Книги про сучасне мистецтво

Том присвячений творчості Дженні Севіль (Кембридж, 1970), однієї з найвидатніших сучасних художниць і провідного голосу на міжнародній арт-сцені.

Севіль долає межі між образним і абстрактним, між неформальним і жестовим, зуміючи перетворити новину в універсальний образ, який ставить людську фігуру в центр історії мистецтва. Величезні, оголені тіла, з плотською фізичністю та пригнічені вагою, яка є більше екзистенціальною, ніж матеріальною, Савіль пов’язаний із великою європейською живописною традицією в постійному порівнянні з модернізмом Віллема де Кунінга та Сая Твомблі та портретами Пабло Пікассо та Френсіса Бекона.

Її роботи також окреслюють сильну кореляцію з майстрами італійського Відродження, зокрема з деякими великими шедеврами Мікеланджело.

Том містить багатий каталог картин і малюнків з 1990-х років до сьогодні.

Остаточне дослідження творчості KAWS, однієї з найвпливовіших і улюблених сил сучасного мистецтва та культури

KAWS є одним із найпопулярніших і впізнаваних сучасних митців, чий охоплення виходить далеко за межі світу мистецтва в сфери моди, музики та масової культури в цілому. Розпочавши кар’єру художника графіті в 1990-х роках, KAWS розширив свій репертуар на живопис, скульптуру, малюнок, дизайн продуктів і доповнену реальність, разом утворюючи художнє бачення, яке об’єднує всі ці практики. KAWS співпрацював з деякими з найвідоміших міжнародних брендів, зокрема Uniqlo, Comme des Garçons, Supreme, Nike, Dior, sacai, General Mills та багатьма іншими, і книга містить зображення студії художника, створені Джейсоном Шмідтом, і добірку раніше неопублікованих малюнків KAWS, а також роботи, що охоплюють всю його кар’єру, від його ранніх графіті-днів до колекціонування вінілу. іграшки, складний абстрактний живопис, монументальна публічна скульптура. Багато ілюстрована та найзначніша наукова робота щодо його творчості на сьогоднішній день, ця книга є остаточним дослідженням життя та кар’єри цього надзвичайного художника.

Про авторів:

Ден Надел – письменник і куратор із Брукліну.

Томас Кроу – професор сучасного мистецтва Розалі Солоу в Нью-Йоркському університеті.

Клер Ліллі – директор Йоркширського парку скульптур.

Джейсон Шмідт – фотограф із Нью-Йорка.

Ніколи раніше не бачений погляд на вражаючі тематичні паралелі між KAWS та Енді Ворголом, двома найзнаковішими художниками нашого часу

Як відомі митці, які беруть участь у поп-культурі, KAWS та Енді Ворхол відомі тим, що створюють мистецтво, доступне за межі традиційного світу мистецтва. Хоча на перший погляд роботи обох митців часто здаються святковими та радісними, вони поділяють низку темних спільних ниток під поверхнею: трагедія як видовище та роздуми про смерть і вмирання. Коли ці дві сміливі роботи поєднуються, цей зв’язок стає явним і потужним.

Ця книга висвітлює мистецький перетин KAWS і Воргола, показуючи їхні погляди на смерть і катастрофу, рекламу, ностальгію, абстракцію, черепа та автопортрети. У супроводі великої виставки в Музеї Енді Ворхола, яка роз’їдеться по всьому світу, вона представляє деякі з найвидатніших і аналогічних робіт двох найпопулярніших художників усіх часів.

Про авторів:

Патрік Мур – директор Музею Енді Воргола та куратор виставки KAWS + Warhol.

Лорі Сіммонс – художниця, фотограф і кінорежисер із Нью-Йорка.

Томас Кроу — історик мистецтва, критик і професор сучасного мистецтва Розалі Солоу в Інституті образотворчих мистецтв Нью-Йоркського університету.

Маріанна Добнер – куратор, історик мистецтва та письменниця з Відня, Австрія.

Щедро ілюстрована екскурсія методами, процесом і джерелами культових поп-артів KAWS

Американський художник KAWS є одним із найвідоміших нині сучасних художників. Художник, відомий своєю культовою візуальною мовою та величними скульптурами, спирається на улюблених ікон поп-культури, щоб створити новий і впізнаваний склад власних персонажів. Широка привабливість стилю KAWS зробила його твори мистецтва доступними для колекціонерів, відвідувачів музеїв і широкої громадськості, а також призвела до співпраці з відомими світовими брендами та неймовірного комерційного успіху.

