Книги з дизайну ілюстрацій та постерів

The Art of Sam Yang – це дебютна арт-книга популярного цифрового ілюстратора, яка демонструє його любов до портретів та технік освітлення. Маючи онлайн-присутність, що може похвалитися понад 3 мільйонами підписників, Сем зробив собі ім'я завдяки своїм цікавим навчальним матеріалам у прямому ефірі. У цій високоякісній книзі читачі та шанувальники відкриють для себе неймовірні уявлення про його робочий процес, методи та дізнаються все про кроки, необхідні для того, щоб стати успішним цифровим художником.

Сем Янг не лише запрошує читача за лаштунки своєї студії та особистих альбомів для малювання, але й розкриває свій творчий процес від початку до кінця в детальних покрокових навчальних посібниках. Його натхненні аніме, інтригуючі дизайни персонажів мають широку популярність, і багато натхненних художників прагнуть відповідати рівню привабливості та складності Сема в цифровому мистецтві. Існуючі шанувальники будуть у захваті від відкриття нового розуміння методів роботи та творчої історії Сема, а тим, хто тільки відкриває для себе його мистецтво, сподобається заглиблюватися в галереї його робіт, нових і старих.

Про автора:

Сем Янг – натхненний художник, що мешкає в Торонто, Канада. Він має 1,9 мільйона підписників в Instagram і створює приголомшливі цифрові персонажі.

У цій чудовій книзі в твердій обкладинці відкрийте для себе чарівний світ Simone “Simz” Ferriero, італійської художниці, яка створює переконливі образи, у яких сучасність змішується з магічною фантазією. Прочитайте про уроки та перешкоди, з якими Сімз зіткнувся на своєму кар’єрному шляху, дізнайтеся про інструменти та методи, які він використовує, і з’ясуйте, як знайти свій власний творчий стиль за допомогою його експертних порад.

Цей чарівний артбук є першою опублікованою колекцією італійського ілюстратора та художника коміксів Simone Ferriero, більш відомого в його онлайн-спільноті як Simz

У The Art of Simz читачі відкриють для себе улюблених цифровим художником відьом та їхніх примарних котів-компаньйонів, які продовжують змішувати сучасність із магічним фентезі. Починаючи з глибокого погляду на свій творчий шлях, Simz ділиться тим, як він став на ноги для творчості, своїм освітнім досвідом, своїм стрибком віри в роботу незалежним ілюстратором і своїми професійними віхами на сьогоднішній день. Simz також розповідає про труднощі, з якими він зіткнувся на цьому шляху, і дає поради тим, хто хоче зробити успішну кар’єру в арт-індустрії.

Ця чарівна книга може похвалитися двома великими галереями; один містить закулісну хронологію його творів із альбому для малюнків, а інший зосереджується на його покупках на Etsy, фотографуванні селфі, онлайн-знайомствах із відьмами та улюблених усіма – котах-привидах. Наступні розділи охоплюють усе, що стосується його творчого процесу, включно з його інструментами, робочим простором і популярними техніками, натхненними аквареллю, а також проливають світло на те, як створити унікальний художній стиль. Існує навіть абсолютно новий підручник, який пропонує читачам можливість слідкувати за ним і вдосконалювати власні навички.

The Art of Simz це чарівне доповнення до будь-якої книжкової полиці чи журнального столика, і воно обов’язково зачарує художників, любителів мистецтва та існуючих шанувальників.

Про художника:

Simone “Simz” Ferriero — незалежний художник коміксів та ілюстратор з Італії. Його сучасні відьми та коти-привиди заробили йому велику онлайн-базу шанувальників із 345 тисячами підписників в Instagram і популярними акаунтами на Twitch, YouTube і Patreon. Основним натхненням для Сімони є американські комікси, аніме та манга, а також його ідилічне оточення та художники з його рідного міста. У своїй дебютній книзі The Art of Simz Сімон ділиться своїм досвідом роботи штатним художником, включаючи професійні віхи, виклики, з якими стикався на цьому шляху, і те, як продовжити кар’єру в галузі.

Подорожуйте у світ смурфів зі свіжими поглядами на відомих персонажів, таких як Смурфетта, Тато Смурф, Буркотливий Смурф, Гаргамель та Азраель, а також на кількох зовсім нових обличчях. Відвідайте знайомі місця, такі як Село смурфів, Поляна смурф-ягід та Зла Майстерня Гаргамеля, а також здійсніть екскурсію по деяких нових місцях! Подивіться, як розроблявся дизайн, від концепції до фінального завершення, створюючи анімоване диво, яке зрештою з'явилося на екрані.

