Искусство

Книга о швейцарском живописце, графике и теоретике искусства; одном из самых выдающихся художников первой половины ХХ века Пауле Клее (1879–1940). Клее испытал серьезное влияние югендстиля, линейно-декоративный характер которого отвечал склонности молодого художника к иллюстрации и фантастике. Его работы отличаются взаимопроникновением предметного и абстрактного, сочетанием архитектурно-статических и динамических элементов. Он прибегал одновременно к разным техникам и материалам: к маслу, темпере, акварели и пастели; использовал холст, бумагу, картон, джутовую мешковину и льняное полотно. В 1920-е годы Клее преподавал в Баухаузе. Он читал лекции об эволюции форм и качестве цвета, изучал ткацкое мастерство и живопись на стекле. Плодотворный обмен идеями связывал его с такими художниками, как Кандинский, Шлеммер и Фейнингер. Живопись Клее эволюционировала от предметности к абстракции, от едкого юмора к ассоциациям из сновидений. В более поздний период Клее безоговорочно сводил выразительные средства к языку символов и знаков. Из последних работ следует упомянуть композиции из полос разной толщины, частью обведенных черным контуром. Издание состоит из семи глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. В конце книги приводится летопись жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями.

Книга об австрийском живописце и графике Густаве Климте (1862–1918), главном представителе венского модерна, который был предельным, формально обостренным выражением искусства рубежа веков.

Климт был одним из организаторов венского Сецессиона в 1887 году, который объединил силы художников, противостоящих официальному искусству. В 1905 году Климт оставил венский Сецессион. Он стал излюбленным портретистом элегантных жительниц Вены. Слегка стилизованные модели вместе с орнаментальным фоном образуют в высшей степени оригинальные композиции. Климт писал также пейзажи в манере, соединяющей символизм с импрессионизмом. Изображенные предметы помещены в плоскостной структуре, близкой к абстракции и сохраняющей орнаментальный характер, тогда как атмосфера передается тонкой световой нюансировкой. Для Климта характерны символическая тематика, часто с оттенком эротизма, рафинированный, эстетский и очень индивидуальный стиль, в котором доминировал вкус к орнаментализации. Климт оказал влияние на других значительных художников, в особенности на Эгона Шиле и Оскара Кокошку.

Издание состоит из семи глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. В конце книги приводятся хронология жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями, а также список иллюстраций и примечания.

В книге представлена вся сложность гения Климта, читателю предлагается свежий и возвышенный взгляд на его творчество. В книге также содержится комплексное исследование важных элементов, сопровождавших эволюцию искусства во времена Климта. Автор пишет о дружбе художника с Эмилией Флёге и его эротических рисунках, делая попытку дать интересную и деликатную интерпретацию отношений Климта с женщинами. Климт остается одним из революционных художников, почитаемым многими, и эта книга отдает должное редкостной изысканности его работ.

Клод Моне — художник ясного дня, живописец неба, снега, отраженных в воде облаков, он первый живописец, который написал белым цветом монохромные картины. До самой старости, до поздних изображений пруда с белыми кувшинками он примешивал эту белую краску к чистым тонам, тем самым изгоняя из своей живописи глухой тон сумеречного интерьера.

Автор, эксперт мирового уровня, обладая обширными историческими познаниями и литературным даром, знакомит нас с разными стилями колец всех эпох. Рассматривая кольца-печатки, обручальные и памятные кольца, кольца-обереги и кольца священнослужителей, кольца известных личностей и ассоциируемые с великими событиями, а также кольца-украшения и кольца-аксессуары, мы вновь восхищаемся этими произведениями искусства, значение которых оживает в живописи, рисунках и литературных цитатах.

В книге описаны кольца Древнего Египта, Греции, Рима, Средневековья и Возрождения, вплоть до произведений XX в. В ней представлены редчайшие экземпляры из знаменитых и частных собраний, а также из коллекции известного ювелира и собирателя Бенджамина Цукера.

