Дизайн

A celebration of the beauty, diversity, importance and sheer wonder of the most remarkable trees, with exquisite illustrations from the incomparable collections of the Royal Botanic Gardens, Kew.

More than 60,000 species of trees are found in an amazing variety of forms, sizes and habitats. Every tree has its own story and here are over 60, selected for their particular resonance and connection with humankind and representing most of the world's major zones and ecologies.

In this compact edition, portraits that combine vivid cultural and historical narrative with a firm scientific grounding, the authors reveal the details of trees from around the world, both familiar and strange. We use timbers for building and creating, have discovered which tree fruits and seeds taste delicious, and which can kill or cure us, and which species can add colour and spirituality to our lives - from the timber of mahogany to the delights of chocolate and pomegranate, from the medicinal tea tree to the deadly manchineel, and from fragrant frankincense to the highly prized dragon's blood tree.

Artists and botanists alike have been inspired by trees for centuries, and a varied and beautiful range of images from the unrivalled archive at Kew illustrate the stories, to create this enlightening and enchanting book.

About the Authors:

Christina Harrison worked at Kew for over 20 years and was the editor of Kew magazine until 2020. She is the author of Kew’s Big Trees and Treasured Trees. Tony Kirkham worked at Kew for over 43 years and was the Head of the Arboretum at the Royal Botanic Gardens until his retirement in 2021. A world-renowned tree expert, he is the author of several books on plant history including, as co-author, Wilson’s China: A Century On.

Невибаглива вишуканість і вічна елегантність є відмінною рисою модної ілюстрації Рене Грюо. Наповнене культовими репродукціями на повну сторінку, детальними малюнками та біографічними ідеями, це славне свято розповідає про кар’єру, яка нерозривно пов’язана з історією паризької високої моди.

Перш ніж фотографія стала основним засобом маркетингу моди, був Рене Грюо з його ручками, пензлями, аквареллю та чорнилом. Починаючи з 1940 року, коли він брав участь у створенні кампанії Miss Dior, і протягом більше двох десятиліть Грюо був в авангарді модного дизайну. На додаток до його тривалого та плідного партнерства з Dior, у цій книзі представлено чудові репродукції робіт Грюо з такими дизайнерами розкоші, як Givenchy, Balmain, Balenciaga, Lacroix і Schiaparelli. Він розглядає мистецькі впливи — від Тулуз-Лотрека до театру Кабукі — які сформували його використання пігментів і ліній, і демонструє, як за допомогою всього кількох штрихів і вкраплень кольору йому вдалося передати досконалість жіночого капелюшка або зробити відчутним привабливий аромат парфуму. Чудовий вступ до золотого віку французької моди, цей остаточний том також є незамінною довідкою для всіх, хто цікавиться дизайном одягу, високою модою та комерційною ілюстрацією.

Про автора:

Холлі Брубах – журналістка, яка широко публікується, чиї роботи публікувалися в New Yorker, The New York Times, Vogue, The Atlantic, W Magazine, Vanity Fair, Architectural Digest та багатьох інших виданнях. Вона є автором книг Becoming a Curator, A Dedicated Follower of Fashion та Girlfriend: Men, Women and Drag. Вона живе в Пітсбурзі, Пенсильванія.

Про редактора:

Жоель Шаріо, відомий експерт у галузі модної ілюстрації, є редактором журналу Drawing Fashion: A Century of Fashion Illustration, виданого Prestel. Вона є глибоким знавцем творчості Рене Грюо і тісно співпрацювала з ним протягом багатьох років.

___________

Погортати книгу René Gruau: Master of Fashion Illustration

The constant innovation of modern graphic design and the improvement of people’s aesthetic sensibilities have demanded a higher level of taste and a deeper level of cultural connotation in designs. By presenting the projects from excellent designers and studios around the world, this book invites readers to step into a time machine and get to know the various schools and styles in different historical periods, with the aim to explore the diverse application and visualization of retro elements in modern graphic designs.

