Малая серия книг по живописи

Творчество Диего Веласкеса – вершина развития реализма в испанской живописи XVII в. Имя художника входит в плеяду величайших мастеров кисти в мировом искусстве. Широкий охват явлений жизни во всей их сложности и противоречивости, глубокая содержательность образов, тонкость живописного исполнения – таковы основные черты творчества Веласкеса. Гениальный художник, придворный живописец Филиппа IV, человек, который благодаря своей прямоте, утонченности и галантности заслужил дружбу короля и уважение многочисленных завистников, является бесспорным главой испанской школы. Он вел достойную и мудрую жизнь, поистине не отягощенную событиями, которую не смогли поколебать даже придворные интриги. Новизна художественного мышления проявляется у Веласкеса в разных жанрах: это историческая тема, жанровые сценки из повседневной жизни простых людей, картины на религиозные и мифологические сюжеты и, конечно – портреты. Ярко и правдиво воссоздают они облик самых разных людей, поражая глубиной психологического анализа и чеканной отточенностью характеристик. Особая группа произведений – портреты королевских шутов, призванных забавлять двор. В них отразилось уважение художника к человеческому достоинству, внутреннему миру обездоленных.

Альбрехт Дюрер – великий мастер, силой своего гения связавший искусство Средних веков с эпохой Возрождения.

Он первым из немецких художников перенес на холст историю своей жизни; сделал автопортрет самостоятельным живописным жанром; возвел искусство акварели и гравюры на небывалую высоту; первым в Германии выполнил с натуры рисунок обнаженной фигуры; и он был первым немцем, кто дополнил свое творчество трактатами по теории живописи.

Эта книга – не классический, но современный взгляд на творчество гения немецкого Возрождения.

Книга о великом немецком живописце, графике и гравере эпохи Возрождения Альбрехте Дюрере (1471–1528).

В 1523–1528 годах Дюрер опубликовал теоретические трактаты «Руководство к измерению циркулем и линейкой» и «Четыре книги о пропорциях человека», вобравшие в себя выводы, к которым он пришел в результате изучения пропорций, и ставшие основой руководства по обучению живописи.

Дюрер оставил более 1000 рисунков и акварелей. В основном он работал серебряным карандашом, кистью, тушью, пером и углем. Книга состоит из статьи, подробно рассказывающей о жизни художника и об истории написания рисунков и акварелей, представленных в издании. Каждая иллюстрация снабжена подробной аннотацией. В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера.

Книга о Жорже Сёра (1859–1891) – французском живописце, основателе неоимпрессионизма. Сёра разработал свою оригинальную технику живописи – маленькими мазками чистых цветов, смешанных только с белилами. Ее часто называют пуантилизмом, но сам автор и его последователи предпочитали термин «дивизионизм». Эта техника была настолько сложна, что художник за свою недолгую жизнь написал только семь больших композиций, не считая пейзажей и рисунков. Стремление Сёра к жесткой структурированности и порядку в работе над своими произведениями было противоположно интуитивизму импрессионистов; поэтому для обозначения созданного им метода возник термин «неоимпрессионизм». Устремления Сёра были направлены не на догматическое следование точечной технике, которую вскоре после его смерти большинство неоимпрессионистов переработали в индивидуальную манеру и писали либо большими пятнами цвета, либо беспорядочными красочными мазками. Эти устремления были направлены на достижение синтеза, уравновешенности всех элементов композиции и имманентной гармонии изображения, о чем свидетельствуют в первую очередь его превосходные произведения. Только после долгих лет забвения и недооценки творчества Сёра его творения были открыты заново и признаны не как наследие одного из эрудированных эстетов, жизнь которого была слишком коротка, а как художника, внесшего свой вклад в преобразование живописи в «науку о картинах». Затем в ХХ веке его идеи получили плодотворное развитие в самых разнообразных областях изобразительного искусства, например в аналитической, радикальной или предметной живописи.

