Книги про східний дизайн

Logos from Japan contains a selection of symbols and logos from this beguiling country. The logos have been carefully selected by Counter-Print to help convey the richness, variety and vitality of Japan’s graphic landscape.

Коли продукт має позначку “Made in Japan”, це часто є обіцянкою якості, а незмінна ясність, порядок і точність японського дизайну безперечно гарантує, що репутація не буде перебільшена. Знакові стилі японського дизайну, відомі своїми мінімалістичними чистими лініями, викликають захоплення та наслідування в усьому світі. Справді стоячи на передовій у створенні національної дизайнерської ідентичності, це яскравий приклад поєднання культури та дизайну, змішування історії, традиційного мистецтва та філософії в сучасному дизайні.

Звертаючи увагу на понад 40 місцевих креативних творців, що стоять за різноманітними проектами в різних галузях, Made in Japan охоплює від ідентичності бренду до просторового дизайну та ілюстрацій тощо, досліджуючи, як різноманітність утримується разом завдяки впливу спільної культури.

Книга великого формату, яка розкриває секрети унікального творчого процесу Нендо

Він назвав свою фірму «Нендо», що японською означає «модельна глина»; він використовує ескізи, схожі на мангу, для ілюстрації своїх дизайнерських концепцій; і він створює одні з найвинахідливіших меблів у світі: він — Окі Сато, один із найплідніших дизайнерів Японії. У будь-який момент він працює над сотнями проектів — архітектура, інтер'єри, меблі, посуд тощо. «Немає нічого, що я б не спроектував», — каже Сато.

Сато зображує свої проекти з надзвичайною концептуальною ясністю. Спочатку він дає волю своїй уяві, а потім документує свою ідею простим малюнком чорних ліній — будь то раковина у ванній кімнаті, визначена одним керамічним завитком, або пара дерев'яних паличок для їжі, які скручуються разом, щоб стати одним цілим. Ці 2D-зображення перетворюються на мінімальні 3D-форми, описані чіткими контурами та переважно монохромною палітрою. Подібно до традиційного японського живопису тушшю, який створює зображення лише кількома мазками пензля, Сато вилучає зайве та усуває відволікаючі фактори.

Завдяки оригінальним ескізам Сато, зображенням продуктів у повному масштабі та пояснювальним текстам, Nendo розкриває та розкриває унікальний творчий процес дизайнера, крок за кроком проводячи читача через його інноваційний та грайливий світ, щоб розкрити секрети п'ятдесяти його неповторних робіт.

Про автора:

Окі Сато — засновниця багаторазово нагородженої японської дизайнерської фірми Nendo. Женев'єв Галло — колишня директорка Національного інституту спадщини та Вищої національної школи декоративного мистецтва.

From traditional floral motifs to patterns inspired by natural phenomena, from icons depicting mythical features and deities, to lattices and geometrically constructed elements, Oriental patterns evoke a distinct cultural charm.

This volume shows how various hues can be harmonised to transform these patterns dramatically. Providing hundreds of possibilities for every design project, it takes the appreciation of colour to a new level.

З кінця ХІХ століття наша естетика зазнає виклику різними авангардними мистецькими ідеями, особливо вражаючими хаотичною візуальністю. Але за хаосом у мистецтві криється ще багато історій. Ця книга досліджує спадщину хаотичного мистецтва в історії людства та містить найзахопливіші графічні проекти, що вирізняються хаотичними стилями, які були розбиті на чотири різні підходи: спотворення, надмірність, різноманітність і випадковість. Як данина хаотичному мистецтву, вдосконаленому сміливими попередниками, а також як оплески хаотичним візуальним образам, які живлять наші сучасні дизайнери, він служить мостом між художніми ідеалами та графічною комунікацією, між спантеличеними читачами та експресивними дизайнерами.

One million units shipped worldwide! We'll show you everything behind the scenes of the popular game, Sakuna: Of Rice and Ruin, with one million units sold worldwide!

Sakuna: Of Rice and Ruin is a Japanese-style action role-playing simulation video game (RPG) in which the main character becomes stronger by growing fine rice. The beautiful scenery of ancient Japan, the exhilarating action of battling demons, and the wonderfully authentic rice cultivation have created a huge buzz not only in Japan but also around the world.

This book contains the production storyboards and artworks, featuring not only the designs of the characters that appear in the game but also the design of small gadgets, weapons, and food, along with the background art that is essential to creating the beautiful Japanese world of the game.

