Книги про стилі архітектури

Every major architectural style in history, brilliantly rendered in specially commissioned drawings

Architectural Styles is an incomparable guide to the histories and characteristics of building traditions across the centuries and around the globe. Modelled on an architect’s plein air sketchbook, it features hundreds of meticulous drawings by esteemed architectural illustrator Robbie Polley alongside detailed descriptions by Margaret Fletcher.

It begins with the earliest styles of the ancient civilizations – Egypt, Greece and Rome – before travelling through Medieval, Renaissance and Baroque and into the modern world via the panoply of 19th century revivalist styles. Also covered is the traditional architecture of China, India, Japan and Pre-Columbian America. A final section gathers together key architectural elements from different periods – columns, towers, doorways, windows.

Contents List:

Introduction • Ancient and Classical • Medieval and Renaissance • Baroque to Art Nouveau • Modern to Contemporary

About the Author:

Robbie Polley is a renowned architectural illustrator. His drawings have featured in thirty books, including Architecture Inside + Out, also published by Thames & Hudson. Margaret Fletcher is Associate Professor of Architecture at Auburn University.

Now available in a new format, this lavishly illustrated volume explores Art Deco art and design from its origin to its present day influences.

The Art Deco style is so recognizable and widespread that its original influence on the culture in which it emerged has been all but lost in the clutter of imitation. This book draws our attention back to the birth of Art Deco — a period between two devastating world wars when industrialization was flourishing, interest in archaeology was peaking, and movements such as Cubism, Constructivism, Futurism, and Modernism were turning the art world on its head. Brilliantly designed to reflect the style it celebrates, Art Deco is filled with hundreds of examples of painting, architecture, interiors, jewellery, crafts, furniture, and fashion.

Author Norbert Wolf traces the chronology of the Art Deco style by looking at the politics and culture of Europe in the 1920s and early 1930s, and the artistic movements that paralleled its popularity. He follows Art Deco’s influence in Europe and its immigration to the Americas and Asia. Most importantly, this wide-ranging volume looks beyond the era of Art Deco’s origination to the present day. Pointing to the numerous revivals and contemporary echoes in painting and even literature, this beautiful volume demonstrates that Art Deco is alive and well today — often in forms where we least expect it.

________________

Пролистать книгу Art Deco

Now available in a new edition, this sumptuous volume explores key aspects of Art Nouveau — decorative arts, architecture, fashion, dance, advertising, and more — with an in-depth approach and stunning illustrations.

The Art Nouveau movement became an international phenomenon at the beginning of the twentieth century that ushered in the era of modernity in almost every aspect of cultural life. For decades critics have argued that Art Nouveau was not an artistic period in its own right, but an amalgam of artists and styles that served as a bridge between neoclassicism and modernism. In this comprehensive, authoritative, and copiously illustrated book, art historian Norbert Wolf explores Art Nouveau as a logical outgrowth of the historic forces in which it arose.

This book focuses on the movement's wide variety of applications and reclaims its prominence in the pantheon of modern art history. Chapters on aesthetics, spirituality, and the cult of beauty offer luminous examples of works by Mucha, Gaudí, Hoffmann, Klimt, Horta, Munch, and Tiffany, among many others. Wolf's text is both informed and accessible, providing an exciting narrative that brings the Art Nouveau movement into clear focus. Beautifully produced to appeal to a wide range of readers, this new edition gives one of the world's most popular styles the serious consideration it deserves.

About the Author:

Norbert Wolf is an art historian and author based in Munich. He has published several books with Prestel, including Art Nouveau, Art Deco, Impressionism, and "The Golden Age of Dutch and Flemish Painting", as well as monographs on Albrecht Dürer and Titian.

______

Пролистать книгу Art Nouveau

Від розкішних багатоквартирних веж до офісів, храмів і музеїв, бруталістична архітектура переживає момент 21-го століття — і ця книга тут, щоб дослідити нові інтерпретації цього стилю.

