Книги про сучасне мистецтво

A Central Hub in the Global Network of Media Art

The Prix Ars Electronica is the world's longest-running media art competition. Richly illustrated, and with texts and statements by the jury, this book brings together the winners of 2022 selected out of 2.338 projects submitted from 88 countries in the categories Computer Animation, Interactive Art +, Digital Communities and u19-create your world. What is more, the volume also provides insights into the work of Laurie Anderson, this year's recipient of the Golden Nica for Visionary Pioneer of Media Art.

Also included is a best-of of the STARTS Prize, commissioned by the European Commission. The focus of this highly remunerated competition was on innovative projects at the intersection of science, technology and art (= Science, Technology and ARTS).

Захоплююча колекція сучасної фотографії, скульптури, ілюстрації та дизайну, яка прославляє світ танцю

Немає сумніву, що люди були зачаровані рухом і танцями стільки часу, скільки ми створювали мистецтво, від доісторичних наскальних малюнків до картин Дега. Ця приголомшлива мистецька антологія об’єднує унікальну колекцію з 50 відомих сучасних художників з усього світу, чиї роботи прославляють, вшановують та надихають сліпучий світ танцю.

Від зірок соціальних мереж до міжнародних сенсацій образотворчого мистецтва, відомих імен до новачків, які порушують правила, Dance Vision демонструє дивовижне розмаїття мистецтва та танцю сьогодні. Художники, представлені в цій антології, можуть похвалитися різноманітністю унікальних особистих точок зору, підходів і стилів, які неодмінно приведуть у захват і загадку ентузіастів танцю та мистецтва будь-якого віку та походження.

Про автора:

Джошуа Тіл – танцюрист із Сан-Франциско, Каліфорнія. Отримавши ступінь бакалавра театрального мистецтва в Університеті Мемфіса, де його назвали найкращим виконавцем року, Тіл навчався класичному балету та танцю в The Academy of Ballet, Ballet Black і Collage Dance Collective. Зараз він є учасником Peninsula Ballet Theatre, а також викладає приватні уроки балету, вивчає мову жестів, виступає за людей похилого віку та пише. З бажанням дослідити всі грані його творчості, Dance Vision є першою книгою Джошуа Тіла.

Вшанування творчості сучасного архітектора Девіда Роквелла, який працює на перетині архітектури та перформансу

Це унікальне розуміння проектів і філософії відомого архітектора та лауреата премії Тоні сценографа Девіда Роквелла досліджує надзвичайний діапазон його робіт, від ресторанів і готелів до музеїв і бродвейських сцен. Це перша книга, яка висвітлює зв’язок між архітектурою та продуктивністю та містить внески провідних голосів і талантів у таких різноманітних галузях, як архітектура, дизайн освітлення та кулінарне мистецтво.

Захоплення театром Девіда Роквелла давно вплинуло на його творчість.Драма досліджує основні принципи, які Роквелл використовує для посилення впливу своєї архітектури, за допомогою експертів із усього творчого світу – від продюсера Квінсі Джонса до шеф-кухаря Хосе Андреса. Це одночасно новий захоплюючий погляд на роботу важливого сучасного архітектора та переконливий аргумент на користь міждисциплінарної співпраці.

Про авторів:

Девід Рокуелл, FAIA, є засновником і президентом Rockwell Group, відомої архітектурної та дизайнерської фірми з офісами в Нью-Йорку, Лос-Анджелесі та Мадриді, яка спеціалізується на культурному, гостинному, освітньому та декораційному дизайні.

Bruce Mau є засновником Bruce Mau Studio та співзасновником Massive Change Network, колективу цілісного дизайну в Чикаго.

Sam Lubell написав 10 книг про архітектуру, у тому числі кілька для Фейдона та Моначеллі.

