Книги з теорії дизайну

A revised and expanded edition of Michael Bierut’s classic monograph, featuring six new projects and using examples from a portfolio spanning his full career to date

Logos, packages, signs, publications, websites: in the modern world we are surrounded by graphic design. Where does it come from? Why does it look that way? What is it supposed to do?

How to use graphic design to sell things, explain things, make things look better, make people laugh, make people cry, and (every once in a while) change the world is the career monograph from graphic designer Michael Bierut. Using examples from a portfolio spanning five decades, Bierut provides the answers, describing three dozen projects from start to finish, with insights into the creative process, his working life, his relationship with clients, and the challenges that any creative person faces in bringing innovative work into the world today.

About the Author:

Michael Bierut has practised every genre of graphic design, from books and posters to packaging and signage, for a broad range of clients. He has won hundreds of design awards and his work is represented in the permanent collections of the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York. Bierut is both a senior critic at Yale’s School of Art and a fellow of its School of Management.

The First Edition Contents List:

Introduction • 32 projects: 1. How to destroy the world with graphic design • 2. How to be a graphic designer in the middle of nowhere • 3. How to think with your hands • 4. How to put a big sign on a glass building without blocking the view • 5. How to have fun with a brown cardboard box • 6. How to disorient an architect • 7. How to shut up and listen • 8. How to fit eleven pounds of type in a ten-pound bag • 9. How to get where you want to be • 10. How to find out who you are • 11. How to write a picture book • 12. How to be fashionably timeless • 13. How to make a museum mad • 14. How to investigate a murder • 15. How to restore an organisation’s soul • 16. How to design two dozen logos at once • 17. How to set a table • 18. How to raise a billion dollars • 19. How to brand a fantasy • 20. How to win a football game • 21. How to cross cultures • 22. How to name the baby • 23. How to run a marathon • 24. How to transcend style • 25. How to make a mark • 26. How to avoid the obvious • 27. How to be grateful • 28. How to contemplate the infinite over scrambled eggs • 29. How to run your very own island • 30. How to officiate a marriage • 31. How to fly • 32. How to save the world with graphic design

24 глобальні, щедрі та активізаційні принципи, щоб переглянути спосіб мислення та надихнути на масштабні зміни

Брюс Мау давно використовує силу дизайну для перетворення світу. Ця чудова книга, розроблена протягом останніх трьох десятиліть, упорядкована за 24 цінностями, які є основою філософії Мау. MC24 представляє есе, спостереження, проектну документацію та дизайнерські роботи Мау та інших відомих архітекторів, дизайнерів, художників, учених, екологів і мислителів нашого часу. Практичний, грайливий і критичний, він надає читачам набір інструментів і дає їм змогу впливати на читання та запроваджувати зміни в усіх масштабах.

Про автора:

Брюс Мау є головним дизайнером Freeman, однієї з найбільших у світі компаній, що займаються розробкою брендів, а також співзасновником/генеральним директором Massive Change Network (MCN), глобальної консалтингової компанії з дизайну в Чикаго. Мау був запрошеним науковцем у закладах по всьому світу та читав лекції. Він став міжнародним діячем, випустивши знаковий том S, M, L, XL і написавши Life Style, Sspectacle and Massive Change,

Роздуми та практичні дії для дисципліни візуальної комунікації, що швидко розвивається.

Професійна сфера комунікаційного дизайну зазнає радикальних змін: надмірний потік інформації, штучний інтелект, соціальні медіа, легкодоступні графічні інструменти, ефективність і тиск на витрати – усе це тисне на комунікаційних дизайнерів, у результаті чого вони майже не мають часу думати про власні дії. Але більше, ніж будь-коли раніше, обставини вимагають широкої освіти та вимагають від нас мислити за межами нашої власної професії.

Цей посібник відповідає поточній ситуації, щоб узгодити суспільну значимість дисципліни з професійною практикою. На прикладах і реалізованих пропозиціях автори з’ясували, що дійсно важливо у візуальній комунікації сьогодні. Вони описують взаємозв’язок широкого спектру сфер разом із їхніми далекосяжними наслідками та детально розглядають поточні виклики. Крім того, вони дуже детально вивчають критерії гарного дизайну. Тема, яка проходить через всю книгу, така: комунікаційний дизайн завжди є результатом мислення людей, які в ньому працюють. Вони вирішують, як їхні дії впливають на спілкування, які цінності воно передає та як ми відчуваємо навколишній світ.

