Книги про сучасне мистецтво

Figurative painting of the past five years, represented here by an exciting young generation of artists and vital practitioners, addresses the challenge of contemporary representation through expressionistic compositions and new techniques reflecting digital fluency.

Figuration is one of the oldest art forms, but it continually evolves, along with our changing understanding of human identity. The artists featured here often source imagery from the Internet, and draw on aesthetics developed in Internet-first channels. Digital techniques and affordances are incorporated into rendering processes with traditional media: brushstrokes are more precise, lines are sharper, and color is more highly keyed. In these works, expressionism is located more in the composition than in the paint handling.

This richly illustrated collection of figurative works is accompanied by texts that connect the present moment in painting to the early 1980s, when the emergence of artists such as Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, David Salle, and Julian Schnabel revitalized the art dialogue after the extended dissolution of Minimalism, and to its roots in the practice of painters like Picabia.

About the Author:

Jeffrey Deitch has helped to build the careers of some of the leading contemporary artists as a gallerist and curator. He is the former Director of the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. His book Live the Art: Fifteen Years of Deitch Projects, was published by Rizzoli in 2015.

___________

Пролистать книгу Unrealism: New Figurative Painting

Au Courant with the Art Scene

The history of the VanhaerentsArtCollection began in the 1970s, when a young Walter Vanhaerents laid the foundation of his now famous collection with works by Andy Warhol. Much has happened since then, but the focus on new and provocative art, often considered radical at the time, remained. From Bruce Nauman, Yoshitomo Nara, and Bill Viola to Cindy Sherman, Jeff Koons, Katharina Fritsch, or Tom Sachs—across different genres and media, the Brussel-based collection reflects a keen sense of the latest developments in current art practices as well as a prescient intuition for emerging artists. The publication Looking Ahead celebrates the 50th anniversary of this unique collection and provides an overview of the exhibitions of the past 15 years.

Walking surveys the proliferation of pedestrian practices across contemporary art, taking an avowedly political stance on where and how the three practices of art, walking and writing intersect.

Across the world, walking remains a vital way to assert one’s presence in public space and discourse. Foregrounding work by Black artists, Indigenous artists and artists of colour, working-class artists, LGBTQI+ artists, disabled artists and neurodiverse artists, as well as many others, Walking maps the terrain of contemporary walking practices while examining the diverse voices and bodies of those who incorporate walking into their art. This anthology contends that, as a relational practice, walking inevitably touches upon questions of access, public space, land ownership and use; it is therefore always a political act. Walking offers a vital opportunity to draw attention to the work of those who are frequently denied the right to take their places in public space, not only in the street or the countryside but also in art discourse.

Artists included: Stanley Brouwn, Annalee Davis, Laura Grace Ford, Regina Jose Galindo, Emily Hesse, Tehching Hsieh, Steffani Jemison, Kongo Astronauts, Myriam Lefkowitz, Sharon Kivland, Andre Komatsu, Steve McQueen, Jade Montserrat, Sara Morawetz, Bruce Nauman, Paulo Nazareth, Camilla Nelson, Ingo Niermann, Carmen Papalia, Ingrid Pollard, Issa Samb, Moneta Sleet Jr, Mikey Smith, Sop, Iman Tajik, Tentative Collective, Amanda Thomson, Robert Walser, Anna Zvyagintseva.

Writers included: Jason AllenPaisant, Katherine Bailey, Tanya Barson, Andre Brasil, Amanda Cachia, Sarah Jane Cervenak, Annie Dillard, Jacques Derrida, Dwayne Donald, Darby English, Kate Fletcher, Susan Gibb, Edouard Glissant, Steve Graby, Antje von Graevenitz, Stefano Harney & Fred Moten, Elise Misao Hunchuck, Kathleen Jamie, Carl Lavery, JeeYeun Lee, Michael Marder, Chus Martinez, Giordano Nanni, Gabriella Nugent, Sonia Overall, Roger Owen, Julie Pellegrin, Isobel Parker Philip, Caroline Filice Smith, Cherise Smith, Rebecca Solnit, Stephanie Springgay and Sarah E. Truman.

