A striking and unusual view of the rich variety of Japanese art.

Offering a superb insight into a wide array of Japanese art, the book highlights – close-up and in colour – outstanding examples of design and craft in prints, paintings and screens, metalwork, ceramics, wood, stone and lacquer and will provide endless creative inspiration.

By showing the complete artwork alongside enlarged details – sometimes virtually invisible to the naked eye – intriguing comparisons can be drawn between seemingly unrelated pieces and the full craftsmanship can be seen.

This title is ideal for anyone interested in decorative arts and design, general readers, students and art historians alike.

____________

Beautifully illustrated with an array of Japanese art, this book offers a closer look at the rich variety of styles, decoration, motifs and patterns – and the sheer craftsmanship – of Japanese culture. Opening with an introduction that asks ‘What is Japanese art?’, this book presents a selection of striking and fascinating art from Japan, organised into a series of thematic chapters in which the author provides cultural context while pointing out exceptional features. By showing the complete artwork alongside enlarged details – sometimes virtually invisible to the naked eye – intriguing comparisons can be drawn between seemingly unrelated pieces. The selection of illustrations evokes the hand and eye of the most accomplished Japanese craftsmen and women past and present. Offering a superb insight into a wide array of Japanese art, the book highlights – close up and in colour – outstanding examples of design and craft in prints, paintings and screens, metalwork, ceramics, wood, stone and lacquer and will provide endless creative inspiration.

Salon culture in Japan: making art, 1750–1900 celebrates the British Museum’s rich collection of technically sophisticated artworks created as part of Japanese cultural salons in the late 18th and 19th centuries, featuring lively figures in daily life and festivals, elegant birds and flowers, ferocious animals, and lyrical landscapes.

This book accompanies the special 2024 display in the British Museum Mitsubishi Corporation Japanese Galleries, City life and salon culture in Tokyo and Osaka: 1770–1900.

In early modern Japan, cultural salons were creative spaces for people of all ages and social levels to pursue painting, poetry and other artistic endeavours, as serious but amateur practitioners. They all used a pen- or art-name. Individuals were therefore able to socialise and interact broadly through these artistic activities, regardless of official social status as regulated by the shogunal government. The idea of communal and collaborative creativity seems to have been especially ingrained around the area of Kyoto and Osaka. Each of the two cities had a distinct character: Kyoto was the national capital, where the emperor and aristocrats resided, and Osaka was the centre of commerce.

Only a fraction of these technically sophisticated artworks has previously been published in colour. With five essays by leading experts that explore this fascinating cultural phenomenon from different angles, and eight shorter insights that delve into specific historical aspects and the personal connections and legacies of cultural figures, this book offers a new perspective on Japanese art and society in the late 18th and 19th centuries.

About the Authors:

Principal contributors from the British Museum
Rosina Buckland, Curator, Japanese Collections
Timothy T. Clark, Honorary Research Fellow
Alfred Haft, JTI Project Curator for Japanese Collections
Akiko Yano, Mitsubishi Corporation Curator, Japanese Collections
with C. Andrew Gerstle, Professor Emeritus, SOAS University of London

Supporting contributors
Akama Ryo, Ritsumeikan University
Akeo Keizo, Osaka University of Commerce
Paul Berry, Kyoto University of Foreign Languages
Hirai Yoshinobu, National Museum
of Modern Art, Kyoto
Scott Johnson, Kansai University
Nakatani Nobuo, Kansai University
Ellis Tinios, Leeds University

Founded in 1852, the V&A has acquired Japanese objects from its earliest years and played a significant role in bringing the art of Japan to the attention of designers, manufacturers and the British public.

This tradition continues to the present day and in this new book some of the world’s leading researchers in this field bring their attention to the V&A’s unparalleled collection. Ten chapters focus on subjects such as the effects of Buddhism on the country’s arts and culture; the samurai; the highly aestheticized tea ceremony, which has been a notable feature of Japanese culture from the Medieval period up to the present day; Ukiyo-e and the graphic arts (prints, illustrated books, paintings and screens from the Edo period); exchanges with the West and imperialism, right up to modern and contemporary crafts and design including manga and high-tech design.

About the Author:

Gregory Irvine is Senior Curator in the V&A's Asian Department, where he specializes in Japanese metalwork.

The perfect introduction to the world of Japanese myth and legend

This is a smart and succinct guide to the rich tradition of Japanese mythology, from the earliest recorded legends of Izanagi and Izanami, their divine offspring and the creation of Japan, to medieval tales of vengeful ghosts, through to the modern-day reincarnation of ancient deities as the heroes of mecha anime. While many around the world love Japan’s cultural exports, few are familiar with Japan’s unique mythology - enriched by Shinto, Buddhism and regional folklore.

