Збірники робіт з мистецтва

The Show that never Was

Numerous publications and exhibitions have examined Jean-Michel Basquiat's extensive oeuvre that consists of more than 3000 works, this catalogue though focuses on eight paintings only: In the summer of 1982, Basquiat traveled to Modena, Italy, for one of his first solo exhibitions in Europe at the gallery of Emilio Mazzoli. Within just a few days, he painted a group of large-format paintings that surpassed his previous work not only in terms of their scale. Each at least two by four meters in size, they mark the transition from graffiti spraying in the streets of Manhattan to painting on canvas. At the same time, they reflect an artist coming into his own. The paintings - including masterpieces that today are considered pivotal and among the most outstanding of his oeuvre - have never been shown together. This catalogue revisits this crucial moment of Basquiat's career some 40 years ago and reunites them for the first time.

JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960–1988, New York) is one of the most important artists of the 20th century. Emerging from the underground post-punk scene in Lower Manhattan, he attracted the attention of the art world in 1981 with the legendary group exhibition New York/New Wave. In nine prolific years, he created an oeuvre that formulated a new visual language of raw gestural painting fused with dense writing, and repeatedly reflected the oppression, exclusion and exploitation of People of Color.

Accompanying a major travelling exhibition, this first-ever survey of the rarely seen notebooks of Basquiat features the artist’s handwritten notes, poems, and drawings, along with related works on paper and large-scale paintings. 

With no formal training, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) succeeded in developing a new and expressive style to become one of the most influential artists in the postmodern revival of figurative during the 1980s. In a series of notebooks from the early to mid-1980s, never before exhibited, Basquiat combined text and images reflecting his engagement with the countercultures of graffiti and hip-hop in New York City, as well as pop culture and world events. Filled with handwritten texts, poems, pictograms, and drawings, many of them iconic images that recur throughout his artwork — teepees, crowns, skeleton-like silhouettes, and grimacing masks — and these notebooks reveal much about the artist’s creative process and the importance of the written word in his aesthetic. 

With over 150 notebook pages and numerous drawings and paintings, this important book sheds new light on Basquiat’s career and his critical place in contemporary art history.

About the Authors:

Dieter Buchhart is a critic, art historian, and curator based in Vienna. Henry Louis Gates, Jr., is the Alphonse Fletcher University Professor at Harvard University, where he directs the W. E. B. Du Bois Research Institute and the Hutchins Center for African and African American Research. Tricia Laughlin Bloom is associate curator of exhibitions at the Brooklyn Museum, New York. Franklin Sirmans is department head and curator of contemporary art at the Los Angeles County Museum of Art. Christopher Stackhouse is a writer and visual artist based in Brooklyn.

___________

Пролистать книгу Basquiat: The Unknown Notebooks на сайте издательства.

A dazzling collection of works by one of the world's most acclaimed illustrators

Noma Bar’s innovative, playful style has made him one of the most sought-after illustrators working today, with a broad range of commissions from magazines and newspapers – including Empire, the New York Times, Wired, the Guardian and Time Out – and numerous private and advertising clients. His use of negative space and minimalist forms creates images with multiple readings that delight and surprise in equal measure. Each of Bar’s illustrations tells a story that is hidden in the details, with the message revealing itself in the double-take as you look more closely.

Noma Bar has handpicked his most iconic illustrations and favourite works, each one displaying the distinctive style that has established his reputation. Each book focuses on topics he has explored in his inimitable style: ‘Less More’ (daily life), ‘Pretty Ugly’ (portraits), ‘In Out’ (sex), ‘Life Death’ (conflict) and ‘Rough Smooth’ (personal sketches).

Contents List:

Foreword • Less More • Pretty Ugly • In Out • Life Death

About the Authors:

Noma Bar is an acclaimed illustrator whose work has appeared in many media outlets, including Time Out London, the BBC, the New York Times, the Observer, The Economist and Wallpaper*.

Michael Bierut’s career spans every genre of graphic design, from books and posters to packaging and signage, for a broad range of clients. He has won hundreds of design awards and his work is represented in the permanent collections of the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York. Bierut is both a senior critic at Yale’s School of Art and a fellow of its School of Management.

Rarely seen and important paintings by this much-loved French postimpressionist, emphasizing his radical use of color and unconventional compositions. 

A new monograph brings together 30 important paintings by Pierre Bonnard (1867–1947) on loan from museums and private collections, including still lifes, nudes, interior scenes, and landscapes, many never seen together before and published here for the first time. The book reveals how Bonnard’s modern compositions transformed paintings in the first half of the twentieth century, while celebrating his unpar-alleled ability to capture fleeting moments, memories, and emotions on canvas. Rather than focus on a particular time period or subject, Bonnard: The Experience of Seeing aims to present Bonnard’s modernity and concentrate on his influence on contemporary painters working today. The book draws attention to how Bonnard translated the experience of perception—with his shifting spaces, camouflaged and dissolving figures going in and out of focus, and forms hidden at the periphery — and how we as viewers experience his paintings, with his works slowly revealing themselves to us over time. 

About the Author:

Barry Schwabsky is art critic for The Nation and coeditor of international reviews for Artforum. Sarah Whitfield is an art historian, writer, and curator. She is coauthor of the René Magritte Catalogue Raisonné. 

Вшановує одного з найбільших і найулюбленіших художників Раннього Відродження розкішними великоформатними зображеннями

Сандро Боттічеллі, один із найвидатніших художників італійського Високого Відродження, користувався заступництвом найбільших флорентійських родин. Більшу частину своєї кар’єри він провів у гуманістичному колі Медічі, для яких написав такі шедеври, як «Прімавера», «Венера і Марс», твори, що поєднують декоративне використання лінії з класичними елементами в гармонійних і гнучких композиціях.

Цей розкішно виготовлений том містить оновлену повнокольорову добірку робіт художника, зроблену для оригінального видання 1937 року Людвігом Гольдшайдером, співзасновником Phaidon Press. Оригінальний нарис Ліонелло Вентурі супроводжується новим вступом від фахівця з епохи Відродження Алессандро Чеккі, який поміщає Боттічеллі та його школу в сучасний контекст. Елегантний дизайн, тонкий папір і пластини з зображеннями роблять це видання справжнім колекційним.

Про автора:

Ліонелло Вентурі (1885-1961) був відомим італійським істориком мистецтва, критиком і професором історії мистецтв Туринського, а згодом Римського університетів.

Carrie Moyer’s first major monograph expansively represents the influential abstract painter’s work and queer agitprop.

Carrie Moyer consciously centers her painting as a practice about painting, with history as a subtext. Known for her incursions into Color Field painting, Moyer also traces her influences to iconic female artists of the twentieth century, such as Georgia O’Keeffe, and surrounding questions of taste, once quipping of her paintings that “[Helen] Frankenthaler and [Fernand] Léger met in a dark corner and had Elizabeth Murray.”

Moyer’s complex work merges abstract aesthetics and legible imagery: vividly colored and textured forms are embedded with a range of historical, stylistic, and physical references to Surrealism, Modernism, 1960s and ’70s counterculture graphics, and ’70s feminist art. Moyer often works on the floor, pouring, rolling, stippling, mopping the paint, and embellishing with glitter. An exploration of acrylic’s unique properties is a driving force in her work. Beginning as an intern at HERESIES, the pioneering feminist art magazine, Moyer has also engaged in critical practices beyond the studio.

This monograph enriches a deep dive into Moyer’s painting practice, in particular her work of the past decade, with a portfolio of the artist’s agitprop from the 1990s, including Dyke Action Machine! (DAM!), one of the first lesbian public art projects.

About the Author:

Carrie Moyer is the director of Hunter College’s MFA program in Studio Art. Lauren O’Neill-Butler is a New York–based writer, editor, and educator. Katy Siegel is Eugene V. and Clare E. Thaw Endowed Chair in Modern American Art at Stony Brook University. Johanna Fateman is a writer, musician, and founding member of the rock band Le Tigre.

_____________

Пролистать книгу Carrie Moyer

Ця чудова нова книга, розкішно створений та проілюстрований том про суперечливого художника-романтика XIX століття, звертається до сучасних критиків Каспара Давида Фрідріха, водночас поглиблюючи нашу вдячність за його винятковий геній.

«Картина повинна стояти як картина, створена рукою людини, — писав Каспар Давид Фрідріх, — а не прагнути маскуватися під природу». Один із найпопулярніших художників свого покоління, Фрідріх уявляв пейзажі потужної краси та духовності в межах своїх студій. Ця захоплююча монографія, наповнена чудовими репродукціями та деталями його картин, підтверджує репутацію Фрідріха як піднесеного художника та інтерпретатора природи. У своєму вдумливому та добре дослідженому коментарі автор Йоганнес Граве досліджує унікальний підхід Фрідріха до пейзажного живопису, а також його революційні думки про те, як ці картини мають сприймати глядачі. Уважно розглядаючи такі роботи, як «Чернець біля моря», «Абатство в Дубовому лісі» та «Вівтар Тетшена», Грейвз показує, як Фрідріх розробив новаторський підхід до пейзажного живопису, який передав нове відчуття простору та часу та залучав глядача до унікального естетичного досвіду.

Читабельний, проникливий і щедро проілюстрований у розкішному томі, цей переконливий новий погляд проливає вирішальне світло на знамениту роботу Фрідріха.

Через 250 років після народження художника цей розкішний каталог виставки пропонує зазирнути в таємницю переважно посмертної популярності Фрідріха, а також останні дослідження його підготовки та техніки.

Каспар Давид Фрідріх, якого за життя здебільшого ігнорували, був скрупульозним художником, який писав емоційно провокаційні пейзажі, часто зображуючи самотні фігури чи групи людей на фоні драматичних пейзажів. Його роботи надихають багатьох митців до сьогодні, і цей том досліджує роль, яку зіграла Національна галерея Берліна у виведенні Фрідріха на передовий край історії сучасного мистецтва. Це також проливає світло на дивовижне використання Фрідріхом пар у картинах — у тому числі його найвідоміші пари «Чернець біля моря» та «Абатство в Дубовому лісі», — які він використовував для вираження різноманітних точок зору та концепції змін. Нарешті, у ньому розглядаються останні дослідження техніки Фрідріха: його раннє навчання в Копенгагені; його ескізи, підготовчі креслення та підкреслення; і його нетрадиційний вибір і використання пігментів.

У цій монографії читачі знайдуть приголомшливі репродукції шістдесяти картин, у тому числі кількох культових робіт, і п’ятдесяти малюнків, які представляють колекції з усього світу. У поєднанні з останніми дослідженнями вони поєднуються, щоб запропонувати абсолютно сучасну оцінку надзвичайного таланту Фрідріха та його безсумнівного статусу піонера сучасного мистецтва.

За участю Біргіт Вервібе, Йоганнеса Граве, Гілмара Франка, Вернера Буша, Анни Марі Пфефлін, Герда-Хельге Фогеля, Крістіни Месль, Ральфа Глейса, Синтьє Геріке.

Про авторів:

Біргіт Вервібе є куратором Старої національної галереї в Берліні для живопису першої половини XIX століття та експертом з Каспара Давида Фрідріха.

Раплф Ґлейс є директором Старої національної галереї в Берліні з численними публікаціями про мистецтво XIX століття.

A gorgeous new edition with the cover printed on silver. Towards the end of his life and much inspired by Japanese water gardens, Monet spent a great deal of time in his beloved Giverny. Adorned with poppies, blue sage, dahlias and irises, the waters were disturbed only by bamboos and water lilies. His water garden was originally created to satisfy a need to be near water, and to provide a visual feast that could be enjoyed from his house. 

The pond was fed by the river Ru, and weeping willow and silver birch hung over its edges, caressing the fronds of the greenery and blossoms below. Its famous green wooden footbridge was built across the water and it became the central focus of many of his works. He said, ‘It took me some time to understand my water lilies. I planted them for pleasure.’ and so he began to work on what is probably the most famous series of paintings the world has ever seen.

Розкішне видання, опубліковане до 40-ї річниці першої публікації, це спеціальне видання улюбленої культової класики-бестселера має новий дизайн, нову ілюстрацію обкладинки та 15 раніше не бачених малюнків у суперрозкішній упаковці.

Видання з гарною новою упаковкою, переробленою самим автором, є обов'язковим для шанувальників та колекціонерів мистецтва Луїджі Серафіні. Вперше опублікована в 1981 році в Мілані видавництвом Ф.М. Річчі, книга була визнана однією з найнезвичайніших, але водночас найкрасивіших художніх книг, коли-небудь створених. Візуальна енциклопедія невідомого світу, написана невідомою мовою, вона викликала багато дискусій щодо свого значення. Написана для інформаційної ери та розглядаючи важливість кодування та декодування в генетиці, літературній критиці та інформатиці, вона вже захоплює та зачаровує два покоління.

