Beautiful flowers tastefully arranged in simple containers are the true essence of ikebana the traditional Japanese art of flower arrangement. 

Japanese Ikebana for Every Season is an inspirational book that demystifies this ancient art form by presenting 53 simple flower arrangements that are easy for anyone to make at home. Different arrangements are suggested for each season of the year. You can easily create all of them in only a few minutes using common flowers and plants from your garden, from a nearby field or forest, or from your local florist. 

The explanations and basic instructions cover a side range of styles that encourage the reader to use his or her own creativity rather than slavishly copying traditional Ikebana designs and concepts. 
Author Rie Imai explains how to select a simple container and flowers that you can find anywhere and then how to turn them into something special with just a few very simple techniques. The key to good ikebana is in understanding a few very simple traditional Japanese concepts, like the idea of mitate seeing old things with new eyes as well as simple techniques of flower stabilization and support within a container. 

Each section in this book presents a variety of topics and arrangements designed to inspire and delight. 

No matter what time of the year it is and regardless of your budget or tastes, the arrangements in this book will lend a touch of Japanese elegance to your home.

___________

Пролистать книгу Japanese Ikebana for Every Season: Elegant Flower Arrangements for Your Home на Google Books.

«суміш художньої чуттєвості та образності, яка не залишає нічого для уяви»  - The Telegraph

На початку Нового часу в Японії було створено тисячі відверто сексуальних картин, гравюр та ілюстрованих книг із текстами. Їх евфемістично називали «весняними картинами» (шунга), і спочатку вони були створені художниками школи укійо-е плаваючого світу для реклами публічних будинків у Йосіварі 17-го століття, зокрема знаменитими художниками Утамаро та Хокусаєм.

Цей каталог виставки 2013-2014 років у Британському музеї має на меті відповісти на деякі ключові запитання про те, що таке шунга та чому її створили. Еротичне японське мистецтво сильно пригнічувалося в Японії з 1870-х років, і лише за останні двадцять років чи близько того в Японії вдалося опублікувати невигадані зразки.

Спираючись на останні наукові дослідження та вміщуючи понад 400 зображень творів із великих державних і приватних колекцій, ця книга проливає нове світло на цей унікальний вид мистецтва в японській соціальній та культурній історії.

About the Author:

Тімоті Кларк, керівник японського відділу Британського музею

Поглиблене дослідження мистецтва, сутності та тривалого впливу японського саду, що охоплює 800 років

Ця книга є найповнішим дослідженням мистецтва японського саду, опублікованим на сьогоднішній день, охоплює понад вісім століть історії цього важливого жанру. Письменник і садовий дизайнер Софі Вокер привносить новий погляд на цю тему, детально досліджуючи японський сад через серію есе та 100 представлених садів, починаючи від стародавніх синтоїстських храмів і закінчуючи імператорськими садами та сучасними дизайнами дзен. Провідні художники, архітектори та інші діячі культури пропонують особисті точки зору в нещодавно написаних есе.

Про автора:

У 2014 році Софі Вокер стала наймолодшою ​​жінкою, яка створила сад на RHS Chelsea Flower Show. Вивчаючи історію мистецтва, Софі згодом отримала кваліфікацію в області садівництва, рослинництва та дизайну саду. Вона живе в Лондоні, але працює по всьому світу. Окрім проектування садів, Софі читає лекції з концептуального дизайну, японського саду, посадок та садового середовища.

Авторитетне та широкомасштабне візуальне есе про естетику Японії, класичний том, який тепер знову друкований із приголомшливим новим дизайном обкладинки

‘Japan style’ — це естетика, яку впізнають усі: красиво виставлена ​​квітка, елегантний малюнок каліграфії чи простий альпінарій, але це теж важко визначити.

Ця книга, написана одним із найповажніших у світі дослідників японського мистецтва та культури, робить саме це. Проілюстрований понад 150 приголомшливими зображеннями, які розкривають суть японського мистецтва та культури, а також новаторським і проникливим текстом Джан Карло Кальца, Japan Style досліджує конкретні досягнення японського мистецтва та архітектури та пропонує глибокий аналіз усієї японської культури, її бачення світу та людства.

Про автора:

Джан Карло Кальца є науковим дослідником азіатських культур і мистецтв та їх взаємодії із Заходом. Він є провідним авторитетом у японському мистецтві та естетиці, автор багатьох книг і куратор багатьох виставок у цій галузі.

