Демонструє та аналізує основні моменти з колекції японських гравюр Ван Гога, досліджуючи ключову роль, яку вони відіграли в його творчості

Ось прекрасне дослідження одержимості Ван Гога Японією, яке розкриває добірку гравюр, якими він сам володів (усі з Музею Ван Гога), поряд із його власними картинами та ескізами, зокрема шедевр «Цвітіння мигдалю», «Куртизанка», «Цвіт сливи» та Міст під дощем. Ця можливість поділитися баченням Ван Гога дає нам переконливе розуміння одного з найпотужніших творчих впливів, що стоять за його мистецтвом.

Вінсент Ван Гог зачарувався японською графікою в Парижі, де він придбав понад 600 гравюр у дилера. Він повісив їх у своїй майстерні, і вони навчили його по-новому дивитися на світ. Ван Гогу подобалися незвичайні просторові ефекти, простори яскравих кольорів, повсякденні сюжети та увага до деталей природи. Він також прагнув знайти сучасний, більш примітивний вид живопису, який безпосередньо взаємодіє з глядачем. Японські гравюри показали йому шлях, де природа все ще була відправною точкою.

Про авторів:

Аксель Рюгер, директор Музею Ван Гога.
Маріє Веллекоп — керівник відділу колекцій, досліджень і презентацій Музею Ван Гога.

Список вмісту:

1. Передмова Акселя Рюгера, директора Музею Ван Гога • 2. Колекція японської гравюри Ван Гога: від товарів до колекції дослідження та утопічного ідеалу, Луї ван Тілборг • 3. Колекція японської гравюри Музею Ван Гога: аналіз, Кріс Уленбек • 4. Популярні предмети колекціонування за часів Ван Гога: японські гравюри з крепу, Сігеру Оікава • 5. Вибір із 130 японських гравюр із колекції музею Ван Гога

Elegantly packaged in a bespoke box, these 100 postcards feature some of the most spectacular examples of artworks made in the age-old woodblock tradition. All sourced from the V&A's outstanding collections, the Japanese Woodblock Print Postcard Box is the third release in the best-selling V&A box set series. Each set celebrates the V&A's status as a source of inspiration for designers, reflecting the unique breadth and depth of a collection that represents over 3,000 years of objects from all over the world.

Унікальний погляд на японський одяг з 18-го століття до сьогодні, досліджений завдяки розкішним детальним фотографіям деяких із найзахоплюючих речей у колекціях V&A

Ця книга, що об’єднує понад 100 предметів одягу, розкриває тонкощі японського вбрання з 18 століття до сьогодення. Включно з одягом для жінок, чоловіків і дітей, деталі були відібрані як з огляду на їх вишукану красу та майстерність, так і з огляду на те, наскільки вони передають про особистість власника, будь то вік, статус чи смак.

Вичерпний вступ, який висвітлює основні періоди та ключові теми історії японської моди, супроводжується тематичними розділами, які охоплюють усі аспекти одягу, від аксесуарів для волосся та декольте до подолу та взуття. Кожен одяг або об’єкт супроводжується коротким текстом, що розповідає про його структуру та захоплюючий діапазон використовуваних декоративних технік, включаючи вишивку, ткацтво, лакування, нанесення трафаретів, фарбування та цифрові технології. Спеціально замовлені детальні фотографії та малюнки є безцінним ресурсом для японофілів, студентів, колекціонерів, дизайнерів і любителів моди та світового одягу.

Список вмісту:

Вступ • Вирізи та плечі • Головні убори • Рукава • Талія • Аксесуари на талії • Поділ • Підкладка та нижня білизна • Взуття • Додаткова інформація • Глосарій • Автори фотографій • Подяка • Індекс

Про авторів:

Жозефіна Раут є куратором проекту в азіатському відділі Музею Вікторії та Альберта.
Анна Джексон є хранителем азіатського відділу Музею Вікторії та Альберта.