About the Author:

Tom Jeffreys is a writer and editor based in Edinburgh, Scotland. His work has been featured in a range of publications including Artforum, ArtReview, eflux Criticism, Frieze, Monocle, New Scientist and The World of Interiors. He is author of The White Birch: A Russian Reflection (2021) and Signal Failure: London to Birmingham, HS2 on Foot (2017).

This landmark monograph is the first comprehensive survey of Walter De Maria’s exceptionally diverse and visionary art practice, providing an in-depth look at more than 200 works and presenting the first detailed chronology ever published.

Although best known as a creator of seminal works of Land art, Walter De Maria also maintained an extensive and highly original practice as a sculptor, painter, draftsman, writer, filmmaker, and composer. This expansive publication presents more than 200 works created or envisioned by the artist from 1960 until his death in 2013. Each work is fully illustrated and accompanied by detailed text entries written by Elizabeth and Michael Childress, supplemented by archival images, many of which have never been published before.

Essays by Michael Govan, Christine Mehring, and Lars Nittve provide detailed overviews and analyses of the early, middle, and later periods of De Maria’s production. The monograph also includes an introduction by Donna De Salvo; the first detailed, thoroughly documented, and illustrated chronology of De Maria’s life and work, written by Dagny Corcoran; and an exhibition history and bibliography.

About the Authors:

Elizabeth Childress is the director of the Walter De Maria Archives. Michael Childress is the archivist at the Walter De Maria Archives. Dagny Corcoran was the founding proprietor of Art Catalogues, an art bookstore in Culver City, California. She also served as director of books and multiples at Marian Goodman Gallery. Donna De Salvo is the senior adjunct curator of special projects at Dia Art Foundation in New York. Michael Govan is the CEO and Wallis Annenberg Director of the Los Angeles County Museum of Art. Christine Mehring is the Mary L. Block Professor in the Department of Art History at the University of Chicago, as well as associate faculty in the Department of Visual Arts at the University. She also serves as an adjunct curator at the David and Alfred Smart Museum of Art. Lars Nittve is the director of the Moderna Museet, Stockholm.

Between Afrofuturism, fantasy and postcolonialism: the most comprehensive monograph to date on the fantastical worlds of Wangechi Mutu

Wangechi Mutu takes viewers on journeys of material, psychological and sociopolitical transformation; this volume explores her most recent groundbreaking work. Over the past two decades, Mutu has created chimerical constellations of powerful female characters, hybrid beings and fantastical landscapes. With a rare understanding of the need for powerful new mythologies beyond simple binaries and stereotypes, Mutu breaches common distinctions between human, animal, plant and machine. An artist who calls both Nairobi and New York City home, Mutu moves voraciously between cultural traditions to challenge colonialist, racist and sexist worldviews with her visionary projection of an alternate universe informed by Afrofuturism, posthumanism and feminism.

This dazzling book accompanies a presentation of Mutu’s new work on view at the Legion, along with a greater selection from her landmark oeuvre. It is the most comprehensive book on the artist to date.

«FriendsWithYou» – це сучасний мистецький колектив, який поширює своє об’єднуюче послання Магії, Удачі та Дружби по всьому світу з моменту свого заснування у 2002 році. Розширюючи свою місію об’єднання та пробудження через свої інтерактивні твори мистецтва, художники Семюел Борксон та Артуро Сандовал III закликають глядача переосмислити та переосмислити втрачений сенс духовності. Використовуючи такі ідеї, як анімізм, цілющі мистецтва, сучасні ритуали та відомі символи, «FriendsWithYou» звертається до людської потреби спілкуватися один з одним. Разом художники створили власний бренд пост-поп візуальної мови в стилі Муракамі, Артуро Еррери та Яйої Кусами та прищепили своїй роботі потужну здатність викликати думки про щастя, цікавість та змістовну взаємодію.