Иван Константинович Айвазовский занимает особое место в искусстве XIX века, продолжая и в наше время оставаться одним из самых популярных русских художников. Море, ставшее главным объектом произведений Айвазовского, для любителя русской живописи неразрывно связано с именем мастера. Знаменитый «Девятый вал», таинственная «Венеция», тревожная «Буря над Евпаторией» — в этих и многих других полотнах нашли воплощение удивительный романтический настрой художника, его восхищение необъятностью и постоянной изменчивостью моря и, конечно, высокий уровень технического мастерства. Постоянно совершенствуя усвоенные художественные приемы, Айвазовский работал с огромным диапазоном цветовых гамм, каждая из которых необычайно тонко передавала настроение морской стихии. Молодой Айвазовский целиком посвятил себя последней — приняв участие во множестве морских экспедиций, побывав во многих странах и краях, он, наконец, обосновался в Феодосии, чтобы, обладая редкостной зрительной памятью, вновь и вновь выплескивать свои впечатления на полотна, превращавшиеся в восхитительные «портреты моря». Рано проявившаяся художественная одаренность Айвазовского соединилась с долголетием мастера, не выпускавшего из рук кисть до последнего своего дня. Невероятным кажется количество созданных им картин — сам он исчислял их шестью тысячами.

В книге Н.Н. Мамонтовой великолепно представлены жизненный путь Айвазовского, история становления его художественного таланта, а также важнейшие этапы творчества мастера. А великолепные иллюстрации перенесут читателя в мир моря, создав романтическое настроение и подарив ему чувство глубокой связи с морской стихией.

Египетское искусство было священным, божественным мастерством. Но только небольшая часть его памятников дошла до нас. Близость божественного и человеческого наполняла собой искусство, стала основой неповторимого стиля, правила и каноны которого сохранялись от эпохи пирамид вплоть до времени владычества Птолемеев.

Посмотреть англоязычное издание книги Искусство Древнего Египта  - Egypt Art

Ее картины висят в Лувре, Музее современного искусства в Нью-Йорке, продаются за миллионы долларов. Эта женщина стала одним из кумиров XX века.

В детстве ее грубо дразнили «колченогой Фридой», что глубоко ранило ее, но всю свою дальнейшую жизнь она привлекала восхищенное внимание своими экзотическими одеяниями. Фрида хотела изучать естественные науки и надеялась стать врачом. В 18 лет художница попала в ужасную аварию и это роковое происшествие полностью изменило ее жизнь. Именно тогда она начала писать. Для того, чтобы выразить свои мысли и чувства, Фрида Кало использовала собственный живописный язык, применяющий собственный словарь и грамматику. В ее произведениях, как и во многих мексиканских произведениях искусства, реальность и фантазия перемешиваются как две составляющие одной и той же действительности. Поскольку Фрида Кало никогда не писала в расчете на зрителя, она не могла толком понять, какой интерес ее работы могли представлять для других.

«Я пишу себя, потому что я так часто бываю одна, и потому что я сама — это тот предмет, который известен мне лучше всего». Фрида Кало

В книге Андреа Кеттенманна «Фрида Кало. Страсть и боль» подробно описаны жизненный путь художницы — взлеты и падения, ее детство, отношения с мужчинами, политические мировоззрения, истории написания картин, расшифровка используемых ею символов, также в книге много фотографий художницы, репродукций ее картин.

Книга о живописце, графике и теоретике абстрактного искусства, одном из величайших художников XX столетия Василии Кандинском (1866–1944).

С именем Кандинского связано радикальное обновление живописи и развитие теории абстрактного искусства. Его живопись требует от зрителя анализа не только формальных качеств произведения, но и кроющегося за ними глубинного смысла.

В детстве он учился музыке (играл на виолончели и фортепиано) и рисованию. Изучал право и экономику в Московском Университете, в свободные часы занимался живописью. Закончив университет, остался на кафедре политической экономики, готовил диссертацию. Затем отказался от предложенной ему должности профессора Дерптского (ныне Тартуского) университета. Два события в его жизни заставили его оставить карьеру ученого и заняться живописью серьезно: выставка импрессионистов Москве и постановка оперы Вагнера «Лоэнгрин» в Большом театре. В его сознании звуки и аккорды музыки трансформировались в цвета. Кандинский принял решение отправиться в Мюнхен и посвятить себя живописи. Он является одним из создателей объединения «Синий всадник» и альманаха с таким же названием, в котором были напечатаны его статьи. В 1921 году окончательно покинул Советскую Россию, какое-то время был профессором Баухауза. Затем вместе с Явленским, Фейнингером и Клее основал группу «Четверо синих».