В книге 483 иллюстрации, из них 455 цветных.

Данная книга посвящена композиции сюжетной картины на основе западноевропейской живописи, русской живописи XIX века и некоторых образцов советской живописи. Привлечены иконы эпохи расцвета русской иконописи, фрески Джотто и его круга, классическая роспись Леонардо.

Книга содержит богатый иллюстративный материал и будет интересна и полезна учащимся художественных учебных заведений, специалистам-искусствоведам, живописцам и всем, кто интересуется искусством.

Не нужно быть гением, достаточно быть самим собой! Вот главная мысль Остина Клеона, молодого писателя и художника, который считает, что творчество присутствует во всем и доступно каждому

Эта книга родилась из лекции, с которой Остин Клеон выступил в одном Нью-Йоркском университете. Он дал студентам десять советов, которые хотел бы получить сам, когда был начинающим художником. Текст лекции попал в Сеть и стал распространяться с невероятной скоростью. И тогда Клеон решил написать эту книгу.

В мире нет ничего оригинального, поэтому не отвергайте чужое влияние, коллекционируйте идеи, обдумывайте их еще раз, аранжируйте по-новому в поисках собственного пути. Следуйте за своими интересами, куда бы они вас ни завели, и предоставьте свободу своему творческому «я»!

Это манифест цифровой эры. Позитивный, оригинально оформленный путеводитель, полный иллюстраций, упражнений и примеров, который поможет каждому достучаться до творческой стороны своего характера.

Удивительно вдохновляющая, яркая, оригинальная, практичная и увлекательная книга о творчестве.

От автора

Одна из моих теорий гласит, что когда люди советуют вам что-то, то на самом деле всего лишь обращаются к себе из прошлого.

В этой книге я говорю с предыдущей версией самого себя.

Здесь вы найдете то, что я узнал в результате почти десятилетних попыток выяснить, как же создается искусство. Забавно то, что, начав делиться своими знаниями с другими, я понял, что они пригодятся не только художникам. А вообще всем.

Да, эти идеи полезны всем, кто пытается привнести творческое начало в свою жизнь и в свою работу (что должно относиться к каждому из нас).

Иными словами, эта книга — для вас.

Кем бы вы ни были, что бы ни делали.

Об авторе

Остин Клеон — художник и писатель. Автор стихотворного сборника, составленного на основе газетных статей, — Newspaper Blackout. А также бестселлеров «Покажи свою работу!» и «Кради как художник».

Благодаря неординарному смелому подходу к творчеству стал знаменит по всему миру. Его бестселлеры переведены на 12 языков. Они представляют собой — оригинальные творческие пособия для тех, кто мечтает реализовать свои идеи в цифровой век.

Его работы можно встретить на страницах The Wall Street Journal и The New York Times.

Творческие находки этого талантливого человека можно найти на сайтах 20×200.com, NPR’s Morning Edition, PBSNewshour.

Остин ведет лекции и семинары по творчеству в компаниях Pixar, Google, SXSW, TEDx.

За годы своей творческой карьеры Остин успел поработать библиотекарем, веб-дизайнером, писал рекламные тексты

_____________

Посмотреть оригинальную англоязычную книгу  Steal Like An Artist: 10 Things Nobody Told You About Being Creative

Юбилейное подарочное издание, насыщенное новым материалом, к созданию которого автор шел почти 20 лет – с момента публикации первого бестселлера Александра Васильева «Красота в изгнании», выдержавшего 17 переизданий

Уникальные иллюстрации, фотографии и архивные материалы, многие из которых публикуются впервые – всего более 1000 изображений!

Впервые вышедшая в далеком 1998 году в издательстве «Слово» книга Александра Васильева под названием «Красота в изгнании» произвела настоящий фурор и ознаменовала рождение серьезного интереса к теме «белой эмиграции» и ее влияния на мир моды и искусства первой половины ХХ века. С тех пор прошло почти 20 лет. Книга была переиздана в различных форматах 17 раз только на русском языке, не считая изданий на английском, литовском, латышском и других языках – что, несомненно, является колоссальным успехом автора.

