Книги з історії мистецтва

Книга Генриха Вельфлина "Основные понятия истории искусств" является в науке первой попыткой дать точную и сжатую характеристику стилей, толкуемых обыкновенно весьма расплывчато. Впервые в этой книге автор создает образцовую терминологию и методологию для научной истории искусств.

Издание представляет интерес для преподавателей, студентов и широкого круга читателей.

"Основы художественной грамоты" - классический качественный учебник. Задача этой книги помочь в воспитании культуры художественного восприятия, ввести читателя в сложный мир изобразительного искусства, научить «читать» его многообразные языки, воспринимая не только лежащие на поверхности, но и глубинные смыслы художественных произведений.

Цель книги — представить произведение искусства как целостную структуру, все элементы которой участвуют в воплощении художественного замысла. В доступной и увлекательной форме автор рассматривает проблемы художественного творчества, опираясь при этом на фундаментальные законы искусства, выясняя смысл и характер его выразительных средств.

Представляя собой введение в структуру художественного языка, эта книга может быть использована на начальных стадиях как профессионального, так и общекультурного изучения изобразительного искусства — в художественных институтах, училищах, школах, на художественно­графических факультетах педагогических институтов, а так же в старших классах общеобразовательных школ и лицеев, особенно с гуманитарным уклоном. Она может послужить подспорьем в расширенном внеклассном изучении искусства и в процессе самообразования.

Юрий Яковлевич Герчук - Заслуженный деятель искусств России, академик Академии графического дизайна, московский искусствовед, историк и теоретик искусства, художественный критик. Герчук - автор множества книг посвященных современному искусству — в первую очередь, графике и искусствознанию.

Факсимильное воспроизведение издания 1937 года всемирно известного труда Андреа Палладио - зодчего эпохи Возрождения.

Для архитекторов и искусствоведов.

Крупнейший российский исследователь истории французского искусства Наталья Бродская посвятила эту книгу удивительно интересному этапу развития мировой живописи, получившему название "постимпрессионизм". С ним связаны имена блестящих мастеров изобразительного искусства, таких как Сезанн, Ван Гог, Гоген, Тулуз-Лотрек... Их искания, новаторство и творческие победы позволили назвать последнее десятилетие XIX в. эпохой - так огромен был вклад этих художников в сокровищницу мирового изобразительного искусства.

A Guide to Art Nouveau Style

Стиль ар нуво - разновидность модерна - получил широкое распространение в изобразительном искусстве и архитектуре последних десятилетий прошлого века и в начале нынешнего. Данный "Путеводитель", принадлежащий перу английского искусствоведа Уильяма Харди, призван помочь читателю проследить периоды становления, расцвета, а затем и упадка ар нуво, разобраться в художественных особенностях стиля, а также лучше узнать творчество его ведущих мастеров. Книга богато иллюстрирована и снабжена алфавитным указателем.

Книга крупнейшего историка искусства, переведённая на основные европейские языки – настоящий праздник искусствознания.
С XVIII столетия развитие русского искусства, при всем его своеобразии, становится органичной частью общеевропейского художественного процесса. На первоклассном материале автор показывает: большую, порой решающую роль в этом играли стилевые и жанровые взаимовлияния, профессиональные и личностные связи русских художников с мастерами из Италии, Франции, Голландии, Англии, Германии, других западных стран.
В книге рассматривается взаимодействие национальных школ, поэтому наблюдения и выводы Д.В.Сарабьянова могут многое объяснить не только в развитии отечественного искусства, но и в художественной эволюции ощущавших его влияние других европейских стран.
В издании, напечатанном в Италии, свыше 300 иллюстраций.
Для научных работников, преподавателей, аспирантов и студентов, специализирующихся в искусствоведении и эстетике, а также широкого круга читателей, интересующихся искусством.

Эта книга посвящена издательской деятельности русских футуристов, поэтов и художников, вернее — литографированным изданиям, появившимся в 1910-е годы. Это был смелый полиграфический эксперимент, упразднивший главное звено в процессе печатания книги — типографский набор.

Книжки футуристов издавались незначительными тиражами, с каждым десятилетием они становятся все большей редкостью, и представляется важным для дальнейших исследований зафиксировать все сохранившееся в библиотеках и частных коллекциях. Этой цели и служит настоящая книга, в которой публикуется обстоятельный каталог девятнадцати литографированных и гравированных на линолеуме изданий 1910-х годов.