Хоча її послання може бути незрозумілим, її привабливість очевидна: це найвишуканіший артефакт, що розмиває межу між художньою книгою та арт-об'єктом. Це видання представляє його в новому, неперевершеному світлі з 15 новими ілюстраціями автора. З появою нових форм комунікації, безперервних потоків інформації та соціальних мереж, Кодекс є актуальнішим та своєчаснішим, ніж будь-коли.

Обмежений тираж 978 пронумерованих примірників, розкішне видання викладено в тканинну обкладинку та підписано автором Луїджі Серафіні. Кожне видання також містить один підписаний автором друк. Існує два варіанти друку, кожен з яких є візуальною даниною пам'яті двом великим класичним письменникам, Данте (DIVINA COMMEDIA REMIX) та Овідію (METAMORPHOSEON REMIX), та їхнім найважливішим творам. Ці два варіанти друку будуть відправлені випадковим чином при замовленні в інтернет-магазинах.

Про автора:

Луїджі Серафіні — архітектор, кераміст, скляр, художник, скульптор, дизайнер, оперний режисер, сценограф і критик, який працює в Італії та за кордоном. У 2007 році Padiglione d'Arte Contemporanea в Мілані присвятив йому успішну mostra ontological (онтологічну виставку). Він ілюстрував твори Франца Кафки та Міхаеля Енде.

___________

Погортати книгу Codex Seraphinianus на сайтi видавництва.

Складна творчість американського художника Сая Твомблі (1928-2011) охоплює період близько шести десятиліть, протягом якого він ніколи не втрачав своєї виразної сили. Твомблі був одним із найпродуктивніших художників в історії новітнього мистецтва. Визнаний одним із найважливіших художників другої половини 20 століття, він поєднав спадщину американського абстрактного експресіонізму з європейською та середземноморською культурою.

Книга зосереджена на його головних циклах, якого ніколи раніше не було: «Дев’ять промов про Коммода» (1963), «П’ятдесят днів в Іліамі» (1978) та «Коронація Сезостріса» (2000). Розвиток митця в цілому простежується на основі майже 200 картин, скульптур, малюнків, фотографій. Таким чином, це забезпечує унікальне уявлення про загальне інтелектуальне та чуттєве багатство творчості. Від його ранніх робіт на початку 1950-х років, які характеризуються використанням тексту, до його композицій 1960-х років, його реакції на мінімалістське мистецтво та концептуальне мистецтво 1970-х років до його останніх картин, огляд творчості підкреслює значення серій і циклів, у яких Сай Твомблі заново винайшов історичний живопис.

Завдяки поліфонічній концепції монографія пропонує численні підходи з есеями, які проливають світло на різні аспекти та етапи шляху Твомблі як художника. До нього входять та ін. роздуми та особисті враження інших художників, а також спогади його помічника Нікола Дель Россіо. Ці різноманітні свідчення дозволяють відкрити Сая Твомблі не лише як художника, а й як особистість.

Про авторів:

Йонас Сторсве – історик мистецтва та головний куратор відділу графіки в Національному музеї сучасного мистецтва в Центрі Помпіду. Раніше він був куратором шоу про Йозефа Альберса, Аліну Шапочніков і Джима Ходжеса, а також багато писав про сучасне мистецтво.

This is the first publication to survey the entirety of this hugely influential scholar and artist's groundbreaking 60-year career.  Driskell and his landmark exhibition, Two Centuries of Black American Art are also featured in a recently released major documentary film.

David Driskell (1931-2020) was one of the most revered and boundary-breaking American artists, long recognized for his vibrant and versatile painting and printmaking practice, which combined his sharp observation of American landscapes and his interest in the imagery and aesthetic innovations of the African diaspora. Driskell was equally well-known as a curator, art historian, and educator, and his career as both artist and scholar created a durable public record of the long history of art made by African Americans.
The exhibition and accompanying catalogue survey seven decades of the artist's painterly practice from the 1950s forward. Driskell's command of color and line is showcased through his beloved subjects, including the natural world, remembrances of the Southern Black experience, and the Black Christian church.

The book includes a primary essay by Driskell scholar and curator Julie McGee as well as many other testaments to Driskell by major American artists, art historians, and museum professionals. The catalogue also features a selection of Driskell's most significant writings, introducing the full range of his career to future generations of readers.

