Мистецтво

Розкішне, великоформатне видання цього чудово ілюстрованого вступу до Кацусіки Хокусая, найпродуктивнішого художника японського періоду Едо та майстра укійо-е – «образів ширяючого світу»

Хокусай: блакитна хвиля з піною, що піднімається над горою Фудзі; знаменитий вулкан, ідеалізований і переосмислений художником у кожному нюансі погляду, сезону та картини; надзвичайні мости, водоспади Японії, викривлення, костюми, жести – саме дихання чоловіків, жінок, селян, городян, воїнів, ремісників, коней, що стрибають, птахів, комах, риб, майже живе на землі, на якій вони намальовані – незліченні творчі малюнки або жваві ескізи, зроблені на місці для манги, записів Хокусая про форми та форми, взяті з життя або уявлені з часом. Маючи понад 30 000 малюнків і картин, Хокусай (1760–1849) був найпліднішим, різноманітним і, безперечно, найкреативнішим художником старої Японії. Універсальний геній у всьому, що становило малюнок і живопис свого часу, він практикував усі жанри укійо-е, ці «образи ширяючого світу», як любили описувати свої задоволення та повсякденне життя його сучасники.

Ця книга простежує кар’єру цієї дитини з робітничого району старого Токіо, тоді відомого як Едо, згадуючи особливу атмосферу цього великого міста та японського життя, коли Японія – закрита для іноземців – у вакуумі розвинула надзвичайно оригінальну культуру. Хокусай став одним із великих майстрів гравюри на дереві, цей «дичавілий пензель», як він сам себе називав, був заново відкритий імпресіоністами та естетами наприкінці 19 століття. Він залишається однією з найбільших і – завдяки своїй особистості – однією з найпривабливіших постатей світового мистецтва.

Про автора:

Анрі-Алексіс Баатш — письменник і перекладач, який жив у Токіо в 1981 році та знову з 1984 по 1986 роки, протягом якого він написав есе про Хокусая, переглянуте для цієї книги. Він є автором кількох п’єс і численних книг, зокрема Henri Michaux: Painter and Poetry and Questions of Style.

Це приголомшливе колекційне видання включає оригінальну книгу John Derian Picture Book та не менш чудову книгу John Derian Picture Book II. Упакований у красивий футляр, це найкращий подарунок для шанувальників улюбленого художника та дизайнера товарів для дому.

З моменту публікації свого бестселера John Derian Picture Book у 2016 році Джон Деріан розширив свою і без того масштабну імперію товарів для дому лінійкою пазлів і канцтоварів, а також відновив співпрацю з такими світовими брендами, як Target. Його вироби продовжують здобувати всесвітнє визнання, а його колекція позачасового вінтажного мистецтва продовжує зростати. Тепер, через сім років після своєї дебютної книги, Деріан повертається з другою частиною, Ілюстрована книга John Derian Picture Book II. Асортимент із 375 повних зображень у оригінальній формі, John Derian Picture Book II продовжує вшановувати найкраще з його світу, від інтенсивних квітів і птахів до цікавих портретів, намальованих від руки літер і захоплюючих пейзажів. Результат — величезний об’єкт бажання, сам по собі витвір мистецтва, який блискуче проходить межу між комерцією та мистецтвом і якому судилося стати подарунковою книгою сезону.

Про автора:

Джон Деріан – художник і дизайнер, який перетворює друковані зображення з минулого, і таким чином переносить глядача в інший світ. У 1989 році він заснував компанію John Derian Company Inc., і його декупажні тарілки, тарілки, прес-пап’є, підставки та чаші досі повністю виготовляються вручну в його студії в Нью-Йорку, де він наймає невеликий штат майстрів для допомоги у виробництві. Його проекти продаються в елітних домашніх магазинах, у каталогах і сувенірних магазинах по всьому світу, і він створив ексклюзивні колекції для Cisco Brothers, Astier de Villatte, Target тощо. Його роздрібні магазини, студії та будинки були представлені в Vogue, T: The New York Times Style Magazine, The World of Interiors, Elle Decor та Vanity Fair тощо.

Відсвяткуйте 30-річчя візуально багатих світів DreamWorks Animation за допомогою цього розкішного видання художніх досягнень студії як у кіно, так і на телебаченні.