An added bonus is detailed explanations from game designer Nal, scenario creator Koichi, and character designer and concept artist Ryota Murayama. This book is a must-have for fans who want to know everything about Sakuna: Of Rice and Ruin and for anyone wanting to be a game creator.

About the Authors:

Nal is the director of Sakuna: Of Rice and Ruin, working on game design, programming, visual effects, sound effects, and display. 

Koichi is the lead artist for Sakuna: Of Rice and Ruin, working on character modeling, background modeling, planning support, scriptwriting, and title logo design.

Ryota Murayama: Character design, concept art

Японська гравюра ХХ століття досі привертала відносно мало уваги. Ця публікація має на меті це змінити. Сін ханга (нові гравюри) – це гармонійно збалансовані дизайни, надруковані на папері найвищої якості з використанням найкращих пігментів та невеликими тиражами. Вони є плодом традиційної, але успішної співпраці між художником, видавцем, різьбярем блоків та друкарем. Гравюри сін ханга відрізняються від своїх традиційних попередників не стільки своєю тематикою, скільки своєю візуальною мовою.

Ця книга представляє унікальну добірку, яка дозволяє нам дослідити японську гравюру ХХ століття. Гравюри, які вона відтворює, здебільшого взяті з двох великих приватних колекцій, доповнені роботами з Королівських музеїв мистецтва та історії в Брюсселі та кількома винятковими предметами з сімейної колекції видавця Ватанабе, людини, яка все це започаткувала.

Про авторів:

Автор Кріс Уленбек був куратором кількох великих виставок японського мистецтва. Йому тут допомагають Джим Двінгер, експерт з історії японського мистецтва та спеціаліст з ксилографії, та Філо Оувелін, художник-візуаліст зі ступенем магістра японських студій.

From rugged Japanese firemen’s ceremonial robes and austere rural workwear to colourful, delicately-patterned cotton kimonos, this lavishly illustrated volume explores Japan’s rich tradition of textiles.

Textiles are an eloquent form of cultural expression and of great importance in the daily life of a people, as well as in their rituals and ceremonies. The traditional clothing and fabrics featured in this book were made and used in the islands of the Japanese archipelago between the late 18th and the mid-20th century. The Thomas Murray collection featured in this book includes daily dress, workwear, and festival garb and follows the Arts and Crafts philosophy of the Mingei Movement, which saw that modernization would leave behind traditional art forms such as the hand-made textiles used by country people, farmers, and fisherman. It presents subtly patterned cotton fabrics, often indigo dyed from the main islands of Honshu and Kyushu, along with garments of the more remote islands: the graphic bark cloth, nettle fiber, and fish skin robes of the aboriginal Ainu in Hokkaido and Sakhalin to the north, and the brilliantly coloured cotton kimonos of Okinawa to the far south. Numerous examples of these fabrics, photographed in exquisite detail, offer insight into Japan’s complex textile history as well as inspiration for today’s designers and artists. This volume explores the range and artistry of the country’s tradition of fiber arts and is an essential resource for anyone captivated by the Japanese aesthetic.

About the Authors:

Thomas Murray is a dealer of Asian and tribal art and has an extensive personal collection of Japanese and Indonesian textiles. He is a past president of the Antique Tribal Art Dealers Association (ATADA), and served on President Obama's Cultural Property Advisory Committee at the Department of State in Washington, DC. Virginia Soenksen is Associate Director of the Madison Art Collection at James Madison University in Virginia. Anna Jackson is Keeper of the Asian Department at The Victoria and Albert Museum in London, where she is responsible for the museum's collection of Japanese textiles and dresses.

Whether it be Cosplay, Rockabilly, HipHop or Gothic: when the Japanese immerse in a subculture, they do it like no other.

The otaku’s passion is all-consuming. Whether it be cosplay, gothic, or rockabilly, when the Japanese embrace a subculture, they do it like no other. From Lolita fashion and latex couture to neon-drenched big-rigs, anime-plastered vans, and chrome-heavy hot rods, subcultures in Japan are as varied as they are fascinating.

Delving into these worlds, The Obsessed reveals the extraordinary passion devotees have for their hobbies and lifestyles. With dazzling photography, on-the-ground interviews, and cultural essays, this book showcases a kaleidoscope of scenes and individuals drawn from Japan’s many countercultural groups.

About the Author:

Irwin Wong is an editorial and commercial photographer based in Tokyo. Originally from Melbourne, Australia, he moved to Japan in 2005. He was Co-editor of gestalten’s Handmade in Japan, published in 2020.

