Збірники робіт з мистецтва

Остання книга, завершена Вільямом Кляйном за його життя: знакова ретроспектива, що охоплює творчу спадщину Кляйна у фотографії, кіновиробництві, живописі, дизайні книг, графічному дизайні та не тільки.

Фотограф. Кінорежисер. Художник. Дизайнер. Оволодіння однією з цих дисциплін було б досягненням усього життя для будь-якої творчої особистості, проте кар'єра Вільяма Кляйна була відзначена в кожній з них протягом останніх восьми десятиліть. Кляйн був одним із найвидатніших художників-іміджмейкерів 20-го століття, чия творчість залишається тривалим творчим впливом на творчість сучасних художників, фотографів та кінематографістів.

Ця ретроспектива кар'єри, що містить понад 250 зображень, досліджує всю творчу та мистецьку арку покійного Вільяма Кляйна. Це великоформатне видання, кероване самим Кляйном, від вибору контенту до дизайну книги, озирається на його безкомпромісно творче життя, демонструючи плідний та невпинно інноваційний внесок Кляйна у світ фотографії, мистецтва, дизайну та кіновиробництва.

Опублікована у співпраці з великою ретроспективою в Міжнародному центрі фотографії, ця книга є всебічним поглядом на його кар'єру. Хоча найбільш відомий як фотограф, який порушив усі правила та умовності, книга «Вільям Кляйн: Так» зосереджується на повному спектрі робіт Кляйна, від його абстрактних картин до вражаючої, автентичної вуличної фотографії та фотокниг, а також його динамічного, сатиричного погляду на кіновиробництво. Завдяки плавному, хронологічному тексту Девіда Кампані, ця книга стане як знайомством із Вільямом Кляйном для нового покоління, так і джерелом нових ідей для тих, хто вже знає, ким був Вільям Кляйн: справжнім оригіналом.

Про автора:

Вільям Кляйн (1926-2022) був американським фотографом, художником, дизайнером та кінорежисером. Народився в Нью-Йорку, Кляйн оселився в Парижі в 1948 році, де навчався в Сорбонні та продовжив свою мистецьку кар'єру, недовго працюючи під керівництвом Фернана Леже. Найбільш відомий як фотограф, який здобув славу завдяки серії визнаних фотокниг, включаючи Life is Good та Good for You In New York (1956), та завдяки своїй фешн-фотографії в журналі Vogue. Кляйн також був режисером, режисером як художніх, так і документальних фільмів, графічним дизайнером та арт-директором.

Revised edition of the bestselling backlist title. William Morris was an outstanding character of many talents, being an architect, writer, social campaigner, artist and, with his Kelmscott Press, an important figure of the Arts and Crafts movement. Many of us probably know him best, however, from his superb furnishings and textile designs, intricately weaving together natural motifs in a highly stylized two-dimensional fashion influenced by medieval conventions.

Following on from the bestselling success of Art Nouveau, Art Deco and Mucha, of the same series, this delightful new book offers a survey of his life and work alongside some of his finest decorative work. A richly beautiful book.

The most comprehensive book devoted to the incomparable and iconic work of Yayoi Kusama.

Yayoi Kusama, now in her eighties, has become a vital force in contemporary art and an influence on generations of artists. Arriving in New York City in 1958 from her native Japan, she embarked on a series of works that forged a new visual vocabulary - the Net paintings, which were composed of scores of small, thickly painted loops spanning large canvases. Her singular approach to art making continued in other extraordinary bodies of work, including the phallic soft sculptures which she later incorporated into full-scale environments. In 1973 she returned to Japan, where she lives and works today.

Since then, she has created dazzling walk-in mirror rooms and her now-famous pumpkin sculptures, as well as writing poetry and novels. In this book - created in close collaboration with Kusama and her Tokyo studio - the breadth and import of this watershed artist’s career are considered in depth. In addition to studies of the development of her artistic vocabularies across different media, the book includes ephemera, sketches, and photographs from the artist’s extensive archive that have never been seen before.

The publication is timed to coincide with the artist’s major touring retrospective, which makes its American debut at the Whitney Museum in New York in summer 2012, as well as with the much-anticipated collaboration with powerhouse fashion brand Louis Vuitton.