Наповнена рідкісним концептуальним мистецтвом, зразками зразків і ескізами персонажів, ця повна колекція пропонує доступ до архівів DreamWorks за кадром.

Містить передмову Кемерон Діас, а також інсайдерські анекдоти та точки зору акторів, режисерів, продюсерів і художників, The Art of DreamWorks Animation відзначає тривалу спадщину студії щодо створення захоплюючих світів, захоплюючих персонажів і чудових історій, які надихають на безмежні можливості.

Команди DreamWorks Animation, які складаються з художників, сценаристів, режисерів, продюсерів, інженерів і інноваторів, відомі своєю досконалістю, розповідаючи історії про мрії та подорожі їхніх нетрадиційних героїв, щоб втілити їх у життя. За останні 30 років прем’єр-студія випустила деякі з найбільш новаторських і видатних анімаційних фільмів усіх часів, таких як Shrek, Trolls, Kung Fu Panda, How to Train Your Dragon, The Bad Guys, Madagascar, і найновіше доповнення, The Wild Robot, а також відомі телешоу, такі як Gabby’s Dollhouse, Jurassic World: Camp Cretaceous, Trollhunters, та Spirit Riding Free — серед багатьох інших.

Про авторів:

Рамін Захед – автор із Лос-Анджелеса та головний редактор журналу Animation Magazine. Його книги включають бестселери New York Times Spider-Man: Across the Spider-Verse: The Art of the Movie, а також The Art of DreamWorks Puss in Boots: The Last Wish, Spider-Man: Into the Spider-Verse: The Art of the Movie, The Art of Love, Death + Robots та попереднє видання The Art of DreamWorks Animation.Джеррі Бек – відомий історик анімації та продюсер мультфільмів. Як дистриб'ютор фільмів, його компанія Streamline Pictures привезла Тоторо Міядзакі та Акіру Отомо до США. Його понад 15 книг про історію анімації включають «Посібник з анімаційних фільмів», «Веселі мелодії: найкращий візуальний посібник» і «50 найкращих мультфільмів».Зараз він викладає історію анімації в Каліфорнійському мистецтві, Каліфорнійському університеті в Лос-Анджелесі та Університеті Чепмена, курує щомісячний «Клуб мультфільмів» для кінотеатру New Beverly Cinema Квентіна Тарантіно в Голлівуді та редагує два блоги, Animation Scoop і Cartoon Research. Він живе в Глендейлі, Каліфорнія

A lively introduction to and history of international contemporary art from 1960 to the present

What does it mean?
Is it really art?
Why does it cost so much?
While these questions are perpetually asked about contemporary art, they are not the questions that E. H. Gombrich set out to answer in his seminal book The Story of Art. Contemporary art is very different from what came before. From the 1960s, where Gombrich’s account concludes, artists began to abandon traditional forms of art and started to make work that questioned art’s very definition. This is where Godfrey picks up the story.

Developments in contemporary art have followed no straightforward line of progress or sequence of movements. Recognizing this, Tony Godfrey creates a narrative from a series of often dramatic creative conflicts and arguments around what art is or should be. From object versus sculpture and painting versus conceptual to local versus global, gallery versus wider world, The Story of Contemporary Art traces a history in terms of drastic changes in social and political life over the last sixty years.

How do we experience being human in a world that seems to change so quickly? In exploring art’s relationship to this question, Godfrey asserts that multiple voices must be heard: critics, theorists, curators and collectors, but also audiences and artists themselves. Key to the book is the story of how a perception that art was made almost exclusively by white men from North America and Western Europe has been radically overturned. Compelling and intelligent, but never academic, this book tells us how.

About the Author:

Tony Godfrey, former Programme Director of the MA in Contemporary Art at Sotheby’s Institute, London, now lives in Manila, where he works as a curator with artists from South-East Asia. He has written for the Burlington Magazine and Art in America, and is the author of Conceptual Art and Painting Today, as well as numerous exhibition catalogues.

Найповніша монографія про загадкового французького художника – оновлена, щоб включити абсолютно нові роботи

Наповнена приголомшливими фотографіями, ця надзвичайна монографія описує низку спільних проектів JR, виконаних по всьому світу.