Розмір цієї книги у твердій палітурці становить 28 см x 30 см, демонструючи красу мистецтва та даючи шанувальникам можливість знову відвідати своїх улюблених персонажів та місця з фільму.

Про автора:

Метт Мюррей отримав ступінь бакалавра образотворчих мистецтв з кіно, телебачення та радіовиробництва в Нью-Йоркському університеті. Колишній президент і перший виконавчий директор Музею коміксів та мультфільмів Нью-Йорка (тепер є частиною Товариства ілюстраторів), він курував їхню популярну виставку «Суботній ранок» та створював заходи та програми, такі як річна ретроспектива «1986: Рік, який змінив комікси». Він зробив внесок і дав інтерв'ю для документального фільму «Я, смурф, смурфи» на DVD «Смурфи», 1 сезон, том 2, а також працював «консультантом зі смурфів» над серією графічних романів про смурфів видавництва Papercutz. Окрім своєї роботи над «Смурфологією», Мюррей є актором, блогером у галузі поп-культури та колекціонером оригінальних коміксів, мультфільмів та анімації.

Класичний бестселер про легенду анімації Уолта Діснея від автора та фотографа Крістофера Фінча — переглянуто та оновлено, щоб відсвяткувати 100 років чудес Disney

З моменту вперше опублікованого в 1973 році The Art of Walt Disney: From Mickey Mouse to the Magic Kingdoms and Beyond зарекомендувало себе як незамінна класика видавництва ілюстрованих книг, розійшовшись сотнями тисяч примірників. Пропонуючи вичерпну історію та данину кар’єрі та спадщині Уолта Діснея, книга першою розкрила багатство концепт-арту, анімаційних малюнків та архівних матеріалів, які створюються під час створення анімаційних фільмів.

Ця революційна робота, яка тепер повертається до друку на честь 100-річчя Disney Wonder, збирає століття позачасової анімації.

- Передмова легендарного мультиплікатора Disney Флойда Нормана («Спляча красуня», «Сто один далматинець», «Мері Поппінс» і «Книга джунглів»).
- Вперше представлено в розкішному футлярі з фольги та палітурці з натуральної тканини з тисненням фольгою

Про авторів:

Крістофер Фінч був автором багатьох книг про мистецтво в Америці, зокрема Chuck Close: Work, Chuck Close: Life, Norman Rockwell’s America, та Jim Henson: The Works. 

У віці 88 років легенда Діснея Флойд Норман (аніматор, оповідач і улюблений «порушник спокою») є образом наполегливості в анімаційній індустрії.Як перший афроамериканський мультиплікатор у Disney, який прибув у 1956 році, Флойд працював над такими класичними творами, як «Спляча красуня», «Сто один далматинець», «Мері Поппінс» і «Книга джунглів». В останньому титулі Флойд був обраний Уолтом Діснеєм, щоб приєднатися до сюжетної команди. Вражені? Це лише початок його 67-річної роботи в анімації, як розповідається в його документальному фільмі Floyd Norman: An Animated Life.

Classic fairy tales turned into splendid illustrations.

This book is a collection of Yogisya’s imaginary book cover illustrations of classic fairy tales by Andersen and Grimm, novels by Shakespeare and Edgar Allan Poe, Through the Looking Glass, One Thousand and One Nights, tales from folklore and even an opera by Giuseppe Verdi. The illustrations are taken from PIE’s popular web series by the illustrator Yogisya, in which Yogisya plays the role of an illustrator who travels through time to many places and illustrates the cover art of a famous classic masterpiece.

This book contains all artworks from the web series but also some original illustrations as additional special content. Immerse yourself in Yogisya’s unique, delicate, deep, beautiful, and bewitching artworks.

Їжа зустрічається з модою в цих грайливих модних ілюстраціях стильних леді, креативно одягнених у свіжі продукти.

У своїх творах Гретхен Рерс використовує лінійні малюнки разом з ідеально розміщеними продуктами, щоб відобразити форми, кольори та текстури модного одягу: результатом є стильні ансамблі, які не зайві місця в модних журналах і виглядають досить смачно, щоб їх їсти!

Від суконь з устричних мушель та штанів з горохових стручків до суконь з радиккіо та сумок з помідорів, чарівні малюнки Рерс захоплюють своєю винахідливістю. Ілюстрації поєднуються з гумористичними підписами та цитатами, що коментують примхи моди. The Edible Ensemble, що є справжнім джерелом кольору та смаку, – це спокусливі ласощі для почуттів, ідеальний подарунок для всіх, хто любить їжу та моду, а також для тих, хто любить гратися зі своєю їжею.

