Книги про сучасне мистецтво

Ніколи раніше не бачений погляд на вражаючі тематичні паралелі між KAWS та Енді Ворголом, двома найзнаковішими художниками нашого часу

Як відомі митці, які беруть участь у поп-культурі, KAWS та Енді Ворхол відомі тим, що створюють мистецтво, доступне за межі традиційного світу мистецтва. Хоча на перший погляд роботи обох митців часто здаються святковими та радісними, вони поділяють низку темних спільних ниток під поверхнею: трагедія як видовище та роздуми про смерть і вмирання. Коли ці дві сміливі роботи поєднуються, цей зв’язок стає явним і потужним.

Ця книга висвітлює мистецький перетин KAWS і Воргола, показуючи їхні погляди на смерть і катастрофу, рекламу, ностальгію, абстракцію, черепа та автопортрети. У супроводі великої виставки в Музеї Енді Ворхола, яка роз’їдеться по всьому світу, вона представляє деякі з найвидатніших і аналогічних робіт двох найпопулярніших художників усіх часів.

Про авторів:

Патрік Мур – директор Музею Енді Воргола та куратор виставки KAWS + Warhol.

Лорі Сіммонс – художниця, фотограф і кінорежисер із Нью-Йорка.

Томас Кроу — історик мистецтва, критик і професор сучасного мистецтва Розалі Солоу в Інституті образотворчих мистецтв Нью-Йоркського університету.

Маріанна Добнер – куратор, історик мистецтва та письменниця з Відня, Австрія.

Щедро ілюстрована екскурсія методами, процесом і джерелами культових поп-артів KAWS

Американський художник KAWS є одним із найвідоміших нині сучасних художників. Художник, відомий своєю культовою візуальною мовою та величними скульптурами, спирається на улюблених ікон поп-культури, щоб створити новий і впізнаваний склад власних персонажів. Широка привабливість стилю KAWS зробила його твори мистецтва доступними для колекціонерів, відвідувачів музеїв і широкої громадськості, а також призвела до співпраці з відомими світовими брендами та неймовірного комерційного успіху.

KAWS: FAMILY, організована Художньою галереєю Онтаріо, Торонто, знаменує собою канадський дебют художника в інституційній виставці з набором його малюнків, картин, скульптур і вибраних виробів. У каталозі представлено понад 60 робіт за останні два десятиліття, включаючи інсталяційну фотографію; есе Джуліана Кокса, заступника директора та головного куратора AGO, і Марка Кінгвелла, FRSC, професора філософії Університету Торонто в Торонто, Канада; та інтерв’ю з KAWS, яке взяв Джим Шедден, куратор спеціальних проектів AGO та директор видавництва. У сукупності цей матеріал надає нове уявлення про вплив і творчий процес KAWS, а також про вплив, який його робота справила на сфери образотворчого мистецтва, поп-культури, дизайну продуктів і моди.

Художник графіті з підліткового віку Брайан Доннеллі (народився в 1974 році), професійно відомий під псевдонімом KAWS, отримав ступінь бакалавра ілюстрації в Школі візуальних мистецтв Нью-Йорка в 1996 році. Він співпрацював з такими брендами, як Supreme, Nike і Comme des Garcons, і його роботи можна знайти в колекціях Високого музею мистецтва в Атланті, Музею сучасного мистецтва Форт-Ворта, Бруклінський музей і Музей сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі. KAWS живе і працює в Брукліні, Нью-Йорк.

Цей каталог, редагований Джермано Челантом, документує першу виставку на Близькому Сході KAWS (Брайан Доннеллі, народився в 1974 році, США). Персональна виставка досліджує його кар’єру та величезну творчість, а також показує живопис і скульптуру, створені за останні 20 років.