Первые литографированные книжки — «Старинная любовь», «Мирсконца», «Игра в аду» — вышли в октябре — декабре 1912 года. Своим полукустарным характером, «рукодельной» внешностью, диковинными — не только на взгляд обывателя — иллюстрациями они резко отличались от всего, что появлялось тогда на книжном рынке. В последние годы заметно возрос интерес к футуристической книге. Данное издание будет интересно профессионалам издательского дела, искусствоведам, культурологам и коллекционерам.

Книг, посвященных ампиру - одному из самых известных периодов в истории русского искусства, - почти не выходило. Последние фундаментальные издания о русском ампире появились в 1935-1936 годах. Поэтому выходящий накануне наступления нового тысячелетия иллюстрированный альбом "Русский ампир" можно считать первой попыткой освоения темы с позиций современного искусствознания. В нем отражено все многообразие проявления стиля в архитектуре, скульптуре и декоративной живописи, в искусстве создания ансамблей интерьеров, мебели и бронзе, фарфоре и стекле, серебре и светильниках, костюмах и тканях.

Ампир принадлежит к одной из самых блестящих эпох в истории русской художественной культуры, которую по праву называют "золотым веком". Искусство русского ампира вместило в себя как высокие столичные образцы, так и наивность творчества провинциальных полупрофессионалов и дилетантов.

Ампир - это неповторимые архитектурные ансамбли Петербурга и величественные царские дворцы в пригородах Северной Пальмиры, родовые усадьбы русской аристократии в окрестностях Москвы и уютные дворянские особняки древней российской столицы. С не меньшим блеском русский ампир проявил себя и во всех видах декоративно-прикладного искусства, особенно в создании парадных дворцовых интерьеров.

Термин "стиль Empire" возник во Франции с приходом к власти императора Наполеона. Вскоре стиль ампир, как завершающая стадия классицизма, стал достоянием всей Европы. Его специфический воинственный и мужественный оттенок проявился в художественной культуре Германии и Австрии, Италии и Скандинавских стран. Но наиболее благоприятную почву ампир нашел в России. Великая радость победы окрасила его в ликующие и праздничные тона с некоторым романтическим оттенком.

Декоративные элементы Древнего Рима, символизирующие воинственный характер Первой французской Империи, уступили место символам древнерусской воинской славы, что сразу придало ампиру национальный характер.

Этот стиль сумел вобрать весь образ эпохи, разнообразие приемов и уровней мастерства художников. Особый героический пафос русского ампира составляет его непреходящую ценность, заставляя нас восхищаться им и сегодня.

Искусство ампира - самая блистательная эпоха русской культуры. Его художественное совершенство и философская глубина очевидны, величественность форм, благородство пропорций, гармония и мощь притягивают к себе.

Стиль империи зародился во Франции, унаследовав образы искусства Древнего Рима, древнегреческой архаики и Древнего Египта. В разной степени он отразился на искусстве всей Европы. Но свое самое совершенное воплощение этот стиль нашел в России. Великая радость победы в войне 1812 года окрасила русский ампир в ликующие и праздничные тона, придав этому воинственному и мужественному стилю романтический оттенок.

Для меня искусство ампира стало идеалом совершенства, вершиной творческого гения. Это преклонение и увлеченность стали причиной моего интереса к нему. Изданием этой книги я попытался наиболее полно отразить все многообразие ампира и еще раз воздать дань уважения и преклонения перед этим великим имперским стилем, поделиться своим восхищением с единомышленниками, такими же почитателями искусства этой эпохи.

Аркадий Гайдамак.

Модерн — художественный стиль конца XIX– начала XX века. Он возникает на рубеже столетий и стремится к эстетическому обобщению культуры, к синтезу различных исторических традиций, освещенному идеями прогресса и гармонии. Модерн стремится к пересозданию окружающего мира средствами всех искусств, само искусство понимается в нем как игра, стилизация на основе традиций прошлых эпох.

В альбоме воспроизводятся и анализируются замечательные образцы стиля русский модерн в архитектуре, изобразительном и прикладном искусстве.

Приводятся фотографии зданий и интерьеров, созданных по проектам известных архитекторов — Федора Шехтеля, Льва Кекушева, Федора Лидваля...

Декоративное и прикладное искусство представлено художественными произведениями, изготовленными по эскизам Михаила Врубеля, Александра Головина и других известных художников того периода.

Книга Е.А. Борисовой, Г.Ю. Стернина — серьезное исследование художественных процессов, происходивших в русском изобразительном искусстве и зодчестве
на рубеже XIX–XX веков

Книга «Русский модерн» рассчитана на широкий круг читателей, интересующихся искусством.

Сотни картин и рисунков – среди них самые известные и любимые произведения западноевропейского искусства – представлены в этой книге с увлекательными комментариями профессионального художника Дэвида Хокни, который отложил кисти и решил выяснить, каким образом художникам прошлого удавалось отображать окружающий мир столь точно и живо.

Два года, пожертвовав своей работой живописца, он следовал неизведанной тропой, пытаясь раскрыть таинственные секреты мастеров прошлого. Его изыскания стали предметом жарких споров виднейших ученых, историков искусства, руководителей музеев. Дэвид Хокни рассказывает, как фрагмент за фрагментом выявлял научные и визуальные доказательства, каждое из которых подтверждало и разоблачало тайны и секреты мастеров прошлого.

Полагаясь на свой художественный вкус, он сопоставлял картины и наброски, выясняя, как зеркала и линзы помогали великим художникам создавать их знаменитые шедевры.

Особый интерес представляют выдержки из множества исторических текстов, документов и переписки мастеров прошлого, ранее не известных читателю, а также исследования современных искусствоведов и художников.

В издании представлены картины различных эпох, направлений и школ, хранящиеся в таких крупнейших музеях, как Лувр, Прадо, галерея Уффици, Музей истории искусства в Вене, Государственные музеи в Берлине, Национальная галерея в Лондоне, Рейксмузеум в Амстердаме, Картинная галерея в Дрездене, Музей Орсе и Национальный музей современного искусства в Париже, Музей современного искусства в Нью-Йорке и другие. На страницах книги воспроизведены настенные росписи, созданные художниками в церквах и дворцах разных стран Европы, а также шедевры искусства из частных коллекций, не доступных для большинства любителей искусства. Статья содержит подробный анализ западноевропейской живописи, проиллюстрированный самыми высокими ее образцами.

В прошлом особо большое значение предавалось способности автора отражать сходство его произведения на холсте, в дереве или камне с окружающим миром. Официальный портрет должен был передавать максимальное сходство, а пейзажи – содержать характерные детали. Однако, после изобретения фотографии многие художники отказались от «истинного» сходства, сделав выбор в пользу большей непосредственности в попытке отразить эмоциональную составляющую объекта. Зачастую «простая» линия заменяла детальную прорисовку в работах ранних мастеров. С самого начала таких изменений в художественных амбициях и по сей день критики-искусствоведы принимают отсутствие технического мастерства за отсутствие худо-жественного воображения, называя экспрессивные работы примитивными и детскими.

Включив иллюстрации с изображением 100 произведений искусства, которые стали объектом суровой критики и общественного недовольства, Сюзи Ходж убедительно и вдохновенно доказывает, что современное искусство, несмотря на заверения в обратном, не является и никогда не являлось ни детской игрой, ни примитивным занятием.

Другие книги серии:

Современная мода в деталях. Почему носить нечего

Современная фотография в деталях

Современная архитектура в деталях. Как такое могли построить

Современная наука в деталях. Почему это не было зря потраченным временем

Книга Современное искусство в деталях: 75 шедевров содержит информацию, которая может быть неизвестна даже профессионалам искусства, проливает свет на нюансы, которые едва заметны при беглом просмотре. Примечания экспертов раскроют более глубокие детали и технические приемы, к которым прибегал художник для достижения определенных эффектов. В этом издании затронуты различные темы, внешние и внутренние факторы, повлиявшие на создание этих работ – от всемирных политических событий до революционных движений, например, Кубизма, Абстрактного экспрессионизма и Поп-арта, и даже научных и математических теорий, которые зачастую играют важную роль.

В книге представлены 75 произведений современного искусства, от Ван Гога (Церковь в Овере) и Пикассо (Авиньонские девицы) до Фрэнсиса Бэкона (Три этюда к фигурам у подножия распятия), Синди Шерман (Без названия № 213) и Паулы Регу (Видения). Начиная со старых работ и заканчивая совсем недавними, это издание демонстрирует радикальный сдвиг от приоритета художественных техник к доминированию идей, скрывающихся за самим творением. Это прекрасный информативный, интересный и доступный гид по современному искусству.