Однако, Александр Васильев не останавливался на достигнутом, и все эти годы продолжал исследования и поиски новых материалов, фотографий, артефактов и историй, что позволило нам сделать новый проект – книгу, достойную продолжить дело, начатое много лет назад публикацией первой «Красоты в изгнании».

Новых материалов, в том числе ранее не публиковавшихся фотографий, набралось столько, что уместить книгу в один том оказалось невозможно – так родилась идея представить читателям юбилейное издание под названием «Красота в изгнании. Сто лет спустя» в двух томах, публикация которого приурочена к 100-летию Русской революции.Наряду с материалами первой «Красоты в изгнании» в издание вошли новые главы и огромное количество новых фотографий и иллюстраций, собранных Александром Васильевым по всему миру за последние 20 лет.

"Выпестованный мною интерес к теме моды русской эмиграции не утихает и ныне. Чему свидетельство — это новое роскошное издание с цветными иллюстрациями, дополненными и новыми главами.За прошедшие 20 лет моя коллекция значительно пополнилась новыми приобретениями: платьями русских дизайнеров-эмигрантов, модными рисунками, редкими фотографиями, живописными произведениями. Именно они и легли в основу нового издания.

Мне удалось ознакомиться с архивом дома «Итеб», хранящимся у второй дочери основательницы, приобрести несколько платьев домов «Итеб», «Поль Каре», «Арданс», «Анна Сергеева», «Ирфе», модели «Китмир», «Валентины», «Ирэн Голицыной», «Олега Кассини» и других домов моды, созданных русскими эмигрантами.

Также в коллекции созданного мною «Фонда Александра Васильева» теперь хранится достаточное количество костюмов Русских сезонов Сергея Дягилева, выполненных по эскизам Льва Бакста, Натальи Гончаровой, Михаила Ларионова, костюмы эмигрантского дуэта Смирновой-Триполитова, костюмы балетной труппы Арцибушевой, театральный гардероб Лариссы Андерсен, гардероб певицы Людмилы Лопато, гардероб манекенщицы Теи Бобриковой, гардероб манекенщицы и секретаря адмирала Колчака Людмилы Лебедевой-Васильевой, платья шанхайского дизайнера Лидии Винокуровой, фотоархив Сергея Лифаря и Эрте и множество других редчайших документов по истории русской эмиграции и моды того времени.

Я посвящаю эту книгу одному из самых значительных событий ХХ века, ознаменовавшему смену вех в моде, стиле и жизни героев моей книги, — Революции 1917 года исполнилось 100 лет."

Александр Васильев

Ханс Ульрих Обрист (1968, Вайнфельден, Швейцария) – куратор, критик, историк искусства, директор лондонской галереи «Серпентайн», ведущий специальной программы Migrateurs в Музее современного искусства Парижа. В 2009 году журнал ArtReview назвал Обриста самым влиятельным человеком в мире искусства. В своей книге «Краткая история кураторства» Ханс Ульрих Обрист с помощью серии интервью с ведущими кураторами и директорами музеев из Европы и США формулирует оригинальный взгляд на историю современного искусства последних шестидесяти лет как на революцию, истоком которой стали невиданные раньше типы экспозиционной и музейной практики, породившие принципиально новый контекст как для самого искусства, так и для его восприятия зрителями.

Единственная власть, за которую стоит бороться, это власть самого искусства. Художнику нужно предоставить как можно больше свободы, чтобы он смог сделать свою позицию ясной для других, чтобы он мог выйти за установленные рамки. В этом и состоит моя роль, и в этом — моя власть. Куратор помогает искусству состояться. А лучший способ сделать это — сохранять достаточную открытость и остроту ума, чтобы принять те новые миры,в самых радикальных их формах, которые открывают нам художники. Куратор должен быть своего рода дервишем, который кружится вокруг произведений искусства. Перед тем как начать свой танец, танцор должен быть полностью уверен в себе, но как только танец начат, то уже ничего не остается ни от власти, ни от контроля.
Сюзан Паже.

