Збірники робіт з мистецтва

Тепер доступний у новому виданні, цей щедро ілюстрований том спирається на найновіші дослідження, щоб представити захопливу нову інтерпретацію Альбрехта Дюрера, як людини, так і як художника.

Графки та малюнки Альбрехта Дюрера надихнули сотні художників як за його життя, так і після смерті. Однак його талант художника та колориста, а також його захоплення науковим світом не були широко оцінені.

Вплив Дюрера був як міжнародним, так і міжпоколінним — навіть Пікассо стверджував, що його надихав художник 16-го століття. Відтворена з приголомшливими деталями та включаючи ілюстрації найвідоміших гравюр та малюнків Дюрера, каталог-резонсе його картин та біографічне дослідження, ця книга представляє Дюрера для 21-го століття. Створивши більше автопортретів, ніж будь-який інший художник свого часу; масово просуваючи свої бестселери; навіть винайшовши власний логотип з монограмою, Альбрехт Дюрер був комерційно проникливим задовго до сучасного покоління саморекламних та фінансово підкованих художників.

Існує 55 збережених картин Дюрера, з яких 17 є предметом суперечок. Використовуючи наукові дослідження, ця книга розвіює всі суперечки, що призводить до остаточного каталогу картин. Спираючись на глибоке дослідження, ця книга розкриває правду про Дюрера та його мистецтво.

Про автора:

Норберт Вольф — історик мистецтва та письменник, який мешкає в Мюнхені. Він опублікував кілька книг у видавництві Prestel, зокрема Art Nouveau, Art Deco, Impressionism та The Golden Age of Dutch and Flemish Painting, а також монографії про Альбрехта Дюрера та Тиціана.

_____________

Погортати книгу Albrecht Durer: Catalogue of the Paintings

Ще до появи власне поп-арту, Алекс Кац розробив культовий стиль фігуративного живопису на початку 1960-х років, під впливом кіно, телебачення та реклами на білбордах. Здавалося б, відсторонений та неймовірно стильний, він створював як портрети нью-йоркської сцени, так і ідилічні пейзажі. Гравюра відіграє не менш важливу роль у творчості Каца. Він використовує літографії, офорти, шовкографію, гравюри на дереві та ліногравюри, щоб відтворити, відобразити та ще більше пом'якшити свою сміливу естетику, зберігаючи при цьому сяючий колір, характерний для його картин. З моменту першого видання у 2011 році Кац майже подвоїв свою продукцію друкованих видань — це своєчасне нове видання включає його повні друковані роботи, видання з вирізами, книги художників, а також перелік його робіт прикладного мистецтва, таких як книжкові ілюстрації та проекти публічного мистецтва.

Нові есе та інтерв'ю з художником дають глибоке розуміння творчості одного з найвидатніших американських художників сучасності.

Про автора:

Коли Алекс Кац (*1927, Нью-Йорк) розпочав свою мистецьку кар'єру в 1950-х роках, панівним стилем був абстрактний експресіонізм. Випереджаючи свій час, він створював стилізовані портрети на плоскому, монохромному тлі. З 1965 року він розпочав плідну кар'єру в друкарстві, вичерпавши всі можливості: від традиційної майстерності до найсучасніших процесів репродукції.

Давнє захоплення Алекса Каца танцем та співпраця з відомими драматургами та хореографами призвели до створення деяких його найскладніших композицій.

Відтоді, як Алекс Кац вперше намалював «Пола Тейлора» у 1959 році, він запрошував танцюристів бути йому моделями. Танець, за словами художника, належить до тієї ж «давньої традиції жестів», що й живопис. Ця публікація є першою, яка досліджує багато десятиліть роботи Каца для сцени, включаючи способи, якими він впроваджував принципи повоєнного живопису в театр та танцювальну естетику.

«Я ніколи не бачив нічого подібного», – згадує Кац про своє перше знайомство з творчістю танцюриста та хореографа Пола Тейлора. Вони співпрацювали над п'ятнадцятьма постановками, для яких Кац впровадив інновації з плоским освітленням, гумористичними перешкодами та механізмами кадрування. Його співпраця з Полом Тейлором призвела до співпраці з іншими компаніями, включаючи Йошіко Чума, Лору Дін, Вільяма Дюнаса та Парсонс.