Найповніша та найновіша книга про яскраву програму публічного мистецтва Нью-Йорка, Хай Лайн

Хай-Лайн, знаменита залізнична лінія Нью-Йорка, що перетворена на зелену доріжку, щороку приймає мільйони відвідувачів, створюючи унікальний простір для зустрічі з мистецтвом і перформансом.Elevated оглядає багаті, багатогранні пропозиції своєї публічної мистецької програми High Line Art, представляючи роботи та проекти за останнє десятиліття ключових художників з усього світу.

Книга містить низку проектів світового рівня таких художників, як Сімона Лі, Паола Піві, Сем Дюрант, Джордан Кастел, Сесілія Вікунья, Шейла Хікс, Ель Анацуї, Філіда Барлоу, Фейт Рінгголд, Барбара Крюгер, Зої Леонард та багато інших. Він документує творчу еволюцію та яскраве культурне програмування High Line Art, яке пропонує полотно міського масштабу для митців і виконавців, з яким можна взаємодіяти, видно на численних фотографіях, які описують проекти протягом сезонів у парку.

Завдяки об’ємним фотографіям і унікальним бесідам з художниками-учасниками, а також есе ключових критиків, таких як Джулія Брайан-Вілсон і Аруна Д’Соуза, у цій книзі розглядаються десятки інсталяцій під відкритим небом, рекламних щитів, настінних малюнків, відеопроектів і спільних заходів, які демонструють унікальний і яскравий вплив High Line Art як на Нью-Йорк, так і на світ мистецтва.

Про автора:

Сесілія Алемані – директор Дональда Р. Маллена-молодшого та головний куратор High Line Art, програми публічного мистецтва, представленої High Line у ​​Нью-Йорку, і провідний експерт із замовлення та створення амбітних творів мистецтва для громадських і незвичайних місць. З 2020 по 2022 рік вона працювала художнім керівником 59-ї Венеціанської бієнале, де була куратором відомої виставки The Milk of Dreams і буде куратором видання SITE SANTA FE International у 2025 році.

The most comprehensive showcase ever published of Azuma Makoto’s astonishing flower art and botanical sculpture

The art of Makoto Azuma uses flowers and plants as its starting point, but juxtaposes their timeless yet transient beauty with an incredibly diverse range of striking settings. In a series of sculptures, installations and interactive events, he delights in blurring the boundaries between nature and artifice.

Azuma founded the floral atelier Jardins des Fleurs in 2002, taking commissions from private clients as well as brands and corporations, both in Japan and all over the world. His parallel career as an artist began in 2005 and involves creating and exhibiting artworks that turn flowers and plants into a medium for self-expression. In 2008, Azuma founded AMKK (Azuma Makoto Kaju Kenkyujo), a group specializing in experimental floral creation, with the aim of seeking new forms of botanical beauty and new ways to exhibit them. His works have travelled the globe, from barren deserts to frozen expanses, from thousands of feet below the sea to the very edge of space. Featuring more than sixty projects captured in breathtaking photography, this beautiful book is the most comprehensive showcase of Azuma’s art ever published.

Contents List:

Introduction • The Works

About the Author:

Makoto Azuma co-founded the floral atelier Jardins des Fleurs in 2002 with photographer Shunsuke Shiinoki. Azuma has since become internationally renowned for his extraordinary ‘botanical sculptures’, which he has exhibited extensively in New York City and Europe – and even shot into space. Azuma and Shiinoki have collaborated on three volumes of Encyclopedia of Flowers.

Які впливи між Заходом і Далеким Сходом сформували історію танцю? Склалася яскрава хроніка мистецьких контактів між культурами, від ранніх виступів азіатських танцюристів на колоніальних виставках у Європі та піонерів сучасного танцю через перші хепенінги японських танцюристів буто до сучасних вистав.

Ця розкішна стандартна робота була складена міжнародними експертами. За допомогою понад 270 фотографій, картин, скульптур, фільмів і вистав він ілюструє, як нові форми вираження танцю та мистецтва виникають через транскультурні зустрічі. Мова, на якій створено танець – кроки, жести, події, процеси та ритуали – показана поряд із його матеріалами – тілами, світлом, кольором, тканиною та туманністю. Його вплив виходить за межі його естетичної цінності та поширюється на суспільний, культурний і політичний розвиток сучасних суспільств.