This book comes in three different color patterns (all with the same cover design).

Contributors include: Leslie Camhi, RoseLeeGoldberg, Laura Hoptman, Chris Kraus, Arthur Lubow, Kevin McGarry, Louise Neri, Akira Tatehata, and Olivier Zahm.

About the Authors

Louise Neri is an editor, curator, writer, and consultant based in New York. As an international director at Gagosian Gallery, she works on research and development, exhibition and editorial programming, and communications. Yayoi Kusama is among the artists she represents and works with closely. Leslie Camhi, who first encountered Yayoi Kusama’s work nearly two decades ago, has written about art, books, fashion, and women’s lives for the New York Times, Vogue, and many other publications.  

RoseLee Goldberg, Founding Director and Curator of Performa, is an art historian, critic, and curator whose book Performance Art: From Futurism to the Present, first published in 1979, pioneered the study of performance art. Born and raised in Tokyo, Takaya Goto completed his post-graduate design education in the United States. He is a co-founder of Goto Design, a multidisciplinary design studio based in New York. Laura Hoptman is Senior Curator at the Museum of Modern Art in New York, where she has organized the exhibitions “Drawing Now: Eight Propositions” (2002) and “Love Forever: Yayoi Kusama” (1998), among many others. 

Chris Kraus is the author of four novels, including the forthcoming Summer of Hate (Semiotexte, 2012) and two books of art criticism.  Since 1975, Arthur Lubow has worked primarily as a writer of long-reported articles for national magazines. For the last decade, he has been a contributing writer at the New York Times Magazine, specializing in the arts. Kevin McGarry is a writer, editor, and curator. He writes the contemporary art column “Out There” for T: The New York Times Style Magazine, is the art editor for V Magazine, and reviews exhibitions for Art Agenda and Artforum.com. Akira Tatehata is a curator, critic, and poet. Olivier Zahm is a curator, writer, editor, and co-founder of Purple Prose.

____________

Пролистать книгу Yayoi Kusama

Ця книга супроводжує першу велику європейську ретроспективну виставку Яйої Кусами, пропонуючи вичерпний огляд впливової творчості японської художниці, яка охоплює понад вісімдесят років.

Як доповнення до новаторської ретроспективи в Гропіус Бау, це видання досліджує життя та творчість Кусами через цілком оригінальні погляди провідних експертів. Книга простежує розвиток творчого доробку Кусами від її ранніх картин та накопичувальних скульптур до її захопливих середовищ, а також досліджує її менш відому художню діяльність у Європі та зокрема в Німеччині. Вона висвітлює відданість Кусами політичним та соціальним питанням у Європі, США та Японії. Різноманітний вибір зображень та архівних документів представлений поряд з текстами авторів з різним теоретичним підходом. Есе обговорюють досягнення Кусами у світі моди, кіно, арт-маркетингу та видавничої справи. Вони зосереджуються на її взаємодії з різними мистецькими сферами та пропонують жанрово-специфічні спостереження щодо її перформансів, інсталяцій та серій картин. Така ж панорамна та захоплива, як і сама тема, ця монументальна ретроспектива веде глядачів, які цікавляться Кусамою, до глибшого розуміння її творчої траєкторії та масштабу її надзвичайної кар'єри.

Про автора:

Стефані Розенталь — директорка музею Гропіуса Бау в Берліні. Раніше вона була головним куратором галереї Хейворд у Лондоні, а також художнім керівником 20-ї Сіднейської бієнале, яка відбулася у 2016 році.

The bestselling and critically acclaimed monograph on one of the most influential painters of the twentieth century

Willem de Kooning was a leading exponent of Abstract Expressionism. MoMA's 2011 de Kooning retrospective drew record crowds, and his prodigious achievements continue to provoke and inspire subsequent generations of artists such as Cecily Brown, Rebecca Warren, and Jonathan Lasker.

This is the most wide-ranging and comprehensive monograph available on this artist. Sumptuously illustrated and produced, the book encompasses his major works and periods, including his controversial 'Woman' paintings, as well as a wealth of accompanying sketches and preparatory drawings.

An illustrated chronology maps de Kooning's life, career, and work, with photographs from the artist's archive interspersed throughout the book, enriching the reader's understanding of the wider art-historical context of his paintings. Judith Zilczer's critically acclaimed monograph is an essential addition to the libraries of a new audience of readers and de Kooning enthusiasts, offering an unprecedented and compelling examination of his body of work.

About the Authors:

About the Author:

Judith Zilczer, Curator Emerita of the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, organized more than two dozen exhibitions in her twenty-nine years at the museum, where she served as Historian, Curator of Paintings, and Acting Chief Curator. Her exhibition publications include Willem de Kooning from the Hirshhorn Museum Collection (1993), Richard Lindner: Paintings and Watercolors, 1948–1977 (1996), and Visual Music: Synaesthesia in Art and Music Since 1900 (2005). A 1975 graduate of the doctoral program of the University of Delaware, she has received numerous awards, including the 2006 George Wittenborn Memorial Book Award of the Art Libraries Society of North America. Dr Zilczer has written and lectured widely on modern and contemporary art and is recognized as the leading authority on the art of Willem de Kooning.

This long-overdue new look at the life and work of Albert Pinkham Ryder explores the artist's deeply visionary paintings and the powerful and enduring paths he forged for generations of American modernists.

Few American artists have captured painters' imaginations with the gripping force of Albert Pinkham Ryder (1847-1917). The brooding spirituality of his works, coupled with formal innovation decades ahead of its time, have long made Ryder a favorite of trailblazers like Jackson Pollock, Marsden Hartley, and Robert Rauschenberg. And yet, the artist's biography and practices remain elusive. A Wild Note of Longing--whose title comes from a Ryder poem--takes up the challenge, bringing a new generation of scholarship to the most comprehensive collection of Ryder masterworks assembled to date.

Ryder is considered a seminal artist for both the late nineteenth-century Gilded Age and for the emerging modernism of the early twentieth century. This monumental new book presents multiple voices from leaders in the field on the continuing and ever evolving relevance of Albert Pinkham Ryder in modern art. In addition to a general overview of the artist's career, essays also cover Ryder within the context of his hometown of New Bedford, Massachusetts, and Ryder's influence and context within modernism.

About the Author:

Christina Connett Brophy is The Douglas and Cynthia Crocker Endowed Chair for the Chief Curator, New Bedford Whaling Museum, Massachusetts. Elizabeth Broun was director of the Smithsonian American Art Museum and the Renwick Gallery from 1989 to 2016; she is the Visual Arts Advisor to the Kennedy Center, and a member of the boards of the Henry Luce Foundation and the Olana Partnership. William C. Agee is Evelyn Kranes Kossak Professor Emeritus of Art History, Hunter College, New York, and is former director of The Museum of Fine Arts, Houston, and Pasadena Art Museum.

Відкрийте для себе малюнки Альбрехта Дюрера, одного з найвидатніших художників епохи Відродження, відомого як неперевершений живописець і кресляр з гострим оком до світу природи.

За життя Альбрехт Дюрер досяг величезного успіху як живописець і гравер, виконуючи замовлення у таких видатних діячів, як Фрідріх Мудрий та імператор Священної Римської імперії Максиміліан I. Його малюнки та етюди свідчать про його інтерес до людських пропорцій, анатомії та перспективи. У цій книзі представлені малюнки Дюрера з видатної колекції музею Альбертіни, включаючи сімейні портрети, етюди тварин і рослин, а також етюди людського тіла. У цій книзі представлено понад 100 малюнків Дюрера, включаючи «Зайця», «Автопортрет у віці 13 років» та «Меленколію I», а також картини та гравюри. Книга містить наукові есе та чудово відтворені роботи.

Про автора:

Крістоф Мецгер — спеціаліст з Дюрера та головний куратор музею Альбертіни у Відні.

__________

Погортати книгу Albrecht Dürer

Тепер доступний у новому виданні, цей щедро ілюстрований том спирається на найновіші дослідження, щоб представити захопливу нову інтерпретацію Альбрехта Дюрера, як людини, так і як художника.

Графки та малюнки Альбрехта Дюрера надихнули сотні художників як за його життя, так і після смерті. Однак його талант художника та колориста, а також його захоплення науковим світом не були широко оцінені.