Він був професором історії мистецтва Азії в Університеті Ка Фоскарі у Венеції та директором Міжнародного дослідницького центру Хокусая в Мілані. Серед найважливіших його книг: Танака Ікко, Хокусай, Укійо-е та Поема про подушку та інші історії, усі з яких були опубліковані англійською мовою у видавництві Phaidon.

Зміст і розділи:
Нерегулярна краса
- Японський стиль
- Чай і естетика невизначеного
- Образи порожнечі
- Спокусливість непостійності
- Ексцентричний? Ні, Надзвичайно
- Таємне послання No
- Сльози маски
- Кольори темряви
- інтерлюдія: маленька, але велика
Відчуття природи
- Гармонія речей
- Інтимне сприйняття дійсності
- Дракон у спокої
- Чудовість природи
- Природа і краса в плаваючому світі
- Інтерлюдія: Їсти очима
Магістри мистецтв
- Зеамі: Квітка в демоні
- Хокусай: Старий, божевільний від живопису
- Кавабата: Сила ефірного
- Місіма: Коли ти вб'єш себе, господарю?
- Ікко: спалах світла
Глосарій
Бібліографія
Подяки
Індекс

Через близько 300 об’єктів ця книга досліджує сучасний японський дизайн: від повсякденних предметів і упаковки до дизайну інтер’єру та елементів освітлення.

Зрештою, книга має на меті дослідити те, як японському дизайну вдається використовувати свої матеріали – природні чи синтетичні – і водночас поєднує повагу до традицій із перспективним мисленням та експериментуванням.

Представлені об’єкти були обрані через їхній сильний японський характер і вплив цієї «японщини» на західну культуру. Замість того, щоб слідувати хронологічному порядку чи зосереджуватися на дизайнерах, ця книга зосереджена на об’єктах і класифікована за матеріалами, підкреслюючи тісний зв’язок між дизайном і матеріалом у Японії.

Книга включатиме приклади деяких із найважливіших японських дизайнерів від Сорі Янагі та Широ Курамати до Наото Фукасава та Токудзіна Йосіоки, а також буде вступне есе про японський дизайн Кенії Хара.

- У цій вишукано створеній книзі читачі можуть досліджувати красу, суть і стійкий вплив японського дизайну через 300 ключових об’єктів, починаючи від каліграфічних пензлів і традиційних лакованих коробок бенто до паперових ламп Ісаму Ногучі та іншої сучасної класики.
- Містить внески найважливіших японських дизайнерів, таких як Широ Курамата, Наото Фукасава та Сорі Янагі, а також сучасні вироби дизайнерів-початківців
- Надрукована на крафтовому папері та переплетена в традиційному японському стилі, сама книга є прекрасним предметом, який обов’язково надихне всіх, хто цікавиться дизайном.

Зміст і розділи:

Переосмислення традицій: від ремесла до дизайну Росселла Менегаццо
Витоки японського дизайну Кенія Хара

Дерево, бамбук і лак
Папір
метал
Тканина та текстиль
Керамічні
Синтетичні/нові матеріали

Про авторів:

Росселла Менегаццо — доцент кафедри історії мистецтва Східної Азії в Міланському університеті студій. У 2009 році вона закінчила свій докторський курс зі сходознавства у Венеціанському університеті Ка’ Фоскарі, захистивши дисертацію з історії японського мистецтва та фотографії. Вона курувала кілька подій і виставок і є автором численних текстів про японську фотографію, графічний дизайн та укійо. Вона є постійним автором низки національних газет, пише статті про японську культуру та мистецтво.

Стефанія Піотті отримала ступінь бакалавра зі східноазіатських досліджень у Венеціанському університеті Ка' Фоскарі, спеціалізуючись на японському текстилі та розробці дизайну та моделей кімоно зокрема. Вона працювала перекладачем і науковим координатором на різноманітних виставках японського мистецтва та редактором італійських та англійських видань, таких як Imai. A Retrospective (Electa, 1998), Hokusai (Phaidon, 2004) та Japan Style (Phaidon, 2007).

Shunmyo Masuno, Japan's leading garden designer, is at once Japan's most highly acclaimed landscape architect and an 18th-generation Zen Buddhist priest, presiding over daily ceremonies at the Kenkoji Temple in Yokohama. He is celebrated for his unique ability to blend strikingly contemporary elements with the traditional design vernacular. He has worked in ultramodern urban hotels and in some of Japan's most famous classic gardens. In each project, his work as a designer is inseparable from his Buddhist practice. Each becomes a Zen garden, "a special spiritual place where the mind dwells."

