Збірники робіт

This exquisite volume showcases a collection of raw, provocative portraits, nudes, and snapshots of quotidian life shot over the past seventy years by one of photography's greatest image makers -- Victor Skrebneski.

Skrebneski Documented is an intimate compendium of photographs shot over the past seven decades by the illustrious Chicago-based photographer Victor Skrebneski. Edited by the photographer himself, this evocative collection features his best-known images, including his series of "black-turtleneck-sweater portraits" -- dramatic black-and-white portraits of iconic stars including Liza Minnelli, Bette Davis, and Orson Welles; dynamic, blurry motion studies; provocative nude photographs of flawless, sculpted bodies; and Dadaist collages comprised of body parts. Capturing the experimental, boundary-pushing spirit and unceasing wit of Skrebneski's images, this volume documents a who's who of famous faces, including portraits of Andy Warhol, Audrey Hepburn, Vanessa Redgrave, David Bowie, Iman, John Malkovich, Dennis Hopper, Fred Astaire, and Diana Ross. For photography, art, and fashion lovers alike, this is a true collector's item that celebrates the exhilarating work by one of America's greatest photographic artists.

About the Author:

Victor Skrebneski is an American photographer distinguished for his fashion and portrait work.

____________

Пролистать книгу Skrebneski Documented: 1948-2018

Slim Aarons: Women explores the central subject of Slim Aarons’s career ― the extraordinary women from the upper echelons of high society, the arts, fashion and Hollywood. The book presents the women who most influenced Slim’s life and work ― and the other remarkable personalities he photographed along the way, including Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, Diana Vreeland and Marilyn Monroe, all featured in unforgettable photographs. 

The collection contains more than 200 images, the majority of which have not appeared in previous books, along with detailed captions written by one of Slim’s closest colleagues. Showcasing beautiful women at their most glamorous in some of the most dazzling locations across the globe, Slim Aarons: Women is a fresh look at the acclaimed photographer through the muses who inspired his most incredible photographs

Slow: Life in a Tuscan Town is an unprecedented photographic personal journey into the heart of hidden Tuscany that celebrates the principles that define the Slow Food movement and pays tribute to the region’s kaleidoscope of vibrant characters, whose shared culture revolves around the everyday pleasure of growing, preparing, and eating food.

With an anecdotal charm reminiscent of Peter Mayle’s A Year in Provence, Douglas Gayeton’s interplay of pictures and words conveys a thrilling narrative that transports you halfway around the globe to the charming town of Pistoia, nestled in the outskirts of Florence. There we meet the mushroom hunters and sheep farmers, the winemakers and fishermen, the bakers, butchers and chocolate makers whose lives are profoundly bound to the rhythms of nature. It is a riveting story told in a riveting way: each image comprised of multiple photographs taken over a period of time that can range anywhere from ten minutes to several hours, and layered with Gayeton’s handwritten notes, recipes, facts, and sayings. With this process, Gayeton has managed to introduce the concept of story and time; both compressed and exploded, into his portraits. The result is a photographic approach critics have dubbed flat film; the effect is exhilarating.

As Gayeton observes, “What my eyes saw was always grander than any lens could capture…How could I introduce the presence of time, of an emerging and evolving story comprised of not one, but many moments, into a single photograph?” In the accompanying text, Gayeton offers an absorbing first person account of his immersion into rural Italian culture, offering an intimacy that draws us deeper into this romantic and rustic world. A photographer, a pioneering new media creator, a wonderful writer and an award winning documentarian, Gayeton is passionately interested in food, culture, art, and people.

About the Author:

Douglas Gayeton is a filmmaker, photographer, and writer. His images are held in a number of influential museums and private collections around the world, and have been featured in numerous print and online media, such as Time Magazine. Since the early 90s he has created award-winning work at the boundaries of traditional and converging media for AOL, MSN, MTV, Yahoo, Fox, Napster, Vivendi, Sony, Viacom, Sega, Intel, National Geographic, PBS, Warner Bros, Columbia, and Virgin Records.

_________

Пролистать книгу Slow: Life in a Tuscan Town на сайте издательства.

Слідом за Les Françaises, творами Соні Сьєфф про красу жіночої форми, що отримали схвальні відгуки критиків, виходить її безпрецедентне та піднесене дослідження чоловічої оголеної фігури.

