Книги про скульптуру та кераміку

In the early 1990s Andy Goldsworthy was invited to propose a project for Cumbria, a region of outstanding natural beauty where the landscape has been moulded for centuries by agriculture and in particular by sheep-farming. His response was to repair or rebuild a swathe of Cumbrian sheepfolds – with the intention that, wherever possible the folds would still be accessible to sheep.

Among the sculptures are slate works and balanced stones embedded in walls and a series of sixteen folds each containing a massive boulder rolled down from the nearby hillside. By 2006 over forty structures had been completed: it is this extraordinary project that forms the core of Enclosure.

This impressive volume is testament to Goldsworthy's lifelong interest in the land, its history and its inhabitants.

Andy Goldsworthy, the internationally renowned sculptor, was born in Cheshire in 1956. There are regular exhibitions of his work in Britain, France, The United States and elsewhere. Although he travels all over the world to carry out his commissions, the landscape around his home in south-west Scotland, remains at the heart of his work.

Ferdinand Preiss (1882-1943) was the most prolific sculptor of the Art Deco period in Germany; he combined ivory, bronze, onyx and marble to create the most dazzling sculptures of his day.

Preiss entered into an apprenticeship with his uncle, a master ivory carver, at the age of sixteen, following the death of his parents. He went on to become the most important Art Deco sculptor in Germany and, indeed one of the most accomplished in the whole of Europe, during the Nazi period.

This book, the only work devoted entirely to this subject, follows the development of ivory carving in Erbach, Germany, focusing on the life and work of one of the country's most talented and prodigious sons. The political climate which Preiss and other artists were forced to endure during this time, its difficulties, constraints and influences on their work, is also explored. Extensive research into Nazi archives, interviews with family members, recently unearthed documents and the most comprehensive collection of sumptuous colour illustrations, truly enable the extraordinary talents of this formidable artist to shine.

A celebration of the enormously popular Italian painter, sculptor and interior decorator

Piero Fornasetti established an enduring reputation as a designer with a style that was all his own – a style based on illusionism, architectural perspectives and a host of personal leitmotifs, such as the sun, playing cards and fishes, from which he spun seemingly endless variations. 'He makes objects speak' said Gio Ponti, his friend and longtime collaborator.

Designers and collectors today celebrate his use of allusion, unsettling images and striking juxtaposition to create unique, whimsical objects. Fornasetti's masterpieces shock, delight and inspire.

The Lalannes' charming, dreamy, and surrealistic body of functional sculptures, once a guarded secret for exclusive collectors such as Yves Saint Laurent and the Agnellis, is celebrated in full in this stunning new book.

The legendary husband-and-wife artist team has been the inspiration for high-society collectors and decorators, such as Pierre Bergé, Serge Gainsbourg, Peter Marino, Jane Holzer, and Reed Krakoff for over five decades. Crossing over many audiences - from interior design to fine art to high society, the works of the Lalannes have aspirational yet broad appeal. Their surreal flock of sheep sculpture is now de rigeur for any important collection, while their functional hippopotamus wet bar sells for millions of dollars at auction. Highly collected and promoted by an important group of art insiders, Lalanne works are often the focus of the well-curated room, as seen in many magazine covers. This book on their work will appeal to decorators, designers, artists, and all those who love beautiful art objects.

About the Authors:

Adrian Dannatt is a writer, editor, and curator. He is the author of catalogues on the work of Robert Indiana and Mattia Bonetti, and writes regularly for international art journals.
Francois-Xavier Lalanne (1927-2008) was born in Agen, France. He studied sculpture at the Academie Julian in Paris. Claude Lalanne (b. 1924) was born in Paris and studied architecture at the Ecole des Beaux-Arts. They participated in the postwar Surrealist art scene in postwar Paris, which had a major effect on their work over the past five decades.

This comprehensive survey of the work of the Swiss-born modern master Alberto Giacometti offers a fresh and incisive account of his creative output. Published on the occasion of Giacometti’s first major museum presentation in the US in over a decade, the volume brings together nearly 200 sculptures, paintings, and drawings to trace the artist’s wide-ranging and hugely innovative engagement with the human form across various mediums.