Художники:

Піна Бауш, Джон Кейдж, Мерс Каннінгем, Ейко та Кома, Мадам Ханако, Тацумі Хіджіката, Клер Холт, Ейко Хосо, Лейко Ікемура, Раден Мас Джоджана, Ернст Людвіг Кірхнер, Ів Кляйн, Анук Крютхоф, Ісаму Ногучі, Йоко Оно, Нам Джун Пайк, Огюст Роден, Ульріке Розенбах, Удай Шанкар, Саймон Старлінг, Пе Вайт, Мері Вігман, Хейг Янг.

Цифровий художник Гу Чжег Вей (він же Гувейз) ділиться своїм світом, натхненним аніме, у цій чудово створеній та проникливій книзі, ведучи вас у свій фантастичний світ із портфоліо, наповненим суворими деталями та сюрреалістичною атмосферою. Гувейз почав малювати, коли йому було 17 років, натхненний підручником з мистецтва аніме на YouTube. Виявивши в собі природний талант, він продовжив малювати й швидко зібрав шанувальників свого гострого стилю ілюстрації.

У цій книзі читачі відкриють для себе його мистецьку подорож із самого початку, із закулісними подробицями про те, як створювалися деякі з його найпопулярніших творів. Він розкриває свої секрети перетворення впливів у справді оригінальне цифрове мистецтво, включно з тим надзвичайно важливим наративом, який виводить малюнок і живопис за межі суто візуального. У покрокових посібниках ви знайдете методи та поради, які допоможуть вам створити подібні ефекти у вашому мистецтві, в результаті чого ви отримаєте зображення з глибиною деталей та інтригою, які Гувейз зробив своєю торговою маркою. Унікальний міський погляд художника на популярний стиль манги/аніме захоплює з першої сторінки, від сюрреалістичного погляду на японський стиль життя до міських фантазій, які він створює.

Вирушайте в подорож його фантазійним світом і відкрийте для себе плідне портфоліо, наповнене суворими деталями міського пейзажу та темними, сюрреалістичними тонами.

Про художника:

Guweiz почав малювати, коли йому було сімнадцять, натхненний підручником з мистецтва аніме на YouTube. Виявивши природну пристрасть до цього жанру, він продовжував вчитися та малювати, і швидко накопичив фанатів свого гострого мистецького стилю. У цій книзі читачі відкриють для себе його мистецьку історію з самого початку, із закулісними подробицями про те, як створювалися деякі з його найпопулярніших творів. Ґувейз розкриває свої секрети перетворення зовнішнього впливу на справді оригінальне цифрове мистецтво, включно з надзвичайно важливою розповіддю, яка виводить малюнок і живопис за межі суто візуального.

____________

Переглянути відео про книгу Guweiz: The Art of Gu Zheng Wei

Handbook of Tyranny зображує рутинну жорстокість двадцять першого століття за допомогою серії детальних нехудожніх графічних ілюстрацій. Жодна з цих жорстокостей не є надзвичайним насильством — вони відображають щоденне впровадження законів і правил по всьому світу.

Кожна сторінка книги ставить під сумнів наш сучасний світ стін і парканів, поліцейської тактики та тюремних камер, контролю натовпу та таборів для біженців. Сухий і фактичний стиль оповіді за допомогою технічних малюнків є графічним еквівалентом бюрократичної жорсткості, народженої законами та правилами. Рівень деталізації, зображений на ілюстраціях книги, відображає репресивні зусилля, що вживаються владою по всьому світу.

Двадцять перше століття демонструє загальне прагнення до дедалі більш регульованого та захисного суспільства. Однак масштаби авторитарного втручання та їх прихований дизайн додають дедалі більшої складності пов'язати причину та наслідок. Handbook of Tyranny дає глибоке розуміння взаємозв'язку між політичною владою, територіальністю та систематичною жорстокістю.

