Збірники робіт з мистецтва

Геометричні форми та природні форми, з винятковою точністю зафіксовані на гравюрах Ернста Геккеля, продовжують впливати на художників та дизайнерів і донині. Цей привабливий том висвітлює дослідження та відкриття цього видатного вченого-природознавця (1834-1919). Потужні сучасні мікроскопи підтвердили точність гравюр Геккеля, які навіть у свій час справедливо стали всесвітньо відомими.

Виняткове портфоліо Геккеля, вперше опубліковане між 1899 і 1904 роками окремими частинами, описано у вступних есе. Гравюри ілюструють фундаментальне моністичне поняття Геккеля про «єдність усіх живих істот», а широке розмаїття форм виконано з надзвичайною делікатністю. Зародкові мікроскопічні організми зіставляються з високорозвиненими рослинами та тваринами. Сторінки, впорядковані відповідно до геометричних та «конструктивних» аспектів, чудово документують єдність світу в його найрізноманітніших формах. Ця колекція граней була добре сприйнята не лише вченими, а й художниками та архітекторами. Рене Біне, піонер скляних та залізних конструкцій, Еміль Галле, відомий дизайнер у стилі модерн, та фотограф Карл Блоссфельд – усі вони визнають Геккеля та прямо посилаються на нього у своїх роботах.

A beautiful gift book devoted to the work of Aubrey Beardsley, one of the defining – and most controversial – artists of the Art Nouveau style.

Aubrey Beardsley (1872–1898) was only 25 when he died from tuberculosis, but in his short life he established a reputation as one of the most accomplished – and controversial – illustrators of his day, whose contribution to the visual language of Art Nouveau was profound. Astonishingly, all his work was created in the course of only six years, and is today instantly recognizable for its use of black ink and flowing lines on white paper – and its erotically charged subject matter. Not all his work was lubricious – some of it was political, poking fun at the decadent mores of the time – but much of it was, taking its stylistic inspiration from Japanese shunga and Greek vase painting and its thematic inspiration from mythology, history, poetry and drama.

This beautifully designed, accessibly priced gift book offers a wealth of illustrations by Beardsley, and introduces his exquisitely wrought drawings and prints to a new audience. With a text by Jan Marsh and around 110 illustrations from the extensive collections of the Victoria and Albert Museum, this book brings together a carefully curated selection of works from Beardsley’s tragically short but highly productive life.

Contents List:

Preface • Introduction • The Plates

About the Author:

Jan Marsh specializes in the Victorian period, in particular the Pre-Raphaelites and William Morris. She is president of the William Morris Society, a trustee of the William Morris Gallery and a fellow of the Royal Historical Society. Marsh was a contributor to May Morris: Art & Life, also published by Thames & Hudson.

Jean-Michel Basquiat was only twenty-seven when he died in 1988, his meteoric and often controversial career having lasted for just eight years. Despite his early death, Basquiat's powerful œuvre has ensured his continuing reputation as one of modern art's most distinctive voices. Borrowing from graffiti and street imagery, cartoons, mythology and religious symbolism, Basquiat's drawings and paintings explore issues of race and identity, providing social commentary that is shrewdly observed and biting.

This bestselling book, now available in a compact edition, celebrates Basquiat's achievements in the contexts of the key influences on his art. It not only re-evaluates the artist's principal works and their meaning but also explains what keeps his painting relevant today.

- Unabridged compact edition of a critically acclaimed book, featuring spectacular reproductions of Basquiat's work
- Examines many of Basquiat's individual works in detail, with particular reference to his working methods and technique

Life lines. The 80s art star who put poverty, power, and racism on the wall

An icon of 1980s New York, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) first made his name under the graffiti tag "SAMO", before establishing his studio practice and catapulting to fast fame at the age of 20. Although his career lasted barely a decade, he remains a cult figure of artistic social commentary, and a trailblazer in the mediation of graffiti and gallery art.

Basquiat's work drew upon diverse sources and media to create an original and urgent artistic vocabulary, biting with critique against structures of power and racism. His practice merged abstraction and figuration, poetry and painting, while his influences spanned Greek, Roman, and African art, French poetry, jazz, and the work of artistic contemporaries such as Andy Warhol and Cy Twombly. The results are vivid, visceral mixtures of words, African emblems, cartoonish figures, daubs of bold color, and beyond.