Образи KAWS вже давно мають витончений темний гумор, розкриваючи взаємодію між мистецтвом і споживацтвом, посилаючись як на історію мистецтва, так і на поп-культуру. Доннеллі розпочав свою кар’єру у вуличному мистецтві в 1990-х роках, ставши синонімом імені KAWS, тега, який став основним елементом його «субреклами» (модифікації комерційних робіт). Пізніше завдяки своїм іграшковим статуеткам і величезним скульптурам KAWS став глобальним явищем — не лише у світі мистецтва, а й у масовій культурі.

KAWS: He Eats Alone​ представлено у пожежній станції в Досі. Виставка починається в галереї «Гараж», де понад 40 скульптур і картин представлені в просторі-лабіринті, спроектованому нью-йоркською студією 2×4. У внутрішньому дворику над кав’ярнею Архів демонструє колекцію робіт художника, випущених обмеженим тиражем. У центрі подвір’я сидить 5-метрова скульптура КОМПАНІЙОН (ПРОХОДЯЧИЙ) із закритими очима руками. Подорож завершується в гавані Доу на набережній Корніш, де величезна надувна скульптура HOLIDAY відкидається на фоні міського горизонту Дохи.

Геніальні твори мистецтва фізичної та доповненої реальності з найпопулярнішої виставки мистецтва в історії від відомого художника KAWS

KAWS: New Fiction, заснований на персональній виставці блокбастера 2022 року в Лондоні, документує новаторську, багатошарову виставку, яка представляє нові та останні роботи художника у фізичній і доповненій реальності.

Унікальна співпраця між відомим художником KAWS, галереями Serpentine, платформою цифрового мистецтва Acute Art і феноменом онлайн-відеоігор Fortnite, KAWS: New Fiction долає прірву між фізичним і віртуальним світами, демонструючи твори мистецтва KAWS такими, якими їх не бачили раніше. У цій унікальній книзі розповідається про культову фігуру KAWS, яка подорожує картинами, скульптурами виставки, додатковими витворами мистецтва, розкритими за допомогою доповненої реальності (видимі на виставці через спеціальну програму AR), і віртуальним відтворенням фізичної галереї, яка одночасно представлена ​​у Fortnite. KAWS: New Fiction — це святкування безпрецедентної виставки та творчого впливу KAWS, який відчув у фізичній, віртуальній та доповненій реальності.

Про автора:

KAWS — нью-йоркський художник і дизайнер, один із найпопулярніших нинішніх художників, відомий своїми картинами, принтами, скульптурами та обмеженими тиражами іграшок. Його великий список проектів у відомих установах включає персональні виставки в The Mori Arts Center Gallery, Бруклінському музеї, Національній галереї Вікторії, Йоркширському парку скульптур, Longside Gallery, Centro de Arte Contemporáneo, Пенсильванській академії образотворчих мистецтв і Музеї сучасного мистецтва Олдріча.

Комплексна монографія про творчість KAWS, одного з найбільш затребуваних художників і творчих сил нашого часу

Спираючись на традиції поп-арту, творчість KAWS проходить межу між образотворчим мистецтвом і популярною культурою, перетинаючи засоби живопису та скульптури разом із модою, товарами, вініловими іграшками та, нещодавно, доповненою реальністю. У цій книзі, створеній у тісній співпраці з художником, представлені його найвідоміші роботи разом із ескізами, підготовчими малюнками та ніколи раніше не баченими зображеннями KAWS за роботою, розкриваючи ретельний процес, що стоїть за його знаковими творами мистецтва. Він супроводжує велику ретроспективну виставку в Бруклінському музеї та демонструє унікальну здатність художника змінювати наші погляди на сучасне мистецтво та культуру сьогодні.

Про авторів:

Деніел Бірнбаум — мистецтвознавець, куратор і директор Acute Art, компанії з виробництва віртуальної та доповненої реальності.

Євгенія Цай — старший куратор відділу сучасного мистецтва Бруклінського музею Джона та Барбари Фогельштейн.

