Книги про современное искусство

Modern Art gives a unique insight into the lives of some of the twentieth century`s most gifted artists, covering a diverse selection of works from the Expressionists and the Cubists to the Pop artists and the Post-Modernists. This superb new book provides the reader with an informative and richly illustrated overview od modern and contemporary art from countries across the world.

Not only Mao before the masses, but also dozens of housewives armed with brooms, scores of Gillette razors and hundreds of Mon Chéri chocolates. In a play on perceptions in which nothing (or everything) is what it seems, in the midst of a profusion of food tins, cleaning products, cars, reinforced concrete buildings and motorways that populate the works of Thomas Bayrle (Berlin, 1937). Acclaimed as one of the voices of Pop Art in Germany, the truth is that Bayrle's ironic, repetitive, almost grotesque visual displays ultimately subvert the paradigms of the Pop movement. His works are practically psychedelic maps constructed from mosaics of images and hallucinatory to a point far beyond pop's hypnotic and surface effects. This book, based on the first retrospective devoted to this artist's artist, reproduces part of his work - wallpapers, photographic and digital collages, graphic works, cardboard sculptures, watercolours and drawings - and takes the visitor on an artistic journey that spans more than forty years.

Since the early 1980s Thomas Ruff has explored the photographic medium, the way it is used and the world of contemporary digital visual culture.

This volume contains and comments a seminal selection of 200 photographic works by this important german artist: including images of domestic interiors, portraits, houses and architecture, starry skies, nocturnal urban scenes and nudes, it focuses on the blurring of the distinction between photography and painting today and predominantly on ruff’s more abstract recent works, particularly his relationship with digital imagery and its production, which he began to investigate in the 1990s.

This book, realized on the occasion of a major retrospective that takes place at Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, features new essays by the curator Carolyn Christov-Bakargiev, as well as by Daniel Birnbaum and Giorgio Verzotti.
the volume also includes a detailed chronology of the artist’s exhibitions, a bio-bibliographical appendix, a rich anthology including texts on the artist by Wim Beeren, Per Bj. Boym, Boris Von Brauchitsch, Ian Brunskill, Régis Durand, Marc Freidus, Reinhold Happel, Jacques Herzog, Julian Heynen, Michel Houellebecq, Jörg Johnen, Eva Karcher, Valeria Liebermann, Annelie Pohlen, David Rimanelli, Michael Stoeber, and Matthias Winzen, as well as conversations and interviews by Daniel Birnbaum, Max Dax, Stephan Dillemuth, Isabelle Graw and Friederike Wappler.

Perhaps the largest exhibition of street art ever attempted, Tour Paris 13 is the culmination of a movement that always strives for new forms of involvement from the viewer. Housed in a now-demolished 1950s-era nine-story apartment block near the Seine, 105 artists of 18 different nationalities created unique works in the interior as well as on the exterior of the building, allowing visitors access for only thirty days. The result was a pure, immersive experience that allowed artists free reign to indulge their creativity in an environment of open-mindedness and without commodification.

This beautiful catalogue records the work of such urban art luminaries as A1One, Herbert Baglione, COPE2, Ethos, Peeta, Rea One, Seth, Stinkfish, Swoon, Vexta and Vhils.

Expanded edition of the first monograph from critically acclaimed Russian-born Vania.

Russian-born Vania Zouravliov’s surreally haunting illustrations capture a mixture of innocence, beauty, and decay. He draws inspiration from sources as seemingly opposite as Russian folklore, Japanese illustration, and pop culture. His resulting drawings are elaborately composed and demonstrate the technical brilliance of an old master.

Gestalten published the first monograph of Vania’s work in 2008, which quickly sold out. This expanded edition not only presents the ample scope of exceptional talent, but also features more than 30 additional artworks. Vania’s intense emotional style evokes a nostalgia rooted in the artist’s Russian background that is reminiscent of the imagery used in that country’s silent and art-house movies. His dark motifs are intricately layered and full of powerful symbolism. They often feature provocative sadomasochistic references that represent the vulnerable relationship between innocence and affliction.

As a prodigy in his homeland, Vania has exhibited internationally since the age of thirteen and continues to produce a vast range of work for both commercial clients and as an independent artist.