Mythology remains a living, evolving part of Japanese society, and the ways in which the people of Japan understand their myths are very different today even from a century ago, let alone over a millennium into the past. Offering much more than any competing overview of Japanese mythology, The Japanese Myths not only retells the ancient stories but also considers their place within the patterns of Japanese religions, culture and history, helping readers to understand the deep links between past and present in Japan, and the ways these myths live and grow.

Joshua Frydman takes the very earliest written myths in the Kojiki and the Nihonshoki as his starting point, and from there traces Japan’s mythology through to post-war State Shinto, the rise of the manga industry in the 1960s, J-horror and modern-day myths. Reinventions and retellings of myth are present across all genres of contemporary Japanese culture, from its auteur cinema to renowned video games such as Okami. This book is for anyone interested in Japan, as knowing its myths allows readers to understand and appreciate its culture in a new light.

Contents List:

Introduction
1. What are the Japanese Myths?
2. Age of the Gods
3. The Imperial Mythos
4. Living Kami and Divine Humans
5. Canon Foreigners
6. A World Flush with Spirits
7. Invention and Rediscovery

About the Author:

Joshua Frydman is Assistant Professor of Japanese in the Department of Modern Languages, Literatures and Linguistics at the University of Oklahoma. An expert on ancient Japan, his academic interests include the development of writing systems (in East Asia and worldwide), and the role of transregional and global cultural interactions in the development of premodern societies as viewed through literature and art. He is also the author of Inscribed Objects and the Development of Literature in Early Japan.

A major overview of Japanese residential architecture of the past five years by big names, including three Pritzker prize-winners, and emerging architects

Japanese houses today have to contend with unique factors that condition their design, from tiny plots in crowded urban contexts to ever-present seismic threats. These challenges encourage their architects to explore alternating ideas of stability and ephemerality in various ways, resulting in spaces that are as fascinating as they are idiosyncratic. Their formal innovation and attention to materials, technology and measures to coax in light and air while maintaining domestic privacy make them cutting-edge residences that suggest new ways of being at home. Contemporary Japanese architecture has emerged as a substantial force on the international scene ever since Kenzo Tange won the Pritzker Prize in 1987. This overview of 50 recent houses powerfully demonstrates Japan’s enduring commitment to design innovation.

Contents List:

Introduction • 50 Houses, including projects all over Japan by architects including ALX, Tadao Ando, ARtechnic, Atelier Bow-Wow, Atelier Tekuto, Shigeru Ban, C+A Coelacanth, Double Negatives, Eastern Design, Shuhei Endo, Masaki Endoh, Terunobu Fujimori, Sou Fujimoto, Fujiwara + Muro, Masahira Harada + MAO, Go Hasegawa, Naoko Horibe, Takeshi Hosaka, Jun Igarashi, Junya Isigami, Keiko + Manabu, Daisuke Maeda, UID/Keisuke Maeda, Norisada Maeda, Keiko Aita, Yuji Nakae, Koji Nakawatase, Satoshi Okada, Kazuyo Sejima, Hiroyuki Shinozaki, Suppose Design Office, TNA, Makiko Tsukada, Tsukano Architects and Koji Tsutsui

About the Author:

Philip Jodidio studied art history and economics at Harvard, and edited Connaissance des Arts for over twenty years. He is the author of numerous books, including monographs on Tadao Ando, Santiago Calatrava, Norman Foster, Richard Meier, Jean Nouvel and Zaha Hadid as well as The New Pavilions and Casa Moderna: Latin American Living.

The definitive overview of and ultimate resource on the iconic architect-designed houses built in Japan from 1945 to the present

Imagine a terraced house whose courtyard separates the kitchen from the bedroom. Or a tiny, triangular tower of rooms stacked one above another. Quirky, experimental and utterly fascinating, the houses produced in Japan since the end of the Second World War are among the most exceptional in the world. The Japanese House Since 1945 is a cohesive chronology of the most compelling architect-designed Japanese homes, showing developments in form, material, architectural expression and family living over almost eight decades.

Unparallelled in their conceptual purity, many Japanese houses have become icons at home as well as abroad. Presented with clear prose and accompanied by compelling photographs and drawings, this book features 97 houses, divided among nine chapters and organized by decade. In addition to acquainting the reader with individual homes, the book illuminates the social, technological, geographic and historical factors behind these era-defining houses. Developments over the period are underscored by the visual presentation, as it evolves from monochrome to colour and from hand-drawn to digital. Decade lead-ins set the historical context for each chapter, while ‘Spotlight’ segments draw attention to the separate components of the Japanese house. ‘At Home’ sections, most written by architects and their family members, bring to life the experience of living in these unique houses.

