Книги про сучасне мистецтво

Art & Makeup – це приголомшлива виставка робіт візажиста, що отримав нагороди, Лан Нгуєн-Гріаліс. Образи, створені спеціально для книги, натхненні світом мистецтва, скульптури, кіно та перформансу – серед посилань – Пікассо, Ворхол, Марія-Антуанетта, Клеопатра, «Божевільні» та «Великий Гетсбі».

Книга містить БІЛЬШЕ 200 чудових зображень, включаючи фотографії Ранкіна. Макіяж – це вид мистецтва, і, як і всі види мистецтва, він ґрунтується на техніці.

На доповнення до натхненних зображень основної частини книги, друга частина містить покрокові розбори технік, що використовуються для створення деяких образів. Також є посібник з індустрії, який містить поради та цитати професіоналів, від відомих візажистів та модельєрів до фотографів та стилістів знаменитостей.

Про автора:

Сміливий стиль Лан та її захопливі технічні здібності призвели до її співпраці з легендарними іменами, включаючи Девіда Бейлі, Ранкіна та незліченну кількість знаменитостей першого класу. Наразі вона є наймолодшою ​​володаркою премії «Золота маска» 2013 року за мистецтво макіяжу та володаркою премії National Professional Makeup Awards 2011 року за найкращий студійний макіяж і переможницею в загальному заліку.

Art & Today surveys contemporary art from 1980 to today, discussing over 450 of the most important artists of the last 25 years

Art & Today is an innovative and extensive survey of international contemporary art from the 1980s to the present. Over four hundred of the most significant contemporary artists from around the world are represented in this comprehensive overview - some emerging, some mid-career, and others long-established. Each of the book's sixteen chapters address recurring and relevant themes as diverse as "Art & Popular Culture," "Art & Its Institutions," and "Art & Globalism," rather than follow a strict chronological, geographical, or stylistic structure. Lively and up-to-date, Art & Today explores an era in which art defies simple categorization. The result is a surprising and original yet clear and reasoned perspective on contemporary art that breaks from prescribed classifications to offer a survey as expansive as the art it describes.

For instance, in the chapter "Art & the Body," one might find performance discussed alongside figurative painting, sculpture and photography alongside video, and North American artists alongside Asian artists. The chapter "Art and Globalism" discusses artists whose nationality, generation, and medium are as diverse as those of Alan Sekula, Michal Rovner, Cildo Meireles, Manuel Ocampo, Chen Zhen, and Andreas Gursky. Internationally renowned art critic and scholar, Eleanor Heartney is respected for her clear language and pragmatic approach to contemporary art. Her straightforward, engaging descriptions and explanations will appeal to both experts and newcomers alike, and will serve as an invaluable resource for years to come.

About the Author:

Eleanor Heartney has been a contributing editor to Art in America and Artpress for over 10 years, reviewing the most significant international art shows, biennials and documentas around the world. Her recent publications include Postmodernism and Critical Condition: American Culture at the Crossroads -- Collected Essays of Eleanor Heartney.

Step outside the white cube and rediscover the creative outdoors with these in situ artworks that turn places into must-see cultural destinations.

Art exists all around us, sometimes hidden in plain sight and sometimes in remote corners of the world.

Art Escapes explores exciting art outside conventional spaces, freely available for those willing to discover creativity on another plane.

From the Italian countryside via the Utah desert to the forests of Finland and beyond, culture editor Grace Banks offers a list for art lovers seeking unique experiences.

About the Author:

Grace Banks is a London-born editor and journalist who specializes in culture and current affairs. She writes for The Guardian, The New York Times, Interview, Elle, VICE, i-D, Mr Porter, Wallpaper*, Forbes.com, Al Jazeera, and others. She is the former editor of Sleek Magazine.