Серед найвідоміших декорацій Каца – ансамбль фігурок, які він створив для постановки Кеннета Коха 1961 року «Джордж Вашингтон перетинає Делавер». Кац посилив абсурдність п’єси, натхненної Війною за незалежність, за допомогою фігурок та реквізиту, що прилягають до поп-стилю. Ця публікація об’єднує картини, ескізи, костюми, фотографії, кадри з фільмів та ефемерні експонати. Нещодавно замовлені есе, неопубліковані матеріали та основні картини нададуть огляд робочих стосунків Каца з окремими хореографами та проллють нове світло на авангардну співпрацю в Нью-Йорку між 1960-ми та 80-ми роками.

Про авторів:

Діана Туїт працювала куратором сучасного та сучасного мистецтва імені Каца в Музеї мистецтв Коледжу Колбі у Вотервіллі, штат Мен. Чарльз Л. Рейнхарт багато років був директором Американського фестивалю танцю. Девід Салле – американський художник, гравер, фотограф та сценограф. Дженніфер Тіптон — американська дизайнерка освітлення, що отримала численні нагороди. Роберт Сторр — американський куратор, критик, художник і письменник. Жаклін Террасса — директорка імені Керолін Маззі Музею мистецтв коледжу Колбі.

____________

Погортати книгу Alex Katz: Theater & Dance

Ali Banisadr's first major monograph delves into the Iranian painter's influences and practice.

Preeminent Iranian-American artist Ali Banisadr's canvases depict a complex swirl of action and abstracted figuration across a stagelike picture plane. Varied histories inform these paintings, ranging from the artist's synesthesia, to Persian miniatures, to the multi-figure works of Brueghel and Bosch, and the gestural imaginations of Willem de Kooning and Max Ernst.

Born in Tehran in 1976, Ali Banisadr grew up during the Islamic revolution and the eight-year Iran-Iraq War. In 1988, he and his family emigrated to Turkey and then to California. In 2000, he moved to New York City where he currently lives and works.

About the Authors:

Negar Azimi is a writer and the senior editor of Bidoun. Her writing has appeared in Artforum, Frieze, Harper's, The New Yorker, and The New York Times Magazine. Robert Hobbs, an art historian and curator specializing in twentieth- and twentieth-first century art, is the author of over fifty books and major catalogues on topics ranging from Abstract Expressionism to Earth Art and from Modernism to Post-Modernism. Joe Lin-Hill is Deputy Director of the Albright-Knox Museum. John Yau is a poet and critic who lives in New York. He has published over fifty books of poetry, artists' books, fiction, and art criticism.

Визнаний одним із головних поп-художників свого часу, Аллан Д'Арканджело (1930–1998) ще не отримав критичної переоцінки таких художників, як Рой Ліхтенштейн та Джеймс Розенквіст. Його перша монографія майже за десять років знайомить нову аудиторію з його культовими картинами, зокрема з його відомими баченнями життя в дорозі.

Подібно до своїх поп-колег Енді Воргола та Еда Руші, Аллан Д'Арканджело поєднував масово виготовлені зображення у творах, що підкреслюють сцени повсякденного американського життя. Хоча його роботи часто містять образи з більш знайомого мистецтва 1960-х років — Жаклін Кеннеді та Мерилін Монро, дівчата-пін-ап, що курять, Супермен, Лакі Страйк — вони відрізняються сюрреалістичними елементами, які він привніс до поп-тропів, та романтичними видами американського індустріального ландшафту.

Д'Арканджело якось зауважив, що його «найглибші враження від пейзажу були, коли він дивився крізь лобове скло». Художник привніс поп-чутливість у традицію пейзажного живопису в графічному стилі, який торкався мінімалізму, прецизіонізму та живопису з жорсткими краями. Часто зображені з точки зору водія, роботи Д'Арканджело втілюють глибоко американський досвід польоту нескінченною дорогою. Фірмовий пейзаж Д'Арканджело, що прокручується, прорізаний миготливими знаками, такий же знайомий як мандрівникам, так і гравцям у відеоігри.

