Вичерпний огляд та найцінніший ресурс щодо культових будинків, спроектованих архітекторами, побудованих у Японії з 1945 року до теперішнього часу.

Уявіть собі терасований будинок, внутрішній двір якого відділяє кухню від спальні. Або крихітну трикутну вежу з кімнат, розташованих одна над одною. Химерні, експериментальні та надзвичайно захопливі будинки, побудовані в Японії після закінчення Другої світової війни, є одними з найвинятковіших у світі. «Японський будинок з 1945 року» – це цілісний хронологічний огляд найпереконливіших японських будинків, спроектованих архітекторами, що демонструє розвиток форми, матеріалів, архітектурного вираження та сімейного життя протягом майже восьми десятиліть.

Багато японських будинків, неперевершених своєю концептуальною чистотою, стали культовими як вдома, так і за кордоном. Представлена ​​чіткою прозою та супроводжувана захопливими фотографіями та малюнками, ця книга містить 97 будинків, розділених на дев'ять розділів та організованих за десятиліттями. Окрім знайомства читача з окремими будинками, книга висвітлює соціальні, технологічні, географічні та історичні фактори, що стоять за цими будинками, що визначали епоху. Розвиток протягом періоду підкреслюється візуальною презентацією, яка переходить від монохромного до кольорового та від малюнків від руки до цифрового. Вступні слова до десятиліть встановлюють історичний контекст для кожного розділу, тоді як сегменти «У центрі уваги» привертають увагу до окремих компонентів японського будинку. Розділи «Вдома», більшість з яких написані архітекторами та членами їхніх сімей, оживляють досвід проживання в цих унікальних будинках.

Про автора:

Наомі Поллок — американська архітекторка, журналістка та письменниця. Вона живе в Японії з 1980-х років, пишучи про архітектуру для міжнародних журналів. Спеціальний міжнародний кореспондент Architectural Record, вона написала низку книг про японські будинки та архітекторів і є авторкою книги Japanese Design Since 1945, також виданої Thames & Hudson.

Пориньте у чарівний світ фільму легендарного режисера Хаяо Міядзакі «Мій сусід Тоторо».

Ця колекція листівок (які можна зберегти або надіслати) містить 30 різних намальованих від руки фінальних кадрів з фільму та прославляє прекрасне мистецтво та історію Тоторо.

Справжня насолода для шанувальників Studio Ghibli та анімації!

Про автора:

Studio Ghibli — це токійська анімаційна кіностудія, заснована режисерами Ісао Такахатою та Хаяо Міядзакі. Студія випустила кілька короткометражних фільмів та понад 20 повнометражних фільмів, зокрема «Мій сусід Тоторо», «Служба доставки Кікі», «Принцеса Мононоке» та лауреат премії «Оскар» «Віднесені привидами».

Демонструючи вражаючі та ефективні дизайни плакатів з Японії, POSŪTA POSTER висвітлює нове покоління робіт графічного дизайну, натхненних унікальною японською культурою, елементами та естетикою.

Від культового плаката Олімпійських ігор 1964 року Юсаку Камекура до психоделічних плакатів Таданорі Йокоо, Японія з повоєнних днів вийшла на передову вражаючу та ефективну графіку та дизайн плакатів. Повертаючись до епохи Reiwa, японська сцена графічного дизайну продовжувала розвиватися з точки зору дизайнерських цінностей та естетики.

Японська естетика дизайну, відома своєю відданістю ремеслу та винахідливості, не тільки вічна, але й містить унікальні елементи, властиві лише їхній культурі. POSŪTA POSTER слугує для демонстрації дизайну плакатів нового покоління талантів Японії, що охоплює категорії від політики/соціальних, рекламних, експериментальних тощо.

250 Japanese Knitting Stitches містить оригінальну колекцію в’язаних швів, вперше опубліковану Хітомі Шида в 1996 році.

Копії оригінального японського видання ревниво прагнули в’язальниці по всьому світу, і тепер видавництво Tuttle вперше пропонує вам цю класичну версію англійською мовою!