Створений у тісній співпраці з художником, він містить розділи про кожну з основних робіт JR – від Expo2Rue, який використовує вулицю як полотно для початку своєї кар’єри як художника, до Хронік Маямі, які вийшли в листопаді 2023 року. Він також включає його співпрацю з іншими артистами та установами, такими як New York City Ballet, кінорежисер Агнес Варда, і журнал Time.

Передмова легенди Голлівуду Джорджа Лукаса, спеціально створений графічний роман художника коміксів Джозефа Ремнента, оновлений оглядовий нарис Нато Томпсона та короткий твір італійського режисера Еліс Рорвахер — усе це разом розповідає захоплюючу історію Дж. Ар.

Про авторів:

JR є загадковим французьким художником, який стоїть за деякими з найпровокаційніших у світі великомасштабних проектів публічної фотографії. Його роботи з’являються по всьому світу, зокрема нещодавно в Палаці Гарньє в Парижі.

Джозеф Ремнант – художник/карикатурист із Лос-Анджелеса, чиї комікси та ілюстрації з’являлися в журналі Arthur , Juxtapoz та New York Times.

Нато Томпсон – автор і колишній головний куратор Creative Time у Нью-Йорку.

Аліса Рорвахер – італійська режисерка та співрежисер короткометражного фільму «Омелія Контадіна» разом з Дж. Ар.

Джордж Лукас — кінорежисер, продюсер і сценарист, засновник Lucasfilm.

Кармен Еррера Лоуренс – письменниця, яка народилася в Нью-Йорку та має досвід творчої документальної літератури. Вона працює в студії JR, де керує його комунікаціями та підтримує виробництво проектів.

Марк Азуле є куратором, продюсером і директором студії художника JR; він керував створенням численних громадських арт-проектів, музейних виставок, книг, додатків, а також повнометражних і короткометражних фільмів.

The most thorough Caspar David Friedrich retrospective in many years, published to mark the 250th anniversary of the artist's birth

Caspar David Friedrich (1774–1840) is renowned as the Romantic painter par excellence, his works icons of an age of major social upheaval. His landscape paintings and drawings broke with traditional patterns of representation, and paved new ways of both experiencing and reflecting on the ambivalent relationship between humankind and nature.

Accompanying the most comprehensive Friedrich retrospective in many years, this catalogue re-examines the artist’s groundbreaking work in light of the urgent challenges in a time of climate crisis and postcolonial reflection. It centres on more than sixty paintings, among them many major iconic works, and about 100 drawings. Selected works by Friedrich’s colleagues, notably August Heinrich, Georg Friedrich Kersting, Ernst Ferdinand Oehme and Johann Alexander Thiele are also featured. The second part of the book focuses on the contemporary reception of his work. In contributions ranging from video and photography to installations, some twenty artists working across a variety of genres and media explore the Romantic era, its attitude to nature and the art of Caspar David Friedrich. The participants include Alex Grein, Swaantje Güntzel, Jochen Hein, Johanna Karlsson, Hiroyuki Masuyama, Loudmila Milanova, Mariele Neudecker, Ulrike Rosenbach, Susan Schuppli, Santeri Tuori and Kehinde Wiley.

About the Authors:

Markus Bertsch is Head of the 19th-Century Collection at Hamburger Kunsthalle. Johannes Grave is Professor of Modern Art History with a focus on European Romanticism at the University of Jena. He was awarded the Gottfried Wilhelm Leibniz-Preis in 2020 for his research on art in the early 1800s, early Renaissance painting and picture theory.

Тепер знову доступна в новому виданні. Ця розкішна книга сягає 25 000 років тому, щоб простежити історію ювелірних виробів від епохи палеоліту до наших днів.

Ця колекція ювелірних виробів, взята з обширних фондів Державного музею в Берліні, пов’язує культури та епохи, щоб показати, як дизайн, носіння та колекціонування особистих прикрас еволюціонували протягом століть. Вони варіюються від класичних предметів, таких як намиста, каблучки та сережки, до менш поширених предметів, що походять з неєвропейських культур. У книзі представлені ювелірні вироби, починаючи від чудових корон Стародавньої Греції, золотих сережок із Вавилона та прикрашених дорогоцінними каменями комірів, які носили ісламські королівські особи 13-го століття, до більш сучасних виробів, таких як ті, що містяться в імперській колекції королеви Луїзи Прусської, ювелірні вироби в стилі модерн, створені Рене Лаліком, і роботи сучасних дизайнерів. Цей хронологічно впорядкований огляд містить численні короткі есе та 400 ілюстрацій із детальними підписами, що робить його ідеальним довідником для всіх, хто цікавиться історією культури, історією ювелірних виробів або мистецтвом і ремеслом виготовлення ювелірних виробів.

