Мистецтво

A narrative chronology of the dealers, artists and spaces that have defined modern art – lavishly illustrated throughout with photographs of artists, dealers and art world personalities.

Art galleries are enormously influential in the aesthetic discourse of the modern age. They have launched the careers of the era’s most important artists, and breathed life into some of its most important artistic movements.

International Art Galleries is the first book to examine the modern gallery phenomenon, offering more than seventy-five portraits of art galleries from around the world, all of whom have represented the finest artists of the last sixty years, and all of whom have had a key role in defining the artistic zeitgeist.

Organized decade-by-decade, each chapter is introduced by a brief historical sketch that summarizes the social background of the decade in question. The galleries are introduced by a brief factual section that details their date of foundation, proprietor, addresses and artists represented, followed by a lively illustrated essay.

World’s fairs were the most important vehicles for debuting advancements in modern living. These renowned international expositions were showcases for design on a national and global level, and they democratized design, unlike any previous forum.

Inventing the Modern World is lavishly illustrated with two hundred examples of woodwork, metalwork, ceramics, glass, jewellery, and textiles from private and public collections, primarily in America and Europe, many never before published or seen outside of their respective collections. Incredibly diverse but all representing the pinnacle of scientific and artistic achievements of their time, these extraordinary creations range from a monumental 1850s Gothic Revival cabinet to a streamlined glass chair from 1939, to masterpieces of jewelry and objects in glass, silver, and porcelain by Baccarat, Tiffany, Gorham, Cartier, Sèvres, and Herman Miller.

This unprecedented volume, edited by Jason Busch and Catherine Futter, and with contributions by them and many other specialists and scholars, breaks new ground in the study of decorative arts.

Formed in east London in 1975, Iron Maiden went on to become one of the most successful rock acts in history. With more than 85 million album sales to their credit, the legendary metal band remains hugely popular worldwide: Their 2010 album, The Final Frontier, debuted at No. 1 in 30 countries and received unanimous critical praise.

In this, the first complete illustrated treatment of Iron Maiden, a roster of respected heavy metal journalists including Ian Christe, Martin Popoff, Mick Wall, Daniel Bukszpan, and more relate the band’s history, analyze their recordings, and provide a complete discography. The stories behind the band’s formation, recordings, and tours, are complemented with more than 400 images, including live performance and candid off-stage photographs, as well as memorabilia, gig posters, T-shirts, backstage passes, buttons, and tickets. Exclusive cover art was created by Derek Riggs, the man behind Iron Maiden's iconic mascot, Eddie.

Isaak Levitan (1860-1900) was born into a poor Jewish family in Lithuania and was able to enrol at the Moscow School of Painting in 1873. He made rapid progress, the great merchant collector Pavel Tretyakov buying one of his paintings when he was only nineteen. In 1886 Levitan sketched in the Crimea and from 1887 he spent several summers painting in the Volga region. These years saw the development of his great friendship with the future playwright Anton Chekhov and the creation of his first 'mood landscapes'. Levitan travelled extensively, if briefly, in Europe, visiting Berlin, Paris, the Riviera, Italy, Switzerland, Munich and Vienna. He was thus, unlike many of his contemporaries, well aware of artistic trends in the west, his experience of European art adding to the breadth of his vision. In both his joyful commemorations of the Russian spring and his quiet scenes of fields and forests, lakes and rivers, often seen at twilight, Levitan employed simple, well-loved motifs of the Russian countryside, an expressive brushwork and a subtle tonality. His work was greatly admired by Diaghilev, the revolutionary theatre manager Stanislavsky and the great operatic singer Chaliapin. Towards the end of his short life Levitan, exhibiting with the Wanderers (the Russian association for travelling exhibitions) and the Munich Secession, was responsible for revitalising the teaching of landscape in Moscow. This revised edition of the author's Isaak Levitan Lyrical Landscape (2004 and 2006), also focuses on Levitan's still lifes, portraits and cityscapes. The creative thinking behind some of his most outstanding works is explored and certain parallels are drawn with the landscapes of Monet, who, while Levitan painted on the shores of the Volga, lived and worked near the river Seine. AUTHOR: Averil King is an independent art historian with a particular interest in the art of the late nineteenth and early twentieth centuries. Her previously published books are Isaak Levitan Lyrical Landscape, 2004, re-issued 2006, Newlyn Flowers: the Floral Art of Dod Procter, RA, 2005 (both Philip Wilson Publishers), and Paula Modersohn-Becker, 2009 (Antique Collectors' Club).