Основний огляд японських дизайнерів, ремісників, виробників і технологій, які сформували світ сучасного дизайну

Відданість ремеслу та найвища якість виробництва були невід’ємною частиною культури та повсякденного життя Японії протягом століть. Для японців концепція дизайну не обмежується функціональністю чи матеріальністю, а повністю пов’язана з давньою культурою та ритуалами. У цьому сенсі стілець – це набагато більше, ніж те, на чому ви сидите, чашка – це більше, ніж те, з чого ви п’єте: ці об’єкти потрібно розмірковувати, торкатися до них і пестити.

Коли масове виробництво набуло широкого поширення в післявоєнний період, між Японією та Заходом почали відбуватися захоплюючі міжкультурні обміни. Це породило не лише позачасові предмети надзвичайної краси та користі, але й інновації в матеріалах, формах і технологіях. Далеко за межі ікон японського дизайну – ідеально зваженої пляшки соєвого соусу Kikkoman, табурета-метелика Янагі, Sony Walkman – продукти та предмети, які з’явилися в країні протягом останніх семи десятиліть, деякі з яких були широко експортовані, викликають насолоду та захоплення. В останні роки нове покоління дизайнерів – Nendo, Yoshioka – вивели японську творчість на абсолютно нову територію, переосмисливши саме значення дизайну.

Дотепер не було зроблено жодних спроб представити повний огляд японського дизайну. У цьому томі представлено понад вісімдесят дизайнерів, сотні об’єктів і внески як японських, так і західних експертів з дизайну. Цей том стане остаточною роботою на цю тему на багато років вперед.

Список вмісту:

Передмова Маасакі Канаї • Вступ: Ремесло японського дизайну • Титани дизайну • Дизайнери та повсякденні ікони: столи та стільці • Есе Наомі Поллок • Їжа та напої • Есе Макото Шімазакі • Увімкнення та вимкнення • Есе Шіндзі Хамада • Плакати та упаковка • Основа та уток • Есе Матильди Маккуейд • Стиль життя та Дозвілля • Дизайнери від А до Я

Про авторів:

Наомі Поллок — американський архітектор, який пише про японський дизайн та архітектуру. Її роботи публікувалися в численних виданнях по обидва боки Тихого океану, зокрема A+U, Dwell, Kinfolk, Wallpaper* і Architectural Record, для яких вона є спеціальним міжнародним кореспондентом. Крім того, вона є автором кількох книг, зокрема Modern Japanese House, Made in Japan: 100 New Products, Jutaku: Japanese Houses та Sou Fujimoto. У 2018 році її було обрано до колегії стипендіатів Американського інституту архітекторів. Масаакі Канаї є президентом Ryohin Keikaku, роздрібного продавця та виробника провідного японського бренду Muji.

Ця книга демонструє зображення пекла в японському мистецтві з XII по XIX століття.

Вона містить велику колекцію шедеврів, представлених з деталями та збільшеними зображеннями робіт. Ці зображення естетичні, спонукають до роздумів, лякають і неймовірно кумедні.

Однотомна колекція зосереджена переважно на творах, що визнані національними скарбами Японії або важливими культурними цінностями, і містить різні зображення пекла видатних художників, таких як Кадзунобу Кано, Нічосай, Йосітосі Цукіока та Кьосай Каванабе. Це обов'язкова книга для художників, ілюстраторів та всіх, хто цікавиться зображеннями пекла. Цей том також містить видання XIX століття «Одзьйосю» («Основи відродження в Чистій Землі»), написане середньовічним буддійським ченцем Генсіном (942–1017) і супроводжується сучасним двомовним текстом.

Написаний у 985 році, цей впливовий буддійський текст часто порівнюють з «Божественною комедією» Данте («Божественна комедія»). Його жорстокі сцени підземного світу демонструють страждання та жорстокість, які людина може зазнати внаслідок шкідливих дій, скоєних за життя, або суду Десяти Царів Пекла. Ці ідеї пекла в Оджойосю відіграли значну роль у натхненні японських буддійських картин та інших наступних текстів, особливо починаючи з середньовіччя, і яскраво зображені на картині, представленій у цьому томі.