Фантастична колекція робіт цифрового художника світового рівня Ватабоку тепер доступна!

Ця книга — збірка робіт Ватабоку, цифрового художника, який продовжує привертати увагу як у Японії, так і в усьому світі. Ілюстрації художниці, що зображують прекрасних, але дещо тіньових дівчат сьодзьо, виконані акварельними фарбами, отримали схвальні відгуки в соціальних мережах не лише в Японії, а й у всьому світі. Ця книга всебічно охоплює творчість Ватабоку, від робіт, представлених на персональних виставках по всьому світу, до новіших робіт.

Назва VSI означає «VS (проти)», «Я (сам)» і походить від бажання Ватабоку «підкреслити важливість почуттів, які я мав у підлітковому віці, що є основою моєї роботи. Або, кажучи прямо, зосередитися на часі, коли я був «зухвалим»». Ця книга пропонує повний архів, який стискає п'ять років еволюції з моменту виходу першої художньої книги Ватабоку. Навіть коли середовище навколо них змінювалося, ватабоку постійно захищала це відчуття себе, яке було центральною опорою та джерелом творчості для творчості митця.

Про автора:

Ватабоку — японський цифровий художник, чия фан-база продовжує розширюватися по всьому світу у відповідь на їхні роботи, засновані на оригінальній іконі школярки сьодзьо, SAI, розроблені в соціальних мережах. У 2016 році перша арт-бук ватабоку, Kan 0, був опублікований видавництвом Pony Canyon. Відтоді, окрім виставок по всій Японії, художниця проводила персональні виставки в різних містах, переважно в Азії. Зовсім недавно ватабоку розширювала свою діяльність як сучасного художника. Серед репрезентативних робіт — співпраця з Йоджі Ямамото, музичний кліп на пісню «Mela!» Рьокуошоку Шакай (Рьокушака) та дизайн книги для 12 Suicidal Teens (Буншун Бунко). Назва «ватабоку» походить від японських слів «ваташі» та «боку», що означають «я».

Через близько 300 об’єктів ця книга досліджує сучасний японський дизайн: від повсякденних предметів і упаковки до дизайну інтер’єру та елементів освітлення.

Зрештою, книга має на меті дослідити те, як японському дизайну вдається використовувати свої матеріали – природні чи синтетичні – і водночас поєднує повагу до традицій із перспективним мисленням та експериментуванням.

Представлені об’єкти були обрані через їхній сильний японський характер і вплив цієї «японщини» на західну культуру. Замість того, щоб слідувати хронологічному порядку чи зосереджуватися на дизайнерах, ця книга зосереджена на об’єктах і класифікована за матеріалами, підкреслюючи тісний зв’язок між дизайном і матеріалом у Японії.

Книга включатиме приклади деяких із найважливіших японських дизайнерів від Сорі Янагі та Широ Курамати до Наото Фукасава та Токудзіна Йосіоки, а також буде вступне есе про японський дизайн Кенії Хара.

- У цій вишукано створеній книзі читачі можуть досліджувати красу, суть і стійкий вплив японського дизайну через 300 ключових об’єктів, починаючи від каліграфічних пензлів і традиційних лакованих коробок бенто до паперових ламп Ісаму Ногучі та іншої сучасної класики.
- Містить внески найважливіших японських дизайнерів, таких як Широ Курамата, Наото Фукасава та Сорі Янагі, а також сучасні вироби дизайнерів-початківців
- Надрукована на крафтовому папері та переплетена в традиційному японському стилі, сама книга є прекрасним предметом, який обов’язково надихне всіх, хто цікавиться дизайном.

Зміст і розділи:

Переосмислення традицій: від ремесла до дизайну Росселла Менегаццо
Витоки японського дизайну Кенія Хара

Дерево, бамбук і лак
Папір
метал
Тканина та текстиль
Керамічні
Синтетичні/нові матеріали

Про авторів:

Росселла Менегаццо — доцент кафедри історії мистецтва Східної Азії в Міланському університеті студій. У 2009 році вона закінчила свій докторський курс зі сходознавства у Венеціанському університеті Ка’ Фоскарі, захистивши дисертацію з історії японського мистецтва та фотографії. Вона курувала кілька подій і виставок і є автором численних текстів про японську фотографію, графічний дизайн та укійо. Вона є постійним автором низки національних газет, пише статті про японську культуру та мистецтво.