Gallery go-round. A cutting-edge selection of the artists that matter the most

Want a head start on the things you’ll be seeing in art institutions a decade down the road? Look no further than this special edition featuring highlights from Art Now 3. A to Z magazine-style entries include captivating images of important recent work, short biographies, exhibition history and bibliographical information. Think of this tome as a global go-round of the world’s most influential galleries: a truly invaluable, invigorating, and intense experience.

Featured artists:
Franz Ackermann, Ai Weiwei, Doug Aitken, Darren Almond, David Altmejd, Banksy, Matthew Barney, Cosima von Bonin, Cecily Brown, Glenn Brown, André Butzer, Cai Guo-Qiang, Maurizio Cattelan, Tacita Dean, Rineke Dijkstra, Nathalie Djurberg, Peter Doig, Marlene Dumas, Marcel Dzama, Olafur Eliasson, Urs Fischer, Walton Ford, Tom Friedman, Ellen Gallagher, Luis Gispert, Robert Gober, Douglas Gordon, Mark Grotjahn, Subodh Gupta, Andreas Gursky, Rachel Harrison, Mona Hatoum, Eberhard Havekost, Arturo Herrera, Charline von Heyl, Damien Hirst, Thomas Houseago, Emily Jacir, Mike Kelley, Terence Koh, Jeff Koons, Won Ju Lim, Marepe, Paul McCarthy, Beatriz Milhazes, Sarah Morris, Ron Mueck, Takashi Murakami, Ernesto Neto, Tim Noble & Sue Webster, Albert Oehlen, Gabriel Orozco, Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Richard Phillips, Richard Prince, Neo Rauch, Anselm Reyle, Wilhelm Sasnal, Cindy Sherman, Dash Snow, Rudolf Stingel, Thomas Struth, Wolfgang Tillmans, Luc Tuymans, Piotr Uklanski, Kara Walker, Rebecca Warren, Franz West, Pae White, Kehinde Wiley, Christopher Wool, Thomas Zipp

Art stars. This is the ongoing catalog of contemporary art, now in its fourth volume

Think of this tome as a global go-round of the world’s most influential galleries: if it’s hot in the art world today, it’s in this book. Emerging artists are featured alongside established greats like Chuck Close, David Hockney, or Brice Marden. A to Z entries on more than 100 artists include images of important recent work, an introductory text, and a short exhibition history with bibliographical information. The illustrated appendix collects contact details for the galleries representing the artists as well as auction results of the last few years.

Bonus: a special feature focusing on the art boom in Eastern Asia, with essays by Karen Smith on the contemporary art scenes in Beijing and Shanghai, and by Colin Chinnery on the postwar art-historical developments between China, Japan, and Korea. Conversations with leading curators from Seoul and Tokyo throw a light on the current developments in these cities, while a small art guide of the region’s metropolises in the appendix can serve as a guide to the must-see venues for travellers or browsers through the World Wide Web.

Featured artists:

Adel Abdessemed, Ai Weiwei, Doug Aitken, Allora & Calzadilla, Darren Almond, David Altmejd, Francis Alÿs, Cory Arcangel, Tauba Auerbach, John Baldessari, Matthew Barney, Georg Baselitz, Karla Black, Cosima von Bonin, Monica Bonvicini, Cecily Brown, Glenn Brown, André Butzer, Cai Guo-Qiang, Maurizio Cattelan, Chuck Close, George Condo, Tacita Dean, Nathalie Djurberg, Peter Doig, Marlene Dumas, Olafur Eliasson, Elmgreen & Dragset, Urs Fischer, Fischli & Weiss, Walton Ford, Günther Förg, Tom Friedman, Katherina Fritsch, Cyprien Gaillard, Theaster Gates, Luis Gispert, Douglas Gordon, Mark Grotjahn, Subodh Gupta, Andreas Gursky, Rachel Harrison, Mona Hatoum, Richard Hawkins, Arturo Herrera, Charline von Heyl, Damien Hirst, Thomas Hirschhorn, David Hockney, Carsten Höller, Thomas Houseago, Gary Hume, Anish Kapoor, Mike Kelley, Ellsworth Kelly, Jeff Koons, Barbara Kruger, Klara Lidén, Brice Marden, Marepe, Beatriz Milhazes, Takashi Murakami, Bruce Nauman, Ernesto Neto, Tim Noble & Sue Webster, David Noonan, Albert Oehlen, Chris Ofili, Gabriel Orozco, The Otolith Group, Jorge Pardo, Philippe Parreno, Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Richard Phillips, Richard Prince, Michael Raedecker, Neo Rauch, Anselm Reyle, Gerhard Richter, Sterling Ruby, Ed Ruscha, Mark Ryden, Anri Sala, Wilhelm Sasnal, Cindy Sherman, Simon Starling, Rudolf Stingel, Thomas Struth, Mickalene Thomas, Wolfgang Tillmans, Gert & Uwe Tobias, Janaina Tschäpe, Luc Tuymans, Keith Tyson, Piotr Uklański, Adrián Villar Rojas, Danh Vo, Kara Walker, Jeff Wall, Rebecca Warren, Pae White, Christopher Wool, Yang Fudong, Haegue Yang, Zeng Fanzhi