Це вичерпне видання містить понад 200 репродукцій та три есе, що детально описують те, що критик Дор Ештон описує як «поетичне усвідомлення неосяжності як видимої, так і невидимої в американському житті, [що] позначило та вирізняло творчість [Д'Арканджело]».

Про авторів:

Алекс Дж. Тейлор — доцент кафедри історії мистецтва та архітектури Піттсбурзького університету та автор книги «Форми переконання: мистецтво та корпоративний імідж у 1960-х роках». Еван Моффітт — письменник, редактор та позаштатний критик з Нью-Йорка. Сесіль Вайтінг — професорка історії мистецтв Каліфорнійського університету в Ірвайні та авторка книжок A Taste for Pop: Pop Art, Gender, та Consumer Culture.

____________

Погортати книгу Allan D'Arcangelo на сайтi видавництва

Супроводжуючи велику ретроспективу робіт Андерса Цорна, це перший том англійською мовою, який детально досліджує всю кар'єру шведського імпресіоніста. Андерс Цорн (1860–1920) — один із найдосвідченіших та найулюбленіших художників Швеції. Відомий своїми легкими, виразними акварелями, він опанував цей жанр у ранньому віці, а пізніше застосував свою техніку до олійного живопису. Цорна часто порівнюють з художниками Джоном Сінгером Сарджентом та Хоакіном Сороллою-і-Бастідою, сучасниками, які також були відомі своїми портретами представників вищого суспільства. Оселившись у Лондоні, а потім у Парижі, Цорн зарекомендував себе як міжнародний портретист, зображуючи модних клієнтів у стилі, що поєднує елегантність та розслабленість. Він став улюбленцем заможних американських колекціонерів, банкірів та промисловців, які його фотографували, включаючи колекціонерку творів мистецтва Ізабеллу Стюарт Гарднер та трьох президентів США. Хоча, мабуть, найбільш відомий своїми портретами, Цорн привніс однакову майстерність у малювання жанрових сцен та видів природи. Цей гарний том пропонує ґрунтовне знайомство з художником та його роботами, від портретів до пейзажів та його знаменитих оголених портретів. Чотири ілюстровані есе супроводжуються хронологією, вибраною бібліографією, контрольним списком виставки та покажчиком.

Про авторів:

Йохан Седерлунд — директор Музею Цорна в Морі, Швеція. Ганс Генрік Бруммер був директором Музею Цорна з 1972 по 1989 рік. Він також обіймав посаду професора в Каліфорнійському університеті в Лос-Анджелесі та генерального директора Національного музею образотворчих мистецтв у Стокгольмі. Пер Хедстрем — заступник директора колекцій Національного музею образотворчих мистецтв у Стокгольмі. Джеймс А. Ганц — куратор Фонду графічних мистецтв Ахенбаха в Музеях образотворчих мистецтв Сан-Франциско.

_______

Погортати книгу Anders Zorn: Sweden's Master Painter

Alice Neel's unstinting, visionary engagement with the lives of those around her resulted in an inclusive oeuvre. This aspect of queer representation in her work is explored for the first time in this new catalogue.

Curated by Hilton Als and organized in collaboration with the Estate of Alice Neel, At Home: Alice Neel in the Queer World highlights the artist’s vibrant involvement with the human condition. Within a lifetime of work, Neel painted many people from many walks of life –– this catalogue is the first to focus on queer communities, those who were part of their circle, as well as allies and others with whom the artist was in broader conversation — together forming a collective portrait that both embodies and complicates an understanding of the queer world of Neel’s moment and the artist’s place within it.

This collection of paintings includes rarely seen works depicting individuals including Frank O’Hara, Allen Ginsberg, and Adrienne Rich, as well as writers, artists, friends, and advocates. As Als notes, this book includes “not just portraits of gay people but those of theorists, activists, politicians, and so on who would qualify as queer by virtue of their different take in their given field and thus the world. So doing, they reflect Alice’s own interest in and commitment to difference.”