KAWS: FAMILY, організована Художньою галереєю Онтаріо, Торонто, знаменує собою канадський дебют художника в інституційній виставці з набором його малюнків, картин, скульптур і вибраних виробів. У каталозі представлено понад 60 робіт за останні два десятиліття, включаючи інсталяційну фотографію; есе Джуліана Кокса, заступника директора та головного куратора AGO, і Марка Кінгвелла, FRSC, професора філософії Університету Торонто в Торонто, Канада; та інтерв’ю з KAWS, яке взяв Джим Шедден, куратор спеціальних проектів AGO та директор видавництва. У сукупності цей матеріал надає нове уявлення про вплив і творчий процес KAWS, а також про вплив, який його робота справила на сфери образотворчого мистецтва, поп-культури, дизайну продуктів і моди.

Художник графіті з підліткового віку Брайан Доннеллі (народився в 1974 році), професійно відомий під псевдонімом KAWS, отримав ступінь бакалавра ілюстрації в Школі візуальних мистецтв Нью-Йорка в 1996 році. Він співпрацював з такими брендами, як Supreme, Nike і Comme des Garcons, і його роботи можна знайти в колекціях Високого музею мистецтва в Атланті, Музею сучасного мистецтва Форт-Ворта, Бруклінський музей і Музей сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі. KAWS живе і працює в Брукліні, Нью-Йорк.

Цей каталог, редагований Джермано Челантом, документує першу виставку на Близькому Сході KAWS (Брайан Доннеллі, народився в 1974 році, США). Персональна виставка досліджує його кар’єру та величезну творчість, а також показує живопис і скульптуру, створені за останні 20 років.

Образи KAWS вже давно мають витончений темний гумор, розкриваючи взаємодію між мистецтвом і споживацтвом, посилаючись як на історію мистецтва, так і на поп-культуру. Доннеллі розпочав свою кар’єру у вуличному мистецтві в 1990-х роках, ставши синонімом імені KAWS, тега, який став основним елементом його «субреклами» (модифікації комерційних робіт). Пізніше завдяки своїм іграшковим статуеткам і величезним скульптурам KAWS став глобальним явищем — не лише у світі мистецтва, а й у масовій культурі.

KAWS: He Eats Alone​ представлено у пожежній станції в Досі. Виставка починається в галереї «Гараж», де понад 40 скульптур і картин представлені в просторі-лабіринті, спроектованому нью-йоркською студією 2×4. У внутрішньому дворику над кав’ярнею Архів демонструє колекцію робіт художника, випущених обмеженим тиражем. У центрі подвір’я сидить 5-метрова скульптура КОМПАНІЙОН (ПРОХОДЯЧИЙ) із закритими очима руками. Подорож завершується в гавані Доу на набережній Корніш, де величезна надувна скульптура HOLIDAY відкидається на фоні міського горизонту Дохи.

Геніальні твори мистецтва фізичної та доповненої реальності з найпопулярнішої виставки мистецтва в історії від відомого художника KAWS

KAWS: New Fiction, заснований на персональній виставці блокбастера 2022 року в Лондоні, документує новаторську, багатошарову виставку, яка представляє нові та останні роботи художника у фізичній і доповненій реальності.

Унікальна співпраця між відомим художником KAWS, галереями Serpentine, платформою цифрового мистецтва Acute Art і феноменом онлайн-відеоігор Fortnite, KAWS: New Fiction долає прірву між фізичним і віртуальним світами, демонструючи твори мистецтва KAWS такими, якими їх не бачили раніше. У цій унікальній книзі розповідається про культову фігуру KAWS, яка подорожує картинами, скульптурами виставки, додатковими витворами мистецтва, розкритими за допомогою доповненої реальності (видимі на виставці через спеціальну програму AR), і віртуальним відтворенням фізичної галереї, яка одночасно представлена ​​у Fortnite. KAWS: New Fiction — це святкування безпрецедентної виставки та творчого впливу KAWS, який відчув у фізичній, віртуальній та доповненій реальності.

Про автора:

KAWS — нью-йоркський художник і дизайнер, один із найпопулярніших нинішніх художників, відомий своїми картинами, принтами, скульптурами та обмеженими тиражами іграшок. Його великий список проектів у відомих установах включає персональні виставки в The Mori Arts Center Gallery, Бруклінському музеї, Національній галереї Вікторії, Йоркширському парку скульптур, Longside Gallery, Centro de Arte Contemporáneo, Пенсильванській академії образотворчих мистецтв і Музеї сучасного мистецтва Олдріча.

