Збірники робіт з мистецтва

На початку 2020 року, коли набирали чинності глобальні обмеження, пов’язані з Covid-19, художник Девід Гокні перебував у своєму будинку, майстерні та саду в Нормандії. Звідти він став свідком приходу весни та записав розквіт навколишнього ландшафту на свій iPad, носій, яким він користується більше десяти років. Робота на свіжому повітрі була для Хокні протиотрутою від тривоги моменту: «Нам потрібне мистецтво, і я справді думаю, що воно може зняти стрес», — каже він.

Ця надихаюча публікація, створена для супроводу великої виставки в Королівській академії мистецтв, включає 116 його нових картин на iPad і в повній мірі демонструє виняткову майстерність Хокні у вловленні буяння природи.

Видана у співпраці з Фондом Louis Vuitton, Париж, ця яскрава та візуально захоплива книга великого формату пропонує детальну подорож визначним життям та кар'єрою Хокні.

Грайливий, проникливий, завжди допитливий, Девід Хокні — один із найвидатніших сучасних художників. Видана у співпраці з Фондом Louis Vuitton, Париж, та прив'язана до його великої виставки 2025 року, книга Девіда Хокні зображує надзвичайно творче життя за допомогою зображень та тексту в одній книзі пейзажів великого формату.

Обрані твори мистецтва відображають ключові теми та захоплення Хокні протягом десятиліть, від його раннього життя в Бредфорді та Лондоні до каліфорнійської епохи та пізніших років у Брідлінгтоні, Йоркширі та Нормандії, Франція. Кілька розділів розташовані тематично, починаючи від натюрмортів та портретів до його улюблених пейзажів та приголомшливих дизайнів для опери. В останньому розділі досліджується взаємодія Хокні з цифровим мистецтвом, зокрема на iPad. Протягом усієї книги ми бачимо безкінечну винахідливість, допитливість та креативність, які характеризують творчість Хокні протягом восьми десятиліть.

Щоб надати контекст мистецтву Хокні, цей вичерпний огляд містить добірку архівних фотографій та привабливих творів мистецтва, поєднаних із майстерно написаними текстами видатних кураторів-експертів, мистецтвознавців та критиків, включаючи сера Нормана Розенталя та сера Саймона Шаму.

Складена за участю Девіда Хокні та його студії, а також з великомасштабним альбомним форматом з добіркою розворотів, що дозволяє читачеві насолоджуватися мистецтвом, ця книга є найважливішою про всю кар'єру Хокні на сьогоднішній день і сподобається численним шанувальникам творчості художника по всьому світу.

Про автора:

Сер Норман Розенталь — незалежний куратор та історик мистецтва. Він був секретарем виставок Королівської академії в Лондоні з 1977 по 2008 рік.

Get a glimpse into the life and work of painter, sculptor, and printmaker Edgar Degas, who is regarded as one of the founders of Impressionism

Best known for his depictions of young dancers on the stage and in the studio, Degas was an accomplished draughtsman and portraitist of superb emotional depth. Much of his work eschewed bright colors and spontaneity for carefully studied interiors and scenes of daily life. This book explores the full range of Degas's work, from his celebrated paintings of dancers and depictions of cafe life to his pencil sketches and wax and bronze sculptures. Stunning reproductions help readers understand many aspects of Degas's oeuvre, such as his gift for capturing movement, the ways he drew inspiration from Japanese prints and Old Masters, and his experiments with color and form. A biographical text traces Degas's life from his studies at the Ecole des Beaux-Arts and his early history paintings to his friendships with Cassatt and Manet, his reliance on painting dancers to keep him financially afloat, and his lonely, final days in Paris. Accessible and engaging, this exploration of Degas's life and art looks beyond his well-known works to reveal a talented and complicated genius.

A fascinating examination of Munch’s prints, which were central to his creative process and established his reputation as an artist

Edvard Munch (1863–1944) is best known today as a painter, but his reputation was in fact established through his prints, which were central to his creative process. His printmaking was experimental and innovative, and he continually revisited the subjects of his paintings in striking prints, in which he evoked a wide range of emotion and mood through the use of varied techniques.