Эта книга — как ящик с инструментами, а Ханс Ульрих Обрист — не только археолог, но и наш проводник в те художественные ландшафты, которые еще не возникли.
Даниэль Бирнбаум.

Данная книга, как и ее предшественница с созвучным названием («Краткая история кураторства»), cоставлена из устных рассказов. Все интервью брал ее автор, Ханс Ульрих Обрист, иногда совместно с Филиппом Паррено. В центре бесед – важнейшие (технологические и интеллектуальные) изобретения экспериментальной авангардной музыки XX века, ее связь с другими видами искусства и наукой, соотношение звука и пространства, звука и времени. Среди собеседников Обриста – Кархайнц Штокхаузен и Терри Райли, Брайан Ино и Янис Ксенакис, Пьер Булез и Каэтану Велозу. Книга пополняет архив современной культуры, который Обрист тщательно собирает, документируя ключевые события и стратегии в мире науки и искусств рубежа XX-XXI веков.

«Можно с уверенностью утверждать, что эта книга станет только первым шагом автора к исследованию музыкальных форм, возникших на Западе с 1950-х годов, и их взаимодействий с авангардными явлениями в области изобразительного искусства, литературы, архитектуры и кино. И что тот архив ключевых фигур XX века, который собирает Ханс Ульрих Обрист, проложит дорогу последующим трудам, последующим интерпретациям и исследованиям путем сопоставления новых звеньев, вплетения новых связей и развития новых областей знаний. Пока Обрист находится в процессе работы над источником знаний для осмысления нашего времени будущими поколениями, эта картина имеет непостоянную форму и складывается из фрагментов, как мозаика, — в ней нет внушительных зданий, разделений и границ. Скорее, есть незакрашенные пятна и сгустки краски…»
Лионель Бовье

«В этом суть нового пространства, нового плацдарма для музыки: нужно работать непосредственно со звуком, ведь его можно хранить как медиаобъект, а значит, можно работать с ним, как художник с холстом. Мы работаем с отрезком времени, который стал пространством, — ведь время, преобразованное в материю, становится пространством, но все же остается временем. Оно превращается в пространство, которое путешествует во времени. Время — самая дорогая вещь, ведь это время нашей жизни, время нашего внимания, время тока крови по венам, это самая дорогая вещь на свете!»
Франсуа Бейль

В серии «Искусство_VED» представлены книги, посвященные наиболее ярким и значительным явлениям и ключевым фигурам в истории мировой культуры.

Одной из таких книг стала «Краткая история современной живописи», первое издание которой вышло в 2005 году.

К сожалению, большинству российских читателей имя автора – крупнейшего западного искусствоведа, философа, художественного критика и литератора – ни о чем не говорит, оно известно в нашей стране только специалистам. В бывшем Советском Союзе книги и статьи Рида не переводились на русский язык и были практически недоступны читателям – за исключением тех, кто имел допуск к «спецхрану», – так как автор занимался изучением «упадочнического» искусства модернизма и был причислен к «буржуазным эстетикам».

Герберт Рид был дружен со многими художниками – В.Кандинским, Н.Габо, П.Мондрианом, Г.Муром – и участвовал во многих событиях художественной жизни, поэтому особенно интересна его попытка осмыслить, оценить и выявить сложнейшие взаимосвязи и взаимовлияния в искусстве первой половины ХХ века.

Его «Краткая история» – это взгляд изнутри, взгляд заинтересованного участника процесса со своими симпатиями, антипатиями и пристрастиями. Книга предназначена для студентов художественных колледжей и вузов, музейных работников, для широкого круга читателей, интересующихся современным искусством.