For the first time, talented French illustrator and character designer Sibylline Meynet not only shares her beautiful artwork in this beautifully crafted book, but also presents specially commissioned tutorials, step-by-step techniques, and the story of her journey as a professional artist.

Rêverie: The Art of Sibylline Meynet is a must-have for aspiring artists and illustrators in need of career inspiration and a creative re-boot. Sibylline launched herself as a freelance illustrator straight out of high school in her native France, and now works as a comic artist, character designer, and illustrator for magazines and books. Her artwork features in abundance the girls and animals she loves to draw, characters who exude charm and whimsy as well as great narrative strength and depth. Behind her artwork is a career in film and print, on projects from Scoob! (Warner Bros.) and Garfield (BOOM! Studios), to Cursed and Orange is the New Black (Netflix). In this book, Sibylline shares her experiences working in the industry, juggling work commitments with exhibiting, collaborations, and personal projects.

For artists seeking new creative exercises, career inspiration, advice, and a chance to peruse the gallery of a talented and unique professional artist, this exciting new book is essential.

About the Author:

Sibylline Meynet became a freelance illustrator straight out of high school in her native France, working as a comic artist, character designer, and illustrator for magazines and books. She has worked in Europe and the US with high-profile clients including Warner Bros, Boom Studios, Netflix, and Hachette. Sibylline sells prints, books, and accessories featuring her creations in her shop, but this will be the first time she has worked with a book publisher.

____________

Посмотреть видео о книге Rêverie: The Art of Sibylline Meynet

Дизайн, історія та вплив на культуру вертушки та вінілової технології: подвійні сили феномену «відродження вінілу»

Інтерес до програвачів і платівок насолоджується ренесансом, оскільки місцеві аналоги та новонавернені знаходять свій незмінний стиль і надзвичайне звучання неповторними.Revolution, продовження улюбленої книги Phaidon Hi-Fi: The History of High-End Audio Design, досліджує дизайн і культурний вплив вертушки, компонента в центрі «відродження вінілу». Важлива книга для аудіофілів, колекціонерів і шанувальників дизайну Revolution демонструє захоплюючу історію програвачів і вінілових технологій від 1950-х років до сучасних передових дизайнів.

Написана Шварцем, автором книги Hi-Fi: The History of High-End Audio Design, який є експертом у аудіодизайні та захоплюється аналоговою музикою, ця книга містить 300 ілюстрацій зі світу програвачів, від доступних до висококласних, і все, що між ними. Важливе доповнення до книжкової полиці для вихідців із аналогового виробництва та тих, хто новачок у відродженні вінілу, а також для любителів музики та дизайну.

Про автора

Засновник компанії Audioarts, що займається виробництвом високоякісного аудіообладнання в Нью-Йорку, Gideon Schwartz вважається задумом і створенням синергетичних музичних систем для деяких із найвибагливіших творчих особистостей у світі. Незважаючи на те, що вони походять із надзвичайно різних сфер культурного впливу, усі вони мають одну спільну рису – любов і вдячність до музики та високоякісного відтворення звуку.

Шварц — колишній адвокат, який пішов у відставку, щоб зайнятися своєю пристрастю до музики та аудіообладнання. Він є автором Hi-Fi: The History of High-End Audio Design та Revolution: The History of Turntable Design і пристрасно пропагував аудіо як чітке вираження переконливого промислового дизайну та культурного впливу та значення. Його книги висвітлюють покоління аудіообладнання, водночас вселяючи в читача відчуття, що аудіо є важливим провідником для музичного мистецтва.

Його робота привела його до створення домашніх музичних систем для таких, як бос звукозаписної компанії та Джонні Кеш, Metallica, U2 та продюсер Red Hot Chili Peppers Рік Рубін; разом із генеральним директором дому моди Supreme Джеймсом Джеббіа; колекціонер мистецтва та засновник текстильної компанії Maharam Майкл Махарам, а також багато інших відомих людей у ​​світі комерційного та творчого мистецтва.