While Giacometti may be best known for his distinct figurative sculptures that emerged after World War II, including a series of elongated standing women, striding men, and expressive busts, this volume devotes equal attention to the artist’s early and midcareer development. It explores his lesser-known engagement with Cubism and Surrealism as well as African, Oceanic, and Cycladic art, while also highlighting his remarkable talents as a draftsman and painter alongside his sculptural oeuvre. Of particular focus is Giacometti’s studio practice, which is examined through rarely seen plaster sculptures that highlight the artist’s working process, in addition to historical photographs documenting his relationship with the Solomon R. Guggenheim Museum — which hosted the artist’s first US museum exhibition, in 1955 — and with New York City.

Beautiful photographs of painted vases from ancient Greece, with depictions of famous myths or scenes from everyday life
Latest title in Scala's series of official guides to Berlin museum collections, following Pergamon Museum and Gemäldegalerie Berlin

Greek vases are a vital source of information on mythology and society in ancient Greece. These painted clay vessels played a variety of roles in daily life and religious ritual, and the pictures and patterns on them provide a key to understanding these roles.

The Antikensammlung (Collection of Classical Antiquities) in Berlin stretches back more than 300 years, and vase paintings illustrating well-known myths and sagas have long been a key field of interest. Today, the Berlin collection ranks alongside those of the British Museum, the Louvre, the Hermitage and the Metropolitan Museum as one of the largest and most diverse of its kind.

Co-published with Ernst Wasmuth Verlag, this lavishly illustrated new book is the first to focus exclusively on the Antikensammlung's Greek vases. The authors, who are distinguished specialists on the collection, have selected 62 of its finest works and provided an expert commentary.

In Handbuilt, A Potter's Guide, pottery expert Melissa Weiss shows you the basics of crafting without a wheel, how to harvest and work wild clay, and using natural glazes.

Handbuilt pottery is the perfect way for new potters to dive into this unique medium because it doesn't require access to a potter's wheel. In Handbuilt, A Potter's Guide, Melissa Weiss takes an organic approach to harvesting and working with local clays, and even shows you how to mix your own glazes to use on functional pottery for use at home.

Students of pottery the world over have travelled to North Carolina to attend Weiss's classes. Now you don't have to! In this book, Melissa provides you with a solid course on slab and pinch-pot techniques that allow beginning students to master the basics and progress through finished wares.

Looking to go a little deeper? Melissa also offers her unique knowledge of how to dig and process local clays for use in pottery, and for the techniques she has developed for creating unique glazes with ash, salt, and other dry materials.

Learn the basics of handbuilding and more with this engaging guide.

About the Author:

Melissa Weiss is an Asheville, North Carolina, potter and a true handmade maker. Each pot she makes contains clay that she digs up on her land in Arkansas. From there, she drives the clay back to her studio in Asheville where she cleans it and incorporates it into her clay bodies. Melissa makes a variety of ash and celadon glazes and fires her pots in a gas reduction kiln. She teaches classes in handbuilding at intervals throughout the year, including at the famous Penland Art School and the North Carolina Pottery Center. She also operates an 8,000 square foot art cooperative called Southside Studios that houses studio space for 20 potters. Melissa  participates in shows in Boston, Philadelphia, and Chicago and exhibits her work in galleries from New York City to Fayetteville, Arkansas. She has 39.2k followers on Instagram (melissaweisspottery). Learn more about Melissa at www.melissaweisspottery.com.

_________

Пролистать книгу Handbuilt, A Potter's Guide: Master Timeless Techniques, Explore New Forms, Dig and Process Your Own Clay -- for Functional Pottery Without the Wheel на Google Books.

Italian monumental sculpture of the 19th and early 20th centuries is among the most remarkable ever made, and remains surprisingly unknown. Its emotional charge is caught in this collection of specially taken photographs, while the scholarly texts analyse the iconographic, cultural and art historical background to the works.