The catalogue accompanies Neel’s first significant exhibition in Los Angeles, at David Zwirner in 2024. Edited and with a text by Als, the volume includes newly commissioned contributions by Alex Fialho, Evan Garza, and Wayne Koestenbaum.

About the Authors:

Alice Neel (1900–1984) is widely regarded as one of the foremost American artists of the twentieth century. Working from life and memory, Neel depicted those around her with unfazed accuracy, honesty, and compassion.

Hilton Als is a writer with focus in theater criticism. He became a staff writer at The New Yorker in 1994, a theater critic in 2002, and chief theater critic in 2013. His most recent book, White Girls (2013), discusses various narratives around race, identity, gender, and sexuality, and was nominated for a National Book Critics Circle Award in Criticism.

Alex Fialho (he/they) is an art historian, curator, and PhD candidate in Yale University’s Combined PhD program in the History of Art and African American Studies. Fialho’s writing has been published in exhibition catalogues for the Whitney Museum of American Art, the Studio Museum in Harlem, Socrates Sculpture Park, and the Andy Warhol Museum, among other institutions.

Evan Garza is a curator, scholar, and a Curatorial Exchange Initiative Fellow at MASS MoCA in North Adams, Massachusetts. Their writing on the work of global contemporary artists has been published in several books and monographs and by IMMA, The Drawing Center, Flash Art, ART PAPERS, Hyperallergic, and Artforum.

Wayne Koestenbaum — poet, critic, fiction writer, artist, and filmmaker—has published more than twenty books, including The Queen’s Throat, Camp Marmalade, Humiliation, Hotel Theory. He is a Distinguished Professor of English, French, and Comparative Literature at the CUNY Graduate Center.

Sarah Schulman is a novelist, playwright, screenwriter, and nonfiction writer. Her twentieth book is Let the Record Show: A Political History of ACT UP, NY 1987–1993.
 

Чудова подарункова книга, присвячена творчості Обрі Бердслі, одного з визначальних – і найсуперечливіших – художників стилю модерн.

Обрі Бердслі (1872–1898) помер від туберкульозу лише у 25 років, але за своє коротке життя він здобув репутацію одного з найдосвідченіших – і найсуперечливіших – ілюстраторів свого часу, чий внесок у візуальну мову модерну був значним. Дивовижно, але всі його роботи були створені протягом лише шести років і сьогодні їх миттєво впізнають завдяки використанню чорного чорнила та плавних ліній на білому папері, а також еротично зарядженим темам. Не всі його роботи були сентиментальними – деякі з них були політичними, висміюючи декадентські звичаї того часу, – але більшість з них були такими, черпаючи своє стилістичне натхнення з японського сюнґа та грецького вазового живопису, а тематичне – з міфології, історії, поезії та драматургії.

Ця чудово оформлена подарункова книга за доступною ціною пропонує безліч ілюстрацій Бердслі та знайомить нову аудиторію з його вишуканими малюнками та гравюрами. З текстом Джен Марш та близько 110 ілюстраціями з великих колекцій Музею Вікторії та Альберта, ця книга об'єднує ретельно підібрану добірку робіт з трагічно короткого, але надзвичайно продуктивного життя Бердслі.

Зміст:

Передмова • Вступ • Тарілки

Про автора:

Джен Марш спеціалізується на вікторіанській епохі, зокрема на прерафаелітах та Вільямі Моррісі. Вона є президентом Товариства Вільяма Морріса, членом опікунської ради Галереї Вільяма Морріса та членом Королівського історичного товариства. Марш була автором книги May Morris: Art & Life, яку також видає Thames & Hudson.

Ця 240-сторінкова книга Aubrey Beardsley: The Decadent Magician of the Light and the Darkness розкриває суть митця Обрі Бердслі через понад 180 його робіт, зібраних під керівництвом Хіроші Унно, критика та письменника, який зробив внесок у багато книг про кінець століття.