Від розкішних багатоквартирних веж до офісів, храмів і музеїв, бруталістська архітектура переживає момент 21-го століття, і ця книга тут, щоб дослідити нові інтерпретації цього стилю. Розроблена з такою ж сміливою естетикою, як і сам Ле Корбюзьє, ця книга містить п’ятдесят останніх прикладів того, як архітектори в усьому світі приймають принципи бруталізму — простоту, функціональність і необробленість — переосмислюючи їх відповідно до сучасних стандартів і смаків. Спираючись на радикальний підхід суперечливого архітектурного руху, сьогоднішні бруталістські будівлі витончені та елегантні. Як показують сотні фотографій екстер’єру та інтер’єру в цій книзі, архітектори скористалися перевагами нової технології, щоб створити бетонні конструкції, які є вишуканими та привабливими, а також стильними та модними, на відміну від своїх попередників. Кожна глава присвячена різному типу будівель і представлена ​​добіркою знакових споруд як важливого візуального орієнтира для нового вигляду Brutalism. У деяких випадках загальна сила естетики поєднується з такими ж сильними матеріалами, як скло, метал і цегла; інші приклади показують, як класичні бруталістичні лінії інтегруються в щедро пропорційні, заповнені світлом простори. Інформаційне святкування спадщини бруталістичної архітектури, ця книга є захоплюючим дослідженням того, як найбільш інноваційні архітектори сучасності відкривають притаманну красу могутніх бетонних об’ємів, які були в основі первісного бачення Ле Корбюзьє.

Про автора:

Агата Тороманофф – історик мистецтва та дизайну. Вона працювала для колекціонерів мистецтва та галерей, курувала та керувала численними проектами сучасного мистецтва. Вона є автором кількох книг про мистецтво, дизайн, фотографію та архітектуру, у тому числі Raising the Roof. Women Architects Who Broke Through the Glass Ceiling.

Бетонна архітектура від Альп до Середземного моря

Містить понад 140 ексклюзивних фотографій – від приватних будинків до футбольних стадіонів – у кожному регіоні країни, Brutalist Italy є першим виданням, яке повністю присвячене цій темі.

Чим італійські будівлі в стилі бруталізму відрізняються від аналогів в інших країнах? Містить понад 140 ексклюзивних фотографій – від приватних будинків до церков і кладовищ і футбольних стадіонів – у кожному регіоні країни, Brutalist Italy є першим виданням, яке повністю присвячене цій темі.

Архітектурні фотографи Роберто Конте та Стефано Перего (автори Soviet Asia) витратили останні п’ять років, подорожуючи понад 20 000 кілометрів, документуючи монументальні бетонні споруди своєї рідної країни.

Бруталізм – з його мінімалістичною естетикою, яка віддає перевагу сировині та структурним елементам над декоративним дизайном – має складний зв’язок з італійською історією. Після Другої світової війни італійські архітектори прагнули дистанціюватися від фашизму, не відкидаючи архітектурний модерн, який процвітав у ту епоху. Вони розробили форму сучасної архітектури, яка використовує традиційні методи та матеріали, спираючись на незабруднені історичні посилання. Ця множинність минулого, асимільована в нових конструкціях, є постійною рисою бруталістських будівель країни, що надає їм унікальної ідентичності.

Від імпозантного соціального житла Le Vele di Scampia до небесного святилища Богоматері Сльозів у Сіракузах – Brutalist Italy вперше збирає найпереконливіші приклади цієї надзвичайної архітектури в одному томі.

Зі вступним словом Адріана Форті, Школа архітектури Бартлетта, Університетський коледж Лондона.

Завдяки вражаючим фотографіям, зробленим експертом у цій галузі, це дослідження японської бруталістичної архітектури відзначає дивовижну красу та витонченість будівель, викуваних у бетоні.

Бруталістична архітектура Японії, яка виникла після руйнівних наслідків Другої світової війни, характеризується своїми геометричними формами, функціональністю та нетрадиційним використанням бетону, який часто залишають незавершеним, щоб продемонструвати властиві цьому матеріалу текстури та недоліки. Японський бруталізм являв собою радикальний відхід від традиційної японської архітектури, черпаючи натхнення з глобального руху бруталізму, але включаючи унікальні елементи, які відображають культуру та історію Японії.