Вплив Дюрера був як міжнародним, так і міжпоколінним — навіть Пікассо стверджував, що його надихав художник 16-го століття. Відтворена з приголомшливими деталями та включаючи ілюстрації найвідоміших гравюр та малюнків Дюрера, каталог-резонсе його картин та біографічне дослідження, ця книга представляє Дюрера для 21-го століття. Створивши більше автопортретів, ніж будь-який інший художник свого часу; масово просуваючи свої бестселери; навіть винайшовши власний логотип з монограмою, Альбрехт Дюрер був комерційно проникливим задовго до сучасного покоління саморекламних та фінансово підкованих художників.

Існує 55 збережених картин Дюрера, з яких 17 є предметом суперечок. Використовуючи наукові дослідження, ця книга розвіює всі суперечки, що призводить до остаточного каталогу картин. Спираючись на глибоке дослідження, ця книга розкриває правду про Дюрера та його мистецтво.

Про автора:

Норберт Вольф — історик мистецтва та письменник, який мешкає в Мюнхені. Він опублікував кілька книг у видавництві Prestel, зокрема Art Nouveau, Art Deco, Impressionism та The Golden Age of Dutch and Flemish Painting, а також монографії про Альбрехта Дюрера та Тиціана.

_____________

Погортати книгу Albrecht Durer: Catalogue of the Paintings

Ще до появи власне поп-арту, Алекс Кац розробив культовий стиль фігуративного живопису на початку 1960-х років, під впливом кіно, телебачення та реклами на білбордах. Здавалося б, відсторонений та неймовірно стильний, він створював як портрети нью-йоркської сцени, так і ідилічні пейзажі. Гравюра відіграє не менш важливу роль у творчості Каца. Він використовує літографії, офорти, шовкографію, гравюри на дереві та ліногравюри, щоб відтворити, відобразити та ще більше пом'якшити свою сміливу естетику, зберігаючи при цьому сяючий колір, характерний для його картин. З моменту першого видання у 2011 році Кац майже подвоїв свою продукцію друкованих видань — це своєчасне нове видання включає його повні друковані роботи, видання з вирізами, книги художників, а також перелік його робіт прикладного мистецтва, таких як книжкові ілюстрації та проекти публічного мистецтва.

Нові есе та інтерв'ю з художником дають глибоке розуміння творчості одного з найвидатніших американських художників сучасності.

Про автора:

Коли Алекс Кац (*1927, Нью-Йорк) розпочав свою мистецьку кар'єру в 1950-х роках, панівним стилем був абстрактний експресіонізм. Випереджаючи свій час, він створював стилізовані портрети на плоскому, монохромному тлі. З 1965 року він розпочав плідну кар'єру в друкарстві, вичерпавши всі можливості: від традиційної майстерності до найсучасніших процесів репродукції.

Давнє захоплення Алекса Каца танцем та співпраця з відомими драматургами та хореографами призвели до створення деяких його найскладніших композицій.

Відтоді, як Алекс Кац вперше намалював «Пола Тейлора» у 1959 році, він запрошував танцюристів бути йому моделями. Танець, за словами художника, належить до тієї ж «давньої традиції жестів», що й живопис. Ця публікація є першою, яка досліджує багато десятиліть роботи Каца для сцени, включаючи способи, якими він впроваджував принципи повоєнного живопису в театр та танцювальну естетику.

«Я ніколи не бачив нічого подібного», – згадує Кац про своє перше знайомство з творчістю танцюриста та хореографа Пола Тейлора. Вони співпрацювали над п'ятнадцятьма постановками, для яких Кац впровадив інновації з плоским освітленням, гумористичними перешкодами та механізмами кадрування. Його співпраця з Полом Тейлором призвела до співпраці з іншими компаніями, включаючи Йошіко Чума, Лору Дін, Вільяма Дюнаса та Парсонс.

Серед найвідоміших декорацій Каца – ансамбль фігурок, які він створив для постановки Кеннета Коха 1961 року «Джордж Вашингтон перетинає Делавер». Кац посилив абсурдність п’єси, натхненної Війною за незалежність, за допомогою фігурок та реквізиту, що прилягають до поп-стилю. Ця публікація об’єднує картини, ескізи, костюми, фотографії, кадри з фільмів та ефемерні експонати. Нещодавно замовлені есе, неопубліковані матеріали та основні картини нададуть огляд робочих стосунків Каца з окремими хореографами та проллють нове світло на авангардну співпрацю в Нью-Йорку між 1960-ми та 80-ми роками.

Про авторів:

Діана Туїт працювала куратором сучасного та сучасного мистецтва імені Каца в Музеї мистецтв Коледжу Колбі у Вотервіллі, штат Мен. Чарльз Л. Рейнхарт багато років був директором Американського фестивалю танцю. Девід Салле – американський художник, гравер, фотограф та сценограф. Дженніфер Тіптон — американська дизайнерка освітлення, що отримала численні нагороди. Роберт Сторр — американський куратор, критик, художник і письменник. Жаклін Террасса — директорка імені Керолін Маззі Музею мистецтв коледжу Колбі.

____________

Погортати книгу Alex Katz: Theater & Dance

Ali Banisadr's first major monograph delves into the Iranian painter's influences and practice.

Preeminent Iranian-American artist Ali Banisadr's canvases depict a complex swirl of action and abstracted figuration across a stagelike picture plane. Varied histories inform these paintings, ranging from the artist's synesthesia, to Persian miniatures, to the multi-figure works of Brueghel and Bosch, and the gestural imaginations of Willem de Kooning and Max Ernst.

Born in Tehran in 1976, Ali Banisadr grew up during the Islamic revolution and the eight-year Iran-Iraq War. In 1988, he and his family emigrated to Turkey and then to California. In 2000, he moved to New York City where he currently lives and works.

About the Authors:

Negar Azimi is a writer and the senior editor of Bidoun. Her writing has appeared in Artforum, Frieze, Harper's, The New Yorker, and The New York Times Magazine. Robert Hobbs, an art historian and curator specializing in twentieth- and twentieth-first century art, is the author of over fifty books and major catalogues on topics ranging from Abstract Expressionism to Earth Art and from Modernism to Post-Modernism. Joe Lin-Hill is Deputy Director of the Albright-Knox Museum. John Yau is a poet and critic who lives in New York. He has published over fifty books of poetry, artists' books, fiction, and art criticism.

Recognized as a major Pop artist in his day, Allan D’Arcangelo (1930–1998) has yet to receive the critical reevaluation of painters like Roy Lichtenstein and James Rosenquist. His first monograph in nearly a decade introduces new audiences to his iconic paintings, particularly his celebrated visions of life on the road.

Like Pop peers Andy Warhol and Ed Ruscha, Allan D’Arcangelo incorporated mass-manufactured images in works that elevate scenes of everyday American life. While his work often features imagery from more familiar 1960s art — Jacqueline Kennedy and Marilyn Monroe, smoking pin-up girls, Superman, Lucky Strike — it differs in the surreal elements he introduced to Pop tropes and romantic views of the American industrial landscape.

D’Arcangelo once observed his “most profound experiences of landscape were looking through the windshield.” The artist brought a Pop sensibility to the tradition of landscape painting in a graphic style that touched on Minimalism, Precisionism, and Hard-edge painting. Often framed from the perspective of the driver’s seat, D’Arcangelo’s work captures the deeply American experience of flying down an endless road. D’Arcangelo’s signature scrolling landscape cut through with flashing signs is as familiar to road trippers as it is to video game racers.

This comprehensive publication includes over 200 reproductions and three essays detailing what critic Dore Ashton describes as the “poetic awareness of the vastnesses both visible and invisible in American life [that] marked and distinguished [D’Arcangelo’s] work.”

About the Authors:

Alex J. Taylor is an Associate Professor in the History of Art and Architecture at the University of Pittsburgh, and the author of Forms of Persuasion: Art and Corporate Image in the 1960s. Evan Moffitt is a writer, editor, and freelance critic based in New York. Cécile Whiting is Professor of Art History at the University of California, Irvine, and author of A Taste for Pop: Pop Art, Gender, and Consumer Culture.