Munch’s early life in the industrial town of Kristiania (renamed Oslo in 1925) was marked by sickness and poverty. His first works centred on the expression of deep emotional experiences, specifically the deaths of his mother and teenage sister, as well as passionate yet unhappy love affairs of which his deeply religious father disapproved. Encouraged by his encounters with a Bohemian society of artists, writers and poets, he developed a visual landscape that was a radical deviation from the slick society portraits and grand Scandinavian landscapes then so much in vogue. His efforts attracted considerable attention and much criticism, and he practised with little financial success as a painter for ten years before he started to gain his reputation as a profoundly innovative printmaker.

Written by a team of experts, and with an interview by writer Karl Ove Knausgaard, this book will shed new light on the production of some of Munch’s most remarkable works.

Contents List:

Foreword by the directors of the British Museum and the Munch Museum; Sponsor’s foreword • Introduction • 1. Transfigured continent: Impressions from Munch’s Europe • 2. The inner soul of an artist: Munch’s background and the development of his Frieze of Life • 3. Munch and the world of printmaking • 4. Munch and the theatre in Paris • 5. ‘Is art influenced by too much business?’: Cultural capital and the market for Munch • 6. Plates, stones and blocks: Munch’s printing matrices • Reflections on Edvard Munch: an interview with Karl Ove Knausgaard • Checklist of works in the exhibition • Chronology; Checklist of exhibited items; Notes; Selected bibliography; Prints by Munch in UK public collections; Acknowledgments; Picture credits; List of contributors; Index

About the Authors:

Giulia Bartrum is Curator of German Prints and Drawings at the British Museum.

Karl Ove Knausgaard is a Norwegian author, known for six autobiographical novels titled My Struggle.

Edward Hopper’s world-famous paintings articulate an idiosyncratic view of modern life. With his impressive subjects, independent pictorial vocabulary, and virtuoso play of colors, Hopper continues to influence to this day the image of the United States in the first half of the twentieth century. He began his career as an illustrator and became famous around the globe for his oil paintings. They testify to his great interest in the effects of color and his mastery in depicting light and shadow. The Fondation Beyeler is devoting its large exhibition in the spring of 2020 to Hopper’s iconic images of the vast American landscape. The catalogue gathers together all of the paintings, watercolors, and drawings from the 1910s to the 1960s on display in the exhibition, and supplements them with essays focused on the subject of depicting landscape.

Edward Hopper (1882–1967) is the master of American Realism. His paintings captured life during his era. His method of painting rapidly became the stylistic foundation of a type of American modernism. A source of inspiration for countless painters, photographers, and filmmakers, his body of work continues to be influential to this very day.

Викривлений блиск. Нав'язливий, радикальний, тривожний: Егон Шиле

Зі своїм революційним та вільним поглядом на оголене тіло та сексуальність, Егон Шиле рішуче вписав себе в історію мистецтва на початку минулого століття. Навіть сьогодні жінки та автопортрети, написані enfant terrible віденської модерної епохи, все ще мають захопливий та сміливий ефект. Усі вони були створені протягом останнього десятиліття його короткого життя.

Після того, як Егон Шиле (1890–1918) звільнився з тіні свого наставника та взірця для наслідування Густава Клімта, у нього було лише десять років, щоб вписати свій фірмовий стиль в аннали сучасності, перш ніж іспанський грип забрав його життя. Будучи вундеркіндом, цілком усвідомлюючи власний геній, та пристрасним провокатором, це не виявилося надто великим викликом.

Його виснажені, перевантажені фігури, екстремальне зображення сексуальності та автопортрети, на яких він зображував себе з виснаженим виразом обличчя, що межував між блиском та божевіллям, не мали жодної декоративної якості гімнів Клімта про кохання, сексуальність та тугу відданості. Натомість роботи Шиле говорили про жорстоку чесність, яка порушила та безповоротно змінила віденське суспільство.