This beautiful book, illustrated with more than 400 drawings and color photographs, is the first complete retrospective of Masuno's work to be published in English. It presents 37 major gardens around the world in a wide variety of types and settings: traditional and contemporary, urban and rural, public spaces and private residences, and including temple, office, hotel and campus venues. Masuno achieved fame for his work in Japan, but he is becoming increasingly known internationally, and in 2011 completed his first commission in the United States which is shown here.

The book, divided into three chapters, covers: "Traditional Zen Gardens," "Contemporary Zen Gardens" and "Zen Gardens outside Japan." Illustrated with photographs and architectural plans or sketches, each garden is described and analyzed by author Mira Locher, herself an architect and a scholar well versed in Japanese culture.

Celebrating the accomplishments of a major, world-class designer, Zen Gardens also serves as something of a master class in Japanese garden design and appreciation: how to perceive a Japanese garden, how to understand one, even how to make one yourself. Like one of Masuno's gardens, the book can be a place for contemplation and mindful repose.

Future Beauty is the first comprehensive survey of Japanese avant-garde fashion of the last 30 years. Such designers as Issey Miyake, Yohji Yamamoto and Rei Kawakubo made an enormous impact on the world fashion scene in the late twentieth century, challenging established notions of beauty and turning fashion into art. Today a new generation of radical designers, among them Tao Kurihara and Jun Takahashi, is fast gaining acclaim. This spectacular book, written by a team of experts led by the eminent fashion historian Akiko Fukai, explores the distinct sensibility of Japanese design – the uniqueness of its form, cut and fabric. Illustrated with over 250 photographs and sketches, Future Beauty is an authoritative and stylish guide to some of the world’s most expressive fashion.

_A major new study of avant-garde Japanese fashion, from the early 1980s to the present day
_Featured designers include such international masters as Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto, Issey Miyake and Jun Watanabe, as well as a new generation of radical designers, such as Jun Takahashi

This distinctive volume reveals a unique antique kimono collection through various delicate Japanese colors and their use in kimono.

The Japanese sensibility is immediately apparent in the classification of the nine traditional color categories of red, green, pink, blue, brown, purple, yellow, black/white, and gold/silver. Each spread presents a single color showing a page-wide photo of a kimono accompanied by a description of the color and its meaning in the context of Japanese culture. The author explains, "We organized the kimono and obi (sash) according to what I like to call ‘Japanese Kokoro no Iro’ — colors of the Japanese heart.

Each category presents what individual colors express or signify. For example, we use white, black and gold as an expression of cheer. Red indicates the sun, blood, and fire. White, black, and silver express sadness." With the knowledge of both Western and traditional Japanese fashion cultures, Yumioka presents and describes his collection in an easily accessible style.

A History of the Samurai tells the complete story of Japan's legendary warrior class from beginning to end — an epic tale of intrigue, bloodshed and bravery that is central to an understanding of the Japanese character and of Japanese history. It describes in detail the core Samurai philosophy of Bushido —"the way of the warrior"— a complex code of conduct embracing ideals of honor and loyalty that continues to govern the Japanese way of life today.

Historian Jonathan Lopez-Vera offers a compelling look at these enigmatic warriors including:

- The lives of famous Samurai—Miyamoto Musashi, Japan's greatest swordsman; Tomoe Gozen, the woman who became a Samurai; Tokugawa Ieyasu, the last Shogun; and many more
- The tragic tale of the 47 Ronin who chose honor over their own lives and were forced to commit ritual suicide after avenging their fallen master
- The philosophy of Bushido, "the Way of the Warrior," the code of conduct that embraced the ideals of honor and loyalty and governed the Samurai way of living
- The decline of the Samurai and their transformation from rough, battle-hardened warriors to highly educated philosopher-poets

Illustrated with 125 archival prints and photos, the nobility and grandeur of the Samurai is brilliantly showcased in this book. Readers will enjoy immersing themselves in the Samurai's world, as historian Jonathan Lopez-Vera traces the fascinating story of the rise and fall of these enigmatic warriors throughout Japanese history.