Про автора:

Марен Айххорн-Йоганнсен є заступником керівника відділу виставок і спеціальних подій у Державному музеї Берліна. Адельхайд Раше є керівником колекції текстилю, одягу та ювелірних виробів у Німецькому національному музеї в Нюрнберзі.

Ця чудова, авторитетна та безпрецедентна ретроспектива гравюр і картин Доре, зібрана з більш ніж 10 000 творів, представлена ​​в ефектно вишуканій упаковці, яка відображає власний драматичний стиль художника.

Якщо ви були споживачем літератури в дев’ятнадцятому столітті, швидше за все, томи вашої бібліотеки містили ілюстрації Гюстава Доре. Від Біблії до Шекспіра, від Бальзака до Мільтона, від Сервантеса до По, складні, романтичні та пишні малюнки Доре оживляли великі твори та були такими ж цінними, як історії та поезія, які вони зображували. Крім того, як показує ця чудова книга, він також був вправним скульптором, художником і карикатуристом. Ця книга охоплює всю кар’єру Доре з розділами, присвяченими конкретним творам, таким як «Божественна комедія», «Дон Кіхот», «Ідилії короля» Теннісона та середньовічні казки — у кожній з них представлено вишукані повносторінкові репродукції, які дозволяють яскраво висвітлити геніальність Доре у створенні ліній, відтінків і текстури.

Автори також надають відомості про техніку, яку Доре використовував для створення своїх вишуканих робіт. Шанувальники Доре оцінять вражаюче виготовлення цього тому, яке включає четвертну палітурку, тиснення золотою фольгою, тиснення на обкладинці та корінці, пояс на животі та шовкотрафаретний друк на трьох краях. Сповнена проникливого аналізу та експертних історичних перспектив, ця книга є неперевершеним колекційним примірником — книга така ж обширна та сенсаційна, як і сам художник.

About the Authors:

Алікс Паре – викладач, який спеціалізується на західному живописі 17, 18, 19 і 20 століть. Вона обіймала попередні посади в музеї Лувр у Парижі та Шато де Версаль, Франція.

Валері Сюер-Ермель є куратором відділу гравюри та фотографії в Національній бібліотеці Франції в Парижі, Франція. Вона була куратором численних виставок, таких як: Daumier (2008), Gustave Doré (2014), Odilon Redon (2011)

Нова книжка в м’якій обкладинці містить рідковживані мультимедійні роботи відомого культового режисера Девіда Лінча, які показують, як він застосовує свою потужну уяву та візуальну мову в різних жанрах.

Девід Лінч завжди був у центрі уваги як кінематографіст, знявши деякі з найбільш культових фільмів, коли-небудь знятих, але як візуальний художник він менш відомий. Лінч насолоджується фізичністю живопису та любить стимулювати всі почуття у своїй роботі. Це нове видання в м’якій палітурці об’єднує картини, фотографії, малюнки, скульптури та інсталяції Лінча, а також кадри з його фільмів. Багато з цих робіт розкривають темну основу часто моторошних фільмів Лінча. Інші досліджують його захоплення текстурою та колажем. Усюди проступає характерний стиль Лінча — сюрреалістичний, стильний і навіть гумористичний. Вступ музичної журналістки та біографа Лінча Крістін Маккенни разом із есе куратора Стійна Хейтса, що спонукає до роздумів, пропонує захоплюючу нову інформацію та погляди на життя та кар’єру Лінча. Ця книга розкриває незвіданий аспект творчості Лінча та підтверджує, що він такий же блискучий художник, як і режисер.

About the Author: 

Крістін МакКенна – американська журналістка, критик і куратор. Вона писала для Artforum, The New York Times, ARTNews, Vanity Fair, The Washington Post і Rolling Stone Magazine. 