_Аналіз стану професії
_Зображення того, що важливо у візуальній комунікації
_Роздуми про мислення та ставлення
_Наповнений ноу-хау, прикладами та імпульсами

____________

Комунікаційний дизайн зазнає радикальних змін: надлишок інформації, фейкові новини, боти, штучний інтелект, соціальні медіа, грубі графічні інструменти в Інтернеті, а також швидкість процесів і зростаючий тиск на ефективність у поєднанні з посиленням конкуренції в секторі дизайну та іноді нестабільними умовами праці. Усі ці фактори піддають тиску творчим працівникам, залишаючи їм мало часу для роздумів над власною роботою. Цей посібник реагує на поточну ситуацію, проливаючи нове світло на суспільну значимість дисципліни в контексті професійної практики.

Автори використовують свій великий досвід, практичні приклади роботи та дієві пропозиції, щоб визначити, що дійсно важливо у візуальній комунікації. Вони описують далекосяжний взаємозв'язок дизайну з широким колом проблем і інтенсивно займаються поточними проблемами. Основний лейтмотив полягає в тому, що комунікаційний дизайн завжди є результатом ставлення його героїв – цей збірник пояснює, як їхні дії впливають на комунікацію, які цінності передаються та як у результаті виглядає наш візуальний світ.

Про авторів:

Улісс Фолькер спочатку навчався на матроса, закінчив навчання на столяра та працював за цими професіями, перш ніж розпочати навчання комунікаційному дизайну. Після роботи арт-директором Фолькер створив власну дизайн-студію. У той же час він викладав книгодрукування і був призначений в Університет прикладних наук Майнца в 2000 році, де викладав до свого виходу на пенсію в 2019 році.
Комунікаційний дизайнер Michael Schmitz працював у Designlabor Gutenberg у Майнці протягом кількох років під час навчання та після нього. З 2017 року керує власною студією в Кельні.

На початку 1960-х років легенда італійського дизайну Бруно Мунарі опублікував свої візуальні кейси про форми: Коло, Квадрат і, через десятиліття, Трикутник.Використовуючи приклади зі стародавньої Греції та Єгипту, а також роботи Бакмінстера Фуллера, Ле Корбюзьє та Алвара Аалто, Мунарі наділяє трьома формами особливі якості: коло пов’язане з божественним, квадрат означає безпеку та захист, а трикутник забезпечує ключову сполучну форму для дизайнерів.

Один із видатних дизайнерів двадцятого століття, Мунарі зробив внесок у живопис, скульптуру, дизайн і фотографію, викладаючи протягом своєї сімдесятирічної кар’єри. Після Другої світової війни він почав зосереджуватися на книжковому дизайні, створюючи дитячі книги, відомі своєю простотою та ігровістю.

- Вперше ця трилогія опублікована одним томом у доступній ціні в м’якій обкладинці, що обов’язково приверне увагу давніх шанувальників Мунарі, а також познайомить нову аудиторію з його творчими теоріями.
– Вперше ці дослідження про форми з’являться в одному томі.
- Мунарі є одним із видатних дизайнерів двадцятого століття, який має широку кількість прихильників у спільнотах графічного дизайну та мистецтва.
«Бруно Мунарі — це Леонардо нашого часу» — Пабло Пікассо

Про автора:

Бруно Мунарі був одним із найвидатніших графічних дизайнерів двадцятого століття.

Незамінна книга для всіх, хто бере участь або цікавиться процесом побудови цифрового бренду та дизайну цифрових комунікацій.

Цифровий дизайн відіграє вирішальну роль у тому, як клієнти сприймають бренд. Однак корпоративні веб-сайти та інтернет-магазини зараз є лише частиною інтерактивної ідентичності бренду. Цифрові точки дотику стають все більш поширеними та складнішими у своїх вимогах до дизайну, охоплюючи додатки, чат-боти, інтерактивні білборди, віртуальну та доповнену реальність тощо. Інтерфейс тепер є брендом, а це означає, що концепція, дизайн та технології повинні йти пліч-о-пліч на кожному етапі, тримаючи потреби користувачів у центрі уваги.