Alice Neel's unstinting, visionary engagement with the lives of those around her resulted in an inclusive oeuvre. This aspect of queer representation in her work is explored for the first time in this new catalogue.

Curated by Hilton Als and organized in collaboration with the Estate of Alice Neel, At Home: Alice Neel in the Queer World highlights the artist’s vibrant involvement with the human condition. Within a lifetime of work, Neel painted many people from many walks of life –– this catalogue is the first to focus on queer communities, those who were part of their circle, as well as allies and others with whom the artist was in broader conversation — together forming a collective portrait that both embodies and complicates an understanding of the queer world of Neel’s moment and the artist’s place within it.

This collection of paintings includes rarely seen works depicting individuals including Frank O’Hara, Allen Ginsberg, and Adrienne Rich, as well as writers, artists, friends, and advocates. As Als notes, this book includes “not just portraits of gay people but those of theorists, activists, politicians, and so on who would qualify as queer by virtue of their different take in their given field and thus the world. So doing, they reflect Alice’s own interest in and commitment to difference.”

The catalogue accompanies Neel’s first significant exhibition in Los Angeles, at David Zwirner in 2024. Edited and with a text by Als, the volume includes newly commissioned contributions by Alex Fialho, Evan Garza, and Wayne Koestenbaum.

About the Authors:

Alice Neel (1900–1984) is widely regarded as one of the foremost American artists of the twentieth century. Working from life and memory, Neel depicted those around her with unfazed accuracy, honesty, and compassion.

Hilton Als is a writer with focus in theater criticism. He became a staff writer at The New Yorker in 1994, a theater critic in 2002, and chief theater critic in 2013. His most recent book, White Girls (2013), discusses various narratives around race, identity, gender, and sexuality, and was nominated for a National Book Critics Circle Award in Criticism.

Alex Fialho (he/they) is an art historian, curator, and PhD candidate in Yale University’s Combined PhD program in the History of Art and African American Studies. Fialho’s writing has been published in exhibition catalogues for the Whitney Museum of American Art, the Studio Museum in Harlem, Socrates Sculpture Park, and the Andy Warhol Museum, among other institutions.

Evan Garza is a curator, scholar, and a Curatorial Exchange Initiative Fellow at MASS MoCA in North Adams, Massachusetts. Their writing on the work of global contemporary artists has been published in several books and monographs and by IMMA, The Drawing Center, Flash Art, ART PAPERS, Hyperallergic, and Artforum.

Wayne Koestenbaum — poet, critic, fiction writer, artist, and filmmaker—has published more than twenty books, including The Queen’s Throat, Camp Marmalade, Humiliation, Hotel Theory. He is a Distinguished Professor of English, French, and Comparative Literature at the CUNY Graduate Center.

Sarah Schulman is a novelist, playwright, screenwriter, and nonfiction writer. Her twentieth book is Let the Record Show: A Political History of ACT UP, NY 1987–1993.
 

Чудова подарункова книга, присвячена творчості Обрі Бердслі, одного з визначальних – і найсуперечливіших – художників стилю модерн.

Обрі Бердслі (1872–1898) помер від туберкульозу лише у 25 років, але за своє коротке життя він здобув репутацію одного з найдосвідченіших – і найсуперечливіших – ілюстраторів свого часу, чий внесок у візуальну мову модерну був значним. Дивовижно, але всі його роботи були створені протягом лише шести років і сьогодні їх миттєво впізнають завдяки використанню чорного чорнила та плавних ліній на білому папері, а також еротично зарядженим темам. Не всі його роботи були сентиментальними – деякі з них були політичними, висміюючи декадентські звичаї того часу, – але більшість з них були такими, черпаючи своє стилістичне натхнення з японського сюнґа та грецького вазового живопису, а тематичне – з міфології, історії, поезії та драматургії.

Ця чудово оформлена подарункова книга за доступною ціною пропонує безліч ілюстрацій Бердслі та знайомить нову аудиторію з його вишуканими малюнками та гравюрами. З текстом Джен Марш та близько 110 ілюстраціями з великих колекцій Музею Вікторії та Альберта, ця книга об'єднує ретельно підібрану добірку робіт з трагічно короткого, але надзвичайно продуктивного життя Бердслі.