About the Author:

Naomi Pollock is an American architect, journalist and author. She has lived in Japan since the 1980s, reporting on architecture for international magazines. A special international correspondent for Architectural Record, she has written a number of books on Japanese houses and architects and is the author of Japanese Design Since 1945, also published by Thames & Hudson.

Пориньте у чарівний світ фільму легендарного режисера Хаяо Міядзакі «Мій сусід Тоторо».

Ця колекція листівок (які можна зберегти або надіслати) містить 30 різних намальованих від руки фінальних кадрів з фільму та прославляє прекрасне мистецтво та історію Тоторо.

Справжня насолода для шанувальників Studio Ghibli та анімації!

Про автора:

Studio Ghibli — це токійська анімаційна кіностудія, заснована режисерами Ісао Такахатою та Хаяо Міядзакі. Студія випустила кілька короткометражних фільмів та понад 20 повнометражних фільмів, зокрема «Мій сусід Тоторо», «Служба доставки Кікі», «Принцеса Мононоке» та лауреат премії «Оскар» «Віднесені привидами».

Демонструючи вражаючі та ефективні дизайни плакатів з Японії, POSŪTA POSTER висвітлює нове покоління робіт графічного дизайну, натхненних унікальною японською культурою, елементами та естетикою.

Від культового плаката Олімпійських ігор 1964 року Юсаку Камекура до психоделічних плакатів Таданорі Йокоо, Японія з повоєнних днів вийшла на передову вражаючу та ефективну графіку та дизайн плакатів. Повертаючись до епохи Reiwa, японська сцена графічного дизайну продовжувала розвиватися з точки зору дизайнерських цінностей та естетики.

Японська естетика дизайну, відома своєю відданістю ремеслу та винахідливості, не тільки вічна, але й містить унікальні елементи, властиві лише їхній культурі. POSŪTA POSTER слугує для демонстрації дизайну плакатів нового покоління талантів Японії, що охоплює категорії від політики/соціальних, рекламних, експериментальних тощо.

250 Japanese Knitting Stitches містить оригінальну колекцію в’язаних швів, вперше опубліковану Хітомі Шида в 1996 році.

Копії оригінального японського видання ревниво прагнули в’язальниці по всьому світу, і тепер видавництво Tuttle вперше пропонує вам цю класичну версію англійською мовою!

Попередня робота Хітомі Шіда, Біблія японського в’язання, була випущена компанією Tuttle у жовтні 2017 року та вже була придбана (і протестована) тисячами завзятих в’язальниць, які раді відкрити скарбницю елегантних і складних нових візерунків. 250 Japanese Knitting Stitches була першою роботою Хітомі Шида, і, як і її наступниця, вона наповнена її надзвичайно оригінальними та красивими дизайнами та варіаціями класичного в’язання.

Переклала та представила досвідчений інструктор із в’язання Гейл Рем, найвідоміший викладач японського в’язання в Америці. Roehm веде в’язальниць через деталі візерунків і пояснює, як виконувати шви.

Цей довідник з в'язання спицями містить наступне:

- Шви, призначені для бордюрів і окантовок
- Красиві кабельні шви, прості та складні
- Елегантні попкорн-стібки від тонких до жирних
- Кілька варіацій індивідуальних візерунків

Завершені проекти Shida - це диво, і досвідчені в'язальниці витримають навіть найстрашніші моделі стібків, щоб створити їх. Наповнена 250 характерними та винахідливими візерунками - зі схемою стібків і фотографією для кожного візерунка - ця довгоочікувана книга неодмінно буде на книжковій полиці кожної в'язальниці.

Про автора:

Хітоі Шидма – відомий японський дизайнер тисячі оригінальних в’язальних швів і трикотажних виробів, який має прихильників у всьому світі. Її складні та елегантні візерунки зробили її найвідомішим гуру в’язання в Японії. Вона викладає, займається дизайном і пише книги більше 20 років.