Попередня робота Хітомі Шіда, Біблія японського в’язання, була випущена компанією Tuttle у жовтні 2017 року та вже була придбана (і протестована) тисячами завзятих в’язальниць, які раді відкрити скарбницю елегантних і складних нових візерунків. 250 Japanese Knitting Stitches була першою роботою Хітомі Шида, і, як і її наступниця, вона наповнена її надзвичайно оригінальними та красивими дизайнами та варіаціями класичного в’язання.

Переклала та представила досвідчений інструктор із в’язання Гейл Рем, найвідоміший викладач японського в’язання в Америці. Roehm веде в’язальниць через деталі візерунків і пояснює, як виконувати шви.

Цей довідник з в'язання спицями містить наступне:

- Шви, призначені для бордюрів і окантовок
- Красиві кабельні шви, прості та складні
- Елегантні попкорн-стібки від тонких до жирних
- Кілька варіацій індивідуальних візерунків

Завершені проекти Shida - це диво, і досвідчені в'язальниці витримають навіть найстрашніші моделі стібків, щоб створити їх. Наповнена 250 характерними та винахідливими візерунками - зі схемою стібків і фотографією для кожного візерунка - ця довгоочікувана книга неодмінно буде на книжковій полиці кожної в'язальниці.

Про автора:

Хітоі Шидма – відомий японський дизайнер тисячі оригінальних в’язальних швів і трикотажних виробів, який має прихильників у всьому світі. Її складні та елегантні візерунки зробили її найвідомішим гуру в’язання в Японії. Вона викладає, займається дизайном і пише книги більше 20 років.

- 1000 pieces
- Quality design & easy to handle pieces
- Finished puzzle 60.9 x 45.7 cm
- Features a beautiful, full-color photograph of Japan's Nebuta Festival in Aomori
- The festival features huge floats in the shape of Samurai warriors made of wood or bamboo, covered in papier mache, and lit from within by hundreds of lights

About the Author:

Tuttle Studio draws inspiration from the modern and traditional cultures of Asia to create its language workbooks and resources, journals, stationery, gift wrapping products and origami paper. It is a division of Tuttle Publishing, a leading publisher of books on the languages, history, art and cultures of Asia. The company was founded in 1832 in Rutland, Vermont (USA) and opened a branch in Tokyo, Japan in 1948.

Designing Japan представляє бачення відомого дизайнера Кенії Хари про те, як його галузь може допомогти Японії у створенні майбутнього, заснованого на унікальній філософії краси, а також на краудсорсинговій мудрості з усього світу. Хара, майстер-співавтор, ретельний організатор та глобально свідомий новатор, спирається на понад три десятиліття участі в дизайнерській роботі та кураторстві виставок, а також на глибоку професійну взаємодію з творцями з різних галузей.

У Designing Japan Хара розкриває методи, які роблять публічно доступними естетичні питання про те, як ця острівна держава розвиватиметься, коли її населення старітиме, інші країни захоплюватимуть виробництво та розвиватимуться технології. Ілюстрації та приклади підкреслюють успішне вирішення проблем за допомогою дизайну, доводячи, що це жива, мінлива галузь, яка залишається актуальною не попри, а як партнер для розвитку технологій.

Про автора:

Кенія Хара (*1958) вважається найвпливовішим дизайнером сучасної Японії. Після закінчення факультету дизайну в Художньому університеті Мусасіно в Кодайрі в 1983 році він працював куратором і графічним дизайнером, перш ніж обійняти посаду арт-директора в Muji в 2002 році. Хара є президентом Nippon Design Center Inc. та керівником кафедри науки дизайну в Художньому університеті Мусасіно. Він має багато публікацій з теорії дизайну, зокрема в книгах Designing Design (2007), White (2009), Designing Japan (2018) та 100 Whites (2019).

Унікальний підхід Кейко до ікебани, японського мистецтва аранжування квітів, поєднує традиційні техніки із сучасними смаками. Її впливи – від скульптури до сучасного західного флористичного дизайну – об'єднуються, створюючи унікальні композиції, які є автентичними та привабливими, простими та витонченими, і які може досягти кожен.