Зміст:

Передмова • Вступ • Тарілки

Про автора:

Джен Марш спеціалізується на вікторіанській епохі, зокрема на прерафаелітах та Вільямі Моррісі. Вона є президентом Товариства Вільяма Морріса, членом опікунської ради Галереї Вільяма Морріса та членом Королівського історичного товариства. Марш була автором книги May Morris: Art & Life, яку також видає Thames & Hudson.

Ця 240-сторінкова книга Aubrey Beardsley: The Decadent Magician of the Light and the Darkness розкриває суть митця Обрі Бердслі через понад 180 його робіт, зібраних під керівництвом Хіроші Унно, критика та письменника, який зробив внесок у багато книг про кінець століття.

Обрі Бердслі був ілюстратором, найбільш відомим своїми малюнками чорним чорнилом, сповненими еротичних та декадентських рис. Він народився в Брайтоні, Англія, 21 серпня 1872 року. Вікторіанська епоха, в яку жив Обрі, була охоплена суворою, жорсткою, консервативною мораллю. Суспільство було чоловічим і змушувало жінок бути скромними. Однак у Брайтоні, який перетворився на приморський курорт для вищих класів, сповнений розваг, люди були звільнені від такої суворості. Брайтон також був розсадником почуття свободи в усьому, і сексуальність не була винятком. Іншими словами, можна сказати, що Вікторіанська епоха була хаотичною епохою, протягом якої співіснували неупереджені думки щодо сексуальності та сувора, чоловіча мораль. Мати Обрі, Еллен, була людиною, яка втілювала цю атмосферу Брайтона. Хоча вона хвилювалася за виховання сина в такому середовищі, вона також викладала Обрі літературу та музику. Йому пощастило провести свою юність з Еллен, і Брайтон безумовно став основою його таланту до розуміння дивацтв суспільства тієї епохи. Обрі переїхав до Лондона, коли йому було 15 років. Коли родина Бердслі покинула Брайтон, Обрі втратив відчуття свободи, з яким його виховували, але водночас зміг розвинути свій талант, спілкуючись з Едвардом Берн-Джонсом, Оскаром Уайльдом та Вільямом Моррісом, художниками, які забарвили цей період. Обрі, чий талант розквітнув у Лондоні, почав пропонувати свої ілюстрації багатьом літературним та театральним виданням.

Найвідомішими прикладами є його ілюстрації до «Саломеї» Оскара Уайльда, «Смерті Артура» сера Томаса Мелорі, «Казок Едгара Аллана По» Едгара Аллана По, «Алібаба та сорок розбійників» з «Тисячі й однієї ночі», французького журналу «Жовта книга» та п'єси «Лісістрата». Ілюстрації до цих літературних та театральних творів мистецтва також були намальовані багатьма іншими ілюстраторами, але роботи Обрі були абсолютно відмінними від будь-яких інших. Спокусливі мотиви, які він малював, використовуючи лише чорне чорнило, такі як жінка з безстрашною посмішкою, джентльмен із зневажливою презирством та фігури з надзвичайно перебільшеними геніталіями, – все це виражає незрівнянний талант Обрі до сприйняття хаосу та неспокійної атмосфери того часу. Бунтівний характер та образність його ілюстрацій часто викликали суперечки. Його навіть називали «молодшим братом диявола». Але немає сумнівів, що він був зіркою своєї епохи, що видно з багатьох впливових ілюстраторів, які прийшли після нього та перебували під впливом творчості Обрі, таких як Гаррі Кларк, Алістер, Джон Остін, Кей Нільсен та Джордж Барб'є.

На жаль, геній Обрі освітив кінець дев'ятнадцятого століття, епоху декадансу кінця століття, лише ненадовго, перш ніж зникнути, коли його трагічно коротке життя обірвалося лише через двадцять п'ять років. Як виникли бунтівні, але вишукані монохромні твори мистецтва, намальовані «молодшим братом Диявола»? Чи було його життя просто самим мистецтвом? Ця книга – перлина, яка представляє твір мистецтва, найбільше ототожнюваний із самим «Бердслі», розкриваючи як художника, так і ідею, через його життя та його шедеври.