Після свого високо оціненого та виразно феміністичного погляду на жіночу оголену фігуру, Сьєфф тепер спрямовує свій об'єктив на чоловіків з усіх верств суспільства, яких фотографують у широкому діапазоні місць рідної Сьєфф, Франції, сусідніх країнах Європи та аж до Африки у цьому другому томі її портретів оголеної фігури. Прославляючи різноманітність та позитивне ставлення до тіла, п'ятдесят чоловіків у розповіді Сьєфф створюють серію робіт, яка є настільки ж сексуальною, наскільки й інтимною.

Понад 100 чудово поставлених та досвідчених фотографій описують внутрішнє життя чоловіків у спокої та в розвагах; Сьєфф фіксує особливу індивідуальність кожного, водночас зображуючи унікальне відчуття місця. Знята в незрівнянних пейзажах від сонячного Середземномор'я до тиші паризьких спалень, це свіжий погляд на чоловічу оголену фігуру.

Про автора:

Фотограф і режисер Соня Сієфф знайшла свій шлях у 17 років завдяки подорожам. Вона навчалася майстерності на знімальних майданчиках у відомих операторів, перш ніж звернутися до моди. Її художній стиль полягає в опануванні світла люблячим оком та підкресленні тіла та особистості об'єкта зйомки через оголені тіла та портрети. Останнім часом, співпрацюючи з численними міжнародними журналами моди, вона працює над персональними проектами та виставками. Одночасно вона розвивала свої режисерські навички, працюючи над короткометражними фільмами та рекламними кампаніями. Наразі вона працює над документальним фільмом про свого батька, Жанлу Сієффа, та своїм першим повнометражним фільмом про фемінізм. Сієфф є авторкою книги Les Françaises (Rizzoli, 2017).

___________________

Погортати книгу Sonia Sieff: Rendez-vous!: Male Nudes  на сайтi видавництва.

Останнє видання книги класичної художниці Софі Калле містить три нові оповідання

Вперше опубліковане в 1994 році та регулярно перевидане та доповнене з того часу, це нове видання «Справжніх історій» повертається з трьома новими історіями. Проєкти Калле часто спиралися на епізоди з її власного життя, але ця книга – частково візуальні мемуари, частково роздуми про резонанс фотографій та речей – найближче, наскільки вона підійшла до створення автобіографії, хоча й дуже поетичної та фрагментарної, що характерно для її творчості. Оповідання – ніколи не довші за сторінку – по черзі легковажні, гумористичні, серйозні, драматичні або жорстокі. Кожне супроводжується зображенням; кожне пропонує фрагмент життя. Сама Калле є автором, оповідачем і головною героїнею своїх оповідань та фотографій. Її слова похмурі, точно та ретельно підібрані. Вона пропонує власні спогади – дитинство, шлюб, секс і смерть – з блискучим гумором, проникливістю та задоволенням. По черзі серйозні, веселі, драматичні чи жорстокі, ці історії з реального життя є формою незавершеної роботи, що розповідає фрагменти її життя.

Про автора:

Софі Калле (нар. 1953) — всесвітньо відома художниця, чиї суперечливі роботи часто поєднують концептуальне мистецтво та обмеження, подібні до Уліпо, методи дослідження та розграбування автобіографії. Її роботи були представлені, серед іншого, у Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку, Музеї американського мистецтва Вітні, Музеї мистецтв Карнегі, Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні, галереї Хейворд та Музеї сучасного мистецтва в Чикаго. Вона живе та працює в Парижі.

The biggest and most comprehensive volume on Steve McCurry published to date and the final word on forty years of McCurry’s incredible work. Written and compiled by Bonnie McCurry, Steve’s sister and President of the McCurry Foundation, Steve McCurry: A Life in Pictures is the ultimate book of McCurry’s images and his approach to photography.

The book brings together all of McCurry’s key adventures and influences, from his very first journalistic images taken in the aftermath of the 1977 Johnstown floods, to his breakthrough journey into Afghanistan hidden among the mujahideen, his many travels across India and Pakistan, his coverage of the destruction of the 1991 Gulf War and the September 11th terrorist attacks in New York, up to his most-recent work. Totalling over 350 images, the selection of photographs includes his best-known shots as well as over 100 previously unpublished images. Also included are personal notes, telegrams and visual ephemera from his travels and assignments, all accompanied by Bonnie McCurry’s authoritative text – drawn from her unique relationship with Steve – as well as reflections from many of Steve’s friends and colleagues.

Steve McCurry: A Life in Pictures is the complete, definitive volume on McCurry.

About the authors:

In an incredibly successful career spanning over 40 years Steve McCurry has created some of the most evocative and best-known images in photography. He has been awarded the Robert Capa Gold Medal, the National Press Photographers Award, and four first prize recognitions at the World Press Photo Contest.

Bonnie McCurry is Steve McCurry’s sister and is president of Steve McCurry Studios and director of ImagineAsia, a non-profit organization primarily working in Afghanistan. During her trips to Afghanistan she has taught English to high school girls, supported numerous educational initiatives, and founded the Young Women’s Photographic Initiative.

Beautifully composed panoramic photographs that showcase the iconic interiors and exteriors in the great museums and cultural institutions of the United States from a singular visual perspective.

In sweeping tableaux, photographer Tom Schiff presents America's most important art museums, using breathtaking images that compel us to revisit historic and modern cultural institutions and their storied rooms in a genuinely new light. Schiff skillfully combines his love of photography and architecture to profile museums of all sizes and stripes from across the country, from the most stately institutions to newer cutting-edge buildings and building additions, including the Metropolitan Museum of Art, New York; the National Gallery of Art, Washington, D.C.; the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia; the Museum of Fine Arts, Boston; and the Nelson-Atkins Museum, Kansas City, among others. Museum Architecture and Schiff's fresh, dynamic photographs are sure to appeal to architecture, museum, and art lovers alike.

About the Authors:

Tom Schiff is a photographer and founder of FotoFocus, a nonprofit arts organization that champions the ubiquity of photography and its important role in contemporary culture. Nina Rappaport is an architectural critic, curator, and educator.

Стислий огляд документальної фотографії Сьюзен Мейселас

Американська фотографка Сьюзен Мейселас, найбільш відома своєю роботою, що документує політичні потрясіння в Центральній Америці 1970-х і 80-х років, протягом більшої частини своєї кар'єри перебувала на передовій етичних дебатів щодо документальної фотографії. Завдяки тісній взаємодії з такими темами, як війна та експлуатація, вона досліджувала власне ставлення до того, що фотографує, поширення та поширення цих зображень, а також ключові питання щодо соціальної та культурної репрезентації та пам'яті. Її впливовий внесок у те, як аудиторія підходить до фотографії та взаємодіє з нею, є таким же важливим і резонансним сьогодні, як і 40 років тому.

Ця книга із серії Photofile також містить короткі тексти самої Мейселас, що супроводжують кожну роботу у томі.

Про автора
Марта Гілі — мистецтвознавець і куратор виставок. Раніше вона була директором Jeu de Paume у Парижі (2006–2018) та директором École nationale supérieure de la Photographie в Арлі (2019–2023).

Відома фотографка видавництва Magnum Сьюзен Мейселас пропонує чудовий коментар щодо своєї роботи та ролі фотографа-документаліста у цій знаковій книзі.

Ця знакова книга пропонує синтез поглядів відомої фотографки видавництва Magnum Сьюзен Мейселас на свою роботу та роль фотографа-документаліста. Завдяки тексту, взятиму здебільшого з ексклюзивних інтерв'ю з редактором Марком Холборном, вона пропонує чудовий коментар щодо своєї кар'єри, від ранньої роботи зі стриптизерками карнавалу, через новаторські репортажі про Нікарагуа та Сальвадор, до проектів, що охоплюють такі різноманітні теми, як плем'я Дані в Індонезії, курди Північного Іраку та жертви домашнього насильства в Каліфорнії. Центральним у творчості Мейселас є теми співпраці, повернення та обміну.

З понад 110 фотографіями – деякі з яких є класичними, інші рідко публікуються – ця книга демонструє, як передова, на якій працювала Мейселас, включає свідчення та збір доказів. Як зазначила Мейселас: «Продовжувати далі – означає бути допитливим – бути змушеним протистояти, досліджувати, викривати, залучатися та не знати, де ти опинишся або як ця подорож тебе змінить». Передова лінія — це завжди вибір.