У двомовному тексті також включені есе істориків як японського мистецтва, так і буддизму.

Тісний зв'язок японського татуювання з темним світом якудза допоміг надати цій формі художнього вираження ауру таємничості. Але культура ірезумі є глибокою та багатою на значення, форми та мотиви, які пройшли шлях від кольорових гравюр на дереві до нанесення на шкіру, щоб прикрасити та захистити своїх носіїв.

Ця книга розкриває значення та секрети найбільш значущих мотивів традиційного японського татуювання, таких як міфологічні та надприродні істоти, тварини, буддистські божества, квіти та історичні персонажі, і перетворює цей вид мистецтва на шлях до особистих знань та індивідуального вираження. Читачі дізнаються про походження та значення кожного візуального представлення найпоширеніших тем у цьому виді мистецтва. Irezumi itai починається з короткого огляду історії японського мистецтва татуювання, а потім розглядає кожну тему (воду, міфологічних тварин, реальних тварин, міфологічних персонажів, історичних персонажів, квіти, сюнга та йокай) за допомогою зображень та описових текстів; також містить галерею оригінальних дизайнів автора та глосарій.

По суті, японське мистецтво ікебани полягає у відзначенні тісного зв'язку з природою. Практикувати ікебану – це знаходити натхнення в порах року, віддавати перевагу скромним квітам та гілкам, шукати балансу та простоти, а також повністю залишатися присутнім у моменті. Це прекрасний, чистий антидот нашому віку розсіяності та надмірностей. Шануючи походження ікебани, водночас роблячи мистецтво своїм, Аманда Луу та Іванка Мацуба зі Studio Mondine показують нам нові способи розповідати історії за допомогою квітів. Вони пропонують покрокові інструкції для створення десятків приголомшливих сезонних композицій, водночас знайомлячи читачів з темами та стилістичними особливостями мистецтва. У руках Studio Mondine ця багатовікова практика відчувається безперечно свіжою, а читачі отримують дар навчитися створювати унікальні, змістовні та автентичні композиції.

«Сучасний погляд на багатовікове мистецтво, яке захоплює дух своєю простотою». — Booklist, starred review

Про авторів:

Іванка Мацуба та Аманда Луу — команда, що стоїть за Studio Mondine, студією флористичного дизайну, що базується в Сан-Франциско, Каліфорнія, яка прагне збалансувати простоту японської ікебани з великою кількістю квіткових композицій у західному стилі. Їхні роботи були представлені в New York Times, Vogue, Real Simple, Martha Stewart Weddings та Architectural Digest, а також вони створювали композиції для Everlane, Google, Parachute Home, Бруклінського ботанічного саду та інших.

Команда Monocle прославляє безмежно захопливу та культурно багату країну Японію.

З моменту свого запуску у 2007 році Monocle має міцний та глибокий зв'язок з Японією. З першого дня журнал мав токійське бюро, яке сьогодні також включає магазин Monocle та радіостудії, під пильним оком керівника азійського бюро Фіони Вілсон.

За останнє десятиліття журнал розвинув унікальне розуміння та пристрасть до нації. Він висвітлював усе: від прямої подорожі на імператорському літаку та найсмачніших місць, де можна поїсти в Кагосімі, до модельєрів, які створюють нові рівні досконалості, та бізнесів з чудовими історіями, нерозказаними за межами Японії. Ця нова книга розкриває найкраще, що є в нації, напередодні Олімпійських ігор 2020 року. Доповнена приголомшливими фотографіями та захопливими есе, вона є унікальною вітриною країни, яка для багатьох залишається загадкою.

