Logos from Japan contains a selection of symbols and logos from this beguiling country. The logos have been carefully selected by Counter-Print to help convey the richness, variety and vitality of Japan’s graphic landscape.
Найбільш повний том на цю тему будь-якою мовою японського графічного дизайну було досліджено та опубліковано в Італії до першого десятиліття нового тисячоліття, але з того часу до сьогодні є прогалина.
за редакцією Gian Carlo Calza з Елізабеттою Скантамбурло
Це дослідження має на меті заповнити цю прогалину, розглядаючи перші два десятиліття нового тисячоліття, охоплюючи, з одного боку, минуле, в іменах важливих визнаних майстрів, а з іншого боку досліджуючи нові імена та тенденції. Том включає 85 графічних дизайнерів і 756 плакатів. Це найповніший том на цю тему будь-якою мовою.
Вважається, що японські сучасні плакати почали створюватися в середині 50-х років, після Другої світової війни та після періоду депресії, постмілітаризму та поставтаркії. Новий експресивний спосіб підживлювався стимулами, що надходили з-за кордону, але це також був шанс переосмислити традиційні теми та кольори, перенісши їх у сучасність освіжаючим та успішним способом.
З післявоєнного періоду в Японії стрімко розвиваються мистецтва: живопис, архітектура, скульптура, графіка, театр, музика, кіно. Впливи, асиміляції, заперечення, трансформації, нові творчі процеси породили величезну кількість культурних і мистецьких рухів. У цьому лабіринті експресивних форм графічний дизайн є дорогоцінним інструментом для відстеження та наслідування нитки національної творчості та більш-менш інтенсивної сталості традиційної естетичної чутливості в нових формах.
Понад півстоліття після зародження графіки та майбутні Олімпійські ігри, які відбудуться зараз у 2021 році, цей том має на меті отримати широкий погляд на тенденції та естетичні зміни, які можна простежити в розвитку графічного дизайну в Японії.
______________
У цій книзі зібрано найкраще з японського графічного дизайну в плакатах, які супроводжували Японію від Олімпіади в Токіо 1964 року до створення логотипу Issey Miyake і від Osaka Expo до офіційного плаката Pan-Pacific Design Congress. Кенія Хара народився в провінції Ок'яма в 1958 році. Після закінчення факультету дизайну в Університеті мистецтв Мусасіно в 1981 році та отримання ступеня магістра в 1983 році він приєднався до центру дизайну Nippon, де в 1992 році заснував Інститут дизайну Хара.
Юсаку Камекура народився в Канбарі в 1915 році. Його вважають особою, яка найбільше сприяла поширенню японського графічного дизайну в період після Другої світової війни. У 1933 році він закінчив факультет архітектури та промислового мистецтва; у 1940 році він став директором Nippon Kobo, а в 1949 році його призначили художнім керівником журналу Commerce Japan. Його найважливіші проекти, включно з плакатами для Олімпійських ігор 1964 року, Виставки в Осаці 1970 року, Хіросімських звернень і логотипу Nippon Telegraph and Telephone Corporation, зробили значний внесок у підвищення його слави.
Шін Мацунага народився в 1940 році в Токіо. Після закінчення факультету дизайну в Токійському національному університеті образотворчого мистецтва та музики в 1964 році він приєднався до рекламного відділу Shiseido. Він розробив плакат PEACE ’86 і курував весь графічний дизайн для Музею сучасного мистецтва Sezon. Він також розробив символ і офіційний плакат для Пан-Тихоокеанського конгресу дизайну 1989 року, плакат з правами людини на честь 200-річчя Французької революції, медаль до 120-річчя Монетного двору, логотип для Issey Miyake і RHIGA Royal Hotels і дизайн упаковки для французького бренду сигарет Gitanes Blondes (1995).
Кінорежисер і арт-директор Нагі Нода народилася в Токіо і зробила собі ім’я одного з найважливіших молодих японських дизайнерів. Спочатку вона здобула популярність як арт-директор, розробляючи рекламу для друкованих ЗМІ та графіку для видавництва та музичної індустрії, а потім працювала для більших клієнтів, таких як Nike та універмаги Laforet Harajuku. Ікко Танака народився в 1930 році в Нарі. У 1950 році, коли йому було лише 19 років, він закінчив Школу образотворчого мистецтва міста Кіото (нині Кіотський університет мистецтв) і одразу після цього почав працювати в таких компаніях, як текстильна компанія Kanegafuchi та щоденна газета Sankei Shinbun. Він розробив вивіски та медалі для Олімпіади в Токіо 1964 року та павільйон, присвячений історії Японії на виставці Osaka Expo 1970 року.
Whether it be Cosplay, Rockabilly, HipHop or Gothic: when the Japanese immerse in a subculture, they do it like no other.
The otaku’s passion is all-consuming. Whether it be cosplay, gothic, or rockabilly, when the Japanese embrace a subculture, they do it like no other. From Lolita fashion and latex couture to neon-drenched big-rigs, anime-plastered vans, and chrome-heavy hot rods, subcultures in Japan are as varied as they are fascinating.
Delving into these worlds, The Obsessed reveals the extraordinary passion devotees have for their hobbies and lifestyles. With dazzling photography, on-the-ground interviews, and cultural essays, this book showcases a kaleidoscope of scenes and individuals drawn from Japan’s many countercultural groups.
About the Author:
Irwin Wong is an editorial and commercial photographer based in Tokyo. Originally from Melbourne, Australia, he moved to Japan in 2005. He was Co-editor of gestalten’s Handmade in Japan, published in 2020.
Перша всеохоплююча монографія NUNO, однієї з найбільш інноваційних і шанованих студій текстильного дизайну в Японії.
Названа простим словом, що означає «тканина», NUNO є однією з найважливіших японських компаній текстильного дизайну. Заснована в 1984 році легендарним Джунічі Араї та нинішнім директором компанії Рейко Судо, вона визнана одним із найбільш інноваційних виробників текстилю у світі. Дизайнери NUNO, відомі тим, що поєднують традиції та передові технології, надихаються минулим, сьогоденням і майбутнім, поєднуючи несподівані елементи, такі як папір, пір’я чи алюміній, із промисловими методами, такими як напилення та хімічне травлення. Усі текстильні вироби NUNO (їх було створено понад 2500) виробляються в Японії та зазвичай є ручною роботою окремого майстра. Кожен шматок тканини має свою історію.
Хоча їхні текстильні вироби регулярно з’являються в книгах, на виставках текстилю та в музейних колекціях, повної монографії NUNO не існувало досі. У книзі представлені найвидатніші, найвпливовіші чи експериментальні тканини, книга складається з семи розділів, кожен з яких базується на темі, яка походить від звукоподражального зв’язку в японській мові, що визначає сімейство тканин. Наприклад, «Shima Shima», що означає «смугастий», представляє смугасті малюнки від яскравих і контрастних, як у зебри, до тонко строкатих, як у смугастого кота. На основі інтерв’ю, архівних досліджень та відвідин заводів тексти проілюстровані спеціально замовленими фотографіями та малюнками. Між собою розміщено есе багатьох авторів, від письменника Харукі Муракамі та архітектора Тойо Іто до куратора Анни Джексон.
Поєднуючи всі нитки разом у чудово оформленому пакеті, NUNO є документом виняткової краси та рідкісним уявленням про суть японського дизайну.
Список вмісту:
Передмова
вступ
1. ФУВА ФУВА: Фува Фува Харукі Муракамі; Портрет тканини: нитка
2. SHIWA SHIWA: Shiwa Shiwa Кенії Хари; Портрет тканини: рулони паперу
3. SHIMA SHIMA: Stripes of All Colours від Brooke Hodge; Портрет тканини: плетіння орігамі
4. KIRA KIRA: Shining Within від Акане Тесіґавара; Портрет тканини: Амате
5. SUKE SUKE: Три прозорі плівки від Тойо Іто; Портрет тканини: Турецька стіна
6. ZAWA ZAWA: вірші Арто Ліндсі; Портрет тканини: Медуза
7. БОРО БОРО: есе Анни Джексон; Портрет тканини: кольорова табличка про кольори
Хронологія текстилю
Подяки
Біографії
Автори фото
Про авторів:
Рейко Судо є одним із найвпливовіших сучасних дизайнерів текстилю в Японії та керуючим директором NUNO. Останніми роками вона стала відомою як захисник текстильних майстрів у Японії, створюючи технологічно передові дизайни, не применшуючи цінності рукоділля. Наомі Поллок – автор дизайну, яка жила і працювала в Японії понад 30 років. Її остання публікація — Japanese Design Since 1945 (2020), також опублікована Thames & Hudson.
Modern by Tradition. A survey of Japan’s contemporary architecture scene
The contemporary architecture of Japan has long been among the most inventive in the world, recognized for sustainability and infinite creativity. No fewer than seven Japanese architects have won the Pritzker Prize.
Since Osaka World Expo ’70 brought contemporary forms center stage, Japan has been a key player in global architecture. With his intentionally limited vocabulary of geometric forms, Tadao Ando has since then put Japanese building on the world’s cultural map, establishing a bridge between East and West. In the wake of Ando’s mostly concrete buildings, figures like Kengo Kuma (Japan National Stadium intended for the Olympic Games, originally planned for 2020), Shigeru Ban (Mount Fuji World Heritage Center), and Kazuyo Sejima (Kanazawa Museum of 21st Century Art of Contemporary Art) pioneered a more sustainable approach. Younger generations have successfully developed new directions in Japanese architecture that are in harmony with nature and connected to traditional building. Rather than planning on the drawing board, the architects presented in this collection stand out for their endless search for forms, truly reacting on their environment.
Presenting the latest in Japanese building, this book reveals how this unique creativity is a fruit of Japan’s very particular situation that includes high population density, a modern, efficient economy, a long history, and the continual presence of disasters in the form of earthquakes. Accepting ambiguity, as seen in the evanescent reflections of Sejima’s Kanazawa Museum, or constant change and the threat of catastrophe is a key to understanding what makes Japanese architecture different from that of Europe or America.
This XL-sized book highlights 39 architects and 55 exceptional projects by Japanese masters — from Tadao Ando’s Shanghai Poly Theater, Shigeru Ban’s concert hall La Seine Musical, SANAA’S Grace Farms, Fumihiko Maki’s 4 World Trade Center, to Takashi Suo’s much smaller sustainable dental clinic. Each project is introduced with photos, original floor plans and technical drawings, as well as insightful descriptions and brief biographies. An elaborate essay traces the country’s building scene from the Metabolists to today and shows how the interaction of past, present, and future has earned contemporary Japanese architecture worldwide recognition.
The editor:
Philip Jodidio studied art history and economics at Harvard, and edited Connaissance des Arts for over 20 years. His TASCHEN books include the Architecture Now! series and monographs on Tadao Ando, Santiago Calatrava, Renzo Piano, Jean Nouvel, Shigeru Ban, Richard Meier, Zaha Hadid, and soon Norman Foster.
Повноцінна колекція рецептів домашньої кухні однієї з найбільш шанованих і улюблених кулінарних культур
Японія: Кулінарна книга має понад 400 розкішних рецептів від відомої письменниці про їжу Ненсі Сінглтон Хачісу. Культові та регіональні традиції Японії організовані за курсами та містять проникливі нотатки поряд з рецептами. Страви - супи, локшина, рис, солоні огірки, каструлі, цукерки, овочі - прості та витончені.
Про автора:
Nancy Singleton Hachisu живе на фермі в Японії зі своєю сім’єю та є номінанткою на премію Джеймса Берда, автором двох кулінарних книг: Japanese Farm Food та Preserving the Japanese Way. Її роботи з’являлися в Food & Wine, Saveur, The Art of Eating та Lucky Peach. Корінна каліфорнійка, вона проживає в Японії протягом тридцяти років і користується широкою повагою як авторитет у японській кулінарії як в Японії, так і в Сполучених Штатах.
Коли продукт має позначку “Made in Japan”, це часто є обіцянкою якості, а незмінна ясність, порядок і точність японського дизайну безперечно гарантує, що репутація не буде перебільшена. Знакові стилі японського дизайну, відомі своїми мінімалістичними чистими лініями, викликають захоплення та наслідування в усьому світі. Справді стоячи на передовій у створенні національної дизайнерської ідентичності, це яскравий приклад поєднання культури та дизайну, змішування історії, традиційного мистецтва та філософії в сучасному дизайні.
Звертаючи увагу на понад 40 місцевих креативних творців, що стоять за різноманітними проектами в різних галузях, Made in Japan охоплює від ідентичності бренду до просторового дизайну та ілюстрацій тощо, досліджуючи, як різноманітність утримується разом завдяки впливу спільної культури.
Демонструє та аналізує основні моменти з колекції японських гравюр Ван Гога, досліджуючи ключову роль, яку вони відіграли в його творчості
Ось прекрасне дослідження одержимості Ван Гога Японією, яке розкриває добірку гравюр, якими він сам володів (усі з Музею Ван Гога), поряд із його власними картинами та ескізами, зокрема шедевр «Цвітіння мигдалю», «Куртизанка», «Цвіт сливи» та Міст під дощем. Ця можливість поділитися баченням Ван Гога дає нам переконливе розуміння одного з найпотужніших творчих впливів, що стоять за його мистецтвом.
Вінсент Ван Гог зачарувався японською графікою в Парижі, де він придбав понад 600 гравюр у дилера. Він повісив їх у своїй майстерні, і вони навчили його по-новому дивитися на світ. Ван Гогу подобалися незвичайні просторові ефекти, простори яскравих кольорів, повсякденні сюжети та увага до деталей природи. Він також прагнув знайти сучасний, більш примітивний вид живопису, який безпосередньо взаємодіє з глядачем. Японські гравюри показали йому шлях, де природа все ще була відправною точкою.
Про авторів:
Аксель Рюгер, директор Музею Ван Гога.
Маріє Веллекоп — керівник відділу колекцій, досліджень і презентацій Музею Ван Гога.
Список вмісту:
1. Передмова Акселя Рюгера, директора Музею Ван Гога • 2. Колекція японської гравюри Ван Гога: від товарів до колекції дослідження та утопічного ідеалу, Луї ван Тілборг • 3. Колекція японської гравюри Музею Ван Гога: аналіз, Кріс Уленбек • 4. Популярні предмети колекціонування за часів Ван Гога: японські гравюри з крепу, Сігеру Оікава • 5. Вибір із 130 японських гравюр із колекції музею Ван Гога
Elegantly packaged in a bespoke box, these 100 postcards feature some of the most spectacular examples of artworks made in the age-old woodblock tradition. All sourced from the V&A's outstanding collections, the Japanese Woodblock Print Postcard Box is the third release in the best-selling V&A box set series. Each set celebrates the V&A's status as a source of inspiration for designers, reflecting the unique breadth and depth of a collection that represents over 3,000 years of objects from all over the world.
Ця книга демонструє зображення пекла в японському мистецтві з XII по XIX століття.
Вона містить велику колекцію шедеврів, представлених з деталями та збільшеними зображеннями робіт. Ці зображення естетичні, спонукають до роздумів, лякають і неймовірно кумедні.
Однотомна колекція зосереджена переважно на творах, що визнані національними скарбами Японії або важливими культурними цінностями, і містить різні зображення пекла видатних художників, таких як Кадзунобу Кано, Нічосай, Йосітосі Цукіока та Кьосай Каванабе. Це обов'язкова книга для художників, ілюстраторів та всіх, хто цікавиться зображеннями пекла. Цей том також містить видання XIX століття «Одзьйосю» («Основи відродження в Чистій Землі»), написане середньовічним буддійським ченцем Генсіном (942–1017) і супроводжується сучасним двомовним текстом.
Написаний у 985 році, цей впливовий буддійський текст часто порівнюють з «Божественною комедією» Данте («Божественна комедія»). Його жорстокі сцени підземного світу демонструють страждання та жорстокість, які людина може зазнати внаслідок шкідливих дій, скоєних за життя, або суду Десяти Царів Пекла. Ці ідеї пекла в Оджойосю відіграли значну роль у натхненні японських буддійських картин та інших наступних текстів, особливо починаючи з середньовіччя, і яскраво зображені на картині, представленій у цьому томі.
У двомовному тексті також включені есе істориків як японського мистецтва, так і буддизму.
Тісний зв'язок японського татуювання з темним світом якудза допоміг надати цій формі художнього вираження ауру таємничості. Але культура ірезумі є глибокою та багатою на значення, форми та мотиви, які пройшли шлях від кольорових гравюр на дереві до нанесення на шкіру, щоб прикрасити та захистити своїх носіїв.
Ця книга розкриває значення та секрети найбільш значущих мотивів традиційного японського татуювання, таких як міфологічні та надприродні істоти, тварини, буддистські божества, квіти та історичні персонажі, і перетворює цей вид мистецтва на шлях до особистих знань та індивідуального вираження. Читачі дізнаються про походження та значення кожного візуального представлення найпоширеніших тем у цьому виді мистецтва. Irezumi itai починається з короткого огляду історії японського мистецтва татуювання, а потім розглядає кожну тему (воду, міфологічних тварин, реальних тварин, міфологічних персонажів, історичних персонажів, квіти, сюнга та йокай) за допомогою зображень та описових текстів; також містить галерею оригінальних дизайнів автора та глосарій.
По суті, японське мистецтво ікебани полягає у відзначенні тісного зв'язку з природою. Практикувати ікебану – це знаходити натхнення в порах року, віддавати перевагу скромним квітам та гілкам, шукати балансу та простоти, а також повністю залишатися присутнім у моменті. Це прекрасний, чистий антидот нашому віку розсіяності та надмірностей. Шануючи походження ікебани, водночас роблячи мистецтво своїм, Аманда Луу та Іванка Мацуба зі Studio Mondine показують нам нові способи розповідати історії за допомогою квітів. Вони пропонують покрокові інструкції для створення десятків приголомшливих сезонних композицій, водночас знайомлячи читачів з темами та стилістичними особливостями мистецтва. У руках Studio Mondine ця багатовікова практика відчувається безперечно свіжою, а читачі отримують дар навчитися створювати унікальні, змістовні та автентичні композиції.
«Сучасний погляд на багатовікове мистецтво, яке захоплює дух своєю простотою». — Booklist, starred review
Про авторів:
Іванка Мацуба та Аманда Луу — команда, що стоїть за Studio Mondine, студією флористичного дизайну, що базується в Сан-Франциско, Каліфорнія, яка прагне збалансувати простоту японської ікебани з великою кількістю квіткових композицій у західному стилі. Їхні роботи були представлені в New York Times, Vogue, Real Simple, Martha Stewart Weddings та Architectural Digest, а також вони створювали композиції для Everlane, Google, Parachute Home, Бруклінського ботанічного саду та інших.
Гарні квіти, зі смаком аранжовані в простих контейнерах, є справжньою суттю ікебани, традиційного японського мистецтва квіткового аранжування.
Japanese Ikebana for Every Season – це натхненна книга, яка розвінчує міфи про цей давній вид мистецтва, представляючи 53 прості квіткові композиції, які легко зробити вдома будь-кому. Для кожної пори року пропонуються різні композиції. Ви можете легко створити їх усі за кілька хвилин, використовуючи звичайні квіти та рослини з вашого саду, з сусіднього поля чи лісу, або від місцевого флориста.
Пояснення та основні інструкції охоплюють широкий спектр стилів, які заохочують читача використовувати власну творчість, а не рабськи копіювати традиційні дизайни та концепції ікебани.
Авторка Ріє Імай пояснює, як вибрати простий контейнер та квіти, які можна знайти будь-де, а потім як перетворити їх на щось особливе за допомогою лише кількох дуже простих технік. Ключ до гарної ікебани полягає в розумінні кількох дуже простих традиційних японських концепцій, таких як ідея мітате – бачення старих речей новими очима, а також прості техніки стабілізації та підтримки квітів у контейнері.
Кожен розділ цієї книги представляє різноманітні теми та композиції, покликані надихнути та порадувати.
Незалежно від пори року та вашого бюджету чи смаків, композиції в цій книзі додадуть вашому дому нотку японської елегантності.
___________
Погортати книгу Japanese Ikebana for Every Season: Elegant Flower Arrangements for Your Home на Google Books.
Колекція темного та фетишного мистецтва понад 40 сучасних художників з усього світу, таких як Здзіслав Бекскі, Ніколетта Чекколі, Рей Цезар, Джеймс Джин, Джон Сантерінеросс, сестри Попові та Елізабет Макграт.
Готичний смак, декаданс, ляльковий та лолітський стиль – світ естетизму та дегенерації – підтримується широким колом людей незалежно від їхнього віку та статі.
Бажаючи представити це фантастичне мистецтво не лише шанувальникам, які вже глибоко цінують цей світ, але й ширшій аудиторії, PIE International опублікувала Japanese Erotica in Contemporary Art у вересні 2014 року та Erotica in Japanese Contemporary Art. Vol. 2 у березні 2016 року.
Оскільки ці книги були добре сприйняті на ринку, у нас тепер є третій том Dark & Fetish Art.
У цих двох томах ми зосередилися на японських художниках, але в цій третій книзі представлені художники з усього світу.
Ця книга поділена на такі категорії, як фетиш-мистецтво, темне мистецтво, художня фотографія та тривимірне мистецтво.
«суміш художньої чуттєвості та образності, яка не залишає нічого для уяви» - The Telegraph
На початку Нового часу в Японії було створено тисячі відверто сексуальних картин, гравюр та ілюстрованих книг із текстами. Їх евфемістично називали «весняними картинами» (шунга), і спочатку вони були створені художниками школи укійо-е плаваючого світу для реклами публічних будинків у Йосіварі 17-го століття, зокрема знаменитими художниками Утамаро та Хокусаєм.
Цей каталог виставки 2013-2014 років у Британському музеї має на меті відповісти на деякі ключові запитання про те, що таке шунга та чому її створили. Еротичне японське мистецтво сильно пригнічувалося в Японії з 1870-х років, і лише за останні двадцять років чи близько того в Японії вдалося опублікувати невигадані зразки.
Спираючись на останні наукові дослідження та вміщуючи понад 400 зображень творів із великих державних і приватних колекцій, ця книга проливає нове світло на цей унікальний вид мистецтва в японській соціальній та культурній історії.
About the Author:
Тімоті Кларк, керівник японського відділу Британського музею