- 1000 pieces
- Quality design & easy to handle pieces
- Finished puzzle 60.9 x 45.7 cm
- Features a beautiful, full-color photograph of Japan's Nebuta Festival in Aomori
- The festival features huge floats in the shape of Samurai warriors made of wood or bamboo, covered in papier mache, and lit from within by hundreds of lights

About the Author:

Tuttle Studio draws inspiration from the modern and traditional cultures of Asia to create its language workbooks and resources, journals, stationery, gift wrapping products and origami paper. It is a division of Tuttle Publishing, a leading publisher of books on the languages, history, art and cultures of Asia. The company was founded in 1832 in Rutland, Vermont (USA) and opened a branch in Tokyo, Japan in 1948.

Основний огляд японських дизайнерів, ремісників, виробників і технологій, які сформували світ сучасного дизайну

Відданість ремеслу та найвища якість виробництва були невід’ємною частиною культури та повсякденного життя Японії протягом століть. Для японців концепція дизайну не обмежується функціональністю чи матеріальністю, а повністю пов’язана з давньою культурою та ритуалами. У цьому сенсі стілець – це набагато більше, ніж те, на чому ви сидите, чашка – це більше, ніж те, з чого ви п’єте: ці об’єкти потрібно розмірковувати, торкатися до них і пестити.

Коли масове виробництво набуло широкого поширення в післявоєнний період, між Японією та Заходом почали відбуватися захоплюючі міжкультурні обміни. Це породило не лише позачасові предмети надзвичайної краси та користі, але й інновації в матеріалах, формах і технологіях. Далеко за межі ікон японського дизайну – ідеально зваженої пляшки соєвого соусу Kikkoman, табурета-метелика Янагі, Sony Walkman – продукти та предмети, які з’явилися в країні протягом останніх семи десятиліть, деякі з яких були широко експортовані, викликають насолоду та захоплення. В останні роки нове покоління дизайнерів – Nendo, Yoshioka – вивели японську творчість на абсолютно нову територію, переосмисливши саме значення дизайну.

Дотепер не було зроблено жодних спроб представити повний огляд японського дизайну. У цьому томі представлено понад вісімдесят дизайнерів, сотні об’єктів і внески як японських, так і західних експертів з дизайну. Цей том стане остаточною роботою на цю тему на багато років вперед.

Список вмісту:

Передмова Маасакі Канаї • Вступ: Ремесло японського дизайну • Титани дизайну • Дизайнери та повсякденні ікони: столи та стільці • Есе Наомі Поллок • Їжа та напої • Есе Макото Шімазакі • Увімкнення та вимкнення • Есе Шіндзі Хамада • Плакати та упаковка • Основа та уток • Есе Матильди Маккуейд • Стиль життя та Дозвілля • Дизайнери від А до Я

Про авторів:

Наомі Поллок — американський архітектор, який пише про японський дизайн та архітектуру. Її роботи публікувалися в численних виданнях по обидва боки Тихого океану, зокрема A+U, Dwell, Kinfolk, Wallpaper* і Architectural Record, для яких вона є спеціальним міжнародним кореспондентом. Крім того, вона є автором кількох книг, зокрема Modern Japanese House, Made in Japan: 100 New Products, Jutaku: Japanese Houses та Sou Fujimoto. У 2018 році її було обрано до колегії стипендіатів Американського інституту архітекторів. Масаакі Канаї є президентом Ryohin Keikaku, роздрібного продавця та виробника провідного японського бренду Muji.

Designing Japan представляє бачення відомого дизайнера Кенії Хари про те, як його галузь може допомогти Японії у створенні майбутнього, заснованого на унікальній філософії краси, а також на краудсорсинговій мудрості з усього світу. Хара, майстер-співавтор, ретельний організатор та глобально свідомий новатор, спирається на понад три десятиліття участі в дизайнерській роботі та кураторстві виставок, а також на глибоку професійну взаємодію з творцями з різних галузей.

У Designing Japan Хара розкриває методи, які роблять публічно доступними естетичні питання про те, як ця острівна держава розвиватиметься, коли її населення старітиме, інші країни захоплюватимуть виробництво та розвиватимуться технології. Ілюстрації та приклади підкреслюють успішне вирішення проблем за допомогою дизайну, доводячи, що це жива, мінлива галузь, яка залишається актуальною не попри, а як партнер для розвитку технологій.

Про автора:

Кенія Хара (*1958) вважається найвпливовішим дизайнером сучасної Японії. Після закінчення факультету дизайну в Художньому університеті Мусасіно в Кодайрі в 1983 році він працював куратором і графічним дизайнером, перш ніж обійняти посаду арт-директора в Muji в 2002 році. Хара є президентом Nippon Design Center Inc. та керівником кафедри науки дизайну в Художньому університеті Мусасіно. Він має багато публікацій з теорії дизайну, зокрема в книгах Designing Design (2007), White (2009), Designing Japan (2018) та 100 Whites (2019).