Зміст:

1. Вступ (ілюстрований) • 2. Есе • 3. Нація (основний розділ фотографій) • 4. Бізнес та бренди • 5. Культура та спорт • 6. Портрети людей (профілі) • 7. Архітектура, дизайн та мода • 8. Роздрібна торгівля • 9. Мобільність/Транспорт • 10. Гостинність, їжа та напої • 11. Пізнай свої міста (експозиції про головні міста)

Про автора:

Monocle – це журнал про глобальні справи та спосіб життя, цілодобова радіостанція, веб-сайт, роздрібний продавець та медіабренд, що виробляються компанією Winkontent Ltd. Його заснував Тайлер Брюле, колумніст Financial Times та засновник журналу Wallpaper*. Журнал, який репортер CBC News Гаррі Форестелл описав як «зустріч між Foreign Policy та Vanity Fair», має на меті надати глобальну перспективу на міжнародні справи, бізнес, культуру, дизайн та моду. Редактором журналу є Ендрю Так.

Японські ксилографічні гравюри періоду Едо (1615–1868) були продуктом висококомерціалізованої та конкурентної видавничої галузі. Їхній зміст був натхненний яскравою популярною культурою, яка процвітала в Едо (Токіо). У будь-який час десятки видавців змагалися за послуги провідних художників того часу. Видавці та художники виявили надзвичайну винахідливість у пошуку способів підтримувати попит на друковані вироби та обійти обмеження, накладені на них урядовою цензурою. Японські гравюри на дереві давно цінувалися на Заході за їх графічні якості, але їх зміст не завжди був повністю зрозумілий.

В останні роки публікації вчених з Японії, Європи та Сполучених Штатів уможливили більш тонку оцінку образів, які в них зустрічаються. Ця книга спирається на цю недавню стипендію, щоб пояснити, як ті, хто вперше придбав ці роздруківки, прочитали б їх. Завдяки приголомшливим новим фотографіям як добре відомих, так і рідко публікованих творів у колекції Британського музею, включно з багатьма нещодавно придбаними, автор досліджує, як і чому були зроблені такі відбитки, забезпечуючи захоплююче знайомство з такою улюбленою, але мало зрозумілою формою мистецтва.

Гарні квіти, зі смаком аранжовані в простих контейнерах, є справжньою суттю ікебани, традиційного японського мистецтва квіткового аранжування.

Japanese Ikebana for Every Season – це натхненна книга, яка розвінчує міфи про цей давній вид мистецтва, представляючи 53 прості квіткові композиції, які легко зробити вдома будь-кому. Для кожної пори року пропонуються різні композиції. Ви можете легко створити їх усі за кілька хвилин, використовуючи звичайні квіти та рослини з вашого саду, з сусіднього поля чи лісу, або від місцевого флориста.

Пояснення та основні інструкції охоплюють широкий спектр стилів, які заохочують читача використовувати власну творчість, а не рабськи копіювати традиційні дизайни та концепції ікебани.

Авторка Ріє Імай пояснює, як вибрати простий контейнер та квіти, які можна знайти будь-де, а потім як перетворити їх на щось особливе за допомогою лише кількох дуже простих технік. Ключ до гарної ікебани полягає в розумінні кількох дуже простих традиційних японських концепцій, таких як ідея мітате – бачення старих речей новими очима, а також прості техніки стабілізації та підтримки квітів у контейнері.

Кожен розділ цієї книги представляє різноманітні теми та композиції, покликані надихнути та порадувати.

Незалежно від пори року та вашого бюджету чи смаків, композиції в цій книзі додадуть вашому дому нотку японської елегантності.

___________

Погортати книгу Japanese Ikebana for Every Season: Elegant Flower Arrangements for Your Home на Google Books.

Колекція темного та фетишного мистецтва понад 40 сучасних художників з усього світу, таких як Здзіслав Бекскі, Ніколетта Чекколі, Рей Цезар, Джеймс Джин, Джон Сантерінеросс, сестри Попові та Елізабет Макграт.

Готичний смак, декаданс, ляльковий та лолітський стиль – світ естетизму та дегенерації – підтримується широким колом людей незалежно від їхнього віку та статі.