_________

- Вловлює магію захоплюючого таланту на перетині традиційної та сучасної культури, чия високовідома та визнана робота доступна та провокаційна, розважальна та складна.
- KAWS має значну присутність у соціальних мережах, лише в Instagram має понад 3 мільйони підписників – «Можливо, немає іншого візуального художника з такою великою базою шанувальників». – Спостерігач
- KAWS співпрацював з такими брендами, як Supreme, Nike, Dior, Uniqlo та Comme des Garçons, завдяки чому його ім’я знайоме широкій та різноманітній аудиторії.
- Супроводжує велику виставку, яка відкривається в Бруклінському музеї, місті його проживання, у лютому 2021 року - і містить фотографії з самої виставки

Closely based on Haring’s own concept for the monograph he wanted to publish before his untimely death, this volume represents more than a decade of research and contains a wealth of unpublished photographic and written material including drawings, studio photographs, and journal entries.

From chalk drawings deep in the New York City subways to murals in Pisa and Berlin; collaborations with William Burroughs and the famous body painting of Grace Jones, this book follows the incredible trajectory of Keith Haring’s artistic career: how a young man from a small town in rural Pennsylvania came to revolutionize the art world - and the course of art history - within little more than a decade. An incredibly prolific artist, Keith Haring created countless bold, provocative, endearing, and unforgettable images that continue to inspire artists - and delight children - worldwide.

Tracing the arc from his early subway "tags" to his poignant work on social issues as diverse as AIDS, illiteracy and apartheid, this visually stunning book is the definitive work on Keith Haring.

About the Authors:

Jeffrey Deitch is a leading New York art dealer representing a range of high profile contemporary artists, as well as the Estate of Keith Haring. Deitch’s writings have appeared in several books, among them, the highly acclaimed Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture. Suzanne Geiss is Managing Director and Producer of Deitch Projects.

Julia Gruen, former assistant to Keith Haring, is the executive director of the Keith Haring Foundation. Kenny Scharf and George Condo are renowned international artists.

Art inflation. The king of blow-ups, puppies, and pop

The creations of Jeff Koons (born 1955) are at once immediately accessible and eloquently art historical. From basketball tanks to flower puppies, his instantly recognizable work frolics with banal imagery as much as it integrates cultural references such as Surrealism and Pop Art. 

Koons art revels in visual pleasure, but also in the power to affront. He has made his name as much for stainless-steel rabbits as he has with his sinister sculpture of Michael Jackson, or his sexually explicit photographic series with then-wife Cicciolina. The result is mega-artist status. An indisputable king of contemporary visual culture, Koons is lauded by collectors, institutions, and the public alike.

About the series:

Each book in TASCHEN's Basic Art series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

From rural Japan to international icon – Yayoi Kusama has spent her remarkable life immersed in her art.

Follow her incredible journey in this vivid graphic biography which details her bold departure from Japan as a young artist, her embrace of the buzzing New York art scene in the 1960s, and her eventual return home and rise to twenty-first-century super-fame.

About the Authors:

Elisa Macellari is a Thai-Italian illustrator. Her clients include The New York Times, Corriere della Sera, Mondadori, Feltrinelli and Nobrow Press. Her first graphic novel, Papaya Salad (2018), has been published in Italian, French and Spanish.

A highly anticipated monograph from the internationally acclaimed documentary photographer and filmmaker

Lauren Greenfield: Generation Wealth is both a retrospective and an investigation into the subject of wealth over the last twenty-five years. Greenfield has travelled the world - from Los Angeles to Moscow, Dubai to China - bearing witness to the global boom-and-bust economy and documenting its complicated consequences. Provoking serious reflection, this book is not about the rich, but about the desire to be wealthy, at any cost.

Lauren Greenfield’s postcard from the edge of the American Empire captures a portrait of a materialistic, image-obsessed culture. Simultaneously photographic journey, memoir, and historical essay, the film bears witness to the global boom-bust economy, the corrupted American Dream and the human costs of late-stage capitalism, narcissism and greed.