Комплексна монографія про творчість KAWS, одного з найбільш затребуваних художників і творчих сил нашого часу

Спираючись на традиції поп-арту, творчість KAWS проходить межу між образотворчим мистецтвом і популярною культурою, перетинаючи засоби живопису та скульптури разом із модою, товарами, вініловими іграшками та, нещодавно, доповненою реальністю. У цій книзі, створеній у тісній співпраці з художником, представлені його найвідоміші роботи разом із ескізами, підготовчими малюнками та ніколи раніше не баченими зображеннями KAWS за роботою, розкриваючи ретельний процес, що стоїть за його знаковими творами мистецтва. Він супроводжує велику ретроспективну виставку в Бруклінському музеї та демонструє унікальну здатність художника змінювати наші погляди на сучасне мистецтво та культуру сьогодні.

Про авторів:

Деніел Бірнбаум — мистецтвознавець, куратор і директор Acute Art, компанії з виробництва віртуальної та доповненої реальності.

Євгенія Цай — старший куратор відділу сучасного мистецтва Бруклінського музею Джона та Барбари Фогельштейн.

_________

- Вловлює магію захоплюючого таланту на перетині традиційної та сучасної культури, чия високовідома та визнана робота доступна та провокаційна, розважальна та складна.
- KAWS має значну присутність у соціальних мережах, лише в Instagram має понад 3 мільйони підписників – «Можливо, немає іншого візуального художника з такою великою базою шанувальників». – Спостерігач
- KAWS співпрацював з такими брендами, як Supreme, Nike, Dior, Uniqlo та Comme des Garçons, завдяки чому його ім’я знайоме широкій та різноманітній аудиторії.
- Супроводжує велику виставку, яка відкривається в Бруклінському музеї, місті його проживання, у лютому 2021 року - і містить фотографії з самої виставки

Closely based on Haring’s own concept for the monograph he wanted to publish before his untimely death, this volume represents more than a decade of research and contains a wealth of unpublished photographic and written material including drawings, studio photographs, and journal entries.

From chalk drawings deep in the New York City subways to murals in Pisa and Berlin; collaborations with William Burroughs and the famous body painting of Grace Jones, this book follows the incredible trajectory of Keith Haring’s artistic career: how a young man from a small town in rural Pennsylvania came to revolutionize the art world - and the course of art history - within little more than a decade. An incredibly prolific artist, Keith Haring created countless bold, provocative, endearing, and unforgettable images that continue to inspire artists - and delight children - worldwide.

Tracing the arc from his early subway "tags" to his poignant work on social issues as diverse as AIDS, illiteracy and apartheid, this visually stunning book is the definitive work on Keith Haring.

About the Authors:

Jeffrey Deitch is a leading New York art dealer representing a range of high profile contemporary artists, as well as the Estate of Keith Haring. Deitch’s writings have appeared in several books, among them, the highly acclaimed Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture. Suzanne Geiss is Managing Director and Producer of Deitch Projects.

Julia Gruen, former assistant to Keith Haring, is the executive director of the Keith Haring Foundation. Kenny Scharf and George Condo are renowned international artists.

Art inflation. The king of blow-ups, puppies, and pop

The creations of Jeff Koons (born 1955) are at once immediately accessible and eloquently art historical. From basketball tanks to flower puppies, his instantly recognizable work frolics with banal imagery as much as it integrates cultural references such as Surrealism and Pop Art. 

Koons art revels in visual pleasure, but also in the power to affront. He has made his name as much for stainless-steel rabbits as he has with his sinister sculpture of Michael Jackson, or his sexually explicit photographic series with then-wife Cicciolina. The result is mega-artist status. An indisputable king of contemporary visual culture, Koons is lauded by collectors, institutions, and the public alike.

About the series:

Each book in TASCHEN's Basic Art series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

From rural Japan to international icon – Yayoi Kusama has spent her remarkable life immersed in her art.

Follow her incredible journey in this vivid graphic biography which details her bold departure from Japan as a young artist, her embrace of the buzzing New York art scene in the 1960s, and her eventual return home and rise to twenty-first-century super-fame.

About the Authors:

Elisa Macellari is a Thai-Italian illustrator. Her clients include The New York Times, Corriere della Sera, Mondadori, Feltrinelli and Nobrow Press. Her first graphic novel, Papaya Salad (2018), has been published in Italian, French and Spanish.