Обрі Бердслі був ілюстратором, найбільш відомим своїми малюнками чорним чорнилом, сповненими еротичних та декадентських рис. Він народився в Брайтоні, Англія, 21 серпня 1872 року. Вікторіанська епоха, в яку жив Обрі, була охоплена суворою, жорсткою, консервативною мораллю. Суспільство було чоловічим і змушувало жінок бути скромними. Однак у Брайтоні, який перетворився на приморський курорт для вищих класів, сповнений розваг, люди були звільнені від такої суворості. Брайтон також був розсадником почуття свободи в усьому, і сексуальність не була винятком. Іншими словами, можна сказати, що Вікторіанська епоха була хаотичною епохою, протягом якої співіснували неупереджені думки щодо сексуальності та сувора, чоловіча мораль. Мати Обрі, Еллен, була людиною, яка втілювала цю атмосферу Брайтона. Хоча вона хвилювалася за виховання сина в такому середовищі, вона також викладала Обрі літературу та музику. Йому пощастило провести свою юність з Еллен, і Брайтон безумовно став основою його таланту до розуміння дивацтв суспільства тієї епохи. Обрі переїхав до Лондона, коли йому було 15 років. Коли родина Бердслі покинула Брайтон, Обрі втратив відчуття свободи, з яким його виховували, але водночас зміг розвинути свій талант, спілкуючись з Едвардом Берн-Джонсом, Оскаром Уайльдом та Вільямом Моррісом, художниками, які забарвили цей період. Обрі, чий талант розквітнув у Лондоні, почав пропонувати свої ілюстрації багатьом літературним та театральним виданням.

Найвідомішими прикладами є його ілюстрації до «Саломеї» Оскара Уайльда, «Смерті Артура» сера Томаса Мелорі, «Казок Едгара Аллана По» Едгара Аллана По, «Алібаба та сорок розбійників» з «Тисячі й однієї ночі», французького журналу «Жовта книга» та п'єси «Лісістрата». Ілюстрації до цих літературних та театральних творів мистецтва також були намальовані багатьма іншими ілюстраторами, але роботи Обрі були абсолютно відмінними від будь-яких інших. Спокусливі мотиви, які він малював, використовуючи лише чорне чорнило, такі як жінка з безстрашною посмішкою, джентльмен із зневажливою презирством та фігури з надзвичайно перебільшеними геніталіями, – все це виражає незрівнянний талант Обрі до сприйняття хаосу та неспокійної атмосфери того часу. Бунтівний характер та образність його ілюстрацій часто викликали суперечки. Його навіть називали «молодшим братом диявола». Але немає сумнівів, що він був зіркою своєї епохи, що видно з багатьох впливових ілюстраторів, які прийшли після нього та перебували під впливом творчості Обрі, таких як Гаррі Кларк, Алістер, Джон Остін, Кей Нільсен та Джордж Барб'є.

На жаль, геній Обрі освітив кінець дев'ятнадцятого століття, епоху декадансу кінця століття, лише ненадовго, перш ніж зникнути, коли його трагічно коротке життя обірвалося лише через двадцять п'ять років. Як виникли бунтівні, але вишукані монохромні твори мистецтва, намальовані «молодшим братом Диявола»? Чи було його життя просто самим мистецтвом? Ця книга – перлина, яка представляє твір мистецтва, найбільше ототожнюваний із самим «Бердслі», розкриваючи як художника, так і ідею, через його життя та його шедеври.

American artist Barkley L. Hendricks (1945–2017) revolutionized contemporary portraiture with his vivid depictions of Black subjects beginning in the late 1960s. This book contextualizes Hendricks’s portraits at different stages of the country’s history and places him in the pantheon of innovative twentieth-century artists.

Hendricks developed his signature style at a time of significant social and cultural change in the United States, especially with regard to Black artists, and amid a perceived bifurcation between abstraction and representation. He produced portraits from the late 1960s through the early 1980s. Following a hiatus during which he made landscapes, basketball paintings, works on paper, and photographs, he resumed his portraiture practice from 2002 until his death in 2017. Hendricks’s portrait paintings, often derived from photographs of friends and family, hired models, or figures he encountered on the street, were inspired by the artist’s research, international travels, and visits to museums like The Frick Collection, where he studied centuries-old European paintings by artists such as Rembrandt, Van Dyck, Bronzino, and others.

This publication presents some of the most inventive and striking examples from Hendricks’s first period of portrait painting, including “limited-palette” canvases—featuring Black figures dressed in white against white backgrounds—a self-portrait, and boldly colorful works that spotlight their subjects’ spectacular styles and poses. An assessment of this great artist acknowledges his significant contributions to the canon of American art and portraiture in general. In the book, Hendricks’s art and its impact are explored by artists and creative figures including Derrick Adams, Hilton Als, Nick Cave, Awol Erizku, Rashid Johnson, Fahamu Pecou, Mickalene Thomas, and Kehinde Wiley.

About the Author:

Aimee Ng is Curator at The Frick Collection. Antwaun Sargent is a curator and a writer. Thelma Golden is director and chief curator of The Studio Museum in Harlem.

___________________

Пролистать книгу Barkley L. Hendricks: Portraits at The Frick на сайте издательства.

The Show that never Was

Numerous publications and exhibitions have examined Jean-Michel Basquiat's extensive oeuvre that consists of more than 3000 works, this catalogue though focuses on eight paintings only: In the summer of 1982, Basquiat traveled to Modena, Italy, for one of his first solo exhibitions in Europe at the gallery of Emilio Mazzoli. Within just a few days, he painted a group of large-format paintings that surpassed his previous work not only in terms of their scale. Each at least two by four meters in size, they mark the transition from graffiti spraying in the streets of Manhattan to painting on canvas. At the same time, they reflect an artist coming into his own. The paintings - including masterpieces that today are considered pivotal and among the most outstanding of his oeuvre - have never been shown together. This catalogue revisits this crucial moment of Basquiat's career some 40 years ago and reunites them for the first time.

JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960–1988, New York) is one of the most important artists of the 20th century. Emerging from the underground post-punk scene in Lower Manhattan, he attracted the attention of the art world in 1981 with the legendary group exhibition New York/New Wave. In nine prolific years, he created an oeuvre that formulated a new visual language of raw gestural painting fused with dense writing, and repeatedly reflected the oppression, exclusion and exploitation of People of Color.

Супроводжуючи велику пересувну виставку, цей перший в історії огляд рідко бачених зошитів Баскія представляє рукописні нотатки, вірші та малюнки художника, а також пов'язані з ними роботи на папері та великоформатні картини.

Не маючи формальної освіти, Жан-Мішель Баскія (1960–1988) зумів розвинути новий та виразний стиль, щоб стати одним із найвпливовіших художників постмодерністського відродження фігуративного мистецтва протягом 1980-х років. У серії зошитів з початку до середини 1980-х років, які ніколи раніше не виставлялися, Баскія поєднав текст та зображення, що відображають його взаємодію з контркультурами графіті та хіп-хопу в Нью-Йорку, а також з поп-культурою та світовими подіями. Зошити наповнені рукописними текстами, віршами, піктограмами та малюнками, багато з яких є знаковими зображеннями, що повторюються в його творчості — тіпі, корони, силуети, схожі на скелети, та маски, що гримасують, — і ці зошити багато розповідають про творчий процес художника та важливість письмового слова в його естетиці.

Ця важлива книга, що містить понад 150 сторінок у зошиті та численні малюнки й картини, проливає нове світло на кар'єру Баскія та його критичне місце в історії сучасного мистецтва.

Про авторів:

Дітер Буххарт — критик, історик мистецтва та куратор, що мешкає у Відні. Генрі Луї Гейтс-молодший — професор Університету Альфонса Флетчера в Гарвардському університеті, де він керує Дослідницьким інститутом В. Е. Б. Дюбуа та Центром досліджень афроамериканців та афроамериканців імені Гатчінса. Тріша Лафлін Блум — заступник куратора виставок у Бруклінському музеї, Нью-Йорк. Франклін Сірманс — завідувач відділу та куратор сучасного мистецтва в Музеї мистецтв округу Лос-Анджелес. Крістофер Стекхаус — письменник та художник-візуаліст, що мешкає в Брукліні.