У цій книзі представлені покрокові інструкції зі створення 20 приголомшливих композицій з ікебани різних розмірів та стилів. Кожну з квіткових композицій можна виконати лише за три простих кроки, використовуючи легкодоступні флористичні матеріали та контейнери. Книга також містить вступ до історії ікебани стосовно Японії та японської культури, а також посібник з основних правил дизайну ікебани та флористичних технік. Поради щодо пошуку та вибору матеріалів і приладдя дозволяють легко навчитися аранжувати квіти та отримати практичне уявлення про мистецтво японського аранжування квітів.

Про авторів:

Кейко Кубо почала відвідувати заняття з ікебани ще підлітком у Японії. Після переїзду до Сполучених Штатів, щоб займатися мистецтвом, вона закінчила Школу мистецтв Чиказького інституту мистецтв зі ступенем магістра образотворчих мистецтв за спеціальністю скульптура, а також вивчала західне флористичне мистецтво. Кейко мешкає в Чикаго, штат Іллінойс.
Еріх Шремпп — фотограф з Чикаго, який спеціалізується на ілюстративних зображеннях. Його витвори мистецтва та роботи на замовлення можна переглянути на сайті www.schremppstudio.com.

___________

Погортати книгу Keiko's Ikebana: A Contemporary Approach to the Traditional Japanese Art of Flower Arranging на Google Books.

In 1868, Japan underwent a dramatic transformation following the overthrow of the shogun by supporters of Emperor Meiji, marking the end of feudal military rule and ushering in a new era of government that promoted modernizing the country and interacting with other nations.

Japanese print culture, which had flourished for more than a century with the production of color woodcuts (the so-called ukiyo-e, or “floating world” images), also changed course during the Meiji era (1868–1912), as societal changes and the once-isolationist country’s new global engagement provided a wealth of new subjects for artists to capture. Featuring selections from the renowned Achenbach Foundation for Graphic Arts’ permanent collection, Japanese Prints in Transition: From the Floating World to the Modern World documents the shift from delicately colored ukiyo-e depictions of actors, courtesans, and scenic views to brightly colored images of Western architecture, modern military warfare, technology (railroad trains, steam-powered ships, telegraph lines), and Victorian fashions and customs.

About the Authors:

Rhiannon Paget is the curator of Asian art at the John & Mabel Ringling Museum of Art in Sarasota, Florida. Karin Breuer is curator in charge of the Achenbach Foundation for Graphic Arts.

Багряна риба бореться з людиною. Грізно дивиться рогатий демон.

Ці яскраві сцени — татуювання, створені з болем, вирізані на тілі Якудза, страшного таємного товариства японських гангстерів. Це бачення Ірезумі, легендарних майстрів татуювань, які роками створюють живі шедеври. Фотограф Сенді Феллман описує цей дивний і жорстокий світ як у своєму тексті, так і на своїх приголомшливих великих фотографіях Polaroid розміром 20 x 24 дюйми.

Про автора:

Сенді Феллман — відомий фотограф, чиї роботи були представлені на багатьох персональних і групових виставках у Сполучених Штатах, Європі, Японії та Австралії. Її фотографії можна знайти в численних приватних і громадських колекціях, зокрема в Музеї сучасного мистецтва, Метрополітен-музеї, Національній бібліотеці та Центрі креативної фотографії. Її роботи також широко публікувалися протягом останніх п’ятнадцяти років.

From rugged Japanese firemen’s ceremonial robes and austere rural workwear to colourful, delicately-patterned cotton kimonos, this lavishly illustrated volume explores Japan’s rich tradition of textiles.

Textiles are an eloquent form of cultural expression and of great importance in the daily life of a people, as well as in their rituals and ceremonies. The traditional clothing and fabrics featured in this book were made and used in the islands of the Japanese archipelago between the late 18th and the mid-20th century. The Thomas Murray collection featured in this book includes daily dress, workwear, and festival garb and follows the Arts and Crafts philosophy of the Mingei Movement, which saw that modernization would leave behind traditional art forms such as the hand-made textiles used by country people, farmers, and fisherman. It presents subtly patterned cotton fabrics, often indigo dyed from the main islands of Honshu and Kyushu, along with garments of the more remote islands: the graphic bark cloth, nettle fiber, and fish skin robes of the aboriginal Ainu in Hokkaido and Sakhalin to the north, and the brilliantly coloured cotton kimonos of Okinawa to the far south. Numerous examples of these fabrics, photographed in exquisite detail, offer insight into Japan’s complex textile history as well as inspiration for today’s designers and artists. This volume explores the range and artistry of the country’s tradition of fiber arts and is an essential resource for anyone captivated by the Japanese aesthetic.