Хоча його роботи пізніше були названі «дегенеративними» та на деякий час майже забутими, вони вплинули на покоління художників — від Гюнтера Бруса та Френсіса Бекона до Трейсі Емін. Сьогодні його тоді незрозуміла творчість продовжує продаватися за непомірні ціни на міжнародному арт-ринку.

Ця монографія, вперше опублікована у форматі XL, тепер доступна у дещо скороченому, більш компактному виданні з нагоди 40-річчя TASCHEN та містить картини та малюнки, що відображають плідне останнє десятиліття життя Шиле. Ці роботи супроводжуються есе, що знайомлять з його життям та творчістю, розглядають австрійського майстра в контексті європейського експресіонізму та описують його надзвичайну спадщину.

Редактор:

Тобіас Г. Наттер — всесвітньо визнаний експерт з мистецтва «Відня близько 1900 року». Протягом багатьох років він працював в Австрійській галереї Бельведер у Відні, останнім часом головним куратором. Він також працював запрошеним куратором у галереях Тейт Ліверпуль, Новій галереї Нью-Йорк, Гамбурзькій кунстхалле, Ширні у Франкфурті-на-Майні та Єврейському музеї у Відні. З 2006 по 2011 рік він керував Музеєм Форарльберга в Брегенці, а з 2011 по 2013 рік був директором Музею Леопольда у Відні. У 2014 році він заснував Natter Fine Arts, яке спеціалізується на оцінці творів мистецтва та розробці концепцій виставок. Він є автором книги Gustav Klimt. Complete Paintings, Art for All. The Colour Woodcut in Vienna around 1900 та Egon Schiele. The Complete Paintings 1909–1918.

Про серію:

TASCHEN – 40 років! З моменту початку нашої роботи як культурних археологів у 1980 році, TASCHEN став синонімом доступного видавництва, допомагаючи книголюбам по всьому світу формувати власну бібліотеку мистецтва, антропології та афродизії за неперевершеною ціною. Сьогодні ми святкуємо 40 років неймовірних книг, залишаючись вірними кредо нашої компанії. Серія 40 представляє нові видання деяких зірок нашої програми — тепер більш компактні, доступні за ціною та виконані з тією ж відданістю бездоганному виробництву.

Основна увага в цьому каталозі приділяється пізнішим, менш відомим роботам Егона Шіле, в яких він опрацьовував приватні та історичні події, починаючи з 1914 року, у стилі, що суттєво відрізняється від його ранніх робіт.

Творчий доробок ексцентричного художника Егона Шиле (1890–1918), створений протягом лише десяти років, відомий, перш за все, завдяки його головним картинам та малюнкам, створеним між 1910 та приблизно 1913/14 роками, в яких він опрацьовував власні емоційні стани та виражав внутрішні потрясіння цілого покоління у своїх зображеннях людської фігури. Його пізніші роботи після 1914 року, які суттєво відрізняються від ранніх і менш відомі. Його лінії стали більш виміряними, плавними та органічними, а фігури – повними та реалістичнішими. Озираючись назад, можна сказати, що особисті та історичні зміни та події 1914 року – початок війни, шлюб з Едіт Гармс (1893–1918) та нудьга армійського життя – явно мали глибокий вплив на його художню творчість.

Серед іншого, повністю публікується майже невідомий щоденник Едіт Шиле (1915–1918), в якому вона записувала свої переживання, думки та почуття в ці важкі часи.

Про авторів:

Містить тексти від: Сандри Дзялек, Сімони Хеніґль, Керстін Джессі, Джейн Каллір, Ганнеса Лейдінгера.

Egon Schiele (1890-1918) was one of the greatest artists of the twentieth century.