Стефанія Піотті отримала ступінь бакалавра зі східноазіатських досліджень у Венеціанському університеті Ка' Фоскарі, спеціалізуючись на японському текстилі та розробці дизайну та моделей кімоно зокрема. Вона працювала перекладачем і науковим координатором на різноманітних виставках японського мистецтва та редактором італійських та англійських видань, таких як Imai. A Retrospective (Electa, 1998), Hokusai (Phaidon, 2004) та Japan Style (Phaidon, 2007).

Перша колекція мистецтва Макура Курами.

Світ Makura Kurama сповнений темряви та краси. Власники, гості, сусіди та інші персонажі, які з'являються в антикварній крамниці, страждають від горя, страху чи болю в душі. Костюми та мотиви в готичному стилі, такі як скелети, ляльки, трупи, таксидермія, природні екземпляри та, звичайно, кохання, надають історіям похмуру, фантастичну атмосферу. Але ці історії ніколи не стають невиліковними трагедіями.

Витончена робота Макури Курами та відчуття надії, пошуку світла в темряві завжди привносять в історії спокутальний елемент.

Ця книга є першою художньою збіркою робіт Макури Курами та включає оповідання, комікси та ілюстрації. Навіть ті, хто знає творчість Макури Курами, будуть зачаровані цими історіями, які ніколи не бувають такими розпачливими та болісними, як здається на перший погляд, оскільки закінчуються щастям. Чому б не подзвонити в дзвінок своєрідної антикварної крамниці та переконатися в цьому на власні очі?

Про автора:

Макура Курама – перспективний творець, який миттєво став зіркою після виходу коміксу The Peculiar Antique Shop: Plague Doctor and Mrs. Antlers у Twitter у 2018 році.

Святкування 400-річчя традиційної японської керамічної культури в інтерпретації провідних дизайнерів сьогодення

Мистецтво японського виробництва порцеляни зародилося в Аріті в 1616 році. Зараз, у день свого 400-річчя, Arita / Table of Contents відображає унікальну співпрацю між 16 сучасними дизайнерами та 10 традиційними японськими гончарними майстернями, які працюють над створенням 16 надзвичайно оригінальних, інноваційних та сучасних керамічних колекцій, що вкорінені в повсякденному житті 21 століття. Понад 500 ілюстрацій пропонують захопливе знайомство з ремеслом та регіоном, тоді як сучасні колекції розкривають унікальний творчий потенціал поєднання давніх та сучасних майстрів.

Про автора:

Анніна Койву — критик, редактор та консультант. Вона була редактором журналу Abitare, директором з досліджень та керівником відділу міжнародних зв'язків з громадськістю та партнерства у Vitra, а в 2013 році була призначена керівником теоретичного відділу магістерських програм з дизайну продуктів та арт-директорства в ECAL у Лозанні. Вона є авторкою книги Works (2012) та головною редакторкою книги The Walking Society (2015).

This fantastic book of asian illustration includes a recompilation of work from seventeen renowned artists. Some of those featured are Lokman Lam, Ippei Gyoubu, Beesha, Ryuji Kawano, Erika Yamashiro, Naoshi… who have personally selected a few of their best works. The styles employed from illustration “Kawaii” the illustration “Naif”, to the most primitive, from the highly personal to the intensely conceptual or simply expressive. All of them form part of the vanguard on today’s illustration scene in Asia.

A vibrant record of the Asian theatre puppets in the Lin Liu-Hsin Puppet Theatre Museum in Taipei

Asian puppet theatre is a treasure house of Asian grassroots religion, culture, history, ethics and entertainment. But with the rise of mass entertainment, puppet theatre has been banished to the fringes and performances of this sublime art form are becoming rare.

Theatre performances may have dwindled but the impact of these beautiful puppets has not. Their charm and exquisite craftsmanship leaps out from the pages of this book, which introduces for the first time the beauty of theatre puppets from all major Asian traditions, captured in over 300 colour illustrations.

Taking the reader on an inspiring journey through hundreds of years of creativity, this beautiful book will not only appeal to people with an interest in Asian arts, but will also open up to the general reader a whole new realm of art.

Contents List:

Introduction and essay • Glove • String • Rod • Shadow • Descriptions

About the Authors:

Robin Ruizendaal has been researching puppet theatre throughout Asia for over twenty years. He is director of the Lin Liu-Hsin Puppet Theatre Museum in Taipei and creative director of the Taiynana Puppet Theatre Company.
Wang Hanshun is a photographer, who has been working with the Puppet Theatre Museum in Taipei for over ten years.