Про автора:

Гретхен Рерс – художниця, дизайнерка та арт-директорка. Її ілюстрації публікувалися, серед інших, у The New York Times, Elle, Harper’s Bazaar, San Francisco Chronicle, Refinery 29 та WhoWhatWear.

_________________

Погортати книгу  The Edible Ensembles: A Fashion Feast for the Eyes, From Banana Peel Jumpsuits to Kale Frocks

For all the bird lovers, the definitive collection of hummingbird illustrations by 19th-century naturalist painter John Gould, the "British Audubon".

This sublime collection of 418 superbly detailed hand-colored lithographs of hummingbirds, created by John Gould, the “British Audubon,” in the mid-1800s, represents all the known species at that time and is the most complete ever produced of hummingbirds. Unlike John James Audubon, whose work focused on the avifauna of a single country, Gould’s folios illustrate species from around the world. His original set of folios — Family of Humming-Birds — reproduced here in its entirety, depicts the magnificent jewel-like birds together with botanicals native to their habitats in the most remote and exotic ecosystems of the Americas.

In her essay for the book, co-author Laura Oppenheimer tells the story of Gould’s colorful life and places his work in the context of a remarkable period when exploration and classification of the world’s natural wonders was at the forefront of scientific discovery and universally celebrated in Victorian popular culture. Joel Oppenheimer details how Gould created the prints and presents an overview of nineteenth-century printmaking and lithography techniques. He also unravels the mystery behind the gold-leaf process that Gould employed to portray the iridescent quality of the hummingbirds’ plumage, resolving a long-standing controversy regarding who should be credited for its invention. This Family of Hummingbirds will delight birdwatchers, fans of natural history art, and hummingbird lovers everywhere.

About the Author:

Joel and Laura Oppenheimer are the owners of this eponymous firm that serves as both a gallery and an art restoration workshop, with one location in Chicago's famed Wrigley building and another in Charleston on historic King Street. Founded in 1969, Oppenheimer Gallery specializes in natural history art. Oppenheimer Gallery is one of the preeminent dealers of Audubon watercolors and facsimile prints and works in partnerships with museums across the country including the New-York Historical Society. Robert Peck, curator of art and artifacts and senior fellow of the Academy of Natural Sciences of Drexel University, Philadelphia, is a writer, naturalist, and historian who has traveled extensively in North and South America, Africa, Asia, and Europe. Peck is the author of many books including Land of the Eagle: A Natural History of North America (1990); Headhunters and Hummingbirds: An Expedition into Ecuador (1987); and A Celebration of Birds: The Life and Art of Louis Agassiz Fuertes (1982).

Раніше опублікований Taschen і Rizzoli, Марк Райден сьогодні є одним із найвідоміших імен на сцені сучасного мистецтва. Його називають «хрещеним батьком поп-сюрреалізму», його обожнюють і слідкують мільйони шанувальників.

The Gay 90's, які люблять називати найкращою роботою Райдена. Виставка, представлена ​​у двох великих галереях у Нью-Йорку та Лос-Анджелесі, стала темою книги, виданої Rizzoli у Сполучених Штатах. Тепер Сернуннос приносить шанувальникам Райдена 24 колекційні листівки з його найвідомішими картинами.

Марка Райдена, визнаного «хрещеним батьком поп-сюрреалізму», стежать і обожнюють мільйони шанувальників. У цьому наборі 24 колекційні листівки з його найвідомішими картинами.

Про автора:

Поєднуючи теми поп-культури з технікою мистецтва, що нагадує старих майстрів, Марк Райден створив унікальний стиль, який стирає традиційні межі між високим і низьким мистецтвом. Його картини виставлялися в музеях і галереях по всьому світу, а його роботи є частиною постійної колекції Музею мистецтв округу Лос-Анджелес. Аманда Ерлансон — письменниця, колекціонер творів мистецтва та редактор арт-блогу «Erratic Phenomena».