Його знання міжнародного світу hi-fi не мають собі рівних. Якщо ви хочете дізнатися більше про пошуки ідеального звуку, вам потрібно прочитати Гідеона Шварца.

Людське тіло є складною темою для зображення через його складність і рухливість. «Щоб зробити це добре, потрібні глибокі знання анатомії та усвідомлення того, що лежить під усіма частинами тіла, адже найбільше фігуративне мистецтво справляє враження, що всередині тіла є живий скелет», — зазначає художник і ветеран мистецтвознавства Рей Бастос. Завдяки Rey’s Anatomy: Figurative Art Lessons from the Classroom Бустос надає важливу анатомічну інформацію, докладні дослідження та цінні посібники з малювання, щоб озброїти художників базовим уявленням про структуру скелета та м’язову систему людського тіла.

Викладаючи малювання фігур протягом 30 років, він надзвичайно доступно представляє складні концепції, посилаючись на роботи старих майстрів, щоб продемонструвати, як митець може взяти ті самі анатомічні знання та виразити їх різноманітними та особистими способами та, навчаючись і практикуючись, зобразити людську форму, не перешкоджаючи процесу чи інтелекту. Rey’s Anatomy спочатку досліджує анатомію, а потім щоденні вправи з малювання, які допомагають удосконалити фігуративну роботу, водночас показуючи надзвичайну роботу його учнів у всій книзі — поряд із його власною — що свідчить про те, як його уроки принесли користь поколінням художників.

Про автора:

РейБусто — один із видатних викладачів художньої анатомії країни. Він із відзнакою закінчив престижний коледж дизайну ArtCenter у 1989 році й відтоді викладає фігурне малювання, композицію, двовимірну та тривимірну анатомію. Наразі Бустос викладає в коледжі дизайну ArtCenter у Пасадені, Каліфорнія, Академії образотворчого мистецтва Лос-Анджелеса та Академії мистецтв Клайн у Калвер-Сіті, Каліфорнія, а також проводить онлайн-заняття в Академії комп’ютерної графіки Masters Academy (CGMA), New Masters Academy та Gnomon School of Visual Effects.

The life and legacy of eminent designer Peter Schreyer

Meet one of the most influential designers of our time — a book about heritage, creative vision, and leadership, and what design can do for the future. Roots and Wings explore the life and work of Peter Schreyer, one of the most influential car designers of our time. A Renaissance man with an eye for detail and foresight for innovation, he geared himself toward success. Responsible for the births of some of the most iconic cars ever, his industry experience with Volkswagen, Audi, Kia, and Hyundai brought instant classics to the road.

Schreyer embodies a conduit between the West and East — bridging his homeland’s history of automotive design with South Korea, a country that has experienced stratospheric growth on the world stage in just a few decades. Looking at the formative moments and pivotal artistic discoveries that shaped his creative mindset, Roots and Wings is the story of how a man helped two polarizing cultures merge to create something unique and left a mark on history, and the future, in the process.

Born in 1953 in Bad Reichenhall, Peter Schreyer grew up on his parents’ farm, developing a passion for flying and skeleton bob racing. From 1975-1979 he studied industrial design at the University of Applied Sciences in Munich and began to work with Audi first as a student in 1978, subsequently earning an Audi scholarship to study transportation design at the Royal College of Art in London.

In 1980, Schreyer began working with Audi in exterior, interior, and conceptual design, before moving to the Volkswagen group‘s prestigious design studio in California in 1991. After becoming VW’s head of exterior design in 1993, he decided to return to Ingolstadt, shaping Audi’s design strategy as the Director of Design between 1994-2002. Having been part of the Volkswagen group for more than 25 years, Schreyer left his position as Head of Design of the VW group to become Chief Design Officer for Kia Motors in 2006. In 2013, seven years after his arrival in Korea, Schreyer stepped up from his role at Kia to become President of all Kia and Hyundai design centers worldwide and is now, as President & Head of Design Management of the Hyundai Motor Group, responsible for the company’s long-term design vision.

