктивність.

Про авторів:

Крістіана Ланге — директорка Державної галереї Штутгарта, Німеччина.

Ортруд Вестхайдер — директорка Музею Барберіні в Потсдамі, Німеччина.

Цей чудовий набір у коробці містить приголомшливі кольорові репродукції найважливіших робіт Моне, складені як акордеон, а також окремий буклет з тлом та описом кожної картини.

Шанувальники імпресіонізму будуть у захваті від деяких своїх улюблених робіт, представлених на щедрих сторінках, складених як акордеон, які втілюють вишукані зображення природи Моне. Розташований у хронологічному порядку, цей том допомагає читачам оцінити досягнення довгої та плідної кар'єри. Природна краса, колір і світло були об'єктом невпинних досліджень Моне, і він ніколи не випускав з поля зору те, що було для нього головним — правду своїх відчуттів. Від вірного перенесення пейзажу в його ранні роки до жестового малюнка останніх водяних лілій у Живерні, ця книга дозволяє нам простежити та зрозуміти еволюцію його творчості. Обговорюються теми робіт Моне (морське узбережжя, Сена, сади, пори року), а також техніки, які він використовував, такі як розкладання світла та кольору за допомогою мазка пензля; використання повторення та серій для кращого відображення атмосферних коливань; та поступове розпад форм, що призвело до того, що його вважали попередником абстракції.

Упакований в елегантний футляр, цей том відображає прекрасне мистецтво та позачасові традиції, втілені в самих творах мистецтва.

Про автора:

Анн Сефріуї є авторкою численних книг з мистецтва, зокрема Hiroshige: Famous Views of the Sixty-odd Provinces (2017), Kingfisher with Lotus Flower: Birds of Japan (2022) та Van Gogh: The Bigger Picture (2024), усі опубліковані видавництвом Prestel.

Повний огляд виставки Giorgio Morandi в Нью-Йорку та Болоньї.

Джорджіо Моранді – беззаперечний майстер живопису ХХ століття. Його велич полягає в балансі між світоглядом, типовим для епохи Просвітництва, та формальним синтезом Сезанна та модернізму.

Моранді, якого часто згадують як стриманого й замкнутого чоловіка, схильного до «замочного» способу життя, насправді був дуже чуйним інтерпретатором духу свого часу. Через постійну увагу до різних мистецьких і культурних течій йому вдалося втілити прагнення, які вони втілювали, у варіанти безпомилково автономного підходу до живопису.

Цей том містить повний огляд головної виставки шедеврів Джорджіо Моранді в Метрополітен-музеї в Нью-Йорку та Музеї сучасного мистецтва в Болоньї (MAMbo). Понад сто картин, акварелей, малюнків, офортів ілюструють увесь творчо-поетичний шлях митця від пейзажів і натюрмортів 1913–1914 років до завершальних робіт 1963–1964 років. Особливу увагу приділено шедеврам 1920-х і 1930-х років, у яких Моранді удосконалив свій неординарний підхід до створення образів через поглиблене дослідження світу та людського існування через метафору натюрморту.

Нью-Йоркський музей мистецтв Метрополітен, Нью-Йорк
16 вересня – 14 грудня 2008 року
MAMbo – Музей сучасного мистецтва Болоньї
22 січня – 12 квітня 2009 р

New Surrealism: The Uncanny in Contemporary Painting by Robert Zeller offers a sweeping exposition of both historical Surrealism and its legacy in the world of contemporary art. It demonstrates the many ways in which the most significant art movement of the last century continues to be relevant today, featuring an international selection of contemporary artists whose compositions and studio practice reveal its influence.

There are many modalities of historical Surrealism that still maintain contemporary currency: presenting the familiar as unfamiliar and uncanny, the juxtaposition of seemingly unrelated imagery, the use of absurdity to critique political or social issues, and the use of erotic imagery in an irrational, non-linear context. Not all the artists brought together in this book self-identify as Surrealist, per se, but each uses some variation of Surrealism in a personal manner.

The book begins with a study of the origins, leadership, participating artists, and major milestones of historical Surrealism. Zeller chronicles the movement starting at the end of World War I and the birth of Dada. The most important players and events emerge throughout the timeline of events―including World War II, and such notable artists as Max Ernst, Marcel Duchamp, Leonora Carrington, and many others―up until the death of its leader Andre Breton in 1966.

Zeller then explores how elements of New Surrealism are being put into practice in the contemporary art world. Section Two offers a survey of 29 contemporary artists who engage in New Surrealism’s seemingly unlimited variations of the movement’s original themes, including Rosa Loy, Glenn Brown, and Arghavan Khosravi. Section Three features 14 artists, including important contemporary artists such as Inka Essenhigh, Ginny Casey and Anna Weyant, who speak to Surrealism’s influence on their studio practice, detailing in their own words how they create a composition from start to finish.

About the Author:

Robert Zeller is a visual artist and writer who received a BFA from a joint program of the Boston Museum School and Tufts University and an MFA from the New York Academy of Art. Following his bestselling The Figurative Artist's Handbook (2017), New Surrealism: The Uncanny in Contemporary Painting is his second book published by Monacelli Studio. He contributed a chapter about Surrealist photography to the exhibition catalog Photography: Real and Imagined (2024), profiling the permanent collection of the National Gallery of Victoria in Melbourne, Australia, and has also written for The Brooklyn Rail and other influential art periodicals and blogs. In 2009, he founded The Teaching Studios of Art, an in-person and online art school devoted to instruction in figurative art. Zeller maintains a studio practice in Brooklyn, New York, and is the recipient of two Posey Fellowships and a Pollock-Krasner Foundation Grant. He has curated group exhibitions and shown his own work at galleries in the United States and Europe.

Mighty nature: The pioneering forms of Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe (1887-1986) was a major figure in modern American art for some seven decades. Importantly, her fame was not associated with shifting art styles and trends, but rather with her own unique vision, based on finding essential and abstract forms in nature.

O'Keeffe s primary subjects were landscapes, flowers, and bones, each explored in successive series over several years. Certain works went on for decades, producing 12 or more variations of an original image. Among these, O'Keeffe s magnified pictures of calla lilies and irises are her most famous. Enlarging the tiniest petals to fill an entire canvas, O'Keeffe created a proto-abstract vocabulary of shapes and lines, earning her the moniker mother of American modernism. In 1946, O'Keeffe became the first female artist to be given a solo show at the MoMA in New York.

This introductory book from TASCHEN Basic Art 2.0 traces O'Keeffe s long and luminous career through key paintings, contemporary photographs, and portraits taken by Alfred Stieglitz, to whom O'Keeffe was married. We follow the artist through her pioneering innovations, major breakthroughs, and her travels and inspirations in Southeast Asia, India, the Middle East, and, above all, New Mexico, where she was particularly inspired by the majestic landscapes, vivid colours and exotic vegetation.

About the series:

Each book in TASCHEN's Basic Art series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

The dazzling life story of the quintessential painter of the Art Deco twenties - as she told it to her own daughter

Illustrated with vibrant colour reproductions of Lempicka's finest works, and exclusive family photos. Out of print for ten years, now back in print in a handsome yet affordable hardcover edition. This edition includes a new chapter about Lempicka's legacy by her granddaughter and great-granddaughter. We've entered the centennial of the 1920s, and interest in Lempicka is high: her paintings continue to smash auction records, and her life is the subject of a new musical.

An attractive new hardcover edition of the classic biography of Tamara de Lempicka, whose paintings defined Art Deco and whose life epitomised the Jazz Age.

As F. Scott Fitzgerald portrayed the mad glories of the 1920s on the printed page, Tamara de Lempicka (1898-1980) captured them on canvas. A seductive Garbo-esque beauty with an irresistible force of personality, this refugee of the Russian Revolution successively conquered Paris, Hollywood, and New York with coruscating portraits of the world's rich and famous. Her Art Deco paintings earned for her a life more fabulously excessive than anything Fitzgerald dreamed of.

Passion by Design, authored by Tamara de Lempicka's own daughter, is an intimate look at a fascinating personality, and remains the best account of her life and work. This new edition is illustrated with vibrant colour reproductions of her finest paintings, as well as exclusive photographs from family albums. An additional chapter by Victoria de Lempicka, the artist's granddaughter, explores the ever-evolving legacy of Tamara de Lempicka, from the record eight-figure price fetched by her painting La Tunique Rose in November 2019 to the new musical based on her life.

About the Author:

Baroness Kizette de Lempicka-Foxhall, the daughter of Tamara de Lempicka, enjoyed an unequalled firsthand knowledge of her mother's life and exclusive access to her papers.

Портрет художника на початку модернізму

Незрівнянна гра світла та кольору у творчості Поля Сезанна стала основою його репутації попередника модернізму. З самого початку він йшов своїм власним шляхом, і його картини спочатку викликали нерозуміння у мистецтвознавців того часу, а також глузування. Незважаючи на його романтичний, бароковий, імпресіоністський та, нарешті, класичний вплив, досі важко віднести Сезанна до якогось конкретного мистецького напрямку. Однак, які саме місця залишили незабутнє враження на нащадка провінційної банкірської родини? Що і хто були основними впливами, що підтримували та просували його новаторську творчість? Джеймс Х. Рубін простежує життя та творчість Сезанна від А до Я у цьому короткому томі, створюючи образ художника, який хотів перетворити сам живопис. Автору — і визнаному знавцю — вдається наблизитися до художника, водночас зберігаючи необхідну дистанцію до його неповторних картин.

Поль Сезанн (1839–1906) був одним із найвпливовіших художників на початку модернізму, його часто називають піонером Neues Sehen, або Нового Бачення. Його творчість досі має незмінний вплив.

Джеймс Г. Рубін (*1944) — історик мистецтва та професор Університету штату Нью-Йорк у Стоуні-Брук. Його дослідження зосереджені на європейському мистецтві ХІХ століття, зокрема на історії, теорії та критиці французького модернізму.

New insights into Picasso’s Blue Period, through innovative technology that reveals hidden compositions, motifs and alterations, plus hitherto unknown information on the artist's materials and process

This lavishly illustrated volume reexamines Pablo Picasso’s famous Blue Period (1901–04) in paintings, works on paper and sculpture. Relying on new information gleaned from technical studies performed on The Blue Room (Le Tub) (1901), Crouching Beggarwoman (La Miséreuse accroupie) (1902) and The Soup (La Soupe) (1903), this multidisciplinary volume combines art history and advanced conservation science in order to show how the young Picasso fashioned a distinct style and a pronounced artistic identity as he adapted the artistic lessons of fin-de-siècle Paris to the social and political climate of an economically struggling Barcelona.

Essays, a chronology and a summary of conservation findings contextualize Picasso’s experimental approach to painting during the Blue Period. A major contribution to the burgeoning field of technical art history, Picasso: Painting the Blue Period advances new scholarship on one of the most critical episodes in 20th-century modernism.