A highly anticipated monograph from the internationally acclaimed documentary photographer and filmmaker

Lauren Greenfield: Generation Wealth is both a retrospective and an investigation into the subject of wealth over the last twenty-five years. Greenfield has travelled the world - from Los Angeles to Moscow, Dubai to China - bearing witness to the global boom-and-bust economy and documenting its complicated consequences. Provoking serious reflection, this book is not about the rich, but about the desire to be wealthy, at any cost.

Lauren Greenfield’s postcard from the edge of the American Empire captures a portrait of a materialistic, image-obsessed culture. Simultaneously photographic journey, memoir, and historical essay, the film bears witness to the global boom-bust economy, the corrupted American Dream and the human costs of late-stage capitalism, narcissism and greed.

"Expertly crafted visually... Generation Wealth enthralls from the start." — Hollywood News

"An insightful and scathing look at society's obsession with excess." — Screen International

About the authors:

Lauren Greenfield is an Emmy-award-winning photographer and filmmaker. A preeminent chronicler of youth culture, gender, and consumerism, her documentary The Queen of Versailles won the Best Documentary Director Award at Sundance in 2012. Her photographs have been widely published, exhibited - and collected - and her Super Bowl commercial, Like a Girl, went viral and swept the advertising awards of 2015.

Juliet Schor is an author, economist, cultural critic, and professor of sociology at Boston College. Her research focuses on the economics of work, spending, the environment, and consumer culture.

Trudy Wilner Stack was Curator of Exhibitions & Collections at the Center for Creative Photography, the University of Arizona for over a decade, after holding positions at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, the International Center of Photography, and the Birmingham Museum of Art. She has curated dozens of exhibitions of contemporary and historical photography around the world, and is a frequent contributing author and lecturer.

Five years of lies and hypocrisy. Four activists holding power to account. One book showing how they did it – and why they're not done yet

Led By Donkeys are political artists and activists. This book is an adrenalized journey through five years of resistance against the ineptitudes, corruption and greed committed by those in power in Britain.

Their works include:

* Rebranding disgraced Tory peer Michelle Mone’s yacht as the ‘Pandemic Profiteer’
* Painting the road outside the Russian embassy, Ukrainian blue and yellow
* Creating the iconic National Covid Memorial Wall in London
* Exposing politicians’ hypocrisies by printing their tweets and comments on billboards
* Projecting public sentiment on to the Palace of Westminster, the cliffs of Dover and more

The book tracks the major moments from 2019 to 2024 when Led By Donkeys’ activism captured the public mood with high-profile interventions. Within its pages (amongst other things): the Covid crisis of 2020; Boris Johnson’s struggles with truth and decency; Liz Truss’s battles with maths and markets; the climate crisis we are sleepwalking into; burgeoning corruption in Westminster; the war in Ukraine; a crashed economy; the cost-of-living crisis and much more.

And they’re not done yet: a new government means new policies, new vulnerabilities, new areas of accountability. And with the Reform party on the rise, this is no time to be complacent…

Shot from helicopters and drones, from iPhones and hidden cameras, here are over 200 images and text taking you behind the scenes, including footage seized then returned by the police, professional photography, maps, plans, designs and sketches, and of course the results – newspaper front pages, media response and public reaction.

Taken together, they tell the story of an extraordinary time and tactics to hold the powerful to account.

About the Author:

Led By Donkeys was founded in early 2019 when four friends, motivated by the thermonuclear hypocrisy of our political overlords, started going out at night to paste up guerrilla billboards of the leading Brexiters’ historic tweets. The 18 square metre posters were a phenomenon. With its social media following exploding, Led By Donkeys was suddenly reaching millions of people with every intervention and have continued their work addressing everything from the Covid crisis to corruption in Westminster. Led By Donkeys has mixed art and activism to create some of the most memorable images of our political age.

Surprising spatial experiences for all senses: This book features art, interior design, architecture, and striking scenography that leave lasting impressions

The foundation of a meaningful relationship between artist and audience, museum and visitor, or brand and customer is based on an unforgettable experience. Yet these groups of people are more discerning than ever before: They want a personalized moment, to be informed and entertained, and above all, to be inspired. 

Liquid Spaces features a wide spectrum of unconventional environments ranging from experimental installations to complex productions. Each one of these spaces plays with the boundaries of human perception, triggering sensual encounters that activate the senses in surprising ways.

Artists, scenographers, and architects, as well as interior and exhibition designers, create these extraordinary situations. Liquid Spaces presents the most innovative concepts, most radical designers, and most demanding clients.