Провідний експерт з японського бруталізму Пол Тулетт подорожував країною, щоб сфотографувати надзвичайні приклади цієї естетики. У понад 200 динамічних і бездоганних фотографіях він фіксує елементи та парадокси, притаманні самим будівлям: необробленість бетону в поєднанні з елегантним дизайном; гармонійне вписування в міський ландшафт; і глобальний модерністський підхід, який зберігає традиційні японські елементи.

Висвітлюючи роботу таких архітекторів, як Кензо Танге, Тадао Андо та Арата Ізодзакі, цей унікальний том показує, як суміш глобальних впливів і японського чуття залишила незгладимий слід в архітектурному ландшафті Японії, зробивши японський бруталізм надзвичайно захоплюючим і стійким стилем.

Про автора:

Пол Тулетт має ступінь магістра з міського планування та навколишнього середовища та фотографує архітектуру Японії з 2018 року. Він розміщує свої фотографії у своєму популярному акаунті в Instagram: brutal_zen. Його роботи були опубліковані в низці видань, включаючи The Guardian і Fast Company. Він живе на Окінаві, Японія.

Ця книга містить понад 30 проектів у стилі вабі-сабі з усього світу, починаючи від комерційних приміщень, таких як готелі, виставкові зали та ресторани, і закінчуючи резиденціями, і демонструє використання елементів вабі-сабі в сучасному дизайні інтер’єру.

В останні роки японський мінімалізм став новою силою дизайну, а суть естетики Вабісабі, ядра традиційної японської естетики, полягає в простій красі, яка може витримати випробування часом. Базуючись на концепції «не позбавлятися ритму», дизайнери «трансформували» традиційний стиль вабі-сабі, щоб створити сучасний вабі-сабі, який більше відповідає сучасним естетичним відчуттям. Від тенісистки Марії Шарапової та американської світської левиці Хлої Кардашьян до національного переможця Asian Hotel Design Award, Wabi-sabi став одним із найпопулярніших стилів на даний момент.

У цій книзі представлено понад 30 проектів у стилі вабі-сабі з усього світу, починаючи від комерційних приміщень, таких як готелі, виставкові зали та ресторани, і закінчуючи резиденціями, і представляє повний погляд на використання елементів вабі-сабі в сучасному дизайні інтер’єру. Представлено багатьох найвпливовіших дизайнерів у жанрі вабі-сабі, у тому числі тих, хто створив власні будинки вабі-сабі.

• Колекція сучасних проектів вабі-сабі з усього світу, де показано, як різні дизайнери грали з елементами одного стилю
• Відмова від традиційного стилю вабі-сабі та сучасний підхід до дизайну, переосмислення вабі-сабі для кращого орієнтування, задоволення та практичності
• Макет книги простий і зрозумілий, з перехідними сторінками, які містять елементи японського кусаншуй, і загальну колірну палітру землистих тонів, типову для стилю вабі-сабі
• Передмова українського дизайнера Сергія Махна про те, як японська естетика вабі-сабі надихнула на роздуми про сенс життя та вела його на власний дизайнерський шлях.

______________

Погортати книгу Contemporary Wabi-Sabi Style на сайтi видавництва.

Perspectives on Heritage, Transformation, and Community Dynamics in East European and Eurasian Microrayons

This research offers a deep dive into the architectural and social landscapes of East European and Eurasian microrayons. Through the lens of heritage, transformation, and community dynamics, this book sheds light on often overlooked narratives in Soviet urban development from the 1960s forwards and their continuations following the breakup of the USSR.

From legislative transformations in Uzbekistan to community-driven spatial transformations in Georgia, each chapter presents a nuanced perspective on the legacy of urbanism in the former USSR. This academic project is one of few, following the start of Russia’s war of aggression against Ukraine, to take a look at both sides of the front line. The authors also examine developments in the Baltic States, Caucasus, and Central Asia.