Це значно оновлене видання «Взаємодії з брендом» є важливим посібником для професійних цифрових дизайнерів та тих, хто тільки починає. Він проведе читача через процес дизайну цифрового бренду на п'яти ключових етапах: визначення демографічної групи, визначення плану дій, розробка інтерфейсу, випуск якісного продукту та розповсюдження дизайну на ринку. Книга, наповнена реальними прикладами від таких брендів, як Google, Amazon та Lego, містить безліч практичних порад щодо дизайну та діаграм, які допоможуть створити міцну основу для будь-якого проекту, враховуючи стратегію бренду на кожному етапі, залишаючись достатньо гнучкою, щоб дозволити творчості проявитися.

Про автора:

Марко Шпіс та Катя Венгер є партнерами think moto, берлінської консалтингової компанії з дизайну, та співзасновниками двох надзвичайно успішних технологічних стартапів.

Книга Бруно Мунарі Design as Art, одного з останніх представників покоління футуристів, — це ілюстрована подорож у світ художніх можливостей сучасного дизайну, перекладена Патріком Крігом, опублікована в рамках серії «Пінгвін про дизайн» у видавництві Penguin Modern Classics.

«Сучасний дизайнер відновлює давно втрачений контакт між мистецтвом і публікою, між живими людьми та мистецтвом як живою істотою»

Бруно Мунарі був одним із найнатхненніших дизайнерів усіх часів, якого Пікассо назвав «новим Леонардо». Мунарі наполягав на тому, щоб дизайн був красивим, функціональним і доступним, і ця повчальна та надзвичайно цікава книга викладає його ідеї щодо візуального, графічного та промислового дизайну та ролі, яку він відіграє в предметах, якими ми користуємося щодня. Лампи, дорожні знаки, типографіка, плакати, дитячі книги, реклама, автомобілі та стільці — це лише деякі з тем, на які він звертає свій проникливий погляд.

Як ми бачимо світ навколо нас? Серія Penguin on Design включає роботи творчих мислителів, чиї праці про мистецтво, дизайн та медіа назавжди змінили наше бачення.

Бруно Мунарі (1907-1998), народжений у Мілані, був enfant terrible італійського мистецтва та дизайну протягом більшої частини ХХ століття, зробивши внесок у багато галузей як візуального (живопис, скульптура, кіно, промисловий дизайн, графіка), так і невізуального мистецтва (література, поезія). Він двічі був нагороджений дизайнерською премією Compasso d'Oro за досконалість у своїй галузі.

Якщо вам сподобалася книга Design as Art,, вам може сподобатися книга Джона Бергера Ways of Seeing, яка також доступна у видавництві Penguin Modern Classics.

«Один з найвпливовіших дизайнерів ХХ століття... Мунарі заохочував людей виходити за межі формальних умовностей та стереотипів, показуючи їм, як розширити свою перцептивну свідомість». International Herald Tribune

._________

Погортати книгу Design as Art: Bruno Munari на Google Books.

Muji's art director shares his own personal creative process.

Kenya Hara inspires the world with his impeccable design, from the subtle atmospheres and environments he creates as the art director of Muji and his ethereal exhibition designs to his simple everyday objects, packaging and books. His design aesthetic can be traced back to a private practice: the diligent drafting of ideas and forms in delicate sketches and drawings that ultimately develop into compelling solutions. For the first time in his career, Hara gives insight into the captivating early stages of his design process.

Ranging from tentatively sketched beginnings to confident designs of complex concepts, "Draw" immerses readers in the renowned designer's 40-year-long process of sketching and drawing by hand, leaving no doubt about the origins of his authentic designs. From Olympic logos to silhouettes of dogs and detailed drawings of knots, Hara's drawings are as expansive in subject matter as they are minimalist. Their technical skill engenders a true appreciation for draftsmanship, and could motivate even the most art-averse person to start doodling. Set to inspire the next generation of creatives, "Draw" is a gentle, persuasive call for the return to analog processes in the design cycle.

About the Author:

Kenya Hara (born 1958) is a Japanese graphic designer, author, curator, professor at the Musashino Art University in Tokyo and art director for MUJI. He has been awarded many prizes, including the Japanese Cultural Design Award. Hara is the author of "White", "100 Whites", "Designing Design" and "Designing Japan".

For Kenya Hara, design begins with the comprehension of the unknown. The explosion of knowledge available to us today can be dangerous for a designer’s creativity. The concept of exformation, to which a chapter was already devoted in Designing Design, continues to preoccupy the Japanese designer. In contrast to information, exformation describes how little we really know and thus becomes the starting point for any type of design. Hara states: “What moves people’s hearts, in every case, is the unknown. Things that people already know don’t excite them.”

Based on a range of projects stemming from Kenya Hara’s teaching at the Musashino Art University, the book describes what exformation can look like in design practice and how this concept alters our classic understanding of information design. Following the path embarked on in Designing Design and its successor, White, Ex-formation continues to explore the void, absence and indeterminacy in contemporary design.

Each year, roughly a dozen students come together at the prestigious Musashino Art University, joining Hara in an attempt to make things unknown. Ex-formation presents their collective efforts, resulting in a book of incredibly beautiful, humorous and thought-provoking design and writing.

About the Author:

Kenya Hara (*1958) is considered the most influential designer of present-day Japan. After graduating in design from the Musashino Art University of Kodaira in 1983, he worked as a curator and graphic designer before taking on the role of art director at Muji in 2002. Hara is president of the Nippon Design Center Inc., and head of the department of Science of Design at Musashino Art University. He has published widely on his design theory, including the books Designing Design (2007), White (2009), Designing Japan (2018), and 100 Whites (2019).

A unique exploration of the close relationship between art and design, explored through the historic and contemporary fabric designs of Liberty, where avant-garde art has influenced the colourful, geometric collections for more than half a century

Liberty is renowned internationally for its fabrics, especially its floral patterns, but it also has a long history of developing bold, geometric designs. Many of these have been inspired by early 20th-century avant-garde art, notably by the Italian Futurists – by artists such as Giacomo Balla and Umberto Boccioni – and their English contemporaries the Vorticists, including Christopher Nevinson and Edward Wadsworth.

In anticipation of Liberty’s 150th anniversary, esteemed couturier and interior designer Federico Forquet has curated a striking new range of fabrics – the FuturLiberty Collection – that carries Liberty’s creative heritage into our own age.

The Futurist and Vorticist art that lies behind the new designs is explored by specialists Ester Coen and Richard Cork, while archivist Anna Buruma examines Liberty’s rich history of avant-garde designs. By illuminating the process by which the FuturLiberty Collection came into being, this highly visual study also reveals how art can inform design, making it contemporary, relevant and engaging.

About the Author:

Ester Coen is an expert on Italian Futurism and the international avant-garde. She has been Associate Professor at the University of Florence and Professor at the universities of Udine and L’Aquila. Richard Cork is an art historian, critic, curator and broadcaster. He has been an art critic for the Evening Standard, The Listener, The Times and the New Statesman, and is a past Turner Prize judge.

Практична книга як для практиків, так і для непрактиків, зацікавлених у кращому наданні послуг, ця книга є остаточним новим посібником з проектування послуг, що працюють для користувачів.

Дизайн послуг – це швидкозростаюча галузь інтересів у дизайні та бізнес-менеджменті. Існує багато книг про те, як почати, але це перша книга, яка описує, що таке «хороший» сервіс і як його розробити. У цій книзі викладено основні принципи створення сервісів, які добре працюють для користувачів. Розвінчуючи міфи про «хороший» і «поганий» сервіс, ми описуємо спільні елементи всіх сервісів, які означають, що вони або працюють для користувачів, або ні.

Практична книга як для практиків, так і для непрактиків, зацікавлених у кращому наданні послуг, ця книга є остаточним новим посібником з проектування сервісів, що працюють для користувачів.