Art ablaze. Pyrotechnics and pure self-expression in the parched Black Rock Desert

“You voluntarily assume the risk of serious injury or death by attending.” 

100 miles from the gambling town of Reno, in the wilderness of northern Nevada, lies a vast, hostile plain known as the Black Rock Desert. The region has been an empty and windswept dry lake bed for most of the past 10,000 years. Except, that is, for one brief week at the end of each summer, when a temporary city rises out of the barren clay.

This is the surreal and amazing site of Burning Man. Baked by the sun, and blinded by dust, the gathering acquires different meanings for different people: Temporary community, spiritual adventure, performance stage, desert rave, social experiment. It’s also the incubator of some of the most remarkable site-specific outdoor art ever made: a mechanized fire-breathing octopus, a towering wooden temple 15 meters tall, and the eponymous Man himself—a skeletal sculpture set ablaze at the event’s conclusion.

Here, writer and photographer NK Guy presents 16 years of Burning Man art. His dazzling images record these participatory, collective, intrinsically ephemeral installations and happenings in the desert, which exist for no clearer purpose than because someone wanted to express something. The result is testimony to a realm far beyond the ego, commerce, and power play of mainstream cultural output: It is one of the purest, uninhibited, expressive centers of our time.

With a foreword by temple designer and artist David Best and a futureword by Founding Board Member Marian Goodell.

The century that changed art forever. The quintessential roundup of art from 1900-2000

Who could possibly have forecast on New Year’s Eve 1899 that, one hundred years later, painting and sculpture would be only options, not prerequisites? The term "art" has been defined and redefined so many times over the last 100 years that it has gained entirely new social, political, and technological meanings.

Ranging across the full spectrum of disciplines available, including photography and new media, and thematically chaptered to highlight relationships between works and movements, this readable and encyclopedic masterwork does just what it says on the cover.

Whether you want Surrealism or Land Art, Fluxus or Bauhaus, this is your be-all, end-all guide to the art of the 20th century. An undertaking as immensely ambitious as this one deserves to be owned by everyone.

Искусство ХХ века. От Климта к Джеффу Куну, и те кто между, - все они здесь! 

Кто бы мог представить в канун Нового, 1899 года, что столетие спустя, живопись и скульптура будут всего лишь возможным, а не необходимым условием для объекта, считающегося искусством. Сам термин "искусство" был определен и переопределялся столько раз за последние сто лет, что приобрел новые социальные, политические и технологические значения. Построенная на полном спектре видов искусства включая фотографию и новое медиа искусство и тематически разделенная на части, чтобы показать связь между работами и направлениями, эта легкая для прочтения, и все же энциклопедическая книга значит именно то, что на ней написано, и что бы вы ни хотели найти - сюрреализм или лэнд арт, Флуксус или Баухаз - это ваш путеводитель по искусству ХХ века.