Кубизм – направление во французском искусстве. Его основатели и крупнейшие представители Пабло Пикассо и Жорж Брак. В парижских художественных кругах это восстание против сентиментальной и реалистической живописи импрессионистов началось в 1907 году, и достигло апогея в 1914. Всего за несколько лет были созданы картины, которым было суждено изменить наш способ зрительного восприятия навсегда. Популярный французский журналист и художественный критик Луи Воксель впервые употребил слово «Кубизм» в качестве термина в своем репортаже о «Салоне независимых» в 1909 году. С этого момента последующие картины Пабло Пикассо и Жоржа Брака стали считаться созданными в новообразованном стиле, безо всякого участия обоих художников в создании термина, обозначающего этот стиль. Пикассо позже вспоминал: «Когда мы «изобретали» кубизм, мы вовсе не делали этого намеренно. Мы просто хотели выразить то, что было в нас самих. Никто не диктовал нам никакой программы, а наши друзья, поэты, внимательно следили за нашей работой, но никогда ничего нам не навязывали». В другом месте Пикассо замечает: «Цели кубизма вполне ясны. Мы относимся к нему только как к способу выражения того, что мы воспринимаем зрением и духом, посредством использования всех возможностей, составляющих естественные свойства рисунка и цвета. Он стал для нас источником неожиданной радости, источником открытий». Кубисты не отображали в своих произведениях вещи такими, какими их видел глаз, с одной определенной точки зрения. Они разбивали изображение, показывали предметы со всех сторон, заглядывали внутрь – и все это одновременно. В них преобладали прямые линии, грани и куполообразные формы. Коллаж становится одним из приемов кубизма. В издание включено максимальное количество произведений, характерных для кубизма, а также портреты и биографии художников.

Данная книга представляет собой подробный анализ становления современного кураторского дискурса с конца 1980-х, когда, собственно говоря, независимое кураторство и возникло. На ее страницах показано, как благодаря дискурсу, в центре которого оказалась фигура куратора, произошла кардинальная смена в понимании кураторства как такового. Сегодня — и читатель в этом убедится — кураторство можно с полной уверенностью рассматривать как особую практику медиации, возникшую в результате усилий художников, кураторов и тех, кто сочетает в себе эти две ипостаси, а также кураторских коллективов, которые продолжают ставить под вопрос границы и пределы произведения искусства, изменяя наше понимание взаимодействия между различными акторами и институтами в поле культурного производства.

Книга вышла в серии «GARAGE Pro», новой инициативе Музея современного искусства «Гараж» и издательства «Ад Маргинем Пресс». Задача серии — представить размышления кураторов, художников, критиков и искусствоведов из разных уголков мира о кураторской практике, функциях современных музеев и работе в сфере искусства сегодня

Данная книга Готтфрида Баммеса целиком и полностью посвящена такому увлекательному процессу, как создание пейзажей. Здесь, как и в учебнике по пластической анатомии для художников, в центре внимания тоже оказалась своего рода «анатомия», а именно – художественная структура ландшафта.

В своей работе Баммес объясняет основные понятия, а также дает рекомендации по выбору формата и структурированию  ландшафта на два и более уровня. Автор уделяет большое внимание проработке объемов, которые, как правило, играют в пейзажах очень важную роль. При этом в качестве наглядных примеров служит множество тщательно подобранных иллюстраций по всем категориям: сад и парк, холмы и равнины, горные, водные, а также сельские, городские и индустриальные ландшафты.

Для того чтобы работа производила нужное впечатление, подчеркивает автор, необходимо уметь правильно выбирать и использовать различные изобразительные средства, как в графике, так и в живописи. Как только будущий пейзажист овладеет навыками создания работ в различных техниках, он вступит в такую область творчества, где научить чему-либо практически невозможно. И здесь всё, что можно сделать, это призвать на помощь приобретенный опыт и положиться на другие не менее важные, чем практические навыки, вещи – воображение и чувства.