We Are FriendsWithYou – це яскрава та вичерпна монографія, яка досліджує шлях Сема та Турі, від їхніх ранніх виготовлених вручну арт-об’єктів до їхніх нещодавніх робіт, що експериментують з анімацією, живописом, скульптурою, громадськими ігровими майданчиками та опублікованими роботами. Виникнувши на перехресті мистецтва, дизайну та популярної культури, творчість FriendsWithYou є досить унікальною. Представляючи «надрівну» точку зору на свої творіння та допускаючи вплив усіх типів – кінорежисерів, письменників, аніме-художників, а також сучасних художників – вони революціонізують світ мистецтва та розширюють чіткі визначення цих дисциплін. Завдяки внеску Фаррелла Вільямса, Алехандро Ходоровського та Пітера Дорошенка, ця книга розкриває небачений раніше погляд на весь корпус робіт мистецького дуету, відповідального за поширення самопроголошеного «вірусу щастя».

Про автора:

FriendsWithYou – це всесвітньо відомий мистецький колектив, який виник у Маямі та зараз базується в Лос-Анджелесі. Фаррелл Вільямс – дизайнер, артист звукозапису та продюсер, що мешкає в Маямі. Алехандро Ходоровський – драматург, режисер, композитор, актор, мім, автор коміксів, таролог, психотерапевт та автор. Петро Дорошенко — директор Далласького музею сучасного мистецтва та автор кількох книг про сучасних художників.

______________

Погортати книгу We Are FriendsWithYou

A Clarion Call for Cultural Resistance in a Digital Age 

Welcome to an extraordinary journey into underground culture from visionary publisher Jefferson Hack. Featuring contributions from cultural provocateurs Tilda Swinton, Rankin, Douglas Coupland, Björk, Aimee Mullins, and many more, We Can’t Do This Alone: Jefferson Hack the System re-defines the purpose of alternative media in the 21st century — drawing on a wealth of innovative projects to artfully map out a bright future for radical publishing. In the spirit of progressive individualism at its core every single copy is unique, emblazoned with an individuated, numbered cover displaying a one-off fresco of the provocative material between its pages. If you stand for nothing, you’ll fall for anything.

100% INDIVIDUAL 
This book is completely unique, containing a cover made just for you.
Made with Kodak

About the Authors:

Jefferson Hack is the editorial director and cofounder of Dazed Media. Hans Ulrich Obrist is codirector of exhibitions and programs and director of international projects at Serpentine Galleries. Björk is an Icelandic composer, musician, and singer. Tilda Swinton is a British actress and fashion icon known for both arthouse and mainstream films.

_________

Пролистать книгу We Can't Do This Alone: Hack the System: Jefferson Hack the System

A definitive and long-overdue monograph revealing the extraordinarily prolific career of the American artist Wes Lang, whose frenetic and manic paintings bring together ideas and icons mined from a post-pop American landscape. 

In the Wes Lang universe, recurring figures and symbols — horses, reapers, skulls, Native American chiefs, even nods to his favorite painters, country and jazz musicians — serve as emblems in one way or another for freedom and inspiration. References to the Tao Te Ching and the lectures of Ram Dass are scattered throughout the work, revealing a central ethos that underlies the artist’s complex iconography. The repetition of these sometimes paradoxical images and phrases, motifs and mantras, gives Lang’s work a ritualistic aspect seemingly at odds with his eclectic and spontaneous style.

Introduced with an exploratory essay by the critic Arty Nelson, the book draws on more than 25 years’ worth of material, from stark paintings on wood that formed the artist's first exhibition to richly layered oil paintings exhibited in Paris in 2020, and from unpublished pencil drawings to imagery made iconic by his enigmatic commercial collaborations. Oversized and with pull-out gatefold pages, the book is testament to the scope and richness of Lang's work: expansive in its iconography, deceptively intimate in its detail, and juxtaposing a textured, painterly style with a playful acceptance of the diversity of his own influences.

About the Authors:

Wes Lang is an American artist living and working in Los Angeles. Arty Nelson is a novelist and essayist who has published writing on contemporary artists from Chris Johanson to Ed Templeton.

___________

Пролистать книгу Wes Lang: Everything

The most comprehensive survey to date of the contemporary artist Whitfield Lovell, whose poetic and intricately crafted tableaux and installations document and pay tribute to the history and cultural memory of the African American experience.

Whitfield Lovell: Passages accompanies a major traveling exhibition of the artist’s powerful Conté crayon drawings combined with objects to create assemblages and multisensory installations that focus on aspects of Black history, raising questions about identity, memory, and America’s collective heritage. Whitfield Lovell (b. 1959, Bronx), a 2007 MacArthur Foundation fellowship recipient and conceptual artist, creates exquisite drawings inspired by his own collection of vintage photographs of unidentified African Americans taken between the Emancipation Proclamation and the civil rights movement. He pairs his meticulously rendered drawings done on paper or salvaged wooden boards with found objects, creating enigmatic assemblages and stand-alone tableaux that are rich with symbolism and ambiguity and evoke personal memories, ancestral connections, and the collective American past.

This richly illustrated volume features essays by leading scholars that contextualize Lovell’s work through the exploration of compelling elements such as sound and card playing, contemplating memory as method.

About the Author:

Michèle Wije is curator at the American Federation of Arts. Bridget Cooks is associate professor in the Departments of African American Studies and Art History, University of California, Irvine. Cheryl Finley is inaugural director of the Atlanta University Center Art History and Curatorial Studies Collective; a distinguished visiting professor at Spelman College; and associate professor of art history at Cornell University.

У цій захопливій та спонукаючій до роздумів книзі Сьюзі Ходж ґрунтовно та переконливо пояснює, чому сучасне мистецтво не є і ніколи не було дитячою забавкою.

У книзі розглядається 100 творів сучасного мистецтва, які викликали вороже ставлення критиків – від намальованої «Олімпії» (1957) Сая Твомблі, грубої, але спонтанної «LNAPRK» (1982) Жан-Мішеля Баскія до, здавалося б, недбало вираженої «Моє ліжко» (1998) Трейсі Емін – і пояснюється, як вони, далеко не будучи незначними новинками, є продовженням художніх ідей свого часу.

У минулому оцінка статусу художників значною мірою враховувала їхню здатність створювати подобу реального світу. Очікувалося, що портрет буде точним відображенням, а пейзажі повинні були бути впізнаваними у всіх своїх деталях. Однак, особливо після появи фотографії, багато художників перестали створювати такі «справжні» подоби на користь більш безпосередніх зображень, які прагнули виразити почуття до своїх об'єктів. З самого початку цих кардинальних змін критики помилково вважали очевидну відсутність техніки браком вишуканості, часто висміюючи твори, які вважають не що інше, як невмілі зусилля дітей.

Сьюзі Ходж пояснює, як «сумнозвісні» роботи, такі як «Еквівалент VIII» Карла Андре (1966) – прямокутне розташування вогнетривкої цегли, яке, щоправда, легко копіює дитина – займають унікальні ніші в історії ідей, демонструючи вплив минулих художників і впливаючи на наступних. П’ятирічна дитина може успішно виконати картину-спін, як у Демієна Херста, не розуміючи ідей, що лежать в її основі, або її місця в історії художніх починань, але з цього не випливає, що ця робота матиме значення для художників та істориків.

Завдяки ілюстраціям до робіт від Ганса Арпа до Адольфа Вольфлі, Ходж розміщує кожну роботу в її культурному контексті, щоб представити незабутнє бачення сучасного мистецтва. Ця книга дасть вам розуміння того, як сучасне мистецтво відрізняється від реалістичних творів попередніх століть, трансформуючи та надаючи інформацію вашим відвідуванням галерей протягом багатьох років.

Polish painter and filmmaker Wilhelm Sasnal has emerged over the last two decades as one of Europe's preeminent contemporary artists. This major monograph offers a comprehensive assessment of his practice.

Renowned for his powerful portrayals of our collective culture and history, Wilhelm Sasnal draws on found images from his surroundings, newspapers and magazines, billboards, and the Internet, creating works of art that act as an archive to the mass of sprawling images that flood contemporary life. His work addresses weighty historical themes such as the Holocaust, or familiar pop-cultural icons, as well as the people, places, and quotidian objects he encounters, constituting an artistic document of postcommunist Poland at a time of sociopolitical transformation. With a concise approach to his subject matter, Sasnal captures stolen moments in time. His graphic treatment of light and color suggests a camera's gaze, imbuing the canvases with a filmic quality.

This major volume is completed by a series of essays addressing significant themes in the artist's work: alienation, portraiture, the personal versus the public, and history as a prism of reflection.

About the Authors:

Wilhelm Sasnal (b. 1972) is a Polish painter, illustrator, and filmmaker. Brian Dillon is U.K. editor of Cabinet magazine and teaches at the Royal College of Art, London. Pavel Pys is Curator of Visual Arts at the Walker Art Center. Adrian Searle has been Art Critic for the Guardian since 1996. Kasia Redzisz is Senior Curator at Tate Liverpool. Andrzej Przywara is a curator, art critic, and art historian. He is Director of the Foksal Gallery Foundation, Warsaw.

Вільям Кентрідж — один із найцікавіших сучасних художників світу, відомий дослідженням сутності людства як через історичні, так і через повсякденні теми. Ця книга запрошує читачів «прислухатися до луни» — долучитися до резонансу мультидисциплінарної практики Кентріджа. Охоплюючи понад чотири десятиліття, вона представляє роботи, починаючи від його ранньої графіки та малюнків, які заклали основу для його серії анімаційних фільмів «Малюнки для проекції», і закінчуючи нещодавніми інсталяціями, що протистоять апартеїду, колоніалізму, соціальним потрясінням та колективній пам’яті.

Такі важливі роботи, як панорамна відеоінсталяція «Солодше грай танець» та серія дереворитів «Тріумфи та голосіння», використовують мотив процесії як потужну метафору змін. У книзі також представлено «Центр менш гарної ідеї» — простір для інкубації перформансу в Йоганнесбурзі, співзасновником якого є Кентрідж та Бронвін Лейс, що черпає свій імпульс з експериментального та відкритого підходу Кентріджа до творчості. Завдяки таким нещодавнім роботам, як триканальна кіноінсталяція «Перетнути ще одне море» та новим скульптурам із серії «Паперова процесія», цей том відображає широту та глибину творчості Кентріджа — водночас критичної, поетичної, особистої та завжди глибоко сформованої в рамках співпраці.

Видано у співавторстві з Museum Folkwang, Ессен, та Staatliche Kunstsammlungen Dresden

Ознайомтеся з чудовим перформансом Вільяма Кентріджа The Head & The Load, і дізнайтеся, як музика, танець, письмо та образотворче мистецтво поєднуються, щоб розповісти захопливу історію африканців під час Першої світової війни.

Понад тридцять років Вільям Кентрідж поєднує образотворче мистецтво, перформанс, театр та оперу, створюючи казкові, політичні та гуманістичні твори. Його інсталяції, фільми та малюнки часто стосуються політичної ситуації в Південній Африці, апартеїду та наслідків колоніалізму. Ця книга пропонує глибокий аналіз його перформансу «Голова та вантаж», який досліджує роль Африки під час Першої світової війни. Протягом війни понад мільйон африканців перевозили провізію та військове спорядження в небезпечних умовах для британських, французьких та німецьких військ за мінімальну або взагалі без оплати.

Вільям Кентрідж розповідає історію цих африканських носіїв, які забезпечили успіх переможців, але залишаються в тіні. Ця історія, яку сьогодні рідко вивчають, розгортається у постановочній картині, що поєднує музику, танець, акторську майстерність, покази та механізовані скульптури. Книга містить фотографії та текст з вистави, есе та твори мистецтва, спеціально створені Кентріджем для доповнення до п'єси. У супроводі міжнародного складу співаків, акторів та танцюристів, а також з музикою, написаною Філіпом Міллером, «Голова та вантаж» – це потужний та багатогранний твір, який переосмислює колоніальну історію та її наслідки для сучасного світу.

Про автора:

Вільям Кентрідж – південноафриканський художник, всесвітньо відомий своїми гравюрами, малюнками та анімаційними фільмами. Його роботи знаходяться в багатьох колекціях, зокрема в галереї Тейт Модерн у Лондоні, Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку та Центрі Помпіду в Парижі. Його вистави-спектаклі, зокрема «Голова та вантаж», були показані на Авіньйонському фестивалі (2012), тринадцятому документальному фестивалі в Касселі та MassMOCA, серед інших престижних фестивалів та майданчиків.

Оновлене видання відомої монографії, що прославляє одну з найвідоміших та найреволюційніших художниць нашого часу

«Яйої Кусама вийшла за межі світу мистецтва, щоб стати невід'ємною частиною популярної культури, нарівні з Енді Ворголом, Девідом Хокні та Кітом Харінгом». — The New York Times

Кусама всесвітньо відома своєю новаторською роботою на такі теми, як нескінченність, самооцінка, сексуальність та компульсивне повторення. Кусами, відомого імені на манхеттенській сцені 1960-х років, у своїй подальшій творчості вона поєднувала психоделію та поп-культуру з патернами, що часто призводило до партисипативних інсталяцій та серій картин. Це перероблене та розширене видання монографії 2000 року, яке, можливо, досі є одним із найповніших досліджень її творчості на сьогоднішній день, було доповнено есе Кетрін Тафт та збіркою нових віршів художниці.

Про авторів:

Акіра Татехата — поет і мистецтвознавець, лауреат літературної премії Такамі Джуна 2005 року.
Лаура Гоптман — куратор Музею сучасного мистецтва в Нью-Йорку.
Удо Культерманн був куратором і істориком мистецтва, який викладав у Вашингтонському університеті в Сент-Луїсі.
Кетрін Тафт — заступниця директора LAXART у Лонг-Айленді.

Louis Vuitton, світовий дім розкоші моди, та всесвітньо відома художниця Яйої Кусама знову співпрацюють, і в історії епічної співпраці бренду з митцями це найамбітніший проект на сьогодні.

У цьому важливому томі про цю потужну співпрацю, роботи новаторської художниці Яйої Кусами представлені разом із новаторською колекцією одягу, яку вона розробила разом з Louis Vuitton, і організовані навколо основоположних художніх тем, що надихнули цей проект.

Том, під редакцією Фердінандо Верді та Ізабель Венеро, містить статті відомих експертів як у галузі моди, так і мистецтва, включаючи письменницю Джо-Енн Фернісс, яка досліджує цю співпрацю, дизайнера Марка Джейкобса, який ініціював співпрацю дому з Кусамою, та кураторів Міку Йошітаке та Філіпа Ларратт-Сміта, які обидва організували важливі виставки, присвячені творчості художниці. А Ганс Ульріх Обріст, відомий куратор і художній директор Serpentine Galleries у Лондоні, Ганс Ульріх Обріст розмовляє з давнім експертом з Кусами Акірою Татехатою.

У дусі цього культового партнерства та з натяком на всенародне захоплення Кусамою, книга містить роздуми деяких найважливіших сучасних художників та музикантів, що працюють сьогодні, — зокрема Арки, Кетрін Бредфорд, Енн Імхофф, Раяна Макнамари, Рауля де Ньєвеса, Раяна Трекартіна, Нори Турато та Джаколбі Саттервайт, — які розповідають про вплив Кусами та її надзвичайну здатність створювати фантастичні світи за допомогою її фірмових кульок у горошок та дзеркальних кулей, що є радісним відображенням її глибоко вдумливої ​​філософії про мистецтво та всесвіт.

Про авторів:

Джо-Енн Фернісс — редакторка, креативна директорка та письменниця. Вона була головним редактором Arena Homme+ з 2004 по 2011 рік і регулярно пише для I-D, The Face та AnOther Magazine, а також для New York Times. Міка Йошітаке, доктор філософії, є незалежною кураторкою з досвідом у повоєнному японському мистецтві. Вона отримала ступінь магістра та доктора філософії з історії мистецтв в Каліфорнійському університеті в Лос-Анджелесі.

________________

Погортати книгу Yayoi Kusama x Louis Vuitton: Creating Infinity​ на сайтi видавництва.