"Expertly crafted visually... Generation Wealth enthralls from the start." — Hollywood News

"An insightful and scathing look at society's obsession with excess." — Screen International

About the authors:

Lauren Greenfield is an Emmy-award-winning photographer and filmmaker. A preeminent chronicler of youth culture, gender, and consumerism, her documentary The Queen of Versailles won the Best Documentary Director Award at Sundance in 2012. Her photographs have been widely published, exhibited - and collected - and her Super Bowl commercial, Like a Girl, went viral and swept the advertising awards of 2015.

Juliet Schor is an author, economist, cultural critic, and professor of sociology at Boston College. Her research focuses on the economics of work, spending, the environment, and consumer culture.

Trudy Wilner Stack was Curator of Exhibitions & Collections at the Center for Creative Photography, the University of Arizona for over a decade, after holding positions at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, the International Center of Photography, and the Birmingham Museum of Art. She has curated dozens of exhibitions of contemporary and historical photography around the world, and is a frequent contributing author and lecturer.

П'ять років брехні та лицемірства. Чотири активісти, які притягують владу до відповідальності. Одна книга, що показує, як вони це зробили – і чому вони ще не закінчили.

Led By Donkeys – це політичні митці та активісти. Ця книга – захоплива подорож крізь п'ять років опору некомпетентності, корупції та жадібності, скоєних тими, хто при владі у Британії.

Їхні роботи включають:

* Ребрендинг яхти опальної колеги-консерваторки Мішель Моне як «Пандемічний спекулянт»
* Фарбування дороги біля російського посольства в український синьо-жовтий колір
* Створення культової Національної стіни пам'яті Covid у Лондоні
* Викриття лицемірства політиків шляхом друку їхніх твітів та коментарів на білбордах
* Проектування громадських настроїв на Вестмінстерський палац, скелі Дувра та багато іншого

Книга відстежує основні моменти з 2019 по 2024 рік, коли активізм Led By Donkeys захопив громадський настрій гучними втручаннями. На її сторінках (серед іншого): криза Covid 2020 року; Боротьба Бориса Джонсона з правдою та порядністю; битви Ліз Трасс з математикою та ринками; кліматична криза, в яку ми лунатично занурюємося; зростаюча корупція у Вестмінстері; війна в Україні; економіка, що зазнала краху; криза вартості життя та багато іншого.

І це ще не все: новий уряд означає нову політику, нові вразливості, нові сфери відповідальності. А з піднесенням Партії реформ зараз не час розслаблятися…

Зняті з гелікоптерів та дронів, з айфонів та прихованих камер, тут понад 200 зображень та текстів, які занурюють вас за лаштунки, включаючи кадри, вилучені, а потім повернуті поліцією, професійні фотографії, карти, плани, проекти та ескізи, і, звичайно ж, результати – перші шпальти газет, реакцію ЗМІ та громадськості.

Разом вони розповідають історію надзвичайного часу та тактики притягнення можновладців до відповідальності.

Про автора:

Організація Led By Donkeys була заснована на початку 2019 року, коли четверо друзів, натхненні термоядерним лицемірством наших політичних повелителів, почали виходити вночі, щоб розклеювати партизанські білборди з історичними твітами провідних брекзитерів. Плакати площею 18 квадратних метрів стали феноменом. Зі зростанням популярності в соціальних мережах, Led By Donkeys раптово охопила мільйони людей кожною своєю інтервенцією та продовжила свою роботу, стосуючусь усього: від кризи Covid до корупції у Вестмінстері. Led By Donkeys поєднали мистецтво та активізм, щоб створити одні з найпам'ятніших образів нашої політичної епохи.

Дивовижний просторовий досвід для всіх почуттів: у цій книзі представлено мистецтво, дизайн інтер’єру, архітектуру та вражаючу сценографію, які залишають незабутні враження

Основа значущих стосунків між художником і аудиторією, музеєм і відвідувачем або брендом і клієнтом базується на незабутньому досвіді. Проте ці групи людей є більш розбірливими, ніж будь-коли раніше: вони хочуть персоналізувати момент, отримати інформацію та розваги, і, перш за все, отримати натхнення.