The book at hand presents thirteen ‘district stories’ from seven post-Soviet countries, written by experts from a variety of disciplines, including architecture, urban and regional planning, public policy and social sciences, and human geography. The authors present observations of spatial, social, and functional transformations as well as of the formal and informal frameworks, planning strategies, and concepts that lay behind the physical development. They discuss spatial patterns and their modifications with a view to future heritage-sensitive development of the neighbourhoods. They point out unique details and the fact that genius loci makes a difference. The contributions formulate new narratives for large housing estates from the 1960s and identify the potential challenges in responsible planning and the need for action.

About the Author:

Barbara Engel (Prof. Dr.) is a German architect and urban planner. She was awarded her PhD in 2004 and worked as a visiting professor at Kent State University in the US in 2007/2008. In 2008 - 2013 she was head of the department for the inner city at the City Planning Office in Dresden. Since 2013 she has been a professor of international urban planning and design at Karlsruhe Institute of Technology. Barbara Engel is head of design committees in Halle and Nuremberg and vice president of the Deutsche Akademie für Städtebau und Landesplanung (DASL). Her research interests focus on urban development in post-Soviet countries, metropolitan areas, public spaces, and science communication.

Art Deco captures the vitality and modernity of the Jazz Age. From the refined interiors of 1920s Paris to the decadent and luxurious glamour of Hollywood, the bold geometry, simplicity of form and luxurious materials of Art Deco still feel distinctly modern today.

With a historical overview and examples of stunning interiors, Interior Style: Art Deco explores the design essence of the era.
With in-depth professional advice on how to use elements such as pattern, lighting, furniture and textiles, you will find the tools to recreate this sophisticated elegance in your own home.

About the Authors:

Founder of Studio QD in the Kings Road, interior designer Jena Quinn trained at Parsons School of Design, following a BA in art history from UCLA, before working alongside Nicky Haslam in London as his creative director and senior designer from 2000. She is renowned for her mastery of colour and scale with interiors, which create luxury through comfort and effortless style.

Co-founder of Studio QD, after her MA degree in Art History Lucy took a position with the legendary Nicky Haslam and remained working with him for thirteen years. Through his exceptional tuition, she has honed an extensive knowledge and understanding of Interior Design and architecture. With her partner Jena Quinn, they create celebrated interiors both in the UK and around the globe, and she still maintains her close relationship

The Japandi style has proven to be a timeless and beloved style for many. In her second book, Laila Rietbergen, author of the successful Japandi Living, dives deeper into the interior trend, with more practical tips, more diverse interiors and how to give them the ‘Japandi Touch’. The book features more than 200 images of the most beautiful Japandi interiors and designs. Although natural and pastel colours set the direction in a Japandi interior, this time Laila does not shy away from interesting experiments with a bit more colour. She informs you how to give small, dark spaces the lightness of Japandi, or how to make large, open spaces cosy anyway. She also explains the diversity of Japandi and the evolution the style has gone through in different places around the world. 

About the Authors:

Laila Rietbergen is passionate about the Japandi interior trend and its way of life. She follows the trend closely and inspires her 630,000 followers on a daily basis. Marlous Snijder is a freelance writer, content maker and columnist.

_Second book by Laila Rietbergen, author of the successful Japandi Living
_The comprehensive book on Japandi style
_Including practical tips and stunning photography
_Author Laila Rietbergen is specialised in Japandi interiors, sharing her passion with more than 630K Instagram followers as japandi.interior

Floral Buildings. Art Nouveau marvels across Europe

With a meticulous sensibility for light and detail, the late Keiichi Tahara captured Europe’s finest Art Nouveau architecture. This exquisite three-volume set features more than 500 of his photographs and is interspersed by brilliant gold pages, each carefully produced using the finest printing techniques. This is a collection of majestic aura, brimming with the unique spirit of the fin de siècle.