A global survey of more than 100 artists, chosen by art-world professionals for their work with threads, stitching, and textiles

Celebrating tapestry, embroidery, stitching, textiles, knitting, and knotting as used by visual artists worldwide, Vitamin T is the latest in the celebrated series in which leading curators, critics, and art professionals nominate living artists for inclusion. As boundaries between art and craft have blurred, artists have increasingly embraced these materials and methods, with the resulting works being coveted by collectors and exhibited in museums worldwide.

Vitamin T is a vibrant and incredibly timely survey – the first of its kind.

About the Author

Jenelle Porter was formerly senior curator at ICA Boston and curator at ICA Philadelphia and is author of numerous publications and essays on contemporary art and craft.

 210 илл.

Владимир Наседкин менее известен, чем другие современные русские художники, но, учитывая его творческую концепцию, это скорее не недостаток рекламы, а следствие его творческой позиции. Художник не стремится быть модным, не гонится за тенденцией и, несмотря на то, что живет в самом центре московской суеты, остается вне нее. Сохраняя традиции русского авангарда, ему удается быть актуальным, пробуя новые материалы, техники и жанры. Философия искусства Наседкина – в геометрической прогрессии живописного полотна, материальности фактур и графике фигур. Чем-то похожие на чертежи и схемы, его работы стали частью истории русского современного искусства.

Yayoi Kusama: Give Me Love documents the artist's most recent exhibition at David Zwirner, New York, which marked the US debut of The Obliteration Room, an all-white, domestic interior that viewers are invited to cover with dot stickers of various sizes and colors.

Widely recognized as one of the most popular artists in the world, Yayoi Kusama has shaped her own narrative of postwar and contemporary art. Minimalism and Pop art, abstraction and conceptualism coincide in her practice, which spans painting, sculpture, performance, room-sized and outdoor installation, the written word, films, fashion, design, and architectural interventions. Born in 1929 in Matsumoto, Japan, Yayoi Kusama briefly studied painting in Kyoto before moving to New York City in the late 1950s. In the mid-1960s, she established herself in New York as an important avant-garde artist by staging groundbreaking happenings, events, and exhibitions. Now in her late 80s, Kusama is entering one of the richest creative periods of her life. Immersed in her studio six days a week, Kusama has spoken of her renewed dedication to creating art over the past years: “[N]ew ideas come welling up every day….Now I am more keenly aware of the time that remains and more in awe of the vast scope of art.”

Taking The Obliteration Room as its centerpiece, this catalogue reveals, in vivid large-scale plates, the transformation of the space from a clean white interior to a stunningly saturated room, with ceilings, walls, and furniture covered in myriad multicolored stickers put there by viewers over the course of the exhibition. The catalogue also includes beautiful reproductions of Kusama's new large-format paintings from My Eternal Soul series. Ranging from bright and densely pixelated forms, to umber figures with darker blues and muted oranges, these paintings demonstrate the artist's striking command of color, and her exceptional control over balance and contrast. Bold brushstrokes hover between figuration and abstraction; vibrant, animated, and intense, these paintings introduce their own powerful pictorial logic, at once contemporary and universal. The catalogue continues with a selection of new, large Pumpkin sculptures, a form that Kusama has been exploring since her studies in Japan in the 1950s, and which gained prominence in the 1980s, continuing to remain an essential part of her practice. Made of shiny stainless steel and featuring painted dots or dot-shaped perforations that recall The Obliteration Room, these immersive works seem created on human scale, with the tallest measuring 70 inches (178 cm). Vibrant plates capture how color, shape, size, and surface merge in these sculptures and mesmerize the viewer. Texts include a "Hymn to Yayoi Kusama" by art critic and poet Akira Tatehata and a poem by the artist herself.

Created in partnership with Asia Society Museum in conjunction with a major retrospective, this is the first comprehensive monograph on the work of art superstar Yoshitomo Nara. It assembles 20 years worth of paintings, sculptures, and drawings that map the evolution of one of the most influential and internationally renowned artists working today. The book and exhibition will draw connections between Nara’s work and the sensibilities of youth subcultures worldwide, focusing on themes of alienation and rebellion, particularly in relation to rock and punk music, the inspiration and subject of many of Nara’s works. Featuring artworks that have never before been exhibited, this is the book Nara’s legion of devoted followers have been waiting for.