Schreyer has received numerous awards and prizes throughout his career, including an honorary doctorate from the Royal College of Art in recognition of his contributions to automotive design, the “Design Team of the Year” award in 1999 for Audi as well as the Design Award of the Federal Republic of Germany in 2002.

If you could saunter down the runway and slip backstage on the heels of Irina Lazareanu, who would you meet, what antics would ensue, and what on earth would you wear? Irina ― Karl Lagerfeld’s muse, Kate Moss’s BFF, and Pete Doherty’s former fiancée ― introduces you to her inner circle ― models, fashion designers, editors, Hollywood starlets, and rockers ― to pilfer the secrets to their individually cool and universally coveted rock ’n’ roll style. She details a host of wardrobe tips and essentials, including dos and don’ts for creating your own folk, retro, punk, or glam rock look. Including scrapbook collages and lively anecdotes from her life on the fashion and concert circuits, the captivating Romanian-Canadian top model-cum-singer shares showstopping sartorial nuggets that will give your threads ― and attitude ― a rock ’n’ roll edge.

_____________

This book is a love letter to the magical people I’ve been blessed to meet throughout my twenty years in fashion, including Kate Moss, Karl Lagerfeld, Inez & Vinoodh, Edward Enninful, Carolyn Murphy, Hedi Slimane, Amy Winehouse, Mark Ronson, Yoko Ono and more. Some challenged me, some taught me how to dress, others taught me how to love. In this book I’ll share what I’ve learned from them about style and attitude. And while beauty may seduce you on the road to truth, getting through the voyage in style certainly never hurts.

_____________

Пролистать книгу Runway Bird: A Rock 'n' Roll Style Guide

Відомі дизайнери Sagmeister & Walsh досліджують суть краси та трансформаційну силу красивого дизайну

У цій новаторській надзвичайно візуальній книзі всесвітньо відомі дизайнери Штефан Сагмайстер і Джессіка Уолш взялися за місію: з’ясувати, що таке краса та багато способів, як вона впливає на наше життя. Вони звертаються до філософії, історії та науки, щоб зрозуміти, чому нас приваблює краса та як вона впливає на те, як ми почуваємося та поводимося.

Сповнені рішучості втілити свої висновки в життя, Sagmeister & Walsh показують нам, як краса може покращити світ.

Про авторів:

Штефан Сагмайстер із Sagmeister & Walsh — дизайнер і арт-директор з Австрії, який зараз живе та працює в Нью-Йорку. Його клієнтами є Rolling Stones, Talking Heads, Лу Рід, музей Гуггенхайма та багато інших.

Джессіка Уолш із Sagmeister & Walsh — дизайнер і арт-директор, яка живе в Нью-Йорку та працює з різними клієнтами, зокрема Jay-Z, Barneys, New York Times, Levi's і Музей сучасного мистецтва в Нью-Йорку.

__________

Для кого ця книга:

Для дизайнерів, ілюстраторів, архітекторів, фотографів, художників та всіх, чия робота пов'язана з візуальними видами мистецтва.
Для всіх, хто небайдужий до краси і прагне зрозуміти її суть.

Фішки книги:

Від одного з найвідоміших графічних дизайнерів нашого часу
Про красу в дизайні та мистецтві
Захоплююче та надихаюче читання

Про авторів:

Стефан Загмайстер – найяскравіша зірка у світовому графічному дизайні 2000-х. Народився у 1962 році у старовинному австрійському місті Брегенц. Закінчив Віденський університет прикладних мистецтв, згодом навчався в Інституті Пратта, Нью-Йорк. Працював у рекламному агентстві Leo Burnett у Гонконгу (1991–1993).
З 1993 року працює у Нью-Йорку у власній дизайн-студії Sagmeister Inc. Студія працює у чотирьох напрямках: музичний дизайн, соціальний дизайн, корпоративний дизайн (він приносить основний дохід) та авторський дизайн.
Загмайстер був удостоєний нагород практично всіх міжнародних фестивалів дизайну, включаючи дві Grammy (у 2005 та 2010 роках). Клієнтами його студії є такі мега-бренди як HBO, Guggenheim Museum, Rolling Stones, Aerosmith та інші легендарні музичні колективи.