Для читачів, які не є професійними дизайнерами послуг, ця книга дає уявлення про те, до чого вони або їхні команди повинні прагнути, не припускаючи, що вони самі витратитимуть значну кількість часу на розробку сервісу.

Про автора:

Лу Даун — колишній директор з дизайну уряду Великої Британії, де вони заснували дисципліну дизайну послуг для уряду Великої Британії, перетворивши 1000 сильних дизайнерів на одну з найбільших і найвпливовіших дизайнерських команд у Великій Британії, яка отримала нагороду «Дизайн року» та нагороду D&AD за досягнення всього життя.

Лу був обраний одним із 50 найкращих креативних лідерів Великої Британії за версією Creative Review та одним із 100 найвпливовіших людей світу в галузі цифрового урядування за версією Apolitical. Він регулярно пише про дизайн. Наразі він є директором з дизайну та трансформації уряду Великої Британії, де очолює зміни в житловому секторі Великої Британії.

This isn't just another design manual. It's a carousing conversation with a bloke who knows his stuff. The book tackles the creative, the business and the beauty of graphic design. Read this book and gain 25 years of experience!

This book is practical and immediate, without being condescending or overly technical. It is like having a graphic design mentor who will help you come up with ideas, develop your concepts, and implement them in a way that is engaging and humorous. It gives readers the experience and ability that normally comes from years of on-the-job training. All of the essential techniques of graphic design and its digital implementation are covered.

Read this book and gain 25 years of experience in how to think like a creative, act like a businessman and design like a god.

This book is designed like a notebook, with all the authors’ tips and knowledge already inside. However, it also includes blank pages that allow the user to personalize this reference book with specific notes that are relevant to his or her studio, suppliers or clients.

About the Author:

Drew de Soto is the founder (2000) and Creative Director of Navig8 and has gone on to work with some of the most influential UK organisations, these include the British Council, the UK Government, international charities and brands. Drew has contributed to Policy Connect, the UK think tank that works with parliamentarians, business and the public sector to help improve government policy. He has a bald head, a ridiculous moustache and enjoys a scotch and a cigar - and not taking life too seriously.

Following the worldwide success of his Poemotion trilogy, Takahiro Kurashima presents a stunning new title. In Moirémotion, the motifs are combined to form a visual narrative that is revealed when the static basic image is set in motion by means of the striped foil. Then an astonishing panorama of unseen moirés and patterns unfolds. The artist uses the digital tools for his creations in a virtuoso manner. At the same time he continues to catch up with the great models of kinetic art. Moirémotion is a school of vision and offers contemplative recreation for our eyes.

About the Author:

Takahiro Kurashima studied at the Musashino Art University and has lived in Tokyo since 1993. As an artist and designer, he collaborates with artists from different genres such as fashion, design, music and cartoons. Kurashima’s Poemotion 1–3 series has sold almost 100.000 copies worldwide.

Plastic has shaped our daily lives like no other material. Originally associated with convenience, progress, even revolution, today plastic seems to have lost its utopian appeal. Plastic is everywhere, yet most conspicuous as waste and as a key factor in the global environmental crisis. This book examines the success story of plastic in the twentieth century and at the same time presents the different discourses on how we should manage the waste the material produces and also find solutions that take into account its entire life cycle in the future.

Mark Miodownik, Susan Freinkel, and Nanjala Nyabola each contribute an essay that sheds light on the history of plastics from 1850 to today. A material-rich visual chronology illustrates how consumers’ perception of plastics has changed over the decades. Brief descriptions of a selection of 50 objects examine the importance of plastics for material culture. Reprints of fundamental texts about the history of plastics ― for example by Alexander Parkes and Roland Barthes ― provide a context from the history of ideas.

The book reflects the current discourse and state of research on plastic with numerous individual interviews and panel discussions that were held with designers, representatives from industry, researchers, and environmental activists. Underpinning these conversations are comprehensive data visualizations on plastic production and consumption, recycling.

With contributions by Susan Freinkel, Mark Miodownik and Nanjala Nyabola; interviews with Jane Atfield, Diana Cohen, John McGeehan, Klarenbeek & Dros, The Shellworks, and others.