Издание состоит из семи глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании.

В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями.

Книга об итальянском художнике раннего барокко Караваджо (1571–1610).

Его живопись и образ жизни провоцировали постоянные скандалы, он был не в ладах с законом и пользовался дурной репутацией. Караваджо неоднократно подвергался арестам и препровождался в тюрьму, чем доставлял большие затруднения своим влиятельным покровителям, вынужденным хлопотать за него.

Караваджо сыграл одну из ключевых ролей в истории изобразительного искусства. Он обладал способностью писать картины в неимоверно быстром темпе, создавая сложные композиции сразу на холсте. Это подтверждает то обстоятельство, что до сих пор не обнаружено ни одного эскиза, рисунка или гравюры художника. Он стал основоположником реалистического направления в живописи; его кисти принадлежат картины, наполненные драматизмом, театральными эффектами, как бы говорящие со зрителем.

Даже создавая картины на религиозные сюжеты, художник приглашал для позирования людей из низов, мало заботясь о реакции общества. Для его композиций характерны подчеркнутые диагонали - направленный луч света выхватывает из мрака фигуры и моделирует их с пластической осязательностью.

Книга состоит из четырех глав, подробно рассказывающих о жизни художника и об истории написания каждой картины, представленной в издании.

В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера.

Книга о швейцарском живописце, графике и теоретике искусства; одном из самых выдающихся художников первой половины ХХ века Пауле Клее (1879–1940). Клее испытал серьезное влияние югендстиля, линейно-декоративный характер которого отвечал склонности молодого художника к иллюстрации и фантастике. Его работы отличаются взаимопроникновением предметного и абстрактного, сочетанием архитектурно-статических и динамических элементов. Он прибегал одновременно к разным техникам и материалам: к маслу, темпере, акварели и пастели; использовал холст, бумагу, картон, джутовую мешковину и льняное полотно. В 1920-е годы Клее преподавал в Баухаузе. Он читал лекции об эволюции форм и качестве цвета, изучал ткацкое мастерство и живопись на стекле. Плодотворный обмен идеями связывал его с такими художниками, как Кандинский, Шлеммер и Фейнингер. Живопись Клее эволюционировала от предметности к абстракции, от едкого юмора к ассоциациям из сновидений. В более поздний период Клее безоговорочно сводил выразительные средства к языку символов и знаков. Из последних работ следует упомянуть композиции из полос разной толщины, частью обведенных черным контуром. Издание состоит из семи глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. В конце книги приводится летопись жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями.

Книга об австрийском живописце и графике Густаве Климте (1862–1918), главном представителе венского модерна, который был предельным, формально обостренным выражением искусства рубежа веков.

Климт был одним из организаторов венского Сецессиона в 1887 году, который объединил силы художников, противостоящих официальному искусству. В 1905 году Климт оставил венский Сецессион. Он стал излюбленным портретистом элегантных жительниц Вены. Слегка стилизованные модели вместе с орнаментальным фоном образуют в высшей степени оригинальные композиции. Климт писал также пейзажи в манере, соединяющей символизм с импрессионизмом. Изображенные предметы помещены в плоскостной структуре, близкой к абстракции и сохраняющей орнаментальный характер, тогда как атмосфера передается тонкой световой нюансировкой. Для Климта характерны символическая тематика, часто с оттенком эротизма, рафинированный, эстетский и очень индивидуальный стиль, в котором доминировал вкус к орнаментализации. Климт оказал влияние на других значительных художников, в особенности на Эгона Шиле и Оскара Кокошку.

Издание состоит из семи глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. В конце книги приводятся хронология жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями, а также список иллюстраций и примечания.