About the Authors:

Julie L. McGee is Associate Professor of Africana Studies and Art History, and Director of the Interdisciplinary Study Center at the University of Delaware. Jessica May is an independent curator and formerly Deputy Director and Robert and Elizabeth Nanovic Chief Curator at Portland Museum of Art, Maine. Thelma Golden is the Director of the Studio Museum in Harlem. Lowery Stokes Sims is an independent curator. Richard J. Powell is the John Spencer Bassett Professor of Art & Art History at Duke University. Renée Maurer is Curator at The Phillips Collection.

This book, which accompanies the first major exhibition devoted to David Hockney’s drawings in over 20 years, will explore Hockney as a draughtsman from the 1950s to now, with a focus on himself, his family and friends. From Ingres to the iPad – this book demonstrates the artist’s ingenuity in portrait drawing with reference to both tradition and technology.

David Hockney is recognised as one of the master draughtsmen of our times and a champion of the medium. This book will feature Hockney’s work from the 1950s to now and focus on his depictions of himself and a smaller group of sitters close to him: his muse, Celia Birtwell; his mother, Laura Hockney; and his friends, the curator, Gregory Evans, and master printer, Maurice Payne.

This book will examine not only how drawing is fundamental to Hockney’s distinctive way of observing the world around him, but also how it has been a testing ground for ideas and modes of expression later played out in his paintings.

From Old Masters to modern masters, from Holbein to Picasso, Hockney’s portrait drawings reveal his admiration for his artistic predecessors and his continuous stylistic experimentation throughout his career.

Alongside an in-depth essay from the curator, this book will feature an exclusive interview between author and curator, Sarah Howgate, and artist, David Hockney. In addition, an ‘In Focus’ essay by British Museum curator Isabel Seligman, will explore the relationship between Hockney, Ingres and Picasso drawings.

A beautifully illustrated, in-depth look at recent works by David Reed, an American artist who brings conceptual interests in process and duration to his abstract paintings. 

Since the outset of his career, David Reed’s central preoccupation has been to challenge and reinvent how to make a painting. Consistently, his paintings present a compelling tension between the gestural and the impersonal; in recent times this has been characterized by fluid, torquing, extended marks that reveal the viscosity of paint and the speed of color and light in a flattened manner that looks photographic or filmic.

David Reed documents the artist’s 2020 exhibition of new work at Gagosian in New York, presenting 15 outsize paintings that, in many cases, were over a decade in the making. The plates are punctuated by striking details of several works. The artist’s “working drawings,” which he has long made to document the many stages of a painting’s creation, are illustrated throughout the plate section, offering insights into his varied sources and complex processes. 

A new essay by art historian Richard Shiff examines the emotional tenor of Reed’s paintings.

About the Author:

Richard Shiff is the Effie Marie Cain Regents Chair in Art at the University of Texas at Austin, where he directs the Center for the Study of Modernism. 

The first international monograph dedicated to Eddy Kamuanga Ilunga, one of the most enterprising and exciting young artists working in Africa today.

Eddy Kamuanga’s large-scale figurative paintings display a wealth of historical understanding in a sophisticated interplay of strikingly colored forms juxtaposed on gray negative space.

Kamuanga’s work taps into the rich yet complex colonial history of the Democratic Republic of the Congo, or DRC. His politically nuanced and culturally sensitive work explores the seismic shifts in economic, political, and cultural identity in the DRC since colonization. Increasingly globalized in outlook, many in the DRC today are rejecting their ancestral heritage in favor of modernity, a conflict that fuels Kamuanga’s work.

The DRC is the world’s largest exporter of coltan, a mineral critical to the production of computer chips and mobile phones. In all of Kamuanga’s works, the skin of each figure is embedded with integrated circuits, referring to the harsh conditions experienced by workers who mine coltan by hand.

Eddy Kamuanga has been recognized internationally as one of the most interesting young contemporary African talents of today, and his reputation is growing fast worldwide.

His work has been shown across Africa, notably at Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA), South Africa, and has been included in exhibitions in Europe and the United States, at institutions such as Fowler Museum at UCLA, Los Angeles; Hood Museum of Art at Dartmouth College, Hanover, New Hampshire; Saatchi Gallery, London; and Royal Academy of Arts, London. He is represented by October Gallery, London.

About the Author:

Sammy Baloji is an international contemporary artist. Sandrine Colard is a historian of modern and contemporary African arts. Gerard Houghton is director of special projects at October Gallery. Gabriela Salgado is a curator based in London. Gus Casely-Hayford is a museum director, cultural historian, broadcaster, and lecturer.