About the Author:

Jonathan Lopez-Vera has a PhD in Japanese History and an MA in World History from Pompeu Fabra University (Spain). He is a member of the Ethnographies, Cultural Encounters and Religious Missions (ECERM) research group and Research Group on Empires, Metropolis and Extra-European Societies (GRIMSE). He also runs the HistoriaJaponesa.com website and is co-editor of the journal Asiademica.

Russell Calvert has a masters degree in translation studies from Pompeu Fabra University (Barcelona). He has 25 years TESOL (Teachers of English to Speakers of Other Languages) experience, including posts at ESADE Business School (Barcelona) and Salalah College of Applied Sciences (Oman). He was the subtitler, translator and interpreter for the 2012 Mecal International Short Film Festival of Barcelona.

Celebrating the 400th anniversary of traditional Japanese ceramic culture as interpreted by today’s leading designers

The art of Japanese porcelain manufacturing began in Arita in 1616. Now, on its 400th anniversary, Arita / Table of Contents charts the unique collaboration between 16 contemporary designers and 10 traditional Japanese potteries as they work to produce 16 highly original, innovative and contemporary ceramic collections rooted in the daily lives of the 21st century. More than 500 illustrations provide a fascinating introduction to the craft and region, while the contemporary collections reveal the unique creative potential of linking ancient and modern masters.

About the Author:

Anniina Koivu is a critic, editor, and consultant. She was the editor of Abitare magazine, the director of research and head of international PR & partnerships at Vitra, and in 2013 was appointed head of theory of the masters’ programmes in product design and art direction at ECAL in Lausanne. She is the author of Works (2012) and editor-in-chief of The Walking Society (2015).

After over a decade of travel, study and creative collaboration with Japan, Norm Architects’ shares their uniquely Scandinavian view of Japanese aesthetics.

The book features richly illustrated dispatches from visits to Japanese landscapes, architecture and cultural sites, shedding light on the influence Japanese traditions have had on the studio’s contemporary projects, such as the Äng restaurant in Sweden or Heatherhill Beach House in Denmark.

Juxtaposing images from Japan with Norm Architects’ work, the book highlights the centuries-old connections between the distinct design cultures, emphasizing mutual respect and shared philosophies. Commentary from expert collaborators in both regions provides in-depth understanding into key design principles. At once an ode to Japan, a personal travelogue, and an aesthetic manifesto, Stillness takes readers on Norm’s decade-long journey as they’ve sought to understand one of the world’s most revered creative cultures.

About the Authors:

Norm Architects is a Copenhagen-based practice founded in 2008 working within architecture, interiors, design and photography. Norm’s sensory yet simple work aims to balance richness with restraint and order with complexity. Building on centuries of cultural exchange between Japan and Scandinavia, Norm Architects’ years of close collaboration with Japanese designers has shaped their design philosophy.

Outstanding typography introduced in bilingual Japanese and English text! A must-see book for anyone involved in design.

This book features more than 400 works carefully selected by 14 judges from the Japan Typography Association. With works accepted from all over the world through a public call for submissions, judges chosen from association members and the previous year’s Grand Prix winner conducted a rigorous evaluation process to select one Grand Prix winner from all the entries, along with a “Best Work Award” in each category. A “Jury Award” is awarded to works or designers highly rated by the judges from their individual perspectives. This book offers an overview of the latest trends in typography through the 10 categories, including typefaces, logotypes, and symbols, VI, graphics, editorial, research and experimentation and more. Also featured is part of the production process for the best works in each category. This year’s edition is the 45th edition since the series began in 1969 as The Japan Lettering & Typography Annual.

Get into this year’s interior design trend: Japandi, a style that combines serene Scandinavian design elements with the richness of Japanese design tradition. It is characterised by a combination of beauty, functionality, and clean lines with a lot of attention to materials, textures, and natural touches. In addition to more than 200 images of the most beautiful Japandi-interiors and designs, this book gives practical tips on how to implement these ideas in your own home.

This book will inspire you to create minimalist, yet luxurious Japandi interiors, where the design styles from two parts of the world meet.

About the Authors:

Laila Rietbergen is passionate about the Japandi interior trend and its way of life. She follows the trend closely and inspires her 630,000 followers on a daily basis. Marlous Snijder is a freelance writer, content maker and columnist.