The long-awaited third monograph on the work of the most important British designer of his generation, showcasing projects from the last thirty years of his career

Neville Brody’s work sits at the intersections between graphic design, communication design and graphic art, pushing boundaries and blurring lines between them as he fuses influences from art, design, fashion, music, low and high cultures. Brody has been one of the most consistently innovative and shapeshifting graphic designers of the past fifty years. He has produced a body of commercial work covering editorial, brand identity, typography, systems, information and interface design of unparalleled boldness and sophistication for global clients that include Shiseido, Coca-Cola, Samsung, Nikon, LVMH, Nike and Dom Perignon, and UK clients such as the BBC, Channel 4, Tate Modern and The Times. The Graphic Language of Neville Brody 3 also captures a body of one-off creative works and site-specific collaborations that are motivated by creativity, political and cultural viewpoints, provocation, and expression.

The Graphic Language of Neville Brody 3 brings almost thirty years of work together in thematic sections that address the key fields of his vibrant design projects, including typographic experimentation, cultural subversion, and design systems. Richly illustrated, each project is explored in detail, revealing the work that has defined Brody’s recent practice across six chapters, from major brands to magazine editorials and features, revealing how Brody’s design language has been informed, evolved and remarkably stayed true to key themes and ideas throughout his career to date. Brody has produced a rich, dynamic and surprising body of new work that will attract a new generation of designers and art directors.

This inspirational volume will be essential reading for anyone interested in the evolution of graphic design over the past three decades.

Contents List:

Forewords
Intro
1. Image and Word
2. Re:Fuse
3. Typo/Graphism
4. Anti/Pro
5. Type/DNA
6. System Addicts
Outro/Backwords
Talks

About the Authors:

Neville Brody is a globally acclaimed creative director, designer, typographer and brand strategist, whose career spans over four decades. Well-known internationally for his iconic work on album sleeve designs and as art director for The Face and Arena, he has also worked on major projects for the BBC, The Times, Tate and Channel 4.
Adrian Shaughnessy is a graphic designer, writer and publisher based in London. He is a senior tutor in Visual Communication at the Royal College of Art. His previous books include How to be a Graphic Designer Without Losing Your Soul and Graphic Design: A User’s Manual.
Steven Heller is a graphic designer, art director, art critic and author. For over thirty years he held the position of senior art director at New York Times Book Review and U&lc magazine. He has authored and co-authored over 200 books on design and popular culture.
Jo-Ann Furniss is an editor, creative director and writer based in Leigh-on-Sea who has worked on The Face, i-D and Arena Homme+ amongst many other key titles.
Naomi Hirabayashi is a Tokyo-based graphic designer and art director involved in creative direction, branding, visual identity, corporate identity systems, and design for apparel brands, stores, musicians and many other fields.

Розповідь братів Грімм надихає трьох талановитих студентів всесвітньо відомого коледжу дизайну Art Center у Пасадені, Каліфорнія.Кхан Ле, Майк Ямада та Фелікс Юн під керівництвом свого інструктора Скотта Робертсона створили оригінальні дизайнерські рішення для середовища, персонажів, реквізиту та транспортних засобів, які можна знайти в The Skillful Huntsman.

Ескізи та повнокольорові візуалізації тріо ретельно документують творчий процес концептуального дизайну, розкриваючи безліч інтригуючих місць — від науково-фантастичних міст до замків і людей — від гігантів до королівських осіб. Обов’язковий для художників, починаючих дизайнерів розваг, шанувальників коміксів і всіх, хто цікавиться творчим процесом, The Skillful Huntsman пропонує зазирнути в таємничий світ уяви.

An incisive and startling international review of the evolution of dentistry from the Bronze Age to the present day, presented in a beautifully crafted book of cult appeal book

This achingly jawdropping book follows the evolution of dentistry throughout the world from the Bronze Age to the present day, presenting captivating and grim illustrations of the tools and techniques of dentistry through the ages. Organized chronologically, The Smile Stealers interleaves beautiful and gruesome technical illustrations and paintings from the Wellcome Collection’s unique archive of material from Europe, America and the Far East with seven authoritative and eloquent themed articles from medical historian Richard Barnett. A comprehensive review of the development of the trade and discipline of dentistry, it covers topics as diverse as the very first dentures (produced by the Etruscans in the seventh century bce); the smile revolution in 18th-century portraiture; and the role of dentistry in forensic science – all in one beautifully illustrated volume.

Extending the cult of the medically macabre begun by its predecessors The Sick Rose and Crucial Interventions, The Smile Stealers is guaranteed to appeal to lovers of the horrific and the beautiful alike as it probes the growth of dentistry – from pulling out bad teeth to reconstructing jaws, and from painful action to pain-free interventions and the pursuit of the perfect smile.