About the Author:

Yoshitomo Nara is one of the most popular and influential artists of his generation. His work has been featured in more than forty exhibitions around the world. He lives in Tochigi, Japan.

Illustration where traditional Japanese prints meet surreal comic art.

Yuko Shimizu’s work deftly melds traditional Japanese graphics with surrealism and comic culture.

The New York-based artist and illustrator initiates each project with classic illustration methods. She draws her basic forms and figures with Japanese calligraphy brushes and later digitally supplements them with additional colours and backgrounds. This technique gives her elegant and harmoniously composed images the look of graphic prints.

Her science-fiction fantasies and personal creative visions, which are often erotically charged, combine the best of American pop and Japanese comic culture.

Zaha Hadid (*1950 in Baghdad), recipient of the Pritzker Architecture Prize, designed and curated a groundbreaking exhibition at Zurich’s Galerie Gmurzynska, comparing works of the Russian avant-garde with those of Zaha Hadid Architects. A fierce explosion of Russian works tore through the contemporary works by the architect in a dynamic black and white design. Created specifically for the venue, the projection of a two-dimensional drawing onto a three-dimensional space transformed the gallery into a spatial painting in which the threshold of the picture plane expanded and could be entered. Zaha Hadid translated the warped and weightless space of Russian avant-garde painting and sculpture by Kazimir Malevich, El Lissitzky, and Alexander Rodchenko into her very own architectural language.

Книга известного английского искусствоведа Брэндона Тейлора посвящена искусству последних трех десятилетий. В этот период мир переживал огромные изменения: высокие технологии, Интернет, обострение социальных противоречий, межконфессиональные конфликты – все это породило новые тенденции в живописи и скульптуре, в кино и фотографии. В издании рассказывается о том, что уже успело стать классикой, и о том, что только начинает признаваться искусством. Что можно назвать инсталляцией, а что – перформансом? Как художники видят наш сумасшедший мир с его темпами и ритмами? Какова сегодня роль музеев и существует ли такое понятие, как художественный рынок? В создании книги принимали участие сотрудники более чем сорока музеев и галерей современного искусства Европы и Америки. Она незаменима для профессионалов, работающих в области дизайна, а также для всех, кто интересуется процессами, происходящими в современной культуре.

Движение Arte Povera, или `бедное искусство`, возникло в Италии в конце 1960-х годов. Его участники были последователями Ива Кляйна и Йозефа Бойса. Для создания своих работ они использовали самые разные доиндустриальные материалы - древесину, уголь, свинец, листья, каменные плиты. Их искусство, как противопоставление американскому минимализму и поп-арту, было ближе к жизни и тайнам мироздания.

Марк Куинн (р. 1964), как и другие «молодые британские художники» (Дэмиен Херст, братья Чэпмен, Трэйси Эмин и другие), открытые Чарльзом Саатчи, экстравагантный и смелый в своих творческих методах. Каждая новая работа Марка Куинна вызывает огромный интерес публики, прессы и коллекционеров по всему миру. Его выставки проходили в крупнейших музеях и галереях Великобритании и Европы — Tate Britain (1995), Kunstverein Ганновер (1999), Fondazione Prada Милан (2000), Tate Liverpool (2002), Ирландский Музей современного искусства (2004), MACRO (2006), DHC/ART Fondation pour l’art contemporain, Монреаль (2007) и Fondation Beyeler, Базель (2009), Музей Океанографии, Монако (2012).

На выставке, которую Марк Куинн подготовил специально для Мультимедиа Арт Музея, Москва, представлено более 30 его работ — скульптуры, крупноформатная живопись, мультимедийные инсталляции, созданные в разные годы. Среди произведений — «Жизнь вдыхает дыхание» (2012), «Хроматический лабиринт» (2011), «Происхождение мира (Cassis madagascariensis). Индийский океан, 310» (2012), «Порок как объект добродетели» (2010), «Кейт-невидимка» (2010); гиперреалистичная живопись из серии «Глаз истории» (2012).

В основе творчества Марка Куинна лежит серьезное философское понимание истории искусства, истории культуры и той реальности, в которой мы живем сегодня. При этом он блистательно работает с любыми материалами и в самых разнообразных медиа. Будь то скульптура, живопись или инсталляция — в любой из своих работ Куинн исследует базисные вопросы мироздания и те законы, по которым существует человек в этом мире.

Выставка Куинна в МАММ, названная «Большое колесо продолжает вращаться», по словам самого художника, говорит об «истории планеты Земля и всего, что на ней существует». Подобно спирали морской раковины, мир постоянно изменяется, и эти изменения, в человеке, природе и познании отражаются в искусстве. В серии «Глаз истории» художник накладывает изображение карты мира на сетчатку человеческого глаза: «Я изобразил сетчатку как раз потому, что она находится в глубине глаза, и именно там мозг и центральная нервная система встречаются с внешним миром. Именно туда бьет луч света, там свет передается в нервную систему и, в конце концов, приходит в мозг в виде изображения. Так что истинная граница между миром и нами — это не зрачок, а сетчатка». Виртуозно комбинируя искусство и науку, Марк Куинн исследует человеческие и природные формы, но всегда остается верен своему масштабу, говоря о вопросах жизни и смерти, красоты и уродства, сиюминутности и вечности.

Работы Куинна практически всегда находятся в контексте более широкой художественной традиции. Его гиперреалистическая «цветочная» живопись позволяет в новой перспективе увидеть традицию vanitas — голландских натюрмортов XVII века. Серия «Полное собрание мрамора» (1999-2000) отсылает к греческой скульптурной традиции и в то же время заставляет нас пересмотреть представления о совершенстве человеческого тела. «В скульптуре «Выведенный с помощью кибернетической инженерии, клонированный и выращенный кролик» (2004) есть настоящее роденовское изящество (...), но в этой скульптуре мы, разумеется, имеем дело не с человеком, а с освежеванной тушкой животного. И человеческие тела, и тела животных должны подвергнуться самым невероятным манипуляциям, переделкам и искажениям — даже пройти через боль и смерть, — чтобы обрести столь элегантные и прекрасные формы. И красота того, что мы сначала приняли за фигуру человека, начинает видеться в новом свете: она, как выясняется, той же природы, что и красота освежеванного кролика, не более — или не менее — того. Точно так же картины из серии «Живопись плоти» (2012) показывают нам кровь и внутренности, из которых состоят наши мыслящие «я». По словам самого Куинна, «люди очень высокомерны и полагают, что они — выше всего остального, но на самом деле мы с этим «всем остальным» связаны». (Джерри Броттон, «Исповедь и катастрофа»).

Гриша Брускин - самый высокооплачиваемый художник среди выходцев из России. Сейчас он живет и работает в Нью-Йорке. Идеи для творчества художник берет из самых разных источников - от старинной живописи до современных СМИ.

Проект, отображенный в книге «Время Ч» Гриши Брускина, вошел в лонг-лист премии Кандинского 2012 года. «Время Ч», военный термин, автор трактует как особое положение, когда «законов нет, конституция недействительна и люди зависят от произвола “биовласти”». Очень актуальный для России сегодня проект, хоть и задуман был лет пять назад. Целая россыпь выкрашенных ослепительно белой эмалью бронзовых скульптур разных размеров представлена в виде инсталляции в пространстве затянутого черным бархатом и специально освещенного зала. Традиционные обитатели лексиконов и азбук Брускина усилены на этот раз целым отрядом отвратительных существ, напоминающих о чудовищных бестиариях средневековья, о Босхе, сюрреалистических монстрах и гибридах братьев Чепмен. Ювелирная тонкость исполнения, подчеркивающая все жирные складки, скелетоподобные тела и длинные хвосты, только усиливает впечатление. Конечно, это метафоры, олицетворяющие образ врага «во всех его ипостасях: враждебное государство, классовый враг, враг подсознания, “другое”, “неизвестное” как враг. Время, Кронос, Смерть в качестве врагов, Враг рода человеческого...»