About the Authors:

Thomas Murray is a dealer of Asian and tribal art and has an extensive personal collection of Japanese and Indonesian textiles. He is a past president of the Antique Tribal Art Dealers Association (ATADA), and served on President Obama's Cultural Property Advisory Committee at the Department of State in Washington, DC. Virginia Soenksen is Associate Director of the Madison Art Collection at James Madison University in Virginia. Anna Jackson is Keeper of the Asian Department at The Victoria and Albert Museum in London, where she is responsible for the museum's collection of Japanese textiles and dresses.

Японська гравюра ХХ століття досі привертала відносно мало уваги. Ця публікація має на меті це змінити. Сін ханга (нові гравюри) – це гармонійно збалансовані дизайни, надруковані на папері найвищої якості з використанням найкращих пігментів та невеликими тиражами. Вони є плодом традиційної, але успішної співпраці між художником, видавцем, різьбярем блоків та друкарем. Гравюри сін ханга відрізняються від своїх традиційних попередників не стільки своєю тематикою, скільки своєю візуальною мовою.

Ця книга представляє унікальну добірку, яка дозволяє нам дослідити японську гравюру ХХ століття. Гравюри, які вона відтворює, здебільшого взяті з двох великих приватних колекцій, доповнені роботами з Королівських музеїв мистецтва та історії в Брюсселі та кількома винятковими предметами з сімейної колекції видавця Ватанабе, людини, яка все це започаткувала.

Про авторів:

Автор Кріс Уленбек був куратором кількох великих виставок японського мистецтва. Йому тут допомагають Джим Двінгер, експерт з історії японського мистецтва та спеціаліст з ксилографії, та Філо Оувелін, художник-візуаліст зі ступенем магістра японських студій.

Протягом багатьох років японські садівники вдосконалили унікальний набір технік обрізки, які підкреслюють основні характеристики їхніх садових дерев, або нівакі. У цій надзвичайно практичній книзі західних садівників заохочують використовувати ці техніки та формувати власні садові дерева з унікальним ефектом. Після попереднього обговорення принципів, що лежать в основі цих технік, автор пропонує детальні рекомендації щодо формування сосен, азалій, хвойних, широколистяних вічнозелених рослин, бамбука та листяних дерев. Протягом усього тексту покрокові ілюстрації супроводжують інструкції, а численні фотографії та анекдоти яскраво втілюють ідеї, пов'язані з нівакі.

Про автора:

Джейк Гобсон спирається на багаторічний досвід роботи з японськими садами та ландшафтним дизайном. Він провів рік у розпліднику в Осаці, а в 2004 році заснував власний бізнес Niwaki, Japanese Garden Tools. Будучи уважним спостерігачем за мистецтвом садів, Джейк отримав ступінь бакалавра зі скульптури. Він живе в Англії.

Спираючись на зображення жінок і чоловіків часів розквіту японської гравюри, ця книга досліджує тонку іконографію та складні символи, властиві традиції укійо-е (традиційного японського ксилографічного друку, що означає «Миттєвий світ»). Цікаві елементи відносяться до японської історії, літератури, міфології, моди, фольклору та пліток періоду Едо, і їх часом важко розгледіти, не кажучи вже про осягнення, без належних знань. Поділена на класичні теми гравюри, такі як красиві жінки, герої, актори та сюнґа (еротичні гравюри), ця щедро ілюстрована книга надає читачам ключі до розуміння прихованих значень у понад 100 найкращих японських гравюрах.