________

More about the Exhibition Plastic: Remaking Our World

Pattern-Thinking переоцінює роботу Бакмінстера Фуллера — унікального гібрида теоретика, архітектора, дизайнера, педагога, винахідника та автора — як передові сучасні моделі дослідження, практики та педагогіки дизайну. Спираючись на архів Фуллера, книга відстежує його унікальний процес перекладу між фізичними та концептуальними вимірами дизайну, щоб переосмислити наше розуміння взаємозв'язків між геометрією, структурою, мовою та інтелектуальною власністю.

Замість того, щоб бути організованим навколо хронології окремих наративів, Pattern-Thinking слідує цим паралельним дослідженням як основі для артефактів та винаходів Фуллера. У просторі між лініями, моделями, словами та патентами простежується його амбіція вимірювати фізичний досвід у постійно зростаючій схемі взаємозв'язків, одночасно координуючи їх у концептуальну мережу слів та понять, що формують основу його мислення. Захищаючи міждисциплінарну та політичну перспективу, трансверсальна логіка Фуллера розширює базу знань про сучасні моделі дизайну, які прагнуть знайти ширшу участь та звернутися до нової аудиторії.

Про авторів:

Даніель Лопес-Перес, доктор філософії з історії та теорії архітектури Принстонського університету, є доцентом і одним із засновників факультету архітектури в Університеті Сан-Дієго. Лопес-Перес був редактором книги «Фуллер у Мексиці/Фуллер у Мексикі!» та книги «Р. Бакмінстер Фуллер: Людина світу», яку журнал «Architect» нагородив журналом «Architect» як «Книга року з дизайну 2013».

Річард Бакмінстер Фуллер народився 12 липня 1895 року в Мілтоні, штат Массачусетс. Провівши більшу частину своєї юності в Массачусетсі та на острові Ведмежий у штаті Мен, він покинув Гарвард і вступив до ВМС США під час Першої світової війни. У 1917 році він одружився з Енн Хьюлетт, дочкою відомого нью-йоркського архітектора, і після звільнення з флоту близько п'яти років працював зі своїм тестем над новими методами будівництва житла. З 1927 року він став незалежним і присвятив себе повному переосмисленню питання житла — невпинно ставлячи під сумнів кожне припущення щодо структури, функції, матеріалів, технологій, естетики, послуг, розподілу, мобільності, комунікації, співпраці, інформації, переробки, політики, власності та соціальних норм. Він почав з перших принципів, щоб розробити радикальну філософію «робити набагато більше зі значно меншими та непомітними витратами». Постійною метою був набагато ефективніший та справедливіший розподіл планетарних ресурсів, щоб забезпечити виживання та постійну еволюцію людського виду. Його робота відповідала основним течіям сучасної архітектури, радикалізувала їх та критикувала, і досі не піддається категоризації. Він був безперервним викладачем та комунікатором по всьому світу в усіх можливих засобах — ставши, мабуть, найвідомішим дизайнером та теоретиком дизайну ХХ століття. Він помер 1 липня 1983 року в Лос-Анджелесі біля ліжка своєї дружини, яка померла через тридцять шість годин.

A new title in the Design series and an excellent introduction to the life and work of this versatile Russian artist.

Alexander Mikhailovich Rodchenko (1891-1953) was a central figure in the Russian Constructivist art movement; a radical activist, a pioneer of photomontage, a theorist, and a teacher. He was an active force in the organization of the first museums of modern art that arose in Russia in the first years after the Russian Revolution of 1917.

Attending art school in 1914 in Kazan was to be a defining influence: that year Russian Futurists performed in the town, and Rodchenko saw their leading figures in action. It transformed his vision and he was still working with Futurist artists and their ideas twenty-five years later. And it was at art school where Rodchenko first met the artist Varvara Stepanova, with whom he collaborated extensively, and who would become his life-long partner.

Central in the re-examination of art and its place in society after the Revolution, and in the search for a new culture without the class implications of the past, Rodchenko's radical approach proposed a new understanding of a constructed, rather than a tastefully composed, culture.

This concise, comprehensive and informative work focuses largely on Rodchenko's graphic work in the form of book jackets, posters and advertising.