Liquid Spaces пропонує широкий спектр нетрадиційних середовищ, починаючи від експериментальних установок і закінчуючи складними виробництвами. Кожен із цих просторів грає з межами людського сприйняття, викликаючи чуттєві зустрічі, які активізують почуття дивовижним чином.

Художники, сценографи та архітектори, а також дизайнери інтер’єрів та виставок створюють ці надзвичайні ситуації. Liquid Spaces представляє найінноваційніші концепції, найрадикальніших дизайнерів і найвибагливіших клієнтів.

In Make Art or Die Trying, multidisciplinary artist Stuart Semple demystifies art concepts, shares inspiring examples, and offers DIY ideas that allow readers to start and explore their own practice.

Learn to make art that can change the world.

Multidisciplinary artist, entrepreneur, and activist Stuart Semple believes that art is for everyone, and that everyone is an artist. Every single human has an inner spark of creativity that can make the world a better place. Art can change people, places, attitudes, and communities, healing and communicating when words aren’t enough.

Make Art or Die Trying empowers you to understand and connect with big art ideas and embrace your creative potential, no matter where you’re starting from. This stunning, informative, and inspiring book demystifies influential art concepts of the 20th and 21st centuries, including happenings, performance art, Bauhaus, and Fluxus, making them super-approachable and inviting you to learn, make art, and make change.

Each chapter:

- Explains a transformative art concept in a simple, straightforward, jargon-free way.
- Shares examples by amazing and innovative artists.
- Offers DIY ideas and exercises that encourage you to explore the concept yourself and ultimately develop your own unique conversation with the wider world.
Includes a QR code that allows access to an exclusive video by Stuart that takes the conversation to a deeper level.

Let Make Art or Die Trying be your guide to harnessing the power of creative ideas to create art and change in your life and community.

About the Author:

Stuart Semple is a world-renowned contemporary artist, curator, and activist. His multidisciplinary approach spans painting, printmaking, video, technology, sculpture, happenings, and performances. His works have been exhibited at the ICA (Institute of Contemporary Arts)/UK, Denver Art Museum, Dulwich Picture Gallery, the Barbican, the Whitworth, and several other museums and institutions. Stuart has written for The Guardian, VogueSpain, and Art of England magazine, and has presented for the BBC, including the BBC Radio Documentary “Hostile Design,” which was nominated for an ARIA (an “Academy Award” for radio). As a curator, Semple founded GIANT, the UK’s largest artist-run gallery space, where he presents a program of international contemporary art. He received a Happiness Hero medal from the United Nations on their first International Day of Happiness, in recognition of his artwork Happy Clouds, which took place outside Tate Modern. Stuart also founded culturehustle.com, which distributes art materials made in his studio, including his iconic Pinkest Pink and Blackest Black paints, to artists around the globe. Semple has spoken at Southbank Centre, Frieze Art Fair, Dublin Museum, Denver Art Museum, Oxford University, and the Royal College of Art, and he is an ambassador for mental health charity Mind, where he initiated a fund to provide arts therapies throughout England and Wales. He lives in Bournemouth, UK.

Супровідний каталог до виставки Марини Абрамович у Королівській академії з 23 вересня по 1 січня 2024 року.

За останні півстоліття Марина Абрамович здобула всесвітнє визнання як піонер перформансу. У цій гарній новій книзі описано першу виставку у Великій Британії, яка включає роботи за всю її кар’єру. Повторне виконання деяких з її найвідоміших і найрадикальніших творів з’являється поруч із новими та недавніми роботами. Додаток доповненої реальності для iOS і Android дозволяє читачам переглядати фільми оригінальних виступів Абрамовича під час читання книги.

Ця важлива публікація, яка є важливою покупкою для всіх прихильників надзвичайної 55-річної кар’єри Абрамович, привертає голоси експертів до дискусії, яку породжує її новаторське мистецтво. Наскільки далеко повинна просуватися художниця в гонитві за своєю роботою? Яку роль відіграє глядач у створенні вистави? Як мистецтво перформансу може пережити момент, у якому воно відбувається?