Джессіка Уолш – дизайнер, арт-директор та викладач. Увійшла до списку Forbes «30 креативних дизайнерів майбутнього молодшого 30 років». Її роботи були відзначені безліччю нагород на найвідоміших конкурсах у галузі дизайну. Серед клієнтів Джесіки - Музей сучасного мистецтва, Єврейський музей, Jay-Z, Snapchat, Barneys, The New York Times, Levi's та Adobe.

Від авторів:

Краса як вищий естетичний ідеал впала в немилість. Найшановніші представники сфери сучасного дизайну стверджують, що вона їх не цікавить. Художники уникають її, побоюючись, що їхні роботи зарахують до декоративного чи комерційного мистецтва. Можна перегорнути цілий стос книг з архітектури і жодного разу не зустріти навіть згадки слова «краса». Колись до краси прагнули всі, але на початку двадцятого століття цей піднесений сподівання звалився на землю.

Саме тоді школи дизайну стали пропагувати принципи модернізму — течії, в якій цінується однаковість, сітка квадратних осередків, прямокутна композиція, чорна, біла та бежева. Підхід до дизайну будівель, товарів та графіки став суто аналітичним, вибір матеріалів суто раціональним. Кожен дизайн став прагнути функціональності. Архітектори та дизайнери часто доходили в цьому до крайнощів та починали плодити однаковість з маніакальною одержимістю.

Автори цієї книги вважають, що відкидати красу просто безглуздо. Ми пояснимо, чому це так, на прикладі нашого історичного дослідження філософії краси. Цю інформацію ми використовуємо, щоб довести: у вроді немає нічого поверхневого; навпаки, краса - не просто робоча функціональність і приємна оку оболонка; краса – це набагато більше. Краса – щось істинно людське, властиве лише нам, і краса покращує наше життя. Красиві речі не лише приносять радість — вони й набагато краще функціонують.

Цитати з книги:

Чи не час повернути красу?
У XXI столітті художників, як і раніше, вважають «авангардними», коли ті виставляють як витвори мистецтва промислові товари, хоча цій концепції вже сто років і вона жована-пережована. На наш погляд, немає нічого нуднішого та банальнішого, ніж взяти якусь річ та оголосити її предметом мистецтва у 2018 році.

Стів Джобс та краса
Краса турбувала Стіва Джобса все життя. Розробляючи свої неймовірно круті продукти, він явно дотримувався думки, що краса не менш важлива за функціональність. І мільйони людей підтвердили свою згоду з ним, голосуючи гаманцем.

Мода: останній оплот
Мабуть, єдина сфера прикладного мистецтва, яку ніколи не залишала краса, – це мода. Красою можна поступитися, коли йдеться про міста та будинки, але коли справа доходить до одягу, багатьом важливо, щоб форма була красивою. Функціоналісти неодноразово намагалися впливати на моду, і щоразу жінки відмовлялися носити їхні сірі роби.

Більше естетики!
Фантазія дизайнера здатна перетворити навіть покинуте паркування, зробивши його місцем, де радісно проводити час. Будь-який непривабливий простір можна змінити так, щоб люди захотіли там перебувати або, принаймні, не жахалися б щоразу, проїжджаючи повз.

Практично, але потворно
Ми провели в Instagram опитування «Який ваш улюблений колір». Переміг світло-блакитний. А ось коричневий ніхто не любить. Ми також провели опитування із фігурами. На останньому місці опинилася прямокутна коробка. Значить, прямокутна коробка коричневого кольору - найпотворніша річ у світі. Але чомусь саме ця форма цього кольору була найпопулярнішою в архітектурі останнього століття.

Краса перетворює
Краса здатна змінювати наші емоції та поведінку, впливати на наш вибір – де провести канікули, куди вкласти гроші, платити чи не платити податки. Відомо, що в покинутих суспільних просторах більше смітять, вони частіше зазнають вандалізму.