Бажаючи представити це фантастичне мистецтво не лише шанувальникам, які вже глибоко цінують цей світ, але й ширшій аудиторії, PIE International опублікувала Japanese Erotica in Contemporary Art у вересні 2014 року та Erotica in Japanese Contemporary Art. Vol. 2 у березні 2016 року.

Оскільки ці книги були добре сприйняті на ринку, у нас тепер є третій том Dark & Fetish Art.

У цих двох томах ми зосередилися на японських художниках, але в цій третій книзі представлені художники з усього світу.

Ця книга поділена на такі категорії, як фетиш-мистецтво, темне мистецтво, художня фотографія та тривимірне мистецтво.

«суміш художньої чуттєвості та образності, яка не залишає нічого для уяви»  - The Telegraph

На початку Нового часу в Японії було створено тисячі відверто сексуальних картин, гравюр та ілюстрованих книг із текстами. Їх евфемістично називали «весняними картинами» (шунга), і спочатку вони були створені художниками школи укійо-е плаваючого світу для реклами публічних будинків у Йосіварі 17-го століття, зокрема знаменитими художниками Утамаро та Хокусаєм.

Цей каталог виставки 2013-2014 років у Британському музеї має на меті відповісти на деякі ключові запитання про те, що таке шунга та чому її створили. Еротичне японське мистецтво сильно пригнічувалося в Японії з 1870-х років, і лише за останні двадцять років чи близько того в Японії вдалося опублікувати невигадані зразки.

Спираючись на останні наукові дослідження та вміщуючи понад 400 зображень творів із великих державних і приватних колекцій, ця книга проливає нове світло на цей унікальний вид мистецтва в японській соціальній та культурній історії.

About the Author:

Тімоті Кларк, керівник японського відділу Британського музею

Поглиблене дослідження мистецтва, сутності та тривалого впливу японського саду, що охоплює 800 років

Ця книга є найповнішим дослідженням мистецтва японського саду, опублікованим на сьогоднішній день, охоплює понад вісім століть історії цього важливого жанру. Письменник і садовий дизайнер Софі Вокер привносить новий погляд на цю тему, детально досліджуючи японський сад через серію есе та 100 представлених садів, починаючи від стародавніх синтоїстських храмів і закінчуючи імператорськими садами та сучасними дизайнами дзен. Провідні художники, архітектори та інші діячі культури пропонують особисті точки зору в нещодавно написаних есе.

Про автора:

У 2014 році Софі Вокер стала наймолодшою ​​жінкою, яка створила сад на RHS Chelsea Flower Show. Вивчаючи історію мистецтва, Софі згодом отримала кваліфікацію в області садівництва, рослинництва та дизайну саду. Вона живе в Лондоні, але працює по всьому світу. Окрім проектування садів, Софі читає лекції з концептуального дизайну, японського саду, посадок та садового середовища.

Авторитетне та широкомасштабне візуальне есе про естетику Японії, класичний том, який тепер знову друкований із приголомшливим новим дизайном обкладинки

‘Japan style’ — це естетика, яку впізнають усі: красиво виставлена ​​квітка, елегантний малюнок каліграфії чи простий альпінарій, але це теж важко визначити.

Ця книга, написана одним із найповажніших у світі дослідників японського мистецтва та культури, робить саме це. Проілюстрований понад 150 приголомшливими зображеннями, які розкривають суть японського мистецтва та культури, а також новаторським і проникливим текстом Джан Карло Кальца, Japan Style досліджує конкретні досягнення японського мистецтва та архітектури та пропонує глибокий аналіз усієї японської культури, її бачення світу та людства.

Про автора:

Джан Карло Кальца є науковим дослідником азіатських культур і мистецтв та їх взаємодії із Заходом. Він є провідним авторитетом у японському мистецтві та естетиці, автор багатьох книг і куратор багатьох виставок у цій галузі.