A superb draftsman and colourist, he produced images of startling emotional power. Following the lead of his mentor, Gustav Klimt, Schiele created figurative works of uncanny intimacy and brought a new openness to the art of his time. Schiele's premature death at the age of 28 has added a mythic quality to his artistic achievements. Egon Schiele: Portraits focuses on five groupings of the artist's work: family and academy, fellow artists, sitters and patrons, lovers and allegory. In addition, it features a special section on a traumatic and pivotal period in Schiele's life: his arrest and imprisonment during the summer of 1912. Documenting the artist's changing style, both pre- and post-imprisonment, the book features many key works that have been assembled for this exhibition from both American and European museums and private collections.

About the Author:

Alessandra Comini is University Distinguished Professor of Art History Emerita at Southern Methodist University and a specialist in the work of Egon Schiele.

A joyful and celebratory gift book devoted to the work of the much-loved English artist Eric Ravilious (1903–1942) and the influence of natural forms and themes in his work.

Eric Ravilious was a designer, painter, printmaker and illustrator best known for his depictions of the English landscape, particularly the South Downs. Often described as a particularly ‘English’ artist, key to his style was an ability to convey in watercolour the mild vagaries of the British climate. His engagement with nature, though romantic rather than precise, pervades his works in many different techniques. This book explores his appreciation of the natural world and the techniques he used in a variety of media to convey those elements.

Drawing on the V&A’s collections, more than 100 beautiful images capture Ravilious’s deep enjoyment of everything in nature, from dewponds, cockerels, grassy hills, owls, greenhouse geraniums, cornsheaves and snow, to the rainy seas, airport-runway puddles and tideswept beaches of his later work as a war artist. The book includes sections on weather, plants, landscape, animals and birds, and ends with a section devoted to man in the landscape, showcasing Ravilious’s love of rusting machinery and other signs of human presence within nature, not least his famous depictions of hillside chalk figures.

This book will appeal to those with a love of English landscapes, flora and fauna or an interest in British art and design in the interwar period.

About the Author:

Ella Ravilious is Curator of Architecture and Design at the Victoria and Albert Museum, having worked there in various roles since 2005. She is the granddaughter of Eric Ravilious and Tirzah Garwood.
 

The Swiss artist Félix Vallotton (1865-1925) was born in Lausanne, but spent much of his working life in France. Closely associated with Pierre Bonnard and Édouard Vuillard, and a fellow member of the avant-garde group Les Nabis, Vallotton has nonetheless sometimes been overshadowed by his more famous contemporaries. Although he produced some of his most important work in Paris in the 1890s, his original and innovative approach persisted throughout his career.

Texts by leading authorities look at Vallotton's life, work and reception. Generously illustrated throughout with the finest exemplars of the artist's paintings and prints, this book accompanies a new presentation of Vallotton's oeuvre that aims to re-evaluate his output and legacy, and includes works never seen in public before.

Exhibition organised by the Royal Academy of Arts, London, and The Metropolitan Museum of Art, New York, in collaboration with Fondation Félix Vallotton, Lausanne.

About the Authors:

Dita Amory is curator at The Metropolitan Museum of Art, New York, and author of Madame Cézanne (2014). Philippe Büttner is Keeper of the Collection at the Kunsthaus Zürich. Ann Dumas is curator at the Royal Academy of Arts, London. Patrick McGuinness is a novelist, critic and poet, and Professor of French and Comparative Literature at the University of Oxford. Katia Poletti is Director of the Vallotton Foundation. Christian Rümelin is Keeper of Prints and Drawings at the Cabinet d'arts graphiques du Musée d'art et d'histoire in Geneva. Belinda Thomson is an honorary fellow at the University of Edinburgh and an independent art historian.

Як високо візуальний, проникливий та швидкий спостерігач навколишнього світу, фотограф Френк Окенфельс 3 робить безліч зображень, які служать художніми стимулами для його творчого розуму. Процес зіткнення, змови та співпраці є основою його творчості, що призводить до перетворення фотографічного зображення на щось інше, «переосмислення» того, що він бачив через об'єктив. Це стає новою формою, яка передає нове повідомлення, нове значення; часто передаючи більш потужне емоційне візуальне твердження.