This book presents Basquiat’s short but prolific career, his unique style, and his profound engagement with ever-relevant issues of integration and segregation, poverty and wealth.

About the series:

Each book in TASCHEN’s Basic Art series features:

 - a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
 - a concise biography
 - approximately 100 illustrations with explanatory captions

Basquiat first came to prominence when he collaborated with Al Diaz to spray-paint enigmatic statements under the pseudonym SAMO©. He went on to work on collages, Xerox art, postcards, performances, and music before establishing his reputation as one of the most important painters of his generation.

Accompanying a major exhibition at the Barbican Art Gallery, this book opens with introductory essays from the curators, which place his practice in a wider art historical context and look at his career through the lens of performance. Six thematic chapters offer new research, with essays from poet Christian Campbell on SAMO©; curator Carlo McCormick on New York / New Wave; writer Glenn O’Brien on the downtown scene; academic Jordana Moore Saggese on Basquiat’s relationship to film and television; and music scholar Francesco Martinelli on Basquiat’s obsession with jazz.

This insightful new survey also features extended captions, rare archival material, and extensive photography, demonstrating how Basquiat’s legacy remains more powerful and relevant than ever today.

About the Author:

Dieter Buchhart is an art critic for Kunstforum International and the author of Keith Haring: The Political Line

____________

Пролистать книгу Basquiat: Boom for Real

A retrospective of Max Beckmann’s career from before the First World War to his years in exile from Germany, first in Amsterdam and then New York

This catalogue is published to accompany the exhibition at the Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid, on Max Beckmann (1884–1950), one of Germany’s leading 20th-century artists. Initially close to Expressionism and New Objectivity, Beckmann developed a unique and independent pictorial style, one filled with symbolic resonances that offered a powerful account of the society of his day. Curated by Tomàs Llorens, the exhibition brings together more than fifty works, including paintings, lithographs and sculptures that cover Beckmann’s years in Germany from the period prior to World War I, when he first achieved public recognition, to the rise of National Socialism in the 1930s, when he was expelled from the Frankfurt art school where he taught and was banned from exhibiting in public.

The exhibition also focuses on the artist’s years in Amsterdam and the United States where he lived after he was obliged to leave Germany. This section is based on four metaphors relating to exile, understood both literally and as the existential condition of modern man: Masks, which looks at the loss of identity associated with the condition of exile; Electric Babylon, which focuses on the modern city as the capital of exile; The Long Goodbye, which constructs a parallel between exile and death; and The Sea, a metaphor of the infinite, its powers of seduction and alienation.

Детальна та дуже особиста розповідь про життя та творчість Берти Морізо, найвпливовішої жінки-імпресіоністки.

Берта Морізо підкорила імпресіоністів своїм талантом і стала першою жінкою в цій групі поряд з Моне, Дега та Ренуаром. Вона була найвидатнішою жінкою-художницею імпресіоністського руху та, цитуючи Аполлінера, «однією з найдосконаліших художниць свого часу». Недооцінені понад століття, сьогодні її роботи демонструють її далекоглядність, започаткувавши новий стиль живопису.

Включаючи листування з ключовими представниками імпресіоністського руху, ця книга зосереджується на найважливіших етапах кар'єри Морізо: її ранньому художньому таланті в дитинстві, її участі у двадцятитрирічному віці в Паризькому салоні 1864 року, її шлюбі в 1874 році з Еженом Мане та народженні їхньої доньки Жюлі — частого героя картин Морізо — та виразній свободі її пізніших робіт. Цей інтимний портрет художниці та її творчості є важливим посиланням на імпресіоністів.

Про автора:

Покійний Жан-Домінік Рей, історик мистецтва та письменник, куратор численних виставок та опублікував багато книг, зокрема Monet: Water Lilies, The Complete Series (Flammarion, 2008/2018).
Сільві Патрі, міжнародна художня директорка галереї сучасного мистецтва Камеля Меннура в Парижі, є колишньою директоркою з питань охорони пам'яток та колекцій у Музеї д'Орсе та колишньою консультанткою з питань охорони пам'яток у Фонді Барнса у Філадельфії.

Although Bosch's known works amount to no more than two dozen paintings and a handful of drawings, the artist had an enormous impact on religious imagery during his lifetime and for centuries afterward. His enigmatic and mind-bending depictions of humans, animals, and nature undoubtedly influenced the surrealist movement of the 20th century. This book explores Bosch's works in terms of medieval morality, the religious beliefs of his time, and the Northern Renaissance in general. This elegant volume offers exquisite, full-colour reproductions that afford readers the opportunity to linger over the works-amazing details. The accompanying text examines Bosch's singular place in the canon of Western art, as a revolutionary portrayer of the imagination, and as a pioneer in the depiction of heaven and hell.

Фернандо Ботеро – найвідоміший колумбійський художник усіх часів. Його роботи знаходяться в багатьох міжнародних колекціях, а також відомо, що вони дуже добре представлені в кількох важливих пожертвах, які він сам зробив своїй країні. Немає жодної частини світу, де б люди не були знайомі з його ім’ям і не впізнавали б його особливу художню мову, яка характеризується відданістю формі та об’єму в образотворчих роботах, які помістили теми з Латинської Америки, Колумбії та його рідного департаменту (штату) Антіокія у візуальний репертуар історії світового мистецтва.

Незважаючи на його всесвітнє визнання, правда полягає в тому, що в багатьох сенсах Ботеро — невідомий художник. У його кар’єрі є велика аналітична порожнеча, яку ще потрібно заповнити, і, перш за все, потрібно підтвердити його заслуги в історичному плані як художника в пошуках власної ідентичності. Здається дивним, що навіть після шести десятиліть, протягом яких один із найпрофільніших та найоригінальніших художників Латинської Америки створив приголомшливу кількість робіт, мало хто запитує походження його характерного підходу до об’єму та кольору.

A major monograph on the artist widely regarded as the 16th century's greatest Netherlandish painter, published to mark the anniversary of his death 450 years ago

Pieter Bruegel the Elder and his work have attained a legendary status in our collective consciousness. The most important Netherlandish painter and draughtsman of the 16th century had already achieved great fame during his own lifetime, but was largely forgotten until his rediscovery by art historians in the early 20th century. Just over forty paintings by Bruegel’s own hand survive. His complex, multi-layered compositions, which draw on the earlier pictorial traditions of Hieronymus Bosch, are often moralizing, and teem with characters. The variety of subjects and their originality of execution inspire wonder to this day.

Published to accompany the major exhibition at the Kunsthistorisches Museum in Vienna, this spectacular catalogue allows readers to immerse themselves in the immensely rich pictorial world of the Netherlandish master. In uniting the artist’s works in different media – paintings, drawings and prints – it highlights his perfect handling and execution, his virtuoso use of colour and his draughtsmanship. The book is complemented by an e-book featuring five further essays by the curators, who present the fruits of recent research on the artist’s materials and techniques.

Bruegel’s inventions and stories create artworks with a timeless power, and this volume, presenting a full survey of the artist’s entire oeuvre, will be an indispensable resource for Bruegel fans and scholars alike.

About the Authors:

Manfred Sellink is the director of the Royal Museum of Fine Arts Antwerp, and is the author of Bruegel: The Complete Paintings, Drawings and Prints.

Ron Spronk is a professor (by special appointment) specializing in Hieronymus Bosch and Early Dutch painting at Radboud University.

Sabine Pénot is Curator of Netherlandish and Dutch Paintings, Kunsthistorisches Museum (KHM) at Vienna, Austria.

Elke Oberthaler is Head of Painting Conservation at Kunsthistorisches Museum (KHM) at Vienna, Austria.

Contents List:

Foreword by Geert Bourgeois • Preface by Sabine Haag • Introduction to the exhibition by Elke Oberthaler, Sabine Pénot, Manfred Sellink and Ron Spronk, with Alice Hoppe-Harnoncourt • Short Biography of Pieter Bruegel the Elder • Cat. nos. 1 to 87 • Separate E-book featuring five essays

- This monograph documents the complete works of Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milan, 1571 - Porto Ercole, 1610)
- It aims at highlighting the master's integrità and the fascination of his extraordinary art
- Michelangelo Merisi da Caravaggio was a milestone in Italian and European artistic culture

Caravaggio and his works have been in the past years the object of a sort of collective infatuation that on one side brought the value of the master's painting to very high levels and, on the other, generated a proliferation of new attributions, with a subsequent uncertainty and confusion among Caravaggio's devotees, but also a devaluation of the excellent level of the autographed works.

This new book, published on the fourth centenary of Michelangelo Merisi's death, is based on the analysis of the artistic production which is confirmed as Caravaggio's, thanks also to the discoveries of recent years.

The author tells the artist's life, characterised by lights and shadows, by marvel and scandal, thus presenting us an exceptionally real and alive profile of Caravaggio as a man, as well as his capability to innovate painting through creativity and technique. A complete work, with high-quality reproductions of the paintings, this volume presents the surprising and troubled style of the greatest genius of seventeenth-century Italy.

About the Authors:

Rossella Vodret is the Director of the Polo Museale in Rome, and Francesco Buranelli is the secretary of the Pontifical Commission for Cultural Heritage.

___________

- This monograph documents the complete works of Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milan, 1571 - Porto Ercole, 1610)
- It aims at highlighting the master's integrità and the fascination of his extraordinary art
- Michelangelo Merisi da Caravaggio was a milestone in Italian and European artistic culture

Caravaggio and his works have been in the past years the object of a sort of collective infatuation that on one side brought the value of the master's painting to very high levels and, on the other, generated a proliferation of new attributions, with a subsequent uncertainty and confusion among Caravaggio's devotees, but also a devaluation of the excellent level of the autographed works.

This new book, published on the fourth centenary of Michelangelo Merisi's death, is based on the analysis of the artistic production which is confirmed as Caravaggio's, thanks also to the discoveries of recent years.

The author tells the artist's life, characterised by lights and shadows, by marvel and scandal, thus presenting us an exceptionally real and alive profile of Caravaggio as a man, as well as his capability to innovate painting through creativity and technique. A complete work, with high-quality reproductions of the paintings, this volume presents the surprising and troubled style of the greatest genius of seventeenth-century Italy.

400 years after the death of Caravaggio, some of the world’s most illustrious art historians comment on an extraordinary collection of 25 of his works.
How is it possible that an artist who lived over four centuries ago is still seen today as an icon of modernity? The answer must be sought in his works; this is where we will grasp Caravaggio’s aesthetic pursuit. His is a simple, non ideal, art.
He observed without prejudice, hewing close to the truth of things. In short, his was a revolutionary art, one which continues to fascinate laypeople and experts alike to this day.
The curators of the exhibition, which will take place in Rome in the spring of 2010, asked some of the world's preeminent Caravaggio scholars to share their feeling and insights about their favorite works by the artist.
The result is an original catalogue of great rigour yet expressed in deeply human and richly subjective tones.

- Pieces from museums all over the world: including the Nelson-Atkins in Kansas City and the Metropolitan Museum in New York City.
- The works include Crowning with Thorns from the Kunsthistorisches Museum of Vienna with comments by Wolfgang Prohaska; Amor Victorious of the Gemäldegalerie – Staatliche Museen of Berlin discussed by Bernd Lindemann; Bacchus from the Galleria degli Uffizi, Florence, chosen by Antonio Paolucci; Supper at Emmaus from the Pinacoteca di Brera, Milan, in the eyes of Rossella Vodret; Saint Jerome Writing from St John’s Co-Cathedral Foundation, Malta, with comments by Stefania Maciocie; the Lute Player from the Hermitage Museum; Saint John the Baptist from the Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; and the Musicians from the New York Metropolitan Museum of Art.
- Caravaggio is an extremely well-loved artist with an intriguing life story.
- World-class art historians comment on this extraordinary collection.

Найповніша за багато років ретроспектива Каспара Давида Фрідріха, видана до 250-річчя від дня народження художника

Каспар Давид Фрідріх (1774–1840) відомий як чудовий художник-романтик, його роботи символізують епоху великих соціальних потрясінь. Його пейзажні картини та малюнки порушили традиційні моделі зображення та відкрили нові способи як переживання, так і рефлексії амбівалентних стосунків між людиною та природою.