Найновіший проект Штефана Загмайстера спонукає до довгострокового мислення та нагадує нам, що багато речей у світі покращуються.

Спочатку задумана у 2020 році, коли світ увійшов до карантину через пандемію, Штефан Саґмейстер створив книгу, яка розглядає стан світу сьогодні, висвітлюючи через зібрані дані, як далеко ми зайшли, і заохочуючи нас думати про те, куди ми можемо піти звідси.

Статистичні дані яскраво оживають, оскільки числа перетворюються на графіки, інкрустовані на картинах дев’ятнадцятого століття, вишиті полотна, лінзоподібні гравюри та розписані вручну склянки для води.

Книга містить передмову психолога та провідного експерта з мови та розуму Стівена Пінкера; есе графічного дизайнера та історика Стівена Хеллера; і розмова між Загмайстером і Гансом Ульріхом Обрістом, куратором і художнім керівником Serpentine Galleries у Лондоні, і припаде до смаку всім читачам, що розуміють візуальне мислення, забезпечуючи позитивну реакцію на бурхливий цикл новин останніх років.

Опубліковано в м’якій обкладинці з клапанами «Зараз краще» міститься у вирізаному футлярі та супроводжується лінзоподібним принтом, розробленим Sagmeister.Now is Better – це інтригуюча та вдумлива візуальна медитація про наше повсякденне життя.

Про авторів:

У 1993 році Стефан Сагмайстер заснував нью-йоркську компанію Sagmeister Inc. і з тих пір розробляв її для таких різноманітних клієнтів, як Музей Гуггенхайма, Rolling Stones і HBO. Його роботи знаходяться в музейних колекціях по всьому світу, включаючи Музей сучасного мистецтва в Нью-Йорку, Музей мистецтв Філадельфії, Художній інститут Чикаго, Музей сучасного мистецтва Сан-Франциско та Музей прикладного мистецтва (MAK) у Відні. Він викладає в аспірантурі Школи візуальних мистецтв у Нью-Йорку.

Стівен Пінкер – професор психології сім’ї Джонстон у Гарвардському університеті та автор багатьох книг про мову, розум і людську природу, зокрема «Мовний інстинкт», «Як працює розум», «Кращі ангели нашої природи» та раціональність.

Hans Ulrich Obrist (нар. 1968, Цюріх, Швейцарія) — художній керівник Serpentine у ​​Лондоні та старший радник LUMA Arles.До цього він був куратором Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. З моменту свого першого шоу World Soup (The Kitchen Show) у 1991 році він курував понад 350 шоу.

Steven Heller є співголовою програми SVA MFA Design. Він є автором, співавтором та/або редактором 200 книг з дизайну, ілюстрації та візуальної культури. Протягом 33 років він був арт-директором у New York Times для сторінки OpEd і розділу Book Review. Він працював у багатьох журналах, у тому числі The Atlantic, Wired, EYE, Baseline і PRINT, де він писав The Daily Heller онлайн протягом більше десяти років.

One million units shipped worldwide! We'll show you everything behind the scenes of the popular game, Sakuna: Of Rice and Ruin, with one million units sold worldwide!

Sakuna: Of Rice and Ruin is a Japanese-style action role-playing simulation video game (RPG) in which the main character becomes stronger by growing fine rice. The beautiful scenery of ancient Japan, the exhilarating action of battling demons, and the wonderfully authentic rice cultivation have created a huge buzz not only in Japan but also around the world.

This book contains the production storyboards and artworks, featuring not only the designs of the characters that appear in the game but also the design of small gadgets, weapons, and food, along with the background art that is essential to creating the beautiful Japanese world of the game.

An added bonus is detailed explanations from game designer Nal, scenario creator Koichi, and character designer and concept artist Ryota Murayama. This book is a must-have for fans who want to know everything about Sakuna: Of Rice and Ruin and for anyone wanting to be a game creator.

About the Authors:

Nal is the director of Sakuna: Of Rice and Ruin, working on game design, programming, visual effects, sound effects, and display. 