At the turn of the 20th century, architecture took an imaginative leap. As new construction materials and technologies met such far-flung stimuli as the Far East, nirvana, and the unleashed unconscious of Freudian psychoanalysis, buildings by the likes of Gaudí, Horta, Hoffmann, Loos, and Mackintosh instilled structure with the sinuous lines of nature, surfaces with a fairy-tale shimmer, and spaces with an ethereal wash of light or shadowy, mysterious hush.

For this dramatic portfolio, printed for the first time ever in a book with five colors including gold, the late architectural photographer Keiichi Tahara traveled across Europe to present the finest examples of this Art Nouveau architecture. From the glamorous façade of the Grand Hotel Europa to the elaborate sweep of a staircase or the perfect poise of a single chandelier, Tahara captures the intricate details as much as the holistic spatial effects of these ambitious, marvelous structures. With an eye attuned to the style’s organic detailing, he surveys its floral patterns, vine-like balustrades, and the soft, hollow interiors that seem to summon us into some primordial place.

Drenched in sunshine or draped in dramatic shadows, Tahara’s pictures excel in evoking not only the unrivaled aura of these buildings but also the particular, fin-de-siècle spirit of their age, caught on the axis of a century, and characterized by reflection and yearning, as much as technological, philosophical, and political advance. Texts by Riichi Miyake accompany Tahara’s pictures to describe the buildings’ floor plans, designs, and the broader context of their dreamlike environments.

Limited and numbered edition of 10,000 copies

The photographer:

Keiichi Tahara (1951–2017) lived in Paris from 1973 to 2004 before moving back to his native Japan. Considered one of architecture’s great photographers, he won many awards, including the Niépce Prize in 1988. His series include Louvre (1995); Les Anges de Croatie (1995); l’Opéra de Garnier (1996); Egypt (1997); Piemonte (2000); the Museum of Islamic Art in Doha, Qatar (2008); and The Diet Building of Japan (Kokkaigijidou) (2015).

The author"

Riichi Miyake (b. 1948) was educated at the University of Tokyo (1972) and the École des Beaux-Arts in Paris (1979). After working as a professor at Shibaura Institute of Technology, Université de Liège, Keio University, and Conservatoire National des Arts et Métiers in Paris, he is currently professor at Fuji Women’s University in Sapporo. Miyake’s publications include Weaving Culture, Creating Culture (2005) and Saint-Gobain (2010).

The most comprehensive photographic document of council housing schemes in the capital, with incredible images from every London borough and the City, featuring 275 estates built between 1946 and 1981. 

London Estates documents these important buildings in all their diversity, championing the neglected alongside the distinguished, celebrating their vital contribution to the social and architectural fabric of the capital.

Featuring designs from a broad range of architects including Denys Lasdun (Keeling House, Trevelyan House); Chamberlin, Powell & Bon (Golden Lane Estate), Ernő Goldfinger (Balfron Tower, Trellick Tower); Basil Spence (Stock Orchard Estate, Tustin Estate), and Kate Macintosh (Dawson’s Heights).

_________

Why are some London council estates considered notorious, while others are arguably the most desirable places to live in the capital? As the most comprehensive photographic document of the London council estate, this book provides an insight, featuring some 275 estates from every borough and the City.

London Estates features the first post-war housing in Paddington, Islington and Romford; the Modernist schemes in Finsbury, Bethnal Green, Poplar, Wandsworth, Camberwell and the Cities of London and Westminster; the acclaimed 1960s estates of Camden and Lambeth; and the lesser-known 1970s estates of Kingston, Haringey, Havering, Hillingdon and Tower Hamlets.

There are designs from a broad range of architects including Denys Lasdun (Keeling House, Trevelyan House); Chamberlin, Powell & Bon (Golden Lane Estate), Erno Goldfinger (Balfron Tower, Trellick Tower); Basil Spence (Stock Orchard Estate, Tustin Estate), and Kate Macintosh (Dawson’s Heights).

A huge range of architectural styles are represented – from prefabricated and ‘self-built’ schemes, to Modernist and brutalist designs, including over 30 protected historic buildings.