Which living artists keep their price? Who will be regarded as an investment 30 years from now? Both limited edition artist monographs of this book sold out in months, attaining instant investment status.
Here comes the unlimited popular edition!
The definitive work on the most controversial artist of his generation. A book owned by the world's major collectors and institutions, including New York's MoMA. See the exhibition in Berlin and remember why you've always loved Koons, even though you'd love to hate him – he's not only richer, but better looking. And he once married a porn star!
Then plunge into this Taschen überwerk and revel in the kinky and kitsch, but always conceptual art of Jeff Koons. Basketballs in tanks! Stainless steel blow-ups! Topiary dog sculptures! Come on.
Michael and Bubbles in porcelain. No artist since Warhol has made the banal appear so profound, and the trivial carry such import. So here's an object that bears his name. Does that make it mysterious – or valuable? Let's see.
Includes a biographical essay, analyis of Koons from a European perspective, and a scholarly study of his work. With hundreds of large format full color images, it traces Koons’ career from 1979 to today. A sumptuous objet d'art – he says so himself – and the definitive overview of Koons' work.

The provocative art of Jeff Koons (*1955) leaves no one cold. The “king of kitsch” is skilled at manipulating the media, exploding the boundaries of all genres with his appropriations from Pop Art and popular culture, and playing the keyboard of the art market like no other. Collectors scramble for his large collages and colossal stainless-steel balloon animals. Yet, in his eye-poppingly colorful, immaculately perfect works Koons also exposes the seductive potential of the glittering world of commodities; his ready-mades and gigantic toys are amusing and thought provoking at the same time. The American artist’s once controversial work has now been recognized for its prescience. This publication presents his oeuvre in two volumes: paintings from all of the artist’s creative phases form the core of the first volume. Koons’ sculptures are the focal point of the second volume, in which objects from the Liebieghaus collection, stemming from five thousand years of cultural history, are placed in a dialogue with his works.

Ces trois ouvrages d’initiation sont à nouveau disponibles. Chacun détaille les techniques de base de leur domaine, les procédés et les matériaux. Cette collection reprend également les connaissances historiques, esthétiques et pratiques qui permettent aux amateurs ou aux professionnels de nourrir un socle de savoirs indispensables à la pratique de leur art.

Sommaire :
Aperçu historique, connaissance de la pierre, l’atelier, le projet, la taille directe, techniques du métier de sculpteur, la technique pas à pas, glossaire.

Ce livre de référence traite des techniques du bronze et du moulage.
Il s’adresse avant tout à ceux qui travaillent dans la statuaire. De nombreuses photos et schémas explicatifs permettent aux amateurs de découvrir la complexité du métier de fondeur.

Sommaire :
Historique de la fonderie d’art. Introduction au moulage. Le moulage au sable. La fonte à pièces. Le tirage d’épaisseur.
La médaille. La fonte tirée ou fonte à figure. Le remmoulage. La cire perdue. Les alliages cuivreux. La fusion métallurgie. La présentation et conduite des fours. La finition des pièces. La patine. Matériel et matériaux. Lexique.

Ces trois ouvrages d’initiation sont à nouveau disponibles. Chacun détaille les techniques de base de leur domaine, les procédés et les matériaux. Cette collection reprend également les connaissances historiques, esthétiques et pratiques qui permettent aux amateurs ou aux professionnels de nourrir un socle de savoirs indispensables à la pratique de leur art.

Sommaire :
Aperçu historique, les caractéristiques du verre, les matériaux et les outils, les techniques d’élaboration, réalisations pas à pas, glossaire.

Перша книга, яка розповідає історії найшанованіших живих японських керамістів століття їхніми словами, простежуючи еволюцію сучасного ремесла та мистецтва в Японії, а також значний вплив цих художників, який далеко виходить за межі національних кордонів.

Listening to Clay: Conversations with Contemporary Japanese Ceramic Artists – це перша книга, яка представляє розмови з деякими з найважливіших живих японських художників-керамістів. Простежуючи еволюцію сучасного ремесла та мистецтва в Японії, цей новаторський том висвітлює шістнадцятьох людей, чиї неперевершені майстерність та творчий блиск надали їм вплив, який далеко виходить за межі національних кордонів.