Хроніки впливу художнього плаката у Франції та його швидкого поширення по Європі та Сполучених Штатах

Скромний плакат, швидкий та ефективний засіб, що використовувався для поширення новин або реклами товарів, піднявся до рівня шанованої форми мистецтва наприкінці 1800-х років у Франції. «Художній плакат» народився на поєднанні нових естетичних рухів, технологічних досягнень та суспільних змін. Художники, під впливом егалітарного духу руху «Мистецтво та ремесла», були зміщені зі своїх високих посад, щоб приєднатися до практичного мистецтва. Художник Жюль Шере, «батько сучасного плаката», удосконалив засіб високоякісного друку, який створював великі, насичені кольором зображення. Середній клас, що розвивався, був легкою мішенню для споживання нещодавно виготовлених товарів, літературних публікацій, театральних заходів та розваг у вільний час. Море чудових зображень додало радості життя повсякденному життю, започаткувавши період французького життя, відомий зараз як Прекрасна епоха. Ці плакати, хоча й швидкоплинні за своїм наміром, збиралися та постійно відтворювалися протягом наступних десятиліть, що свідчить про їхню позачасову красу та емоційну глибину.

Ця книга описує вплив художнього плаката у Франції та його швидке поширення по Європі та Сполучених Штатах, а також пропонує читачам екскурсію художником у світ розвитку художнього плаката.

Про автора:

Девід Раймер — австралійський автор художньої та документальної літератури, фріланс-письменник, експерт з історії образотворчого мистецтва та графічного дизайну. Він написав різні статті та біографії про найважливіших художників та художників Прекрасної епохи та інших мистецьких рухів. Він організовував художні та культурні виставки в Дубаї та Абу-Дабі від імені Департаменту мистецтва та культури ОАЕ, Mubadala та Департаменту виконавчих справ. Він розробляв корпоративний стиль, упаковку, дизайн експозицій та друкованої продукції для своїх клієнтів; протягом останніх років рецензував виставки в Art Dubai та Art Abu Dhabi.

Возз'єднання всесвітньо відомих майстрів еротичного мистецтва

Через чотири роки після публікації добре сприйнятого роману Pussycat! Kill! Kill! Kill!, присвяченого режисеру Рассу Мейєру, три легенди еротичного мистецтва, Хадзіме Сораяма, Rockin’ Jelly Bean та Кацуя Терада, возз'єдналися, щоб представити шанувальникам Tokyo Sweet Gwendoline.

Віддаючи данину пам'яті фетиш-фотографу Джону Віллі та його легендарному фетиш-журналу Bizarre, який започаткував естетику сучасного бондажу, ці три легенди виражають фентезійні світи бондажного фетишу у власному стилі, включаючи 60 робіт у повному кольорі.

The largest unique collection of printed memorabilia from the punk and post-punk movements.

Andrew Krivine began collecting punk memorabilia in 1977 when punk exploded onto the scene. Since then, Andrew has amassed one of the world's largest collection of punk graphic design and memorabilia.

This book features a carefully curated selection of over 650 posters, club flyers, record covers and adverts from the collection. Together they represent the prime years of punk which changed the world of graphic design forever with its do-it-yourself aesthetics.

The artworks are put into context by graphic design experts, academics and commentators. Among them former art director of New York Times Steven Heller, reader in graphic design at the London College of Communication Dr Russ Bestley, graphic design writer Rick Poynor, designer Malcolm Garrett and Pulitzer Prize-winning editor Michael Wilde. The book spans the growth and evolution of punk on both sides of the Atlantic including The Clash, The Buzzocks, Iggy Pop and The Stooges, Television, The Ramones, Patti Smith, Talking Heads, Devo, Blondie, Flying Lizards, Public Image Ltd, The Only Ones, The Slits, New Order, REM and Joy Division.

A collectable item itself, the book is beautifully produced with front and back cover artwork by Malcolm Garrett and Peter Saville, the designers behind some of punk's most memorable album covers. Arguably the most essential and final work on the graphic design revolution within the punk and post-punk movements of the UK and America, Too Fast To Live Too Young To Die will appeal to punk fans and graphic designers alike.

Part of Andrew's collection is currently touring the world as the Too Fast To Live Too Young To Die exhibition and has been on display at the Museum of Arts and Design in New York among other museums.

About the Author:

Andrew Krivine owns one of the largest private collections of punk and post-punk graphic design and memorabilia in the world. He began collecting when staying with his cousin John Krivine, who founded the seminal punk stores Acme Attractions and BOY in London in the 1970s. Andrew is a resident of New York, and he continues to add to his collection.