This book celebrates London council estates in all their diversity, championing the neglected alongside the distinguished, honouring their immeasurable contribution to the social and architectural fabric of the capital.

About the Authors:

Thaddeus Zupancic is a Slovenian-born writer, translator and photographer. He has lived in London since 1991, working as a radio producer with the BBC World Service for the first 15 years. His Instagram account @notreallyobsessive documents post-war council estates in the capital. He is also a volunteer with The Twentieth Century Society, the national charity campaigning to protect Britain’s modern architectural and design heritage.
Damon Murray and Stephen Sorrell have been publishing critically acclaimed books on design and architecture since 2004.

Traces the evolution of midcentury houses and demonstrates how they are experienced and lived in today

This expanded and updated edition of the 2014 classic focuses on the concentration of midcentury houses in New Canaan, Connecticut, built by noted architects including Marcel Breuer, Eliot Noyes, Philip Johnson, John Black Lee, and Edward Durell Stone. This new edition addresses the issue of preservation and adaptive reuse as a sustainable architectural strategy.

A representative group of 17 houses reveals an evolving legacy, now adapting to contemporary life. Each is examined in detail, with plans, timelines, and both archival and new photography, capturing the clean, minimalist look of the initial construction and re-imagining by significant architects of our time. Today preservation and renovation of older buildings has new visibility as a sustainable approach. As the National Trust for Historic Preservation has said, “The greenest building is the one that is already built.”

About the Authors:

Cristina A. Ross is an architect and preservationist, based in New Canaan, and a board member of Preservation Connecticut.

Lorenzo Ottaviani is the creative director of Lorenzo Ottaviani Design.

Jeffrey R. Matz is a practicing architect in Stamford, Connecticut.

Michael Biondo is an architectural photographer whose work has appeared in numerous design publications.

Значно перероблене й оновлене видання класичного бестселера про сучасну архітектуру та її походження

Це високо оцінене дослідження сучасної архітектури та її походження стало класикою з моменту його появи в 1980 році та допомогло сформувати архітектурну практику та дискурс у всьому світі. До цього значно переглянутого й оновленого п’ятого видання Кеннет Фремптон додав новий розділ, у якому детально досліджується модерністська традиція в архітектурі по всьому світу наприкінці двадцятого та на початку двадцять першого століття. Він досліджує різноманітні способи, якими архітектори не лише реагують на географічний, кліматичний, матеріальний і культурний контексти своїх будівель, але й дотримуються чітких напрямків підходу, які підкреслюють топографію, морфологію, стійкість, матеріальне середовище проживання та громадянську форму. Вона залишається важливою книгою для всіх студентів архітектури та історії архітектури.

Список вмісту:

Вступ • Частина I: Культурний розвиток і сприятливі методи 1750–1939 • Частина II: Критична історія 1836–1967 • Частина III: Критичні трансформації 1925–90 • Частина IV: Світова архітектура та сучасний рух • Післямова: Архітектура в епоху глобалізації

Про автора:

Кеннет Фремптон народився в 1930 році та отримав освіту архітектора в Школі архітектури Архітектурної асоціації в Лондоні. Він викладав у ряді провідних закладів у цій галузі, включаючи Королівський коледж мистецтв у Лондоні, ETH у Цюріху, Інститут Берлаге в Амстердамі, EPFL у Лозанні та Accademia di Architettura в Мендризіо. З 1972 по 2019 рік він обіймав посаду професора архітектури у Вищій школі архітектури, планування та збереження Колумбійського університету, Нью-Йорк. Він є автором численних есе про сучасну та сучасну архітектуру, працював у багатьох міжнародних журі для архітектурних премій та будівельних комісій, а також є членом Американської академії мистецтва та літератури. У 2018 році він отримав Золотого лева Венеціанської бієнале. Його публікації включають Studies in Tectonic Culturei (1992), Labour, Work and Architecture (2005), American Masterworks (2008), Kengo Kuma: Complete Works (2012) and A Genealogy of Modern Architecture (2013).