Koichi is the lead artist for Sakuna: Of Rice and Ruin, working on character modeling, background modeling, planning support, scriptwriting, and title logo design.

Ryota Murayama: Character design, concept art

Ever wondered why Yayoi Kusama dresses in dots or dreamt of asking Picasso: why the Breton tee?

Enter sARTorial, a fun guide to the signature looks of 60 key artists from the 19th century to today. Short texts unpack the style essentials from icons such as Claude Monet to millennials including Tauba Auerbach, revealing how they construct their looks and why it reflects the works they create.

Featuring fantastic images of the artists in all their splendour, sARTorial is essential reading for anyone looking to decode the ‘drobe, and gain valuable insight into the cult of the artist.

About the Author:

Katerina Pantelides studied Russian ballet and the body at the Courtauld Institute of Art, where she also taught. She has written style-related pieces for several publications.
 

Що таке креатурний дизайн? У кожного з нас є уявлення — здебільшого складається з образів потойбічних істот, які скачуть, пливуть, літають і часто атакують героя епічного фільму чи історії. Але що робить істоту правдоподібною? У продовженні свого бестселера «Реальні та вигадані тварини: фантазія про те, що є і що може бути», всесвітньо відомий художник Терріл Вітлет розкриває секрет правдоподібного дизайну істот: анатомію.

Анатомія є наріжним каменем успішного дизайну істот, незалежно від того, чи є вони реальними чи уявними. Точна анатомія часто є ключем до призупинення недовіри, дозволяючи вам малювати уявних істот, яким глядачі повірять.

Ми запрошуємо вас заглибитися в складну роботу численних анатомій тварин — і красу, якою вони володіють — у Науці про дизайн істот: розуміння анатомії тварин. Чудові та харизматичні ілюстрації Вітлетча будуть інформувати та захоплювати читачів з кожним поворотом сторінки. Вона ділиться цінними техніками, отриманими за роки роботи на Lucasfilm і Walt Disney Feature Animation, а також над такими фільмами, як Джуманджі, Брат Ведмідь і Полярний експрес. Крім того, Вітлетч має нескінченну любов до справжніх тварин, що продовжує надихати її фантастичні уявні істоти, які захопили глядачів у всьому світі.

Про автора:

Терріл Вітлетч — досвідчений ілюстратор із науковою та академічною підготовкою, який активно вивчав зоологію хребетних і анатомію тварин. Вона працювала в різних зоопарках і музеях Сполучених Штатів, а також старшим консультантом з мистецтва дикої природи та анатомії тварин у Всесвітньому фонді дикої природи. Вона вважається одним із найкращих дизайнерів істот і анатомів тварин, які сьогодні працюють у цій галузі. За більш ніж 25-річну кар’єру Вітлетч має багато проектів, зокрема «Зоряні війни: Прихована загроза», «Зоряні війни: Спеціальне видання», «Джуманджі», «Люди в чорному», «Брат Ведмідь», «Серце дракона», «Елвін і бурундуки», «Цікавий Джордж», «Полярний експрес» і «Беовульф». Понад сім років вона працювала на Lucasfilm, Industrial Light & Magic і JAK Films Джорджа Лукаса. Її навички ілюстрації та всебічне знання анатомії та руху тварин є важливими для створення правдоподібних істот.

Sculpting Light gathers the finest of modern lamp design in one volume. Whether chandeliers, pendants, or table lamps, whether sculptural or minimalist in design, they are exclusive decorative elements during the day and conjure up a very special atmosphere in the dark. Iconic examples are represented in the book as well as examples of bold experiments with forms and materials. Three types of light sources are presented: Ambient, Spotlight and Outdoor. Legendary designers reveal their sources of inspiration and personal favourites, and well-known manufacturers are presented in portraits.