Він був професором історії мистецтва Азії в Університеті Ка Фоскарі у Венеції та директором Міжнародного дослідницького центру Хокусая в Мілані. Серед найважливіших його книг: Tanaka Ikko, Hokusai, Ukiyo-e, та Poem of the Pillow and Other Stories, усі з яких були опубліковані англійською мовою у видавництві Phaidon.

Зміст і розділи:
Нерегулярна краса
- Японський стиль
- Чай і естетика невизначеного
- Образи порожнечі
- Спокусливість непостійності
- Ексцентричний? Ні, Надзвичайно
- Таємне послання No
- Сльози маски
- Кольори темряви
- інтерлюдія: маленька, але велика
Відчуття природи
- Гармонія речей
- Інтимне сприйняття дійсності
- Дракон у спокої
- Чудовість природи
- Природа і краса в плаваючому світі
- Інтерлюдія: Їсти очима
Магістри мистецтв
- Зеамі: Квітка в демоні
- Хокусай: Старий, божевільний від живопису
- Кавабата: Сила ефірного
- Місіма: Коли ти вб'єш себе, господарю?
- Ікко: спалах світла
Глосарій
Бібліографія
Подяки
Індекс

Через близько 300 об’єктів ця книга досліджує сучасний японський дизайн: від повсякденних предметів і упаковки до дизайну інтер’єру та елементів освітлення.

Зрештою, книга має на меті дослідити те, як японському дизайну вдається використовувати свої матеріали – природні чи синтетичні – і водночас поєднує повагу до традицій із перспективним мисленням та експериментуванням.

Представлені об’єкти були обрані через їхній сильний японський характер і вплив цієї «японщини» на західну культуру. Замість того, щоб слідувати хронологічному порядку чи зосереджуватися на дизайнерах, ця книга зосереджена на об’єктах і класифікована за матеріалами, підкреслюючи тісний зв’язок між дизайном і матеріалом у Японії.

Книга включатиме приклади деяких із найважливіших японських дизайнерів від Сорі Янагі та Широ Курамати до Наото Фукасава та Токудзіна Йосіоки, а також буде вступне есе про японський дизайн Кенії Хара.

- У цій вишукано створеній книзі читачі можуть досліджувати красу, суть і стійкий вплив японського дизайну через 300 ключових об’єктів, починаючи від каліграфічних пензлів і традиційних лакованих коробок бенто до паперових ламп Ісаму Ногучі та іншої сучасної класики.
- Містить внески найважливіших японських дизайнерів, таких як Широ Курамата, Наото Фукасава та Сорі Янагі, а також сучасні вироби дизайнерів-початківців
- Надрукована на крафтовому папері та переплетена в традиційному японському стилі, сама книга є прекрасним предметом, який обов’язково надихне всіх, хто цікавиться дизайном.

Зміст і розділи:

Переосмислення традицій: від ремесла до дизайну Росселла Менегаццо
Витоки японського дизайну Кенія Хара

Дерево, бамбук і лак
Папір
метал
Тканина та текстиль
Керамічні
Синтетичні/нові матеріали

Про авторів:

Росселла Менегаццо — доцент кафедри історії мистецтва Східної Азії в Міланському університеті студій. У 2009 році вона закінчила свій докторський курс зі сходознавства у Венеціанському університеті Ка’ Фоскарі, захистивши дисертацію з історії японського мистецтва та фотографії. Вона курувала кілька подій і виставок і є автором численних текстів про японську фотографію, графічний дизайн та укійо. Вона є постійним автором низки національних газет, пише статті про японську культуру та мистецтво.

Стефанія Піотті отримала ступінь бакалавра зі східноазіатських досліджень у Венеціанському університеті Ка' Фоскарі, спеціалізуючись на японському текстилі та розробці дизайну та моделей кімоно зокрема. Вона працювала перекладачем і науковим координатором на різноманітних виставках японського мистецтва та редактором італійських та англійських видань, таких як Imai. A Retrospective (Electa, 1998), Hokusai (Phaidon, 2004) та Japan Style (Phaidon, 2007).