«суміш художньої чуттєвості та образності, яка не залишає нічого для уяви»  - The Telegraph

На початку Нового часу в Японії було створено тисячі відверто сексуальних картин, гравюр та ілюстрованих книг із текстами. Їх евфемістично називали «весняними картинами» (шунга), і спочатку вони були створені художниками школи укійо-е плаваючого світу для реклами публічних будинків у Йосіварі 17-го століття, зокрема знаменитими художниками Утамаро та Хокусаєм.

Цей каталог виставки 2013-2014 років у Британському музеї має на меті відповісти на деякі ключові запитання про те, що таке шунга та чому її створили. Еротичне японське мистецтво сильно пригнічувалося в Японії з 1870-х років, і лише за останні двадцять років чи близько того в Японії вдалося опублікувати невигадані зразки.

Спираючись на останні наукові дослідження та вміщуючи понад 400 зображень творів із великих державних і приватних колекцій, ця книга проливає нове світло на цей унікальний вид мистецтва в японській соціальній та культурній історії.

About the Author:

Тімоті Кларк, керівник японського відділу Британського музею

Виникнувши як стародавня племінна практика, яка служила обрядом переходу, символом релігійної відданості чи відзнакою хоробрості, мистецтво татуювання повільно перетворилося на важливий предмет моди, особисту заяву, декоративний пам’ятник або обітницю глибоких вірувань. Нова хвиля татуювань — від мініатюр, намальованих вручну до великих татуювань у племінному стилі, від сучасних ліній до ретроспективних дизайнів — розкриває міжнародний естетичний рух, заснований на любові до мистецтва.

Урізноманітнена вражаючими мотивами, INK — The Art of Tattoo містить близько 700 останніх і класичних флеш-дизайнів, оригінальних візерунків та ілюстрацій, які відображають, як еволюціонували стилі татуювань у всьому світі. Читачі можуть розпочати вивчення теми, милуючись різноманітним спектром спалахів татуювань, класифікованих художниками, а потім перейти до вітрини фотографій тіл, нанесених чорнилом, створених для модних і мистецьких проектів. Книга продовжується інтерв’ю, яке відкриває портал у свідомість обраних майстрів татуювань, кожен з яких відрізняється стилем і підходом. Доступний у трьох обкладинках, INK є колекційним довідником для практиків і тих, хто жадає нових тату.

Опубліковано, щоб супроводжувати виставку Королівської академії з 29 червня по 13 жовтня 2024 року, велике дослідження українського мистецтва від 1900 до середини 1930-х років – із запозиченням від великих музеїв в Україні, інших країнах Європи, Сполучених Штатів (включно з MoMA) та Ізраїлю

Як мистецьке життя процвітає під час революцій і конфліктів? Україна на початку 1900-х років пережила неймовірні політичні потрясіння, але це стало періодом справжнього ренесансу в українському мистецтві, літературі, театрі та кіно.

In the Eye of the Storm: Modernism in Ukraine, 1900–1930s представляє новаторське мистецтво, створене в Україні на початку 20 століття, зосереджуючись на трьох ключових культурних центрах: Києві, Харкові та Одесі. На складному соціально-політичному тлі розпаду імперій, Першої світової війни, революцій 1917 року з наступною війною за незалежність України та остаточного створення Радянської України виникло кілька напрямів виразно українського мистецтва.

Якщо такі емігранти, як Соня Делоне та Олександр Архипенко, знайшли популярність за межами батьківщини, послідовники Михайла Бойчука зосереджувалися на візантійському відродженні, а митці Kultur Lige прагнули сприяти розвитку сучасної культури їдиш. На перших авангардних виставках в Україні були представлені радикальне мистецтво Давида Бурлюка та Олександри Екстер, динамічні полотна київського кубофутуриста Олександра Богомазова. У Харкові Василь Єрмілов відстоював індустріальне мистецтво конструктивізму, а Вадим Меллер, Анатоль Петрицький, Олександр Хвостенко-Хвостов і Борис Косарєв зробили революцію в театральному дизайні. Спроба побудувати національну ідентичність в Україні призвела до поліфонії стилів і мистецьких розробок у повному спектрі медіа – від олійного живопису, ескізів і скульптури до колажів, кіноафіш і театральних дизайнів.

Дванадцять всесвітньо відомих науковців, у тому числі куратори Національного художнього музею України, оживлюють цей дивовижний період творчості в Україні та всі рухи, які він охоплював.