• Записує першу британську виставку, яка включає роботи за всю кар’єру Абрамовича
• Додаток доповненої реальності для iOS та Android дозволяє читачам переглядати фільми оригінальних виступів Абрамовича під час читання книги.

Про авторів:

Карен Арчі є куратором сучасного мистецтва в музеї Stedelijk, Амстердам. Едріан Хітфілд, професор перформансу та візуальної культури в Університеті Рогемптона, Лондон. Світлана Раканович є професором теорії сучасного мистецтва на факультеті образотворчого мистецтва Цетіньє Університету Чорногорії. Андреа Тарсія — директор виставок Королівської академії мистецтв у Лондоні. Девін Цубер є доцентом кафедри американських студій, релігії та літератури в Теологічному союзі вищих навчальних закладів Берклі, а Джордж Ф. Доул є професором сведенборгіанських студій у Центрі сведенборгіанських досліджень у Берклі.

____________

Погортати книгу  Marina Abramović​ .

Mark Ryden’s Yakalina Secrets – це дивовижна друга частина неймовірної галереї істот художника.

У своїй тихоокеанській північно-західній студії під час ізоляції через COVID-19 Марк Райден розпочав серію своїх культових напівтварин-напівплюшевих створінь, які далі досліджували його благоговіння перед цими істотами, які є провідниками крізь ландшафт невідомого. Фігури на цих картинах не є ані людьми, ані тваринами, вони є духовними сутностями, які створюють міст між людським і тваринним світом, у якому так багато дисгармонії.

Ця книга містить усі оригінальні портрети таємничих і міфічних істот Райдена. Отримана галерея зачарованих персонажів втілює ретельно реалізоване художником поєднання архетипу, кітчу та наративного містицизму.

Mark Ryden’sYakalina Secrets представляють роботи з двох виставок художника, організованих у співпраці з Еммануелем Перротіном і галереєю Kasmin: «Секрети тварин» у Парижі та «Якаліна 9» у Токіо.

Передмова Такаші Муракамі

Про автора:

Поєднуючи теми поп-культури з технікою, що нагадує старих майстрів, Марк Райден створив унікальний стиль, який стирає традиційні межі між високим і низьким мистецтвом. Його роботи вперше привернули увагу в 1990-х роках, коли він започаткував новий жанр живопису, «поп-сюрреалізм», потягнувши за собою безліч послідовників. Райден перевершив початкові сюрреалістичні стратегії, обираючи теми, наповнені культурним відтінком.

A new concise history of modern painting, offering an indispensable reference to the complexities and characteristics of this medium.

While acknowledging the legacy of Herbert Read’s classic 1959 study A Concise History of Modern Painting in the World of Art series, academic and artist Simon Morley places the foundation of modern art much earlier than Read, at the emergence of Romanticism and the dawn of the industrial age. Structured loosely chronologically by period, the focus is as much on individual artists as well as movements, with works discussed within a broader context - stylistic, historical, geographical, and gender and ethnic frames - themes that recur throughout the chapters. Generously illustrated, the global and diverse range of artists featured include William Blake, Édouard Manet, Hilma af Klint, Kazimir Malevich, Willem de Kooning, Amrita Sher-Gil, Faith Ringgold, and Kehinde Wiley.

This guide also includes an Appendix in the form of questions the reader might like to ask in relation to the artists and the ideas discussed - in order to reconsider the works from a contemporary perspective.

About the Author:

Simon Morley is a visual artist and Assistant Professor in the College of Arts, Dankook University, Republic of Korea. He has lectured at such museums as Tate, The National Gallery, Hayward Gallery, Serpentine Gallery, Whitechapel Gallery and Camden Arts Centre, and has contributed to numerous publications including Third Text, World Art, the TLS, The Burlington Magazine, Art Monthly, The Art Newspaper, Contemporary Art and the Independent on Sunday.