Унікальний підхід Кейко до ікебани, японського мистецтва аранжування квітів, поєднує традиційні техніки із сучасними смаками. Її впливи – від скульптури до сучасного західного флористичного дизайну – об'єднуються, створюючи унікальні композиції, які є автентичними та привабливими, простими та витонченими, і які може досягти кожен.

У цій книзі представлені покрокові інструкції зі створення 20 приголомшливих композицій з ікебани різних розмірів та стилів. Кожну з квіткових композицій можна виконати лише за три простих кроки, використовуючи легкодоступні флористичні матеріали та контейнери. Книга також містить вступ до історії ікебани стосовно Японії та японської культури, а також посібник з основних правил дизайну ікебани та флористичних технік. Поради щодо пошуку та вибору матеріалів і приладдя дозволяють легко навчитися аранжувати квіти та отримати практичне уявлення про мистецтво японського аранжування квітів.

Про авторів:

Кейко Кубо почала відвідувати заняття з ікебани ще підлітком у Японії. Після переїзду до Сполучених Штатів, щоб займатися мистецтвом, вона закінчила Школу мистецтв Чиказького інституту мистецтв зі ступенем магістра образотворчих мистецтв за спеціальністю скульптура, а також вивчала західне флористичне мистецтво. Кейко мешкає в Чикаго, штат Іллінойс.
Еріх Шремпп — фотограф з Чикаго, який спеціалізується на ілюстративних зображеннях. Його витвори мистецтва та роботи на замовлення можна переглянути на сайті www.schremppstudio.com.

___________

Погортати книгу Keiko's Ikebana: A Contemporary Approach to the Traditional Japanese Art of Flower Arranging на Google Books.

In 1868, Japan underwent a dramatic transformation following the overthrow of the shogun by supporters of Emperor Meiji, marking the end of feudal military rule and ushering in a new era of government that promoted modernizing the country and interacting with other nations.

Japanese print culture, which had flourished for more than a century with the production of color woodcuts (the so-called ukiyo-e, or “floating world” images), also changed course during the Meiji era (1868–1912), as societal changes and the once-isolationist country’s new global engagement provided a wealth of new subjects for artists to capture. Featuring selections from the renowned Achenbach Foundation for Graphic Arts’ permanent collection, Japanese Prints in Transition: From the Floating World to the Modern World documents the shift from delicately colored ukiyo-e depictions of actors, courtesans, and scenic views to brightly colored images of Western architecture, modern military warfare, technology (railroad trains, steam-powered ships, telegraph lines), and Victorian fashions and customs.

About the Authors:

Rhiannon Paget is the curator of Asian art at the John & Mabel Ringling Museum of Art in Sarasota, Florida. Karin Breuer is curator in charge of the Achenbach Foundation for Graphic Arts.

Щедро ілюстрована історія японських ширм — обмежений тираж 3000 пронумерованих примірників

Японські ширми (бьобу, що означає «бар'єр проти вітру») виготовляються з дерев'яних ґраток з двома-дванадцятьма панелями, покритими паперовим або тканинним полотном. Вони унікальні тим, що є прекрасними витворами мистецтва, а також переносними меблями, що служать фоном для придворних церемоній або перегородками для інтимних чайних сервізів. Художники використовували ширми як тривимірні об'єкти, створюючи динамічні композиції, які спрямовують погляд глядача від однієї панелі до наступної.

Ця розкішна книга досліджує 1300-річну історію японських ширм. Автори, провідні експерти з японського мистецтва та культури, описують, як ширми розвивалися з VIII по XXI століття, від їхнього церемоніального використання в палацах і храмах до їхнього функціонального та декоративного використання у звичайних японських будинках. Вони досліджують стилістичну еволюцію ширм та широкий спектр сюжетів, таких як тварини, пори року, «Казка про Гендзі» та каліграфічні візерунки.

Цей том, оправлений у японському стилі та поміщений у гарну коробку-розкладачку, також містить репродукцію виняткової ширми розміром з плакат, яку можна обрамити.Japanese Screens стануть важливим доповненням до бібліотеки будь-якого поціновувача мистецтва.

Про авторів:

Анн-Марі Крістін була почесною професоркою класичної літератури Паризького університету, засновницею Центру вивчення письма та образу (CEEI) та авторкою книги «Історія письма».

Торахіко Терада — професорка порівняльної культури та літератури Токійського університету.

Клер-Акіко Бріссет — професорка історії японської культури Женевського університету.