In Make Art or Die Trying, multidisciplinary artist Stuart Semple demystifies art concepts, shares inspiring examples, and offers DIY ideas that allow readers to start and explore their own practice.

Learn to make art that can change the world.

Multidisciplinary artist, entrepreneur, and activist Stuart Semple believes that art is for everyone, and that everyone is an artist. Every single human has an inner spark of creativity that can make the world a better place. Art can change people, places, attitudes, and communities, healing and communicating when words aren’t enough.

Make Art or Die Trying empowers you to understand and connect with big art ideas and embrace your creative potential, no matter where you’re starting from. This stunning, informative, and inspiring book demystifies influential art concepts of the 20th and 21st centuries, including happenings, performance art, Bauhaus, and Fluxus, making them super-approachable and inviting you to learn, make art, and make change.

Each chapter:

- Explains a transformative art concept in a simple, straightforward, jargon-free way.
- Shares examples by amazing and innovative artists.
- Offers DIY ideas and exercises that encourage you to explore the concept yourself and ultimately develop your own unique conversation with the wider world.
Includes a QR code that allows access to an exclusive video by Stuart that takes the conversation to a deeper level.

Let Make Art or Die Trying be your guide to harnessing the power of creative ideas to create art and change in your life and community.

About the Author:

Stuart Semple is a world-renowned contemporary artist, curator, and activist. His multidisciplinary approach spans painting, printmaking, video, technology, sculpture, happenings, and performances. His works have been exhibited at the ICA (Institute of Contemporary Arts)/UK, Denver Art Museum, Dulwich Picture Gallery, the Barbican, the Whitworth, and several other museums and institutions. Stuart has written for The Guardian, VogueSpain, and Art of England magazine, and has presented for the BBC, including the BBC Radio Documentary “Hostile Design,” which was nominated for an ARIA (an “Academy Award” for radio). As a curator, Semple founded GIANT, the UK’s largest artist-run gallery space, where he presents a program of international contemporary art. He received a Happiness Hero medal from the United Nations on their first International Day of Happiness, in recognition of his artwork Happy Clouds, which took place outside Tate Modern. Stuart also founded culturehustle.com, which distributes art materials made in his studio, including his iconic Pinkest Pink and Blackest Black paints, to artists around the globe. Semple has spoken at Southbank Centre, Frieze Art Fair, Dublin Museum, Denver Art Museum, Oxford University, and the Royal College of Art, and he is an ambassador for mental health charity Mind, where he initiated a fund to provide arts therapies throughout England and Wales. He lives in Bournemouth, UK.

Супровідний каталог до виставки Марини Абрамович у Королівській академії з 23 вересня по 1 січня 2024 року.

За останні півстоліття Марина Абрамович здобула всесвітнє визнання як піонер перформансу. У цій гарній новій книзі описано першу виставку у Великій Британії, яка включає роботи за всю її кар’єру. Повторне виконання деяких з її найвідоміших і найрадикальніших творів з’являється поруч із новими та недавніми роботами. Додаток доповненої реальності для iOS і Android дозволяє читачам переглядати фільми оригінальних виступів Абрамовича під час читання книги.

Ця важлива публікація, яка є важливою покупкою для всіх прихильників надзвичайної 55-річної кар’єри Абрамович, привертає голоси експертів до дискусії, яку породжує її новаторське мистецтво. Наскільки далеко повинна просуватися художниця в гонитві за своєю роботою? Яку роль відіграє глядач у створенні вистави? Як мистецтво перформансу може пережити момент, у якому воно відбувається?

• Записує першу британську виставку, яка включає роботи за всю кар’єру Абрамовича
• Додаток доповненої реальності для iOS та Android дозволяє читачам переглядати фільми оригінальних виступів Абрамовича під час читання книги.

Про авторів:

Карен Арчі є куратором сучасного мистецтва в музеї Stedelijk, Амстердам. Едріан Хітфілд, професор перформансу та візуальної культури в Університеті Рогемптона, Лондон. Світлана Раканович є професором теорії сучасного мистецтва на факультеті образотворчого мистецтва Цетіньє Університету Чорногорії. Андреа Тарсія — директор виставок Королівської академії мистецтв у Лондоні. Девін Цубер є доцентом кафедри американських студій, релігії та літератури в Теологічному союзі вищих навчальних закладів Берклі, а Джордж Ф. Доул є професором сведенборгіанських студій у Центрі сведенборгіанських досліджень у Берклі.

____________

Погортати книгу  Marina Abramović​ .