Кубизм – направление во французском искусстве. Его основатели и крупнейшие представители Пабло Пикассо и Жорж Брак. В парижских художественных кругах это восстание против сентиментальной и реалистической живописи импрессионистов началось в 1907 году, и достигло апогея в 1914. Всего за несколько лет были созданы картины, которым было суждено изменить наш способ зрительного восприятия навсегда. Популярный французский журналист и художественный критик Луи Воксель впервые употребил слово «Кубизм» в качестве термина в своем репортаже о «Салоне независимых» в 1909 году. С этого момента последующие картины Пабло Пикассо и Жоржа Брака стали считаться созданными в новообразованном стиле, безо всякого участия обоих художников в создании термина, обозначающего этот стиль. Пикассо позже вспоминал: «Когда мы «изобретали» кубизм, мы вовсе не делали этого намеренно. Мы просто хотели выразить то, что было в нас самих. Никто не диктовал нам никакой программы, а наши друзья, поэты, внимательно следили за нашей работой, но никогда ничего нам не навязывали». В другом месте Пикассо замечает: «Цели кубизма вполне ясны. Мы относимся к нему только как к способу выражения того, что мы воспринимаем зрением и духом, посредством использования всех возможностей, составляющих естественные свойства рисунка и цвета. Он стал для нас источником неожиданной радости, источником открытий». Кубисты не отображали в своих произведениях вещи такими, какими их видел глаз, с одной определенной точки зрения. Они разбивали изображение, показывали предметы со всех сторон, заглядывали внутрь – и все это одновременно. В них преобладали прямые линии, грани и куполообразные формы. Коллаж становится одним из приемов кубизма. В издание включено максимальное количество произведений, характерных для кубизма, а также портреты и биографии художников.

Картины Ларссона – не плод воображения художника; большая часть его акварельных работ выполнена с натуры и является своеобразным дневником мастера. Ларссон был сторонником компактности, частичного изображения объектов и плоскостных решений, характерных для японской гравюры по дереву, его иллюстрациям была также свойственна тонкость восточных карандашных и чернильных рисунков. Благодаря этому индивидуальный стиль художника вписался в общий контекст ар нуво с его декоративностью и изысканностью.

У Тамары де Лемпицка - польской и американской художницы, звезды межвоенного времени, было все, что сделало ее символом своей эпохи, элитой того времени, одной из завсегдатаев отеля "Риц" в Париже или Гранд-отеля в Монте-Карло. Женщина-автомобиль, автомобиль-женщина… Где начинается одно и заканчивается другое? Что за отношения были у них друг с другом и с мужчинами? Трудно сказать. Такая постановка вопроса вызывает очень противоречивые чувства, столь характерные для ее творчества. И невозможно избавиться от зыбкого ощущения, что ты уже близок к разгадке тайны, и вдруг - увы! - нужно все начинать сначала: даже исходные данные оказываются неверны. Например, в действительности у нее никогда не было "бугатти", был только маленький ярко-желтый "рено". Однако характерно, что она говорила: "Я всегда одевалась в соответствии с автомобилем, и автомобиль подбирала в соответствии с собой".

Тамара де Лемпицка использовала любую возможность для достижения успеха, не упуская ни единого случая сделать себе имя. Она, прежде всего, определила свое место и выбрала свой стиль: не авангард с его неопределенностью и переменчивостью, а тонкую смесь посткубизма и модного неоклассицизма с легким налетом Энгра для удовлетворения не только своих эротических желаний, но и сладострастных мечтаний буржуазии, ее будущих денежных покупателей.

Другим не менее важным решением был выбор моделей: только элита могла занять достойное место на ее полотнах. Она всегда была готова идти на встречу с покупателем, с моделью или с другом. Лемпицка - завсегдатай светской хроники, участница вечеринок творческой богемы, ей приписывают бисексуальные романы с известными людьми…, автор известной картины "Прекрасная Рафаэла".

Посмотреть англоязычное издание книги Лемпицка - Lempicka

Книга об итальянском живописце, рисовальщике, скульпторе, архитекторе и инженере эпохи Возрождения Леонардо да Винчи (1452–1519). После смерти Леонардо сохранился целый ряд манускриптов и зарисовок, свидетельствующих о его необыкновенной многосторонности. Особо ценны его анатомические штудии: с рисунков Леонардо начинается научная иллюстрация в современном ее понимании. Он погружался в исследование вопросов геологии, ботаники, гидравлики, оптики, физики и геометрии; изучал природные катаклизмы и полет птиц для воспроизведения его средствами механики. Наряду с изложением научных вопросов большой интерес представляют его размышления об искусстве. Книга состоит из восьми глав, подробно рассказывающих о жизни художника и об истории написания каждой картины или рисунка, представленного в издании. В конце книги приводится иллюстрированная хронология жизни и творчества мастера, а также библиография трудов о Леонардо да Винчи, вышедших во всем мире.