___________

Погортати книгу Basquiat: The Unknown Notebooks на сайтi видавництва.

A dazzling collection of works by one of the world's most acclaimed illustrators

Noma Bar’s innovative, playful style has made him one of the most sought-after illustrators working today, with a broad range of commissions from magazines and newspapers – including Empire, the New York Times, Wired, the Guardian and Time Out – and numerous private and advertising clients. His use of negative space and minimalist forms creates images with multiple readings that delight and surprise in equal measure. Each of Bar’s illustrations tells a story that is hidden in the details, with the message revealing itself in the double-take as you look more closely.

Noma Bar has handpicked his most iconic illustrations and favourite works, each one displaying the distinctive style that has established his reputation. Each book focuses on topics he has explored in his inimitable style: ‘Less More’ (daily life), ‘Pretty Ugly’ (portraits), ‘In Out’ (sex), ‘Life Death’ (conflict) and ‘Rough Smooth’ (personal sketches).

Contents List:

Foreword • Less More • Pretty Ugly • In Out • Life Death

About the Authors:

Noma Bar is an acclaimed illustrator whose work has appeared in many media outlets, including Time Out London, the BBC, the New York Times, the Observer, The Economist and Wallpaper*.

Michael Bierut’s career spans every genre of graphic design, from books and posters to packaging and signage, for a broad range of clients. He has won hundreds of design awards and his work is represented in the permanent collections of the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York. Bierut is both a senior critic at Yale’s School of Art and a fellow of its School of Management.

Rarely seen and important paintings by this much-loved French postimpressionist, emphasizing his radical use of color and unconventional compositions. 

A new monograph brings together 30 important paintings by Pierre Bonnard (1867–1947) on loan from museums and private collections, including still lifes, nudes, interior scenes, and landscapes, many never seen together before and published here for the first time. The book reveals how Bonnard’s modern compositions transformed paintings in the first half of the twentieth century, while celebrating his unpar-alleled ability to capture fleeting moments, memories, and emotions on canvas. Rather than focus on a particular time period or subject, Bonnard: The Experience of Seeing aims to present Bonnard’s modernity and concentrate on his influence on contemporary painters working today. The book draws attention to how Bonnard translated the experience of perception—with his shifting spaces, camouflaged and dissolving figures going in and out of focus, and forms hidden at the periphery — and how we as viewers experience his paintings, with his works slowly revealing themselves to us over time. 

About the Author:

Barry Schwabsky is art critic for The Nation and coeditor of international reviews for Artforum. Sarah Whitfield is an art historian, writer, and curator. She is coauthor of the René Magritte Catalogue Raisonné. 

Глибоке дослідження величезної популярності робіт Вільяма-Адольфа Бугро в Америці наприкінці 19-го та на початку 20-го століть. Прагнучи привнести галльську вишуканість та світську елегантність у свої галереї та вітальні, заможні американці кінця 19-го та початку 20-го століть колекціонували роботи Вільяма-Адольфа Бугро (1825-1905) у рекордних кількостях.

Цей захопливий том пропонує глибоке дослідження величезної популярності Бугро в Америці на рубежі століть та того, як його роботи, широко відомі завдяки оглядам, виставкам та недорогим репродукціям, знайшли відгук у американської публіки. Бугро також отримав схвальні відгуки від французького художнього істеблішменту та домінуючу присутність у Паризьких салонах, але найбільшого успіху він досяг, продаючи свої ідеалізовані та відшліфовані картини ненажерливому американському ринку.

У цій книзі автори обговорюють, як чуттєві класичні дівчата художника, Мадонни в стилі Рафаеля та незаймані селянські діти втілювали смаки американських меценатів позолоченої доби, і як полотна Бугро переконливо функціонували як свіжонаписані старі майстри для колекціонерів, що мали купу грошей.