Искусство ХХ века.

От Климта к Джеффу Куну, и те кто между, - все они здесь!
Кто бы мог представить в канун Нового, 1899 года, что столетие спустя, живопись и скульптура будут всего лишь возможным, а не необходимым условием для объекта, считающегося искусством. Сам термин "искусство" был определен и переопределялся столько раз за последние сто лет, что приобрел новые социальные, политические и технологические значения. Построенная на полном спектре видов искусства включая фотографию и новое медиа искусство и тематически разделенная на части, чтобы показать связь между работами и направлениями, эта легкая для прочтения, и все же энциклопедическая книга значит именно то, что на ней написано, и что бы вы ни хотели найти - сюрреализм или лэнд арт, Флуксус или Баухаз - это ваш путеводитель по искусству ХХ века.

Who could possibly have forecast on New Year's Eve 1899 that, one hundred years later, painting and sculpture would be only options, not prerequisites? The term "art" has been defined and redefined so many times over the last 100 years that it has gained entirely new social, political, and technological meanings.

Ranging across the full spectrum of disciplines available, including photography and new media, and thematically chaptered to highlight relationships between works and movements, this readable and encyclopaedic masterwork does just what it says on the cover. Whether you want Surrealism or Land Art, Fluxus or Bauhaus, this is your be-all, end-all guide to art of the 20th century.

An undertaking as immensely ambitious as this one deserves to be owned by everyone, which is why we decided to make a special, more compact edition of this two-volume classic in celebration of our 25th anniversary.

About the author:
Klaus Honnef is honorary professor of photography theory at the Kassel Art Academy. He was one of the organizers of documenta 5 and documenta 6 in Kassel, and has been the curator of more than 500 exhibitions in Germany and abroad. He has written numerous books, including TASCHEN’s Contemporary Art (1988), Andy Warhol (1989), and Pop Art (2004).

About the editor:
Ingo F. Walther (1940-2007) was born in Berlin and studied medieval studies, literature, and art history in Frankfurt am Main and Munich. He has published numerous books on the art of the Middle Ages and of the 19th and 20th centuries. Walther's many titles for TASCHEN include Picasso, Art of the 20th Century, and Codices Illustres.

Through clothing, we celebrate or suppress identity, indicate allegiances and communicate our positions, aspirations and desires. Little wonder, then, that so many contemporary artists are invested in exploring the role of clothing in the construction of self and society. Aware: Art Fashion Identity reflects on these artists and their work, and what it says about our physical covering and our constructed personal environments. Essayists Gabi Scardi, Lucy Orta and Joanne Entwistle consider issues of belonging, nationality, displacement and political and social confrontation in the artwork of Yinka Shonibare, Sharif Waked, Alicia Framis, Meschac Gaba, Dai Rees and Vito Acconci. Personal accounts of the role of clothing are drawn out through the work of Helen Storey, Marie-Ange Guilleminot and Claudia Losi, while the art and designs of Hussein Chalayan, Gillian Wearing and Andreas Gursky offer a platform for a discussion of the connection between fashion, clothing and performance.

Марина Абрамович, яка народилася в Белграді в 1946 році, була піонеркою у використанні перформансу як форми візуального мистецтва. Тіло завжди було для неї одночасно об'єктом і середовищем. Досліджуючи фізичні та ментальні межі свого буття, вона протистояла болю, виснаженню та небезпеці в пошуках емоційної та духовної трансформації. Абрамович займається створенням робіт, що ритуалізують прості дії повсякденного життя, такі як лежання, сидіння, мрії та мислення – кожна з яких фактично є проявом унікального психічного стану. Як важливий член покоління новаторів-перформансистів, до якого належать Брюс Науман, Віто Аккончі та Кріс Берден, Абрамович створила одні з найважливіших історично ранніх перформансів і є єдиною, хто досі створює важливі роботи тривалого характеру.

Повернувшись із серії перформансів під назвою «Сім легких п'єс», що відбулася в листопаді в нью-йоркському музеї Гуггенхайма, Марина Абрамович представляє свою нову роботу «Балканський еротичний епос». Художник описує це так: «Балканський еротичний епос базується на моєму дослідженні балканської народної культури та використання в ній еротики. Через еротику людина намагається зрівнятися з богами. У фольклорі жінка, яка виходить заміж за сонце, або чоловік, який одружується з місяцем, має зберегти таємницю творчої енергії та зв'язатися через еротику з незнищенними космічними енергіями. Люди вірили, що в еротичній енергії є щось надлюдське, що походить не від [них], а від вищих сил. Непристойні предмети та чоловічі й жіночі статеві органи відігравали дуже важливу функцію в обрядах родючості та сільськогосподарських обрядах балканських селян. Вони використовувалися дуже відверто для різних цілей. Жінки в ритуалах відкрито демонстрували свої вагіни, сідниці, груди та менструальну кров. Чоловіки в ритуалах відкрито демонстрували свої сідниці та пеніси в актах мастурбації та еякуляції».

Монографія, каталог виставки, що проходила в міланському ангарі Bicocca Hangar, представляє шість робіт художника, якого міжнародні критики вважають одним із видатних художників нашого часу: новий «Балканський еротичний епос» разом із п’ятьма іншими відеоінсталяціями: «Балканське бароко» (надзвичайний перформанс/інсталяція, представлений та нагороджений премією «Золотий леоне» на Венеційській бієнале 1997 року), «Герой», «Розраховуйте на нас», «Урна Тесли» та «Оголена зі скелетом».

Книга, що починається з тексту Аделіни фон Фюрстенберг, містить есе Фульвіо Сальвадорі та Стівена Генрі Медоффа, а також опис робіт, розмову про «Балканський еротичний епос» між Фредріком Карлстрьомом та Мариною Абрамович, а також інтерв’ю з художником, проведене Жанетт Фішер.

Basquiat first came to prominence when he collaborated with Al Diaz to spray-paint enigmatic statements under the pseudonym SAMO©. He went on to work on collages, Xerox art, postcards, performances, and music before establishing his reputation as one of the most important painters of his generation.

Accompanying a major exhibition at the Barbican Art Gallery, this book opens with introductory essays from the curators, which place his practice in a wider art historical context and look at his career through the lens of performance. Six thematic chapters offer new research, with essays from poet Christian Campbell on SAMO©; curator Carlo McCormick on New York / New Wave; writer Glenn O’Brien on the downtown scene; academic Jordana Moore Saggese on Basquiat’s relationship to film and television; and music scholar Francesco Martinelli on Basquiat’s obsession with jazz.

This insightful new survey also features extended captions, rare archival material, and extensive photography, demonstrating how Basquiat’s legacy remains more powerful and relevant than ever today.

About the Author:

Dieter Buchhart is an art critic for Kunstforum International and the author of Keith Haring: The Political Line

____________

Пролистать книгу Basquiat: Boom for Real

Charles Saatchi, co-founder of Saatchi & Saatchi advertising agency, has become one of the world’s leading collectors of contemporary art and opened his first gallery in a former paint factory at Boundary Road in 1985. His patronage of the group which became known as the Young British Artists sparked an explosion of controversy, particularly with the Sensation exhibition at the Royal Academy in 1997.

In 2008 he opened the 70,000 square foot Saatchi Gallery on the King’s Road in London, one of the largest and most visited showcases for contemporary art in the world. Advertising and art, however, are not his only concerns.

Charles Saatchi is a man with strong opinions on everything from movies to morals, superstition to suicide, and in this book he answers nearly 300 questions from readers and journalists, offering much for everyone to reflect on.

Розумні та провокаційні міські втручання майстра жанру.