Красиві жінки, включаючи жінок зі знаменитого борделю Йошівара в Едо, займають значну частину книги. Герої та лиходії ілюструють багате міфологічне та псевдоісторичне минуле Японії. Також розглядаються популярні розваги кабукі та сумо: відомі актори грають свої найвідоміші ролі хоробрих чоловіків або витончених гейш. Ці барвисті шедеври демонструють економію ліній та потужну виразність ксилографічного матеріалу. Кожен відбиток досліджується до найменших деталей, щоб пояснити численні загадки укійо-е – цього інтригуючого та захопливого способу візуального вираження, який мав такий глибокий вплив на західне мистецтво.

Про авторів:

Кріс Уленбек є дилером японських гравюр протягом 40 років. Він був куратором багатьох виставок у галузі японського мистецтва, починаючи з великої ретроспективної виставки японських гравюр 20-го століття з колекції Роберта О. Мюллера в 1992 році для Національного музею етнології в Лейдені, Фонду L'Hermitage в Лозанні та Музею Мармоттан у Парижі. З 2007 року він протягом 10 років виконував обов'язки куратора музею Ніхон-но-Ханга в Амстердамі. Між 2011 і 2021 роками він створив різні виставки в Японському музеї SieboldHuis у Лейдені: про Хіросіґе (2011), Йосітосі (2012), Кунійосі (2013), Кунісаду (2015) та нещодавно про Гекко (2020). Він є співавтором нещодавньої публікації Ludion Shin Hanga: The New Prints of Japan 1900–1960 (2022).

Джозефіна Сміт — науковиця та викладачка, яка отримала ступінь магістра з японських студій в Лейденському університеті, Нідерланди. Спеціалізуючись на японській політиці та міжнародних відносинах, вона написала магістерську дисертацію про еволюцію реагування на психіатричну допомогу після катастроф у Японії після проведення року досліджень в Університеті Кобе, Японія. Як фрілансер, Сміт читає лекції про культуру кімоно. Наразі Сміт працює японологом у Японському музеї SieboldHuis та в Hotei Japanese Prints у Лейдені, займаючись дослідженнями та управлінням виставками, пов'язаними з укійо-е.

Джим Двінгер — дослідник історії японського мистецтва зі спеціалізацією на гравюрах на дереві. Він є співавтором нещодавньої публікації Ludion Shin Hanga: The New Prints of Japan 1900–1960 (2022) і наразі бере участь у підготовці майбутнього каталогу гравюр Утаґави Хіросіґе. Він також є членом редакційної колегії Andon, журналу Товариства японського мистецтва.

Японський дизайнер пропонує переконливий альтернативний спосіб взаємодії з нашим майном, нашою історією, навколишнім середовищем та один з одним.

Японська фраза «ходо-ходо» походить із давніх часів. Коли сучасний дизайнер Таку Сатох застосовує це до своєї роботи, це означає «якраз достатньо».Дизайн ходо-ходо навмисно стримується, залишаючи можливість людям взаємодіяти з об’єктами відповідно до їхнього унікального відчуття. У розпал споживацької доби Сато побудував видатну дизайнерську кар’єру навколо цієї філософії, створюючи культові роботи в моді, їжі та архітектурі. Його ідеї говорять не лише професіоналам-дизайнерам, а й усім, хто хоче більш продумано рухатися світом. У цьому тонкому, але потужному томі Сатох пояснює свою філософію на реальних прикладах — від естетики застарілої крамниці рамену до дитячого майданчика на даху, натхненного ономатопією. Закликаючи читачів цінувати повсякденні предмети та простори та поставити під сумнів спокусу зручності, він доносить повідомлення, що сягає корінням у минуле, але ідеально підходить до нашого часу.

АКТУАЛЬНА ТЕМА: Оскільки все більше людей починають сумніватися в структурах споживацтва, ця вдумлива книга пропонує інший спосіб бачення світу. Філософія Satoh ідеально узгоджується зі сталим способом життя.