Це нове видання містить оновлені рисунки та вісім додаткових сторінок.

Про автора:

Тео Дойтінгер (*1971) — архітектор, письменник і куратор. Він є засновником і керівником «The Department» (TD) – практики, яка поєднує архітектуру з дослідженнями, візуалізацією та художнім мисленням. У TD він працює на всіх рівнях: від глобального планування, просторових генеральних планів, архітектури до графічної та кураторської роботи. Дойтінгер відомий своїми теоретичними працями про трансформацію європейської міської культури та соціально-культурними дослідженнями, такими як Handbook of Tyranny. Його роботи були представлені, серед інших, на Дизайн-бієнале Кванджу (2011), 14-й Венеційській архітектурній бієнале (2014) та Storefront for Architecture у Нью-Йорку (2019). Тео Дойтінгер живе та працює в Австрії.

The first book on Chicago-born Hebru Brantley, the preeminent African American pop artist of his generation, whose work is hot and in demand in the art world, the fashion world, street style, and the music world.

Straddling the worlds of fine art, street art, and hip-hop, name-dropped on many a rap song, and collected by the likes of Jay-Z and LeBron James, Hebru is a painter, sculptor, and designer.

He first gained attention as a graffiti artist, tagging walls with colorful depictions of “Flyboy” — a child donning aviator goggles — all over the Windy City. Fast-forward to 2021, and his creations, profoundly influenced by Disney and Japanese Superflat, are now in museums and branded goods for A Bathing Ape, Billionaire Boys Club, Adidas Originals, and a host of other sought-after labels.

At the heart of Hebru’s work is restoring innocence to the depiction of Black youth, often forced into adulthood before their time in the eyes of the law and popular media. Upbeat and life-affirming, Brantley’s work not only attempts to normalize images of Black children at play, his creation of Black superheroes also suggests an entirely new mythology in a cultural landscape often devoid of positive examples.

This book features the breadth of Hebru’s work so far and is the first monograph on his work. Set out in two parts, this work examines both the fine-art and applied-art nature of his work, with both his paintings and his streetwear collaborations receiving pride of place in the design of the book by prominent graphic designer Oliver Munday, currently the art director of The Atlantic.

About the Author:

Hebru Brantley is a contemporary American artist hailing from Chicago and based in Los Angeles. His work is profoundly influenced by anime, pop art, graffiti, and Afrofuturism.

__________

Пролистать книгу Hebru Brantley

Тривимірний вигляд сучасної візуальної культури формується техніками та стилями образотворчого мистецтва та ремесел

High Touch — це потужна колекція передового тактильного дизайну. Цей вибір тривимірної роботи визначає нову візуальну мову для презентації та оповідання. Ручна робота та майстерність, необхідні для створення цих робіт, звертаються до міждисциплінарного мислення нашого часу та активізують наші почуття більше, ніж стандартні двовимірні зображення.

High Touch документує надихаючий діапазон матеріальних об’єктів і просторових оркестровок, які поєднують ремесла, зокрема в’язання гачком, виготовлення паперу, дизайн костюмів і масок із техніками більш традиційних форм мистецтва, таких як інсталяція, скульптура, колаж, фотографія та ілюстрація. Приклади, наведені в книзі, доводять, що можливості для цієї новаторської роботи величезні. Додатки включають рекламу, презентації брендів, редакційний дизайн, фотографію, дизайн продукту, сценічний дизайн і сценографію, а також суміжні сфери, які або вже існують, або які їх творці ще не винайшли.

Сучасна візуальна культура формується під впливом різноманітних стилів, культур та епох. Ручні роботи, зокрема в’язання гачком, виготовлення паперу та дизайн костюмів і масок, поєднуються з техніками більш традиційних форм мистецтва, таких як інсталяція, скульптура, колаж, фотографія та ілюстрація.

Нова візуальна мова нині формується завдяки вмілому та незвичному поєднанню творчих стилів, а також використанню розширеного спектру матеріалів і технік. Одним із найяскравіших аспектів сