Мистецтво

Це приголомшливе колекційне видання включає оригінальну книгу John Derian Picture Book та не менш чудову книгу John Derian Picture Book II. Упакований у красивий футляр, це найкращий подарунок для шанувальників улюбленого художника та дизайнера товарів для дому.

З моменту публікації свого бестселера John Derian Picture Book у 2016 році Джон Деріан розширив свою і без того масштабну імперію товарів для дому лінійкою пазлів і канцтоварів, а також відновив співпрацю з такими світовими брендами, як Target. Його вироби продовжують здобувати всесвітнє визнання, а його колекція позачасового вінтажного мистецтва продовжує зростати. Тепер, через сім років після своєї дебютної книги, Деріан повертається з другою частиною, Ілюстрована книга John Derian Picture Book II. Асортимент із 375 повних зображень у оригінальній формі, John Derian Picture Book II продовжує вшановувати найкраще з його світу, від інтенсивних квітів і птахів до цікавих портретів, намальованих від руки літер і захоплюючих пейзажів. Результат — величезний об’єкт бажання, сам по собі витвір мистецтва, який блискуче проходить межу між комерцією та мистецтвом і якому судилося стати подарунковою книгою сезону.

Про автора:

Джон Деріан – художник і дизайнер, який перетворює друковані зображення з минулого, і таким чином переносить глядача в інший світ. У 1989 році він заснував компанію John Derian Company Inc., і його декупажні тарілки, тарілки, прес-пап’є, підставки та чаші досі повністю виготовляються вручну в його студії в Нью-Йорку, де він наймає невеликий штат майстрів для допомоги у виробництві. Його проекти продаються в елітних домашніх магазинах, у каталогах і сувенірних магазинах по всьому світу, і він створив ексклюзивні колекції для Cisco Brothers, Astier de Villatte, Target тощо. Його роздрібні магазини, студії та будинки були представлені в Vogue, T: The New York Times Style Magazine, The World of Interiors, Elle Decor та Vanity Fair тощо.

The ultimate publication on Hokuei, the master of Osaka ukiyo-e printmakers and one of the most intriguing artists ever in kabuki-actor prints.

Hokuei: Master of Osaka Kabuki Prints centers on one of the most intriguing artists in kabuki actor prints: Shunbaisai Hokuei (act. ca. 1828–36). A culminating, yet enigmatic, figure in Osaka ukiyo-e prints, Hokuei produced more masterworks than any other artist of his day in the Kyoto-Osaka (Kamigata) region. The prints in this richly illustrated publication are largely drawn from the John Fiorillo collection, considered the most extensive of Hokuei’s works.

The book presents a thoughtful and thorough overview of the artist’s life and career in the world of Kamigata print production. Also included is a section highlighting fifty-six meticulously researched and remarkably well-preserved prints. Through Hokuei’s prints, the world of kabuki comes alive in fascinating detail, while assessments of design and technical attributes bring into focus the achievements of Hokuei and Kamigata print designers of the period. Of particular importance for scholars and collectors is a fully illustrated and annotated catalogue raisonné of the artist’s to-date documented 270 prints, a number of which are designs unique to the Fiorillo collection.

Appendices introduce aspects of Hokuei’s prints, including summary data on print formats, figure types, deluxe printings, woodblock-printed books, and the artist’s students; signatures and seals; publishers; block-cutters and printers; kabuki theaters; and the making of Japanese prints. The depth and scope of information provided in Hokuei: Master of Osaka Kabuki Prints makes it a singular reference for scholars, collectors, and enthusiasts of Osaka prints, of the artist Hokuei, and of the world of kabuki.

About the Author:

John Fiorillo is an independent researcher and writer on traditional and modern Japanese prints, with a particular interest in Kamigata-e (“Osaka prints”) and Sōsaku Hanga (“Creative prints”). Over time, he came to especially love and admire the actor prints produced in Osaka, a genre often overlooked by collectors and scholars. Mr. Fiorillo has regularly published in the art journal Andon (Society for Japanese Art, Leiden), contributed to the Hotei Encyclopedia of Japanese Woodblock Prints (2005), and designed and written extensive articles for the websites “ViewingJapanesePrints.net" (since 1999) and “OsakaPrints.com" (since 2005). Mr. Fiorillo also serves as a member of the Andon editorial board.

A deluxe, large-format edition of this beautifully illustrated introduction to Katsushika Hokusai, the most prolific artist of Japan’s Edo period, and master of ukiyo-e – ‘images of the floating world’

Hokusai: the blue, foam-crested wave rearing above Mount Fuji; the celebrated volcano idealized and reinvented by the artist in every nuance of view, season and painting; extraordinary bridges, the waterfalls of Japan, the contortions, costumes, gestures – the very breath of men, women, peasants, townsmen, warriors, artisans, leaping horses, birds, insects, fish, almost live on the ground on which they are painted – the countless imaginative drawings or the lively sketches done on the spot for the Manga, Hokusai’s record of shapes and forms drawn from life or imagined over time. With a body of work comprising more than 30,000 drawings and paintings, Hokusai (1760–1849) was the most prolific, varied and indisputably the most creative artist of old Japan. A universal genius in everything that constituted drawing and painting in his time, he practised all genres of ukiyo-e, those ‘images of the floating world’, as his contemporaries liked to describe their pleasures and their daily life.

This book traces the career of this child from a working-class district of old Tokyo, then known as Edo, evoking the special atmosphere of this great city and of Japanese life, when Japan – closed to foreigners – developed in a vacuum a powerfully original culture. Hokusai became one of the great masters of the woodcut, this ‘brush gone wild’, as he called himself, being rediscovered by the Impressionists and aesthetes at the end of the 19th century. He remains one of the greatest and – thanks to his personality – one of the most attractive figures of world art.

About the Author:

Henri-Alexis Baatsch is a writer and translator who lived in Tokyo in 1981 and again from 1984 to 1986, during which time he wrote an essay on Hokusai, revised for this book. He is the author of several plays and numerous books, including Henri Michaux: Painter and Poetry and Questions of Style.

A lively introduction to and history of international contemporary art from 1960 to the present

What does it mean?
Is it really art?
Why does it cost so much?
While these questions are perpetually asked about contemporary art, they are not the questions that E. H. Gombrich set out to answer in his seminal book The Story of Art. Contemporary art is very different from what came before. From the 1960s, where Gombrich’s account concludes, artists began to abandon traditional forms of art and started to make work that questioned art’s very definition. This is where Godfrey picks up the story.

Developments in contemporary art have followed no straightforward line of progress or sequence of movements. Recognizing this, Tony Godfrey creates a narrative from a series of often dramatic creative conflicts and arguments around what art is or should be. From object versus sculpture and painting versus conceptual to local versus global, gallery versus wider world, The Story of Contemporary Art traces a history in terms of drastic changes in social and political life over the last sixty years.

How do we experience being human in a world that seems to change so quickly? In exploring art’s relationship to this question, Godfrey asserts that multiple voices must be heard: critics, theorists, curators and collectors, but also audiences and artists themselves. Key to the book is the story of how a perception that art was made almost exclusively by white men from North America and Western Europe has been radically overturned. Compelling and intelligent, but never academic, this book tells us how.

About the Author:

Tony Godfrey, former Programme Director of the MA in Contemporary Art at Sotheby’s Institute, London, now lives in Manila, where he works as a curator with artists from South-East Asia. He has written for the Burlington Magazine and Art in America, and is the author of Conceptual Art and Painting Today, as well as numerous exhibition catalogues.

An in-depth overview of Ukrainian art from the dawn of Modernism in the late nineteenth century to the start of the Russian invasion in Spring 2022.

This new volume in the World of Art series provides an overview of Ukrainian art, artists and art movements from the dawn of Modernism and the 1900s to the Soviet period, to post-Soviet times and the beginning of the war with Russia in February 2022. Ukrainian art and artists are discussed within historical and political contexts as well as how they have contributed to, and interacted with, Ukrainian culture and identity. Filled with rich illustrations, each chapter explores a different art period or movement.

We are at a historical moment where Ukraine and its cultural identity are in grave danger, and author Alisa Lozhkina offers a powerful opportunity to connect curious and empathetic readers with the Ukrainian art tradition.

About the Author:

Alisa Lozhkina is a leading art historian, critic, and curator. She was the editor-in-chief of the major Ukrainian art magazine Art Ukraine and served as a deputy director and chief curator of Mystetskyi Arsenal, Kyiv, the largest museum and exhibition complex in Ukraine. Lozhkina has curated numerous art projects in Ukrainian and international museums and art centers, and published several books. She has contributed to numerous publications including Texte zur Kunst, The Art Newspaper, ARTnews, Etudes sur L'histoire de l'art, and Los Angeles Review of Books. She is also an artist.

Mark Ryden’s Yakalina Secrets is the wondrous second installment in the artist’s incredible gallery of creatures.

In his Pacific Northwest studio during the isolation of COVID-19, Mark Ryden began a series of his iconic half-animal, half-plush creatures that further explored his reverence for these beings, who are guides through a landscape of the unknown. The figures in these paintings are neither human nor animal, they are spiritual entities that create a bridge between the human and animal worlds in which so much disharmony exists.

This book features all of the original portraits of Ryden’s mysterious and mythical creatures. The resulting gallery of enchanted characters embodies the artist’s meticulously realized signature blend of archetype, kitsch, and narrative mysticism.

Mark Ryden’sYakalina Secrets features works from two of the artist’s exhibitions, organized in collaboration with Emmanuel Perrotin and Kasmin Gallery: Animal Secrets in Paris and Yakalina 9 in Tokyo.

Foreword by Takashi Murakami

About the Author:

Blending pop culture themes with techniques reminiscent of the old masters, Mark Ryden has created a singular style that blurs the traditional boundaries between high and low art. His work first garnered attention in the 1990s when he ushered in a new genre of painting, “pop surrealism,” dragging a host of followers in his wake. Ryden has trumped the initial surrealist strategies by choosing topics loaded with cultural connotation.

The most thorough Caspar David Friedrich retrospective in many years, published to mark the 250th anniversary of the artist's birth

Caspar David Friedrich (1774–1840) is renowned as the Romantic painter par excellence, his works icons of an age of major social upheaval. His landscape paintings and drawings broke with traditional patterns of representation, and paved new ways of both experiencing and reflecting on the ambivalent relationship between humankind and nature.

Accompanying the most comprehensive Friedrich retrospective in many years, this catalogue re-examines the artist’s groundbreaking work in light of the urgent challenges in a time of climate crisis and postcolonial reflection. It centres on more than sixty paintings, among them many major iconic works, and about 100 drawings. Selected works by Friedrich’s colleagues, notably August Heinrich, Georg Friedrich Kersting, Ernst Ferdinand Oehme and Johann Alexander Thiele are also featured. The second part of the book focuses on the contemporary reception of his work. In contributions ranging from video and photography to installations, some twenty artists working across a variety of genres and media explore the Romantic era, its attitude to nature and the art of Caspar David Friedrich. The participants include Alex Grein, Swaantje Güntzel, Jochen Hein, Johanna Karlsson, Hiroyuki Masuyama, Loudmila Milanova, Mariele Neudecker, Ulrike Rosenbach, Susan Schuppli, Santeri Tuori and Kehinde Wiley.

About the Authors:

Markus Bertsch is Head of the 19th-Century Collection at Hamburger Kunsthalle. Johannes Grave is Professor of Modern Art History with a focus on European Romanticism at the University of Jena. He was awarded the Gottfried Wilhelm Leibniz-Preis in 2020 for his research on art in the early 1800s, early Renaissance painting and picture theory.

Тепер знову доступна в новому виданні. Ця розкішна книга сягає 25 000 років тому, щоб простежити історію ювелірних виробів від епохи палеоліту до наших днів.

Ця колекція ювелірних виробів, взята з обширних фондів Державного музею в Берліні, пов’язує культури та епохи, щоб показати, як дизайн, носіння та колекціонування особистих прикрас еволюціонували протягом століть. Вони варіюються від класичних предметів, таких як намиста, каблучки та сережки, до менш поширених предметів, що походять з неєвропейських культур. У книзі представлені ювелірні вироби, починаючи від чудових корон Стародавньої Греції, золотих сережок із Вавилона та прикрашених дорогоцінними каменями комірів, які носили ісламські королівські особи 13-го століття, до більш сучасних виробів, таких як ті, що містяться в імперській колекції королеви Луїзи Прусської, ювелірні вироби в стилі модерн, створені Рене Лаліком, і роботи сучасних дизайнерів. Цей хронологічно впорядкований огляд містить численні короткі есе та 400 ілюстрацій із детальними підписами, що робить його ідеальним довідником для всіх, хто цікавиться історією культури, історією ювелірних виробів або мистецтвом і ремеслом виготовлення ювелірних виробів.

Про автора:

Марен Айххорн-Йоганнсен є заступником керівника відділу виставок і спеціальних подій у Державному музеї Берліна. Адельхайд Раше є керівником колекції текстилю, одягу та ювелірних виробів у Німецькому національному музеї в Нюрнберзі.

Ця чудова, авторитетна та безпрецедентна ретроспектива гравюр і картин Доре, зібрана з більш ніж 10 000 творів, представлена ​​в ефектно вишуканій упаковці, яка відображає власний драматичний стиль художника.

Якщо ви були споживачем літератури в дев’ятнадцятому столітті, швидше за все, томи вашої бібліотеки містили ілюстрації Гюстава Доре. Від Біблії до Шекспіра, від Бальзака до Мільтона, від Сервантеса до По, складні, романтичні та пишні малюнки Доре оживляли великі твори та були такими ж цінними, як історії та поезія, які вони зображували. Крім того, як показує ця чудова книга, він також був вправним скульптором, художником і карикатуристом. Ця книга охоплює всю кар’єру Доре з розділами, присвяченими конкретним творам, таким як «Божественна комедія», «Дон Кіхот», «Ідилії короля» Теннісона та середньовічні казки — у кожній з них представлено вишукані повносторінкові репродукції, які дозволяють яскраво висвітлити геніальність Доре у створенні ліній, відтінків і текстури.

Автори також надають відомості про техніку, яку Доре використовував для створення своїх вишуканих робіт. Шанувальники Доре оцінять вражаюче виготовлення цього тому, яке включає четвертну палітурку, тиснення золотою фольгою, тиснення на обкладинці та корінці, пояс на животі та шовкотрафаретний друк на трьох краях. Сповнена проникливого аналізу та експертних історичних перспектив, ця книга є неперевершеним колекційним примірником — книга така ж обширна та сенсаційна, як і сам художник.

About the Authors:

Алікс Паре – викладач, який спеціалізується на західному живописі 17, 18, 19 і 20 століть. Вона обіймала попередні посади в музеї Лувр у Парижі та Шато де Версаль, Франція.

Валері Сюер-Ермель є куратором відділу гравюри та фотографії в Національній бібліотеці Франції в Парижі, Франція. Вона була куратором численних виставок, таких як: Daumier (2008), Gustave Doré (2014), Odilon Redon (2011)

Нова книжка в м’якій обкладинці містить рідковживані мультимедійні роботи відомого культового режисера Девіда Лінча, які показують, як він застосовує свою потужну уяву та візуальну мову в різних жанрах.

Девід Лінч завжди був у центрі уваги як кінематографіст, знявши деякі з найбільш культових фільмів, коли-небудь знятих, але як візуальний художник він менш відомий. Лінч насолоджується фізичністю живопису та любить стимулювати всі почуття у своїй роботі. Це нове видання в м’якій палітурці об’єднує картини, фотографії, малюнки, скульптури та інсталяції Лінча, а також кадри з його фільмів. Багато з цих робіт розкривають темну основу часто моторошних фільмів Лінча. Інші досліджують його захоплення текстурою та колажем. Усюди проступає характерний стиль Лінча — сюрреалістичний, стильний і навіть гумористичний. Вступ музичної журналістки та біографа Лінча Крістін Маккенни разом із есе куратора Стійна Хейтса, що спонукає до роздумів, пропонує захоплюючу нову інформацію та погляди на життя та кар’єру Лінча. Ця книга розкриває незвіданий аспект творчості Лінча та підтверджує, що він такий же блискучий художник, як і режисер.

About the Author: 

Крістін МакКенна – американська журналістка, критик і куратор. Вона писала для Artforum, The New York Times, ARTNews, Vanity Fair, The Washington Post і Rolling Stone Magazine. 

«суміш художньої чуттєвості та образності, яка не залишає нічого для уяви»  - The Telegraph

На початку Нового часу в Японії було створено тисячі відверто сексуальних картин, гравюр та ілюстрованих книг із текстами. Їх евфемістично називали «весняними картинами» (шунга), і спочатку вони були створені художниками школи укійо-е плаваючого світу для реклами публічних будинків у Йосіварі 17-го століття, зокрема знаменитими художниками Утамаро та Хокусаєм.

Цей каталог виставки 2013-2014 років у Британському музеї має на меті відповісти на деякі ключові запитання про те, що таке шунга та чому її створили. Еротичне японське мистецтво сильно пригнічувалося в Японії з 1870-х років, і лише за останні двадцять років чи близько того в Японії вдалося опублікувати невигадані зразки.

Спираючись на останні наукові дослідження та вміщуючи понад 400 зображень творів із великих державних і приватних колекцій, ця книга проливає нове світло на цей унікальний вид мистецтва в японській соціальній та культурній історії.

About the Author:

Тімоті Кларк, керівник японського відділу Британського музею

Originating as an ancient tribal practice serving as rites of passage, symbols of religious devotion or marks of bravery, tattoo art has slowly grown into an essential fashion item, a personal statement, a decorative memorial or pledges of deep beliefs. From miniature, hand-drawn pieces to extensive tribal-inspired tattoo markings, contemporary lineworks to retrospective designs, the new wave of tattoos reveals an international aesthetic movement grounded in the love of art.

Varied by striking motifs, INK — The Art of Tattoo amasses some 700 recent and classic flash designs, original patterns and illustrations that encapsulate how tattoo styles around the world have evolved. Readers can start examining the subject by admiring a diverse spectrum of tattoo flash categorised by artist, then go on to a photography showcase of inked bodies modelled for fashion and art projects. The book continues with interviews that provide a portal into the mind of select tattoo artists, each distinct in style and approach. Available in three covers, INK is a collectable reference for practitioners and those craving for new tatts.

Опубліковано, щоб супроводжувати виставку Королівської академії з 29 червня по 13 жовтня 2024 року, велике дослідження українського мистецтва від 1900 до середини 1930-х років – із запозиченням від великих музеїв в Україні, інших країнах Європи, Сполучених Штатів (включно з MoMA) та Ізраїлю

Як мистецьке життя процвітає під час революцій і конфліктів? Україна на початку 1900-х років пережила неймовірні політичні потрясіння, але це стало періодом справжнього ренесансу в українському мистецтві, літературі, театрі та кіно.

In the Eye of the Storm: Modernism in Ukraine, 1900–1930s представляє новаторське мистецтво, створене в Україні на початку 20 століття, зосереджуючись на трьох ключових культурних центрах: Києві, Харкові та Одесі. На складному соціально-політичному тлі розпаду імперій, Першої світової війни, революцій 1917 року з наступною війною за незалежність України та остаточного створення Радянської України виникло кілька напрямів виразно українського мистецтва.

Якщо такі емігранти, як Соня Делоне та Олександр Архипенко, знайшли популярність за межами батьківщини, послідовники Михайла Бойчука зосереджувалися на візантійському відродженні, а митці Kultur Lige прагнули сприяти розвитку сучасної культури їдиш. На перших авангардних виставках в Україні були представлені радикальне мистецтво Давида Бурлюка та Олександри Екстер, динамічні полотна київського кубофутуриста Олександра Богомазова. У Харкові Василь Єрмілов відстоював індустріальне мистецтво конструктивізму, а Вадим Меллер, Анатоль Петрицький, Олександр Хвостенко-Хвостов і Борис Косарєв зробили революцію в театральному дизайні. Спроба побудувати національну ідентичність в Україні призвела до поліфонії стилів і мистецьких розробок у повному спектрі медіа – від олійного живопису, ескізів і скульптури до колажів, кіноафіш і театральних дизайнів.

Дванадцять всесвітньо відомих науковців, у тому числі куратори Національного художнього музею України, оживлюють цей дивовижний період творчості в Україні та всі рухи, які він охоплював.

Зміст:

Передмова
Франческа Тіссен-Борнеміса
Подяки
вступ
Костянтин Акінша

І. Київ

Від Києва до Парижа: космополітизм Олександри Екстер
Катя Денисова

Початок: Перші авангардні виставки в Україні
Олена Кашуба-Вольвач

Художня секція Kultur Lige: Авангардне мистецтво їдиш у Києві (1918–1922)
Гілель Казовський

Олександр Богомазов: українська версія футуризму
Олена Кашуба-Вольвач

Бойчукізм
Мудрак Мирослава Михайлівна

Баухаус на березі Дніпра
Олена Кашуба-Вольвач

ІІ: Харків

Трагічна чуттєвість харківського авангарду
Тетяна Жмурко

Конструктор Василь Єрмилов: Полонений матеріального світу
Костянтин Акінша

Візуально-просторові експерименти в українській сценографії 1920-х років
Олена Ковальчук

Іван Кавалерідзе: Пошуки героя Нового часу
Оксана Баршинова

Нова генерація (1927–1930)
Мудрак Мирослава Михайлівна

III. Одеса

Одеське товариство незалежних художників
Ольга Барковська

Від символізму до авангарду: емансипація українського кіно 1920-х років
Іван Козленко

IV. Наслідки

У тіні Росії: українське мистецтво на XVI Венеціанській бієнале 1928 року
Олена Кашуба-Вольвач та Марина Дроботюк

Емігранти з України: Архипенко, Делоне і Барано-Россіне
Катя Денисова

Від забуття до слави: Спецфонд, або Особливий секретний холдинг
Юлія Литвинець

Тарілки
Біографії авторів
Автори фото
Індекс

Про автора:

Костянтин Акінша навчався в художній школі імені Шевченка в Києві, Україна, а в 1986 році закінчив магістратуру з історії мистецтва в Московському державному університеті. Він отримав ступінь доктора філософії з історії мистецтва в Единбурзькому університеті. Протягом своєї кар’єри Костянтин Акінша був куратором Київського музею західного та східного мистецтва, московським кореспондентом ARTnews, дописуючим редактором журналу ARTnews у Нью-Йорку, а також науковим співробітником Німецького національного музею в Нюрнберзі та Bremen Kunstverein, Східноєвропейський інститут Бременського університету. З 1999 по 2000 рік він також був заступником наукового директора відділу мистецтва та культурних цінностей Президентської консультативної комісії з питань активів Голокосту у США, Вашингтон, округ Колумбія. У 2006 році він став європейським кореспондентом журналу ARTnews у Будапешті, а у 2007 році він також став стипендіатом Євгена та Давмеля Шкларів в Українському дослідницькому інституті Гарвардського університету. Акінша написав низку книг, у тому числі Stolen Treasure (Weidenfeld & Nicolson, 1995), написану у співавторстві з Грегорієм Козловим, і The Holy Place, написану у співавторстві з Грегорієм Козловим і Сільвією Хохфілд (Видавництво Єльського університету, 2007).

The official behind-the-scenes tie-in book to Sony Pictures Animation’s Spider-Man: Across the Spider-Verse

Miles Morales returns for the next chapter of the Oscar®-winning Spider-Verse saga in an epic adventure that will transport Brooklyn’s full-time, friendly neighborhood Spider-Man across the multiverse to join forces with Gwen Stacy and a new team of Spider-People to face off with a villain more powerful than anything they have ever encountered.

Spider-Man: Across the Spider-Verse: The Art of the Movie takes readers behind the scenes to showcase the art and artistry of Sony Pictures Animation’s highly anticipated sequel to 2018’s Academy Award–winning animated feature, Spider-Man: Into the Spider-Verse.

The ultimate deep dive into the on-screen return of the Spider-Man multiverse, the book features exclusive concept art, sketches, character designs, and storyboards from the visually innovative film as well as interviews with key creators, such as writers/producers Phil Lord and Christopher Miller, who offer insights into their creative process.

About the Author:

Ramin Zahed is a Los Angeles–based author and editor-in-chief of Animation Magazine. His books include The Art of The Mitchells vs. The Machines, Spider-Man: Into the Spider-Verse: The Art of the Movie, The Art of Love, Death + Robots, The Art of Captain Underpants, The Art of DreamWorks Puss in Boots: The Last Wish and The Art of DreamWorks Animation.

An accessible and hugely popular history of art explained through many of the world’s most famous masterpieces

This comprehensive, vibrant book leads you through the world’s iconic images – those that we encounter every time we open a newspaper, visit a gallery, or look at the front cover of a novel

Art: The Whole Story traces the development of art period by period, with the illustrated text covering every genre, from painting and sculpture to conceptual art and performance art. Cultural timelines are there too, to help the reader with historical context.

• The most accessible history of world art ever assembled
• More than 1,100 colour illustrations of iconic pieces
• Covers every genre of art, from painting and sculpture to conceptual art
• Designed in an easily navigable and user-friendly fashion

Written by an international team of artists, art historians and curators, this absorbing and beautiful book will give you insight into the world’s most iconic images.

Masterpieces that epitomize each period or movement are highlighted and analysed in detail. Everything from the use of colour and visual metaphors to technical innovations is explained, enabling you to interpret the meanings of world-famous masterpieces – Mughal miniatures; Japanese prints in the nineteenth century; the colour theories behind Seurat’s remarkable La Grande Jatte; and why Picasso’s Les Demoiselles D’Avignon was so shocking in its day.