Зміст:

Передмова
Франческа Тіссен-Борнеміса
Подяки
вступ
Костянтин Акінша

І. Київ

Від Києва до Парижа: космополітизм Олександри Екстер
Катя Денисова

Початок: Перші авангардні виставки в Україні
Олена Кашуба-Вольвач

Художня секція Kultur Lige: Авангардне мистецтво їдиш у Києві (1918–1922)
Гілель Казовський

Олександр Богомазов: українська версія футуризму
Олена Кашуба-Вольвач

Бойчукізм
Мудрак Мирослава Михайлівна

Баухаус на березі Дніпра
Олена Кашуба-Вольвач

ІІ: Харків

Трагічна чуттєвість харківського авангарду
Тетяна Жмурко

Конструктор Василь Єрмилов: Полонений матеріального світу
Костянтин Акінша

Візуально-просторові експерименти в українській сценографії 1920-х років
Олена Ковальчук

Іван Кавалерідзе: Пошуки героя Нового часу
Оксана Баршинова

Нова генерація (1927–1930)
Мудрак Мирослава Михайлівна

III. Одеса

Одеське товариство незалежних художників
Ольга Барковська

Від символізму до авангарду: емансипація українського кіно 1920-х років
Іван Козленко

IV. Наслідки

У тіні Росії: українське мистецтво на XVI Венеціанській бієнале 1928 року
Олена Кашуба-Вольвач та Марина Дроботюк

Емігранти з України: Архипенко, Делоне і Барано-Россіне
Катя Денисова

Від забуття до слави: Спецфонд, або Особливий секретний холдинг
Юлія Литвинець

Тарілки
Біографії авторів
Автори фото
Індекс

Про автора:

Костянтин Акінша навчався в художній школі імені Шевченка в Києві, Україна, а в 1986 році закінчив магістратуру з історії мистецтва в Московському державному університеті. Він отримав ступінь доктора філософії з історії мистецтва в Единбурзькому університеті. Протягом своєї кар’єри Костянтин Акінша був куратором Київського музею західного та східного мистецтва, московським кореспондентом ARTnews, дописуючим редактором журналу ARTnews у Нью-Йорку, а також науковим співробітником Німецького національного музею в Нюрнберзі та Bremen Kunstverein, Східноєвропейський інститут Бременського університету. З 1999 по 2000 рік він також був заступником наукового директора відділу мистецтва та культурних цінностей Президентської консультативної комісії з питань активів Голокосту у США, Вашингтон, округ Колумбія. У 2006 році він став європейським кореспондентом журналу ARTnews у Будапешті, а у 2007 році він також став стипендіатом Євгена та Давмеля Шкларів в Українському дослідницькому інституті Гарвардського університету. Акінша написав низку книг, у тому числі Stolen Treasure (Weidenfeld & Nicolson, 1995), написану у співавторстві з Грегорієм Козловим, і The Holy Place, написану у співавторстві з Грегорієм Козловим і Сільвією Хохфілд (Видавництво Єльського університету, 2007).

Це спеціальне видання улюбленої культової класичної книги, яка є бестселером, опубліковане до 40-річчя її оригінальної публікації, має новий дизайн, нову ілюстрацію обкладинки та 15 малюнків, яких ніколи раніше не бачили.

Завдяки новій гарній упаковці, оновленій самим автором, це видання є обов’язковим для шанувальників і колекціонерів мистецтва Луїджі Серафіні. Вперше опубліковано в 1981 році в Мілані Ф.М. Річчі, книга була визнана однією з найбільш незвичайних, але красивих книжок про мистецтво, які коли-небудь створювали. Візуальна енциклопедія невідомого світу, написана невідомою мовою, вона викликала багато дискусій щодо свого значення. Написана для інформаційної ери та присвячена важливості кодування та декодування в генетиці, літературній критиці та комп’ютерній науці, тепер вона захопила та зачарувала два покоління.

Хоча його повідомлення може бути незрозумілим, його привабливість очевидна: це найвишуканіший артефакт, який стирає межу між художньою книгою та предметом мистецтва. Це видання представляє його в новому, незрівнянному світлі разом із 15 новими ілюстраціями автора. З появою нових форм комунікації, безперервних потоків інформації та соціальних медіа Кодекс став більш актуальним і актуальним, ніж будь-коли.

Про автора:

Luigi Serafini — архітектор, кераміст, скляр, художник, скульптор, дизайнер, оперний режисер, сценограф і критик, який працює в Італії та за кордоном. У 2007 році Padiglione d'Arte Contemporanea в Мілані присвятив йому успішну ontological mostra (онтологічну виставку). Він ілюстрував твори Франца Кафки та Міхаеля Енде.

__________

Також доступне Codex Seraphinianus Deluxe Edition з обмеженим номером, переплетене натуральною тканиною та представлене в красивому футлярі. Він містить підписаний відбиток нової ілюстрації, зробленої автором до 700-річчя смерті в 1321 році Данте Аліг’єрі, одного з найвидатніших письменників Італії та творця «Божественної комедії».

__________

Погортатикнигу Codex Seraphinianus на сайті видавництва.

Неперевершений погляд на світ висококласного аудіодизайну для пристрасних колекціонерів, одержимих аудіофілів і фанатів дизайну

У той час, коли продажі вінілових платівок досягли 25-річного максимуму, а аналогові технології забезпечують надзвичайний аудіопереживання, який наш все більш цифровий світ почав прибирати, Hi-Fi є необхідним для читання. У цій унікальній книзі розповідається про те, як, коли та чому світ закохався у зовнішній вигляд, відчуття та звук найсучаснішого аудіообладнання.

Hi-Fi простежує цю захоплюючу еволюцію з 1950-х років до сьогодні (і завтра), переносячи читачів аж до нинішнього ренесансу всього аналогового та появи передових дизайнів для затятих аудіофілів.

Про автора:

Засновник компанії Audioarts, що займається виробництвом високоякісного аудіообладнання в Нью-Йорку, Gideon Schwartz вважається задумом і створенням синергетичних музичних систем для деяких із найвибагливіших творчих особистостей у світі. Незважаючи на те, що вони походять із надзвичайно різних сфер культурного впливу, усі вони мають одну спільну рису – любов і вдячність до музики та високоякісного відтворення звуку.

Шварц — колишній адвокат, який пішов у відставку, щоб зайнятися своєю пристрастю до музики та аудіообладнання. Він є автором Hi-Fi: The History of High-End Audio Design та Revolution: The History of Turntable Design і пристрасно пропагував аудіо як чітке вираження переконливого промислового дизайну та культурного впливу та значення. Його книги висвітлюють покоління аудіообладнання, водночас вселяючи в читача відчуття, що аудіо є важливим провідником для музичного мистецтва.

Його робота привела його до створення домашніх музичних систем для таких, як бос звукозаписної компанії та Джонні Кеш, Metallica, U2 та продюсер Red Hot Chili Peppers Рік Рубін; разом із генеральним директором дому моди Supreme Джеймсом Джеббіа; колекціонер мистецтва та засновник текстильної компанії Maharam Майкл Махарам, а також багато інших відомих людей у ​​світі комерційного та творчого мистецтва.

Його знання міжнародного світу hi-fi не мають собі рівних. Якщо ви хочете дізнатися більше про пошуки ідеального звуку, вам потрібно прочитати Гідеона Шварца.

Якщо ви любите кіно і хочете дізнатися про нього більше, дивіться не далі, ніж Cinema: The Whole Story.  Це незамінна книга для всіх, хто любить дивитися та читати про фільми, і хто хоче більше зрозуміти міжнародний світ кіно.

• Розміщує ключові твори в контексті жанру та соціально-культурного розвитку
• Історичні шкали висвітлюють ключові впливи та події
• У світі кіновиробництва – гламур, перемоги, розчарування та реалії зіркової слави
• Написано міжнародною командою кіноекспертів на чолі з Філіпом Кемпом, істориком кіно, лектором і автором

Ілюстрований глибокий текст охоплює всі жанри кіно, від перших німих фільмів до епічних блокбастерів, CGI-графіки та новаторських спецефектів 21 століття. Детальні часові рамки супроводжують текст і пояснюють історію кінематографа.

Пояснюється все, від камери та освітлення до стилю акторської гри, анімації та соціального та культурного впливу фільму, що дає вам змогу зрозуміти повне значення всесвітньо відомих фільмів. Дізнайтеся, що робить зірку, що робить фільм успішним і чому навіть найперспективніша ідея може виявитися дорогою катастрофою.