Роботи Окенфельса 3 у цій книзі відкривають вікно в його візуальне мислення, внутрішній світ образів та емоцій у його свідомості. Під впливом чорнила, колажу чи фарби, зображення вже не є просто фотографіями окремої людини, а стають більш особистим твердженням про те, ким є митець, його психіку і, як такі, творче мистецтво в його найчистішій формі. Еротичні, піднесені та насильницькі колажі поєднуються з портретами, які бездоганно доповнюють одне одного. Фотографічні творіння стають тактильними, привносячи інший вимір сенсорного досвіду. FWO3 рухає прагнення та цікавість відкрити образ, який ще не відомий, водночас він створює візуальну мову, яка промовляє з найпервісніших і найтемніших куточків його розуму. Він створює сни наяву, образи, що представляють найтемніші, найменш освітлені аспекти його підсвідомості, спроектовані на людину, яку він сфотографував. Він має сміливість вийти далеко за межі очікуваного та очевидного, порушуючи межі традиційної фотографії. Окенфельс 3 не ризикує, і в результаті він дуже ефективно викликає у глядача аспекти його власної психіки, про які він може усвідомлювати чи не усвідомлювати. Неможливо не відчути резонансу з хаотичною вібрацією його розуму. Він залишає відбиток своєї підсвідомості на фотографічному зображенні. Творчість: це чудове перетин мрії, фантазії та мистецтва — це не просто можливість висловити концепцію чи емоцію, а привід відкрити досвід як у художника, так і у глядача. Це може призвести до тривожного, але естетично приємного моменту.

Про автора:

Френк Окенфелс 3 — американський фотограф, художник і режисер. Він відомий своєю портретною технікою та використанням нефотографічних елементів у своїй роботі. Окенфелс застосовує такі техніки, як колаж, живопис і малюнок, до своїх фотографій. Свою кар'єру він розпочав, працюючи для таких журналів, як Rolling Stone, Spin, Vanity Fair, New York Magazine і Vogue. Він сфотографував понад 200 обкладинок альбомів для різних музикантів. Крім того, він створив незліченну кількість рекламних кампаній для великих клієнтів у сфері телебачення та кіно. Серед інших клієнтів у сфері реклами — Nike, K Swiss, Reebok і Hennessy. Роботи Френка Окенфелса 3 користуються попитом вже понад три десятиліття.

- Поєднання фотографії, письма та малювання — найкращий колаж
- Щоденник, що відображає щоденні зустрічі у творчому світі
- Нестабільна суміш енергії та образів з темними слідами

Лючіан Фрейд присвятив своє життя зображенню людей у ​​своєму світі без лестощів і вишуканості. Незважаючи на те, що його техніка та стиль надзвичайно розвивалися протягом десятиліть, Фрейд ніколи не порушував своїх безкомпромісних стандартів чи несентиментального підходу до своїх суб’єктів. Цей вступ до життя та творчості Фрейда починається яскравим есе, у якому розповідається про те, як прихильність Фрейда до реалізму та зосередженість на людській фігурі привернула його увагу до 1980-х років, коли відновлений міжнародний інтерес до живопису та фігури надав його роботам нового значення. Приголомшливі репродукції ключових творів представлені в хронологічному порядку, що дозволяє читачам побачити, як протягом десятиліть розвивалися мазок, композиція та використання світла Фрейда. Незалежно від того, чи малював він членів королівської родини чи касира в лондонському нічному клубі, Фрейд наповнював свої портрети психологічною напругою, людяністю та глибоким інтересом до стосунків між художником і моделлю.

Про автора:

Бред Фінґер – історик мистецтва, який живе поблизу Чикаго, штат Іллінойс. Він є автором книг Modern Art -The Groundbreaking Moments та 13 American Artists Children Should Know.