Супроводжуючи найповнішу ретроспективу Фрідріха за багато років, цей каталог переглядає новаторську роботу художника у світлі нагальних викликів у час кліматичної кризи та постколоніальних рефлексій. Він зосереджений на більш ніж шістдесяти картинах, серед яких багато великих культових робіт, і близько 100 малюнків. Також представлені вибрані роботи колег Фрідріха, зокрема Августа Генріха, Георга Фрідріха Керстінга, Ернста Фердинанда Оме та Йоганна Александра Тіле. Друга частина книги присвячена сучасній рецепції його творчості. Близько двадцяти митців, які працюють у різноманітних жанрах і засобах масової інформації, досліджують епоху романтизму, її ставлення до природи та мистецтва Каспара Давида Фрідріха, починаючи від відео та фотографії та закінчуючи інсталяціями. Серед учасників Алекс Грейн, Свантьє Гюнцель, Йохен Хайн, Йоганна Карлссон, Хіроюкі Масуяма, Людміла Міланова, Маріель Нойдекер, Ульріке Розенбах, Сьюзан Шуплі, Сантері Туорі та Кехінде Вайлі.

Про авторів:

Маркус Бертш є керівником колекції 19-го століття в Гамбурзькій художній залі. Йоганнес Ґраве – професор історії сучасного мистецтва з акцентом на європейському романтизмі в Єнському університеті. У 2020 році він отримав премію імені Готфріда Вільгельма Лейбніца за дослідження мистецтва початку 1800-х років, живопису раннього Відродження та теорії зображення.

Творчість Сезанна, яку широко вважають містком між імпресіонізмом кінця ХІХ століття та кубізмом, характеризується ретельним вивченням своїх сюжетів. Ця книга, переповнена бездоганно відтвореними зображеннями, пропонує повносторінкові розгортки шедеврів, а також висвітлення дрібних деталей, що дозволяє глядачеві оцінити кожен аспект техніки та творчості художника.

The painter as poet. A world of floating symbols

For Marc Chagall (1887–1985), painting was an intricate tapestry of dreams, tales, and traditions. His instantly recognizable visual language carved out a unique early 20th-century niche, often identified as one of the earliest expressions of psychic experience.

Chagall’s canvases are characterized by loose brushwork, deep colors, a particular fondness for blue, and a repertoire of recurring tropes including musicians, roosters, rooftops, flowers, and floating lovers. For all their ethereal charms, his compositions were often rich and complex in their references. They wove together not only colors and forms, but also his Jewish roots with his present encounters in Paris, markers of faith with gestures of love and symbols of hope with testimonies of trauma.

Across scenes of birth, love, marriage, and death, this dependable artist introduction explores the many versions of Chagall’s rich vocabulary. From visions of his native Vitebsk in modern-day Belarus to images of the Eiffel Tower, we explore the unique aesthetic of one of the most readily identifiable modern masters and one of the most influential Jewish artists of all time.

About the Series:

Every book in TASCHEN's Basic Art Series features:

* a detailed chronological summary of the artist's life and work, covering the cultural and historical importance of the artist
* approximately 100 color illustrations with explanatory captions
* a concise biography

Цей приголомшливий каталог виставки, який містить сто робіт за всю кар’єру Шагала, зосереджується на взаємодії художника з найбільш первинними та універсальними темами життя.

Величезний обсяг робіт Шагала, пронизаний традицією, але живий уявою, відображає глибокий зв’язок із культурним корінням і безмежними можливостями творчого вираження. Ця монографія дає новий погляд на найважливіші аспекти творчості Шагала. Він простежує, як протягом восьми десятиліть Шагал реагував на експерименти своїх сучасників із кубізмом, фовізмом і сюрреалізмом, створюючи власну візуальну мову.

Він пропонує жваве дослідження головних тем ― кохання та романтики; єврейська традиція та історія; духовність і повсякденне життя, засноване на пам’яті та ностальгії ― і способи їх відображення через повторення та варіації протягом багатьох років. І це показує, як гнучке використання символів Шагалом сприяє побудові фантастичного космосу, заснованого на «логіці нелогічного».

Читачі зрозуміють, що Шагал, по суті, був оповідачем із величезним даром до кольору та лінії, а також художником-оповідачем, який розумів силу символізму у своїх власних термінах.

Про автора:

Гізела Кірпіценко, куратор музею Альбертіна у Відні.