Маючи елемент несподіванки на своєму боці, американський художник Бред Дауні створює потужні втручання, які візуально порушують рутину нашого міського сприйняття. Мистецтво Дауні не відштовхує швидких поглядів і прославляє подвійний погляд. Використовуючи елементи з кіно, скульптури, живопису та малюнка, він створює чудові роботи, починаючи від видовищних і таких, що привертають увагу, і закінчуючи маленькими, делікатними та майже прихованими. Ця книга є найповнішою колекцією того, що Бред Дауні називає своїми «Спонтанними скульптурами». Вона об’єднує привабливі, провокаційні та розумні міські втручання майстра жанру, багато з яких задокументовані вперше.

Де в містах закінчується громадський простір і починається приватність? Які враження є суто особистими, а які зумовлені комерційно мотивованими імпульсами? Чи можемо ми побачити місто та себе такими, якими вони є насправді, серед величезного масиву знаків та зображень, що вимагають нашої уваги? Американський художник Бред Дауні розглядає ці та інші структурні, соціальні та політичні питання у своїй творчості. З елементом несподіванки на своєму боці, він створює потужні втручання, які порушують рутину нашого візуального сприйняття. Кошик для покупок стає скульптурою, телефонна будка наповнюється повітряними кульками, а знак зупинки перевертається догори дном. Використовуючи елементи з кіно, скульптури, живопису та малюнка, Дауні створює чудові роботи, починаючи від видовищних та таких, що привертають увагу газет, і закінчуючи невеликими, делікатними та майже прихованими. Втручання Дауні в міський пейзаж можуть бути спонтанними, ледь помітними та швидкоплинними — саме те, як вони взаємодіють з навколишнім середовищем, робить їх такими ефективними. Деякі існують ледве півгодини, перш ніж їх знову «виправляють»; інші інтегруються в міський ландшафт і в процесі стають постійним витвором мистецтва. Мистецтво Дауні не дозволяє глядача кидати швидкі погляди та прославляє подвійний погляд. Воно заохочує глядача пильно подивитися та освіжає здатність розрізняти, яка так часто пригнічується у візуальному Вавилоні нашого часу.

Про автора:

Бред Дауні здобув ступінь магістра образотворчих мистецтв з живопису під керівництвом Брюса Макліна. Він проводить майстер-класи по всьому світу та отримував запрошення створювати свої «спонтанні скульптури» в таких місцях, як Нью-Йорк, Берлін, Москва, Лондон, Абу-Дабі та Дубай.

A catalogue documenting two exhibitions of works by Alexander Calder and Jean Prouvé at Gagosian Gallery, Paris, and Galerie Patrick Seguin, Paris. Calder and Prouvé met in the early 1950s. They corresponded regularly between Calder’s frequent trips to Paris, exchanging ideas on architecture and sculpture. In 1958, Calder collaborated with Prouvé to construct the steel base of La Spirale, a monumental mobile for the UNESCO site in Paris. Letters between the two are illustrated and reprinted in the catalogue.

Calder/Prouvé evokes comparisons in the broad, expressive range of production, emphasis on form, and use of new technologies that the close friends and collaborators evinced in their parallel practices as artist and designer. Considered together, the works in this book testify to the fruitful exchange between two giants of modernism in its most utopian aspirations. Calder works in the book include mobiles, stabiles, and a suite of thirty little-known animal drawings, while Prouvé is represented by rare examples of furniture and architecture including two prefabricated structures. Calder’s invention of the mobile resonated with both early Conceptual and Constructivist art as well as the language of early abstract painting. Prouvé is widely acknowledged as one of the twentieth century’s most influential industrial designers, with a wide-ranging oeuvre that brought a strong social conscience to bold elegant design within an economy of means. Never-before-published letters between Calder and Prouve are illustarted and reprinted in the catalogue.

About the Author:

Annie Cohen-Solal is a French academic and writer. She is the author of a biography on Sartre, Jean-Paul Sarte: A Life and Leo and His Circle: The Life of Leo Castelli. Jean Nouvel is a French architect. He was a recipient of the Pritzker Prize for architecture in 2008, recognizing his work on over 200 projects.