- Presents more than 500 examples of contemporary lamp designs
- Features profiles of top designers and leading manufacturers
- With an introduction by designer Inga Sempé
- The art of lamp design on a new level

About the Author:

Agata Toromanoff is an art historian. She first worked as a consultant and project manager for art collectors and galleries. As such, she curated and directed numerous projects in the field of contemporary art. She is the author of books on art, design, architecture and photography.

__________

Пролистать книгу Sculpting Light: 500 Lamps

__________

Посмотреть видео о книге Sculpting Light: 500 Lamps

Пориньте в концептуальне мистецтво однієї з найулюбленіших рольових ігор 2023 року. Відомий своїми барвистими та складними ілюстраціями, натхненними ретро-аніме, не є загадкою, чому Брайс і Sabotage Studio співпрацювали, щоб створити цю покрокову рольову гру, натхненну класикою. Sea of ​​Stars: The Concept Art of Bryce Kho демонструє всіх неймовірних персонажів, яких Брайс з любов’ю втілив у життя протягом років обговорення з креативним директором Тьєррі Буланже, і це книга, як для геймерів, так і для любителів мистецтва.

Sea of ​​Stars: The Concept Art of Bryce Kho — це дебютний арт-книга для надзвичайно успішної фентезійної рольової гри, створеної Sabotage Studio та проілюстрованої відомим концептуальним художником Брайсом Хо.

Sea of ​​Stars було випущено на всіх платформах у серпні 2023 року. Відтоді в неї грали понад 5 мільйонів гравців у всьому світі, і вона отримала нагороду «Найкраща незалежна гра» на The Game Awards 2023. Це також приквел до першої гри Sabotage, The Messenger, яка отримала престижну нагороду «Найкраща дебютна інді-гра» на The Game Awards у 2018 році та була продана. 50 000 копій за перший тиждень випуску. Брайс Хо був у команді Sabotage Studio як провідний концептуальний художник з 2020 року. Відомий своїми барвистими та складними ілюстраціями, натхненними ретро-аніме, не є таємницею, чому Брайс і Sabotage Studio співпрацювали, щоб створити цю покрокову рольову гру, натхненну класикою.

Sea of ​​Stars: The Concept Art of Bryce Kho демонструє всіх неймовірних персонажів, яких Брайс з любов’ю втілив у життя протягом років обговорення з креативним директором Тьєррі Буланже, і це книга, як для геймерів, так і для любителів мистецтва.

Про авторів:

Брайс Хо, концептуальний ілюстратор і незалежний художник змішаних засобів масової інформації з Пасадени, Каліфорнія, відомий своїми яскравими та складними ілюстраціями, натхненними аніме, які викликають ностальгію. Його портфоліо охоплює ряд ролей, включаючи ілюстратора та концептуального художника, який бере участь у таких проектах, як Homestead Arcana та Aegis Defenders. Після першої співпраці з компанією Sabotage над створенням ілюстрацій для The Messenger Брайс приєднався до команди, яка займалася концептуальним мистецтвом і дизайном персонажів у ретро-рольовій грі Sea of ​​Stars, яка захопила понад 5 мільйонів гравців у всьому світі. Крім того, Брайс має вражаючу присутність у соціальних мережах із майже 500 000 підписників на його облікові записи.

Sabotage Studio — це канадська команда розробників, заснована в 2016 році в Квебеку. Прагнучи створювати вражаючі оригінальні всесвіти, що згадують найкращі моменти класичних ігор, Sabotage Studio переосмислює традиційні жанри, щоб розкрити новий потенціал, створюючи відмінні модернізовані назви, які виходять за межі традиційних очікувань щодо того, що може запропонувати жанр. Творець оціненої критиками покрокової рольової гри Sea of ​​Stars, визнаної найкращою інді-грою на The Game Awards 2023 року, і відомого екшн-платформера The Messenger, переможця як найкраща дебютна інді-гра на The Game Awards 2018 року, Sabotage Studio зарекомендувала себе як один із найперспективніших розробників ігрової індустрії. Студія Sabotage наразі працює над майбутнім DLC Sea of ​​Stars, Throes of the Watchmaker, разом із неоголошеною наступною назвою.