УНІКАЛЬНИЙ ОГЛЯД ЯПОНСЬКОЇ КУЛЬТУРИ: Японія є величезним експортером культури та процвітаючим туристичним напрямком. Багато японських ідей і традицій, таких як ікіґай, лісове купання та вабі-сабі, широко вшановують як шляхи до більш повноцінного життя. У цій книзі представлено ходо-ходо, концепцію, яка ще не широко експортована. Дізнавшись про ходо-ходо, читачі збагатять уявлення про Японію, а також надихнуть дизайнерів та інших творчих людей на їхню роботу.

АВТОРИТЕТНИЙ ГОЛОС: Таку Сато має понад чотири десятиліття досвіду дизайну. Його робота відома в Японії, він працював із великими брендами та музеями та отримав багато нагород. Тут він ділиться мудрістю, отриманою зі свого досвіду в дизайні та глибокої любові до своєї культури.

ДОСТУПНИЙ ВМІСТ: зручний формат м’якої обкладинки ідеально підходить для книги, яку ви захочете прочитати та перечитати. Сатох пропонує захоплюючі та доречні ідеї в нестрашний спосіб.

Про автора:

Taku Satoh створював дизайни для відомих японських брендів, включаючи Issey Miyake. Його нагородили, зокрема, Нью-Йоркським клубом арт-директорів та імператором Японії. Він проживає в Токіо.

_________

Погортати книгу Just Enough Design: Reflections on the Japanese Philosophy of Hodo-Hodo на Google Books.

An inner journey into the beauty of simplicity through the masterpieces of one of the largest and best-known collections of Japanese art outside Japan Among the many ways one can approach a distant country there are study, travel, and a special sensitivity that allow a person to distinctly interpret the reasons behind a culture.

In the case of Jeffrey Montgomery and his splendid collection all three of these elements interact in a surprisingly harmonious way. The works he has collected during his lifetime lead to the very heart of Japanese art, accompanying us on a fascinating journey to discover the aesthetic ideals of a civilization that goes back millennia.

Published on the occasion of the exhibition in Lugano, the volume presents one hundred and seventy works from the period between the 12th and 20th centuries – including textiles, furniture, paintings, religious and everyday-objects – carefully selected from the over one thousand objects collected over a lifetime by Jeffrey Montgomery. Renowned worldwide, the Montgomery Collection displays an extraordinary richness and a very singular substance: it is a collection of “oriental art”, and at the same time it expressed a “folk culture” reinterpreted in very elevated aesthetic terms by the elegant and refined choices made by the collector who had dedicated his entire life to it.

Edited by Francesco Paolo Campione, in collaboration with Moira Luraschi, Japan Arts and Life contains the essays by Francesco Paolo Campione (An Impermanent Journey between Art and Life); Matthi Forrer (Collecting Japanese Art Objects); Rossella Menegazzo (The Other Side of Japan. The Jeffrey Montgomery Collection between Art, Crafts, and Folklore); Giorgio Amitrano (Japan, the Beautiful, and Ourselves); Imogen Heitmann (The Museographical Display as a Creative ‘Meta-work’). The volume presents also the catalogue and the entries of the works, edited by Moira Luraschi and divided into thematic sections (Paintings; Woven objects; Hooks and counterweights; Ceramics; Fabrics; Lanterns; Masks; Furniture; Signs; Kettles and pourers; Sculptures; Lacquers).
Paolo Campione teaches Cultural Anthropology at the University of Insubria and he is the Director of the MUSEC Museo delle Culture, Lugano. Moira Luraschi, anthropologist, is curator of the Japanese collections and the photographic collection of the Yokohama School at MUSEC, Lugano.

________

Among the many ways one can approach a distant country, there are studies, travel, and a special sensitivity that allow a person to distinctly interpret the reasons behind a culture. In the case of Jeffrey Montgomery and his splendid collection all three of these elements interact in a surprisingly harmonious way. The works he has collected during his lifetime lead to the very heart of Japanese art, accompanying us on a fascinating journey to discover the aesthetic ideals of a civilization that goes back millennia.

About the Authors:

Francesco Paolo Campione teaches Cultural Anthropology at the University of Insubria and he is the Director of the MUSEC Museo delle Culture, Lugano.
Moira Luraschi, anthropologist, is curator of the Japanese collections and the photographic collection of the Yokohama School at MUSEC, Lugan.