Незважаючи на блискучу кар'єру та міжнародне визнання за свою роботу, ці шістнадцять художників були маловідомими з точки зору їхніх особистих історій. Віком від шістдесяти трьох до дев'яноста трьох років вони втілюють різноманітний досвід кількох поколінь, які були активними та успішними з кінця 1940-х років до наших днів, періоду масштабних змін. Тепер, вперше ділячись своїми історіями у виставці Listening to Clay, вони не лише описують свої особливі процеси, натхнення та стосунки з глиною, але й разом простежують сейсмічний культурний зсув у галузі, в якій багатовікові, але виняткові традиції гончарства відкрилися для нових практиків та видів практик.

Listening to Clay включає розмови з художниками, народженими в гончарних сім'ях, а також з деякими з перших жінок, прийнятих на керамічний факультет Токійського університету мистецтв, розповідаючи ширшу історію про винахідливість та новаторство, що сформували сучасне мистецтво в Японії та в усьому світі. Кожен художник представлений у статті, що включає короткий вступ, портрет, вибрані приклади його робіт та інтимне інтерв'ю, проведене авторами протягом кількох особистих візитів з 2004 по 2019 рік. В основі кожної історії лежить особистий зв'язок художника з глиною, який часто описують як співпрацю з матеріалом, а не як нав'язування наміру.

Найстарший художник, з яким брали інтерв'ю, Хаяші Ясуо, вступив до армії під час Другої світової війни у ​​віці п'ятнадцяти років і пройшов навчання на пілота-камікадзе. Він народився в родині, яка поколіннями випалювала кераміку в кооперативних печах, але відмовився від традиційних методів і став першим художником у Японії, який створив справді абстрактну керамічну скульптуру. Наприкінці 1960-х років інша художниця, Місіма Кімійо, розробила техніку шовкографії на глині ​​та почала створювати керамічні газети, щоб прокоментувати поширення цих медіа. Вона захопилася сміттям, відтворюючи його з глини, і працювала у відносній безвісті протягом десятиліть, поки у 2015 році не відбулася велика виставка в Токіо.

Виставка Listening to Clay з передмовою куратора, письменника та історика Гленна Адамсона та передмовою Моніки Бінчик, заступника куратора японського декоративного мистецтва в Метрополітен-музеї, була проектом, який понад п'ятнадцять років створювали авторки Еліс та Холсі Норт, шановані та обізнані колекціонери та меценатки сучасної японської кераміки, та Луїза Еллісон Корт, почесний куратор кераміки Національного музею азійського мистецтва Смітсонівського інституту. Книга також містить розмови з п'ятьма важливими дилерами сучасної японської кераміки, які відіграли та відіграють вирішальну роль у представленні робіт цих художників світові, кілька детальних додатків та глосарій термінів, відповідних людей та стосунків.

Listening to Clay – це давно очікувана та прониклива книга, яка вперше висвітлює деяких найвідоміших сучасних японських художників-керамістів через особисті, своєрідні розповіді про їхнє повсякденне життя, надаючи особливий доступ до їхнього творчого процесу та художнього розвитку.

Про авторів:

Аліса та Холсі Норт – новатори-колекціонери та прихильники сучасної японської кераміки. Вони організували керамічні тури Японією для Нью-Йоркського Японського товариства. Їхня колекція була представлена ​​на виставці «Сучасна глина: японська кераміка для нового століття», що проходила в Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні у 2005-2006 роках, та в Нью-Йоркському Японському товаристві у 2006-2007 роках. Основним завданням їхнього колекціонування та пропаганди було познайомити нову аудиторію з цим видом мистецтва. Вони передали значну частину своєї колекції американським музеям, зокрема Метрополітен-музею в Нью-Йорку, Музею образотворчих мистецтв у Бостоні та Національному музею азійського мистецтва Смітсонівського інституту у Вашингтоні, округ Колумбія. У Метрополітен-музеї також зберігається база даних, архіви та бібліотека їхньої колекції.

In recent years a new generation of artists and designers has discovered that garden plants - from moss and grass to fullgrown trees - can become astonishing works of living sculpture. Iconoclast garden designer Paul Cooper has gathered together the best examples of this exciting new art form while overturning many preconceptions about what is possible in the context of both gardening and art, showing that every garden has the potential to include dramatic and lasting sculpture.