Про авторів:

Сьюзен Мейселас отримала ступінь бакалавра в Коледжі Сари Лоуренс та ступінь магістра з візуальної освіти в Гарвардському університеті. За свою новаторську роботу вона отримала Золоту медаль Роберта Капи за проект у Нікарагуа (1979); Нагороду Leica за досконалість (1982); Нагороду Енгельгарда від Інституту сучасного мистецтва (1985); Фотографічну премію Фонду Хассельблад (1994); Нагороду Корнелла Капи за безкінечність (2005); і нещодавно - Медаль Гарвардського мистецтва (2011). У 1992 році вона була названа стипендіатом Макартура. Мейселас приєдналася до Magnum Photos у 1976 році та є президентом Фонду Magnum.

Марк Холборн працює редактором і дизайнером по всьому світу, а раніше був редактором журналу Джонатана Кейпа та редактором журналу Aperture. Разом з Майклом Лайтом він редагував впливову серію книг Full Moon, що ілюструє дев'ять місій Apollo moon missions (1999) та Antony Gormley on Sculpture (2015). Серед інших книг Голборн — The Great War: A Photographic Narrative (with Hilary Roberts, 2013), Shape of Things to Come: New Sculpture (with Meghan Dailey, 2009), Annie Leibovitz: A Photographer's Life 1990-2005 (2006), та Issey Miyake (1995).

A love letter to a time before Instagram and the legendary party scenes of the 2000s that brought together the new millennium’s rising stars of pop culture.

Under the moniker the Cobrasnake, the photographer Mark Hunter captured the party scenes of Los Angeles and New York during the hipster-glam heyday of the 2000s — and in doing so defined the look of a generation.  Armed with just a Polaroid and a primitive website, Cobrasnake captured pioneers of youth culture from Kanye West and Steve Aoki to Jeremy Scott, Katy Perry, and Virgil Abloh — icons of the indie pop world in the making. Intimately connected with the people around him and keyed-in to the edgier fringes of the fashion, music, and art worlds, Hunter photographed influencers before they were influencers, in the wild and at play from the streets of LA to NYC and beyond. Collected here for the first time are more than three hundred of Cobrasnake’s favorite images alongside ephemera, from concert tickets and backstage passes to outtakes and unseen photographs from his many adventures. These photographs are records of the last generation of partiers to predate the livestreaming of culture afforded by today’s social media — capturing the energy and vibrancy of a time before Instagram.

About the Author:

Mark Hunter is a photographer who under the moniker of the Cobrasnake chronicled the party scenes of Los Angeles and New York in the 2000s. His work has appeared everywhere from editorials in Rolling Stone and Harper’s Bazaar to advertising campaigns for Calvin Klein and Helmut Lang. He lives in Los Angeles.  

Багата колекція робіт, що охоплюють тридцятирічну кар'єру Алекса Вебба, включаючи раніше неопубліковані фотографії

Зібравши деякі з найвідоміших знімків Алекса Вебба, багато з яких були зроблені в найвіддаленіших куточках землі, книга The Suffering of Light додає свіжого погляду до його великого каталогу.

Визнаний піонером американської кольорової фотографії, Вебб з 1970-х років послідовно створює фотографії, що характеризуються насиченим кольором і світлом. Його роботи з багатошаровою та складною композицією охоплюють різні жанри, включаючи вуличну фотографію, фотожурналістику та образотворче мистецтво, але, як стверджує Вебб, «для мене все це фотографія. Ви повинні вийти і досліджувати світ за допомогою камери». Здатність Вебба поєднувати жести, колір і протиставляти культурні напруження в єдині, чарівні кадри призводить до створення виразних зображень, що передають відчуття загадковості, іронії та гумору.

The Suffering of Light, що містить ключові роботи поряд з раніше неопублікованими фотографіями, є першою комплексною монографією Вебба та пропонує найґрунтовніше дослідження плідної тридцятирічної кар'єри цього сучасного майстра на сьогоднішній день.

Про автора:

Фотографії Алекса Вебба з'являлися в багатьох виданнях, зокрема в журналах New York Times Magazine, Life, Stern та National Geographic, а також виставлялися на міжнародних виставках. Він є лауреатом медалі Leica Medal of Excellence (2000) та Міжнародної премії Фотографії Алькобендас (2009), а також є членом Magnum Photos з 1976 року.

Covering three decades of the artist’s provocative yet intimate large-scale color images capturing the domestic life and private moments of the American and European elite — her family and friends — this book will appeal to contemporary-art lovers, photography book collectors, and anyone with an interest in modern culture.

Internationally acclaimed American artist Tina Barney burst on the scene in the early 1980s with her provocative yet intimate photographs capturing the domestic lives and social rituals of the elite. In choosing color over black and white and producing large-format prints, she broke the tradition of established fine-art photography at the time. Her unstintingly honest portrayal of her subjects, many of whom are family and friends, remains completely original.

Straddling the line between candid and choreographed photography, between engagement and detachment, she captures her subjects in a range of rarefied settings, both private and public. Her iconic tableaux suggest rich narratives or, as she has written, the “synchronization of psychological, emotional, and sociological plots that bind a family together.” Long awaited, this lavish survey is the most definitive book to date on Barney’s work.

About the Author:

Tina Barney began her career in the mid-1970s when she started photographing in color with a large-format view camera. Her iconic images are in the permanent collections of numerous institutions including the Museum of Modern Art, Whitney Museum of American Art, Los Angeles County Museum of Art, and Museum of Fine Arts, Boston, among others. Recent solo exhibitions include The Europeans at the Frist Center in Nashville, the Barbican Centre, London, and at the Museum of Art, Salzburg. Peter Galassi is a former chief curator of photography at the Museum of Modern Art, in New York.

____________

Пролистать книгу Tina Barney

Дебютна монографія Ліама Вонга, натхненне кіберпанком дослідження нічного Токіо

«Я хочу взяти реальні моменти та перетворити їх на щось сюрреалістичне, щоб глядач сумнівався в реальності, зображеній на кожній фотографії. Цей корпус робіт охоплює мою трирічну роботу фотографом і, зрештою, завершення моєї дебютної фотосерії» Ліам Вонг

Це видання, художньо кероване самим Вонгом і виготовлене за найвищими стандартами друку, є свідченням глибокого мистецтва колірної композиції, об’єднує повний та вишуканий корпус зображень, які є евокативними, позачасовими та повністю передають атмосферу. Завершує особливий підхід до книги перше використання шрифту 45/90, розробленого Хенріком Кубелем з лондонського видавництва A2-TYPE. Книга також містить розділ, який розкриває творчий та технічний процес методу Вонга, від визначення правильної сцени до композиції, від захоплення суті моменту до посилення колірних значень та поглиблення впливу зображення – ці ідеї безцінні як для шанувальників, так і для ентузіастів фотографії.

Про автора:

Ліам Вонг — арт-директор, що отримав нагороди, який зараз мешкає в Японії. Графічний дизайнер, розробник ігор та фотограф, він найбільш відомий за визначення, дизайн та режисуру візуальної ідентичності та був включений до списку найвпливовіших 30 до 30 за версією журналу Forbes.

The Polish photographer and filmmaker Tomasz Gudzowaty is actually known for his perfection — clear compositions, precisely chosen image frames, carefully considered down to the last detail. However, the approach to his Sumo series is completely different. For his photographic tribute to the Japanese national sport Sumo, Gudzowaty confronts his subject with the rebellious aesthetic of “are-bure-bokeh”, which means rough, blurred, out of focus. This style developed in Japan in the 1960s as a countercurrent to the prevailing norm of photojournalism of the time. With the help of photography, Gudzowaty attempts to create a visual language that is able to capture documents beyond words. With the publication Sumo he presents a previously unknown side of his artistic work.

About the Autor:

Tomasz Gudzowaty (*1971) is a portrait and documentary photographer and filmmaker. His work has been published in many magazines and newspapers, such as National Geographic and Vogue Italia. He has received numerous awards.

«Справжня річ, про яку я говорю, має чистоту та певну суворість, точність, простоту, прямоту, ясність, і вона позбавлена художньої претензії в усвідомленому сенсі цього слова».

Саме Вокер Еванс дав це ідеальне визначення власної роботи. Він фотографував Америку епохи Великої депресії з постійним прагненням до об'єктивності, своєрідної документальної нейтральності. Проте, скульптурна витонченість його зображень та пильна увага, яку він приділяє як людям, так і речам, позначили ціле покоління художників.

PHOTOFILE об'єднує найкращі роботи найвидатніших фотографів світу в привабливому форматі та за легкодоступною ціною. Гарні та колекційні, книги виготовлені за найвищими стандартами. Кожен том містить близько шістдесяти повносторінкових репродукцій, надрукованих у чудовому двотоновому кольорі, разом із критичним вступом та повною бібліографією. Серія була нагороджена першою щорічною премією за видатні фотокниги Міжнародного центру фотографії в Нью-Йорку.