Islam, the second largest and the youngest of the major world religions, has changed the world and left its mark on human history since the appearance of the prophet Mohammed in the seventh century.

This book follows the historical development of the Islamic dynasties and regions, showing the variety of their forms of artistic expression from the beginning until today. From decorative elements of buildings to calligraphy and the embellishment of everyday objects, ornamentation, that most characteristic Islamic art form, is displayed in an extraordinary rich range of ways.

The contributions of important scholars bring to life before our very eyes this culture, which belongs next to Greek and Roman antiquity as one of the pillars of our modern society.

The Visual Encyclopaedia series provide up to 300 beautiful photographic and artwork images, illustrating subjects of perennial cultural interest. Images are accompanied by narrative providing background, brief criticism, and details on relevant museums, brief biographies and time lines

An encounter with the artistic heritage of Islam is characterized by two factors that make it very special: the vast dimension of the areas involved, from Spain to Central Asia as far as China - without forgetting the expansion to sub-Saharan Africa - and the continuation of the phenomenon during fourteen centuries of history. Is it possible to treat such a complex and multifaceted phenomenon as a single subject? The images that follow are the answer.

Другие книги серии Visual Encyclopedia of Art:

20th Century Art. Искусство XX века

Art Nouveau. Арт Нуво

Baroque. Барокко

Renaissance. Ренессанс

This gorgeous survey of art from the Islamic world covers three continents and fourteen centuries.

From its birth in the seventh century through modern times, the Islamic religion has inspired glorious works of art. This stunning book includes more than four hundred reproductions of treasures of Islamic art that span the world: from southern Europe, along the entire Mediterranean basin to sub-Saharan Africa through the Middle East, India, and Central Asia. Arranged geographically, the objects include paintings, miniatures, ceramics, calligraphy, textiles, carpets, and metal works. Each region is given a thorough introduction that offers historical context and extensive descriptions of its artifacts. Accompanying essays offer guidance in interpreting the many themes that tie these works together, including typology, calligraphy, and religious beliefs. Despite its wide-ranging history and origins, Islamic art is unified by its devotion to faith and beauty. With its large format, exquisite reproductions and extensive research, this book is a thorough introduction to an artistic tradition

The delicate splendour and fairytale beauty of Islamic art

The art which arose from the 7th century in the Islamic empires reached from Spain and Morocco to the borders of China. It bore the stamp above all of Arabs, Persians and Turks, but outstanding contributions also came from Egypt and India. "Islamic Art" presents prominent examples: luxury ceramics, prayer mats, goldsmithery, as well as witnesses to the decorative arts and calligraphy – and above all the masterpieces of the splendidly colourful courtly book illumination of Persia and the Mughal emperors of India. The book examines the contributions of the different countries and how they influenced each other, and in this way vividly illustrates the unfolding of the delicate splendour and fairytale beauty of Islamic art from its beginnings into the modern era.

About the Series:
Each book in TASCHEN's Basic Genre Series features:

• a detailed illustrated introduction plus a timeline of the most important political, cultural and social events that took place during that period
• a selection of the most important works of the epoch, each of which is presented on a 2-page spread with a full-page image and with an interpretation of the respective work, plus a portrait and brief biography of the artist
• approximately 100 colour illustrations with explanatory captions

The author:
Annette Hagedorn studied the history of oriental art, German literature, and art history at the universities of Bonn and Mainz. She has held part-time teaching posts at the universities of Bonn, Mainz and Utrecht. In 1991 she was awarded the Alice-Boner-Memorial Prize from the Alice Boner Foundation in Zurich for her dissertation on Islamic metalwork in the 13th and 14th centuries. Since 2000 she has been co-editor, responsible for art history and archaeology, of the journal Zeitschrift der Deutschen Morgenländischen Gesellschaft.

Its geographical location, its rampant urban development and its complex socio-political fabric make Istanbul an ideal backdrop for many artists, not only Turkish and Istanbul artists, but also artists from the diaspora or artists from abroad who have come to Istanbul as artists in residence. Through the selected works and the varied backgrounds of the artists, this publication attempts to show how city-dwellers face their reality and their history, and how, depending on their cultural, social and political background, they show their resistance to it and participation in it. In recent years, the number of artistic projects has increased, inviting dialogue and historical introspection. These artists accompany the movement of contemporary history. The publication will trace these developments.

Italian Frescoes: The Age of Giotto представляє двадцять два видатних цикли фресок. Створені наприкінці тринадцятого та на початку чотирнадцятого століть, ці цикли встановлюють нові стандарти живопису та інноваційного бачення людини, прокладаючи шлях до монументальних досягнень епохи Відродження. Саме в цей час фресковий живопис замовляли не лише для церков і каплиць, але й для таких світських місць, як ратуші та королівські резиденції з гуманістичними, окрім релігійних тем. Цикли фресок, представлені тут, включають блискучі роботи Джотто в Ассізі, Падуї та Флоренції; драматичні картини Чімабуе, якого вважали вчителем Джотто; П'єтро Кавілліні в Римі; а також сієнські художники Сімоне Мартіні та П’єтро та Амброджо Лоренцетті — усі ці роботи досі можна побачити на стінах і стелях палаців і церков по всій Італії від Венето до Риму.

Автори описують та ілюструють такі відомі місця, як церква Святого Франциска в Ассізі, каплиця Скровеньї в Падуї, Громадський палац у Сієні та папська капела Sancta Sanctorum у Римі. Кожен із двадцяти двох розділів стислий і авторитетний, пропонує описовий і тлумачний нарис про всі аспекти фрескового живопису, охоплюючи художників та їхніх меценатів у контексті їх культурної та політичної історії. Кожне есе завершується схемою об’єкта, за якою йде серія повносторінкових і двосторінкових кольорових табличок, що показують увесь цикл, багато з яких відтворено з нових фотографій нещодавно відреставрованих фресок.

Досі жоден видавець не намагався зібрати разом і задокументувати всі важливі фрескові цикли італійського мистецтва від кінця тринадцятого до сімнадцятого століть. Незважаючи на те, що цей том є попередником попередніх книг, «Італійські фрески: епоха Джотто» цілком можна назвати шедевром мистецтва та науки, який буде вітатися як істориками мистецтва, так і любителями мистецтва.

П’ятий і останній том єдиного в сучасності комплексного огляду збережених італійських фресок епохи бароко, 1600–1800 років, ця новаторська робота є досягненням у науковій та видавничій сферах такого ж масштабу, як «Мистецтво Флоренції» Аббевіля та «Мистецтво та дух Парижа».

Після успіху попередніх томів із цієї надзвичайної серії «Італійські фрески» — The Age of Giotto, The Early Renaissance, The Flowering of the Renaissance, та The High Renaissance and Mannerism — це нове видання містить двадцять п’ять циклів фресок, кожен з яких є значним досягненням в історії мистецтва.Представлені цикли фресок включають блискучі роботи Доменікіно, Себастьяно Річчі, Гверчіно та Тьєполо, усі вони досі помітні на стінах і стелях палаців і церков по всій Італії від Венеції до Неаполя.

Автори представляють такі знамениті місця, як палац Барберіні в Римі та палац Пітті у Флоренції, а також менш відомі дорогоцінні камені. Кожен із розділів є стислим і авторитетним, пропонує описовий та інтерпретаційний нарис про всі аспекти циклу фресок, охоплюючи художників та їхніх меценатів у контексті їхньої культурної та політичної історії. Кожне есе завершується схемою об’єкта, за якою йде серія повносторінкових і двосторінкових кольорових табличок, що показують увесь цикл, багато з яких відтворено з нових фотографій нещодавно відреставрованих фресок.

Дотепер жоден видавець не намагався зібрати разом і задокументувати всі важливі фрескові цикли італійського мистецтва від кінця тринадцятого до вісімнадцятого століття. Незважаючи на те, що цей том є продовженням попередніх книг, «Італійські фрески: епоха бароко», безумовно, є неймовірною скарбницею мистецтва та наукових досліджень, яку охоче збиратимуть історики мистецтва та любителі мистецтва.

___________

Italian Frescoes: The Baroque Era містить двадцять п’ять циклів фресок, кожен з яких є значним досягненням в історії мистецтва. Представлені фрескові цикли включають блискучі роботи Доменікіно, Себастьяно Річчі, Гверчіно та Тьєполо — усі вони досі помітні на стінах і стелях палаців і церков по всій Італії від Венеції до Неаполя.

Автори представляють такі знамениті місця, як палац Барберіні в Римі та палац Пітті у Флоренції, а також менш відомі дорогоцінні камені. Кожен із розділів є стислим і авторитетним, пропонує описовий та інтерпретаційний нарис про всі аспекти циклу фресок, охоплюючи художників та їхніх меценатів у контексті їхньої культурної та політичної історії. Кожне есе завершується схемою об’єкта, за якою йде серія повносторінкових і двосторінкових кольорових табличок, що показують увесь цикл, багато з яких відтворено з нових фотографій нещодавно відреставрованих фресок.

Дотепер жоден видавець не намагався зібрати разом і задокументувати всі важливі фрескові цикли італійського мистецтва від кінця тринадцятого до вісімнадцятого століття. Незважаючи на те, що цей том є продовженням попередніх книг, Italian Frescoes: The Baroque Era, безумовно, є неймовірною скарбницею мистецтва та наукових досліджень, яку охоче збиратимуть історики мистецтва та любителі мистецтва.

Деякі італійські фрескові цикли, зокрема капела Бранкаччі у Флоренції Мазаччо, Мазоліно та Філіппіно Ліппі, добре відомі. Інші, такі як робота П’єро делла Франческа в Ареццо та капела волхвів Беноццо Гоццоліса у Флоренції, були відтворені незліченну кількість разів. Проте жоден видавець — дотепер — не намагався зібрати разом і задокументувати на великих фотографіях основні цикли фресок раннього італійського Відродження. Список робіт охоплює регіони Італії, від гірських районів Альп до Апулії, з акцентом на Тоскані та Флоренції, мистецькому центрі, який дав життя Ренесансу.

Italian Frescoes: The Early Renaissance відкривається стислим вступним текстом, у якому обговорюються різні аспекти фрескового живопису п’ятнадцятого століття: художники, меценатство, культурні та історичні умови, технічні методи та питання місцевої традиції. У центральному розділі книги розглядається двадцять один цикл фресок, кожен з яких є найкращим досягненням у цій галузі. Описовий та інтерпретаційний нарис представляє кожен цикл і супроводжується серією повносторінкових і двосторінкових кольорових табличок (багато з них – нові фотографії нещодавно відреставрованих фресок), які охоплюють всю роботу. Цей парад барвистих шедеврів у поєднанні з авторитетним текстом Штеффі Реттгенс утворює блискучий том, який буде цінуватися як науковцями, так і шанувальниками мистецтва.

The artists of the renaissance were the first to use the term "Gothic", clearly intended in a derogatory way in reference to the style initialy known as opus francigenum, meaning "made in French style": the term was used as a synonymum for "barbarian" by those who considered themselves to be the upholders of the aesthetic and technical perfection of the classical era.

Italian monumental sculpture of the 19th and early 20th centuries is among the most remarkable ever made, and remains surprisingly unknown. Its emotional charge is caught in this collection of specially taken photographs, while the scholarly texts analyse the iconographic, cultural and art historical background to the works.