_More than 200 images of interiors in which Japanese aesthetics and Scandinavian design go hand in hand
_Author Laila Rietbergen has more than 340,000 followers on Instagram and with this book she provides the best of Japandi inspiration
_With practical tips and tricks, you will create your own Japandi-inspired home in no time

Features 20 gardens by contemporary Japanese garden design masters.

Introduction by lauded designer Chisao Shigemori, grandson of legendary garden master Mirei Shigemori.

A Japanese garden represents the essence of Japanese culture, embodying the country’s spirit and philosophy. It has a distinctive style, quality of materials and emphasis on details. Modern Japanese Gardens captures this spirit through the work of 20 contemporary Japanese garden design masters.

The gardens featured in Modern Japanese Gardens are drawn from a variety of locations in Japan, placed in different settings, from private houses and temples to cafés, restaurants and stores. Some are of traditional appearance; others have a distinctly modern aesthetic. In common, all the gardens have been influenced by Japanese culture and society, created by masters who are internationally recognised and lauded for their skills.

Modern Japanese Gardens includes insightful text on each garden, revealing the concept behind the design and the use of plants, alongside photography exploring both the detail and the overall aesthetic that shape the design.

About the Authors:

Shinobu Sawada is the editor-in-chief of leading Japanese garden magazine Niwa, having previously worked as an editor of Japanese interior design magazine Indoor green. She is a frequent speaker at conferences, media events and workshops. Sawada has extensive, well-established connections with the garden masters of Japan. Together with Sawada, Tadafumi Aoza runs Niwa Japan, a Japanese garden agency based in both Tokyo and Paris. Aoza and Sawada represent and promote Japanese gardeners around the world.

At the heart of this book are twenty-eight real-life animals and the myths and literature, paintings, drawings, textiles and ceramics they have inspired some of the most celebrated Japanese artists and writers to create

Since the dawn of Japanese folklore and religion, the Japanese soul has cultivated a special connection with nature and wildlife, in part due to the natural abundance of the Japanese archipelago. Every animal, from the frightening crow to the sublime crane, is sacred, occupying a central place in Japanese mythology, literature, arts, and crafts. In this text-rich art book, readers will find twenty-eight real-life animals, including the fox, frog, cat, monkey, and firefly, described in texts combining haikus, tales and anecdotes from everyday life and illustrated with objects produced by the some of the most celebrated Japanese artists and craftsmen.

Readers will see just how central animals -from the most fleeting to the most majestic, from the wildest to the most domesticated -are to Japanese legends and literature but also in the latest manga and animated films. In some cases, the animals are transformed and endowed with human attributes; in others, through a representative selection of Japanese art -paintings, prints, fashion and common Japanese objects such as netsuke (miniature sculptures)- they appear lovingly portrayed in their natural element: typical animals of the countryside, mountains, forests, rivers and sea, and even today's cities. While most of the animals in this Japanese bestiary are good omens, even ones a tad mischievous, downright evil or uniquely sacred, such as the sika deer or the crane, all are invested with strong symbolism and have become extremely popular in a country where everything is ephemeral and transient, yet everything remains.

Japanese Bestiary is an ideal book for anyone interested in Japanese drawing and painting, animal illustrations and wildlife art and literature.

About the Authors:

Nelly Delay, art historian, graduate of the Ecole du Louvre high school, was an art critic at Combat – founded in 1941 as a clandestine newspaper – and in various Swiss and Italian magazines before specializing, since 1963, in the study of ancient Japanese art. She organized Japanese art events in Paris from 1974 to 1984, for which she published texts on little-explored subjects and books on old Japanese drawings and paintings and the influence of Japanese on Western Art. Since 1989, she has devoted herself to publications and conferences within the framework of different cultural organizations and the OECD. Two of her many titles are available in English: "The Art and Culture of Japan" and "Japan: The Fleeting Spirit".

Dominique Ruspoli is a writer and photographer. Doctor (PhD) of Philosophy (by Paris 1 Pantheon-Sorbonne University, France) specialized on the aesthetics of western lough, she became lecturer on written communication and psychology at the EISEA (Graduate School of Engineering in Ivry, France). Dominique Ruspoli has addressed in her writings subjects as different as psychodrama, the humorous drawing, the Etruscans, Venice or the Lascaux cave, and has published also books on the Japanese artists Hokusai, Hiroshige and Kyosai. She is, since 2000, member of the College of Pataphysics - The Science of Imaginary Solutions, founded after the principles described by the symbolist writer Alfred Jarry.