Frida Kahlo (1907–1954), as an artist and a woman, has a unique international appeal. Her instantly recognizable work draws extensively on her life and her extraordinarily personal reflections upon it.

On Kahlo’s death, her husband, Diego Rivera (1886–1957), ordered that her most private possessions be locked away until 15 years after his death. The bathroom in which her belongings were stored in fact remained unopened until 2004. Through this incredible archive, Frida Kahlo: Making Her Self Up gives readers a unique window into Kahlo’s life. It will focus on the personal, combining her prosthetics, jewelry, and clothes with self-portraits, diary entries, and letters to build an intimate portrait of the artist through her possessions, setting this in the context of her political and social beliefs.

 - Includes six inset booklets, containing photographs of Kahlo’s most intimate possessions
 - 16 page section showcasing Kahlo’s wardrobe, specially conserved and mounted
 - Spectacular details of embellishments and textiles

About the authors:

Claire Wilcox is Senior Curator of Fashion at the V&A and Professor in Fashion Curation at the London College of Fashion, University of the Arts London. She curated the exhibitions Vivienne Westwood (V&A, 2004), The Golden Age of Couture: Paris and London 1947–1957 (V&A, 2007) and Alexander McQueen: Savage Beauty (2015), and edited the accompanying catalogues.
Circe Henestrosa is an independent curator and Head of the School of Fashion at LASALLE College of the Arts, Singapore. She curated the exhibition Appearances Can Be Deceiving: The Dresses of Frida Kahlo (Museo Frida Kahlo, Mexico City, 2012).

This definitive appreciation of Kahlo’s career features gorgeous full-page reproductions and insightful commentary to illuminate connections between the artist’s life and work.

Few painters have been as celebrated and adopted into popular culture as Frida Kahlo — often to the detriment of her amazing achievements as a painter. In this striking volume, one of the world’s foremost scholars on Kahlo’s art looks past the hype to focus on the artist’s technique and motifs. Reproductions of Kahlo's paintings, along with selected details, are accompanied by illuminating observations about the role of physical and mental suffering in the creative process, Kahlo’s mastery and reinvention of European traditions, and the wealth of coded and metaphorical elements hidden in so much of her work. A rich and rewarding exploration of an artist all too easily reduced to a single narrative, this nuanced study is also an exquisitely produced celebration of Kahlo’s genius.

About the Author:

Helga Prignitz-Poda is an art historian and specialist in Latin American studies and lives in Berlin. She is a specialist on Frida Kahlo and a co-editor of the catalogue raisonné of Frida Kahlo's work.

__________

Пролистать книгу Frida Kahlo: The Painter and Her Work

Опублікований разом із виставкою Gauguin: Metamorphoses в Музеї сучасного мистецтва, цей том досліджує дивовижний зв’язок між рідкісними й надзвичайними гравюрами та малюнками Поля Ґоґена та його більш відомими картинами та скульптурами з дерева та кераміки.

Створені під час кількох стриманих спалахів діяльності з 1889 року до його смерті в 1903 році, ці чудові роботи на папері відображають експерименти Гогена з різними засобами, від радикально примітивних гравюр на дереві, що поширюються від скульптурного різьблення його дерев’яних рельєфів, до ювелірних акварельних монотипій і великих таємничих малюнків. Книга Gauguin: Metamorphoses, багато ілюстрована приблизно 190 роботами в різних техніках, досліджує радикальний експериментальний підхід художника до техніки та його ключове місце в історії мистецтва. Вступне есе Старра Фігури розглядає значення новаторської графіки Гогена та зв’язок між його гравюрами та роботами в живописі та скульптурі.

Про авторів:

Елізабет Чайлдс пише про радикальні дерев’яні скульптури Гогена, використовуючи їх як пробний камінь для подальшого дослідження його перипатетичної практики.
Есе Хела Фостера розглядає примітивізм Гогена та його естетичні та культурні наслідки.
Есе Еріки Мозьє пропонує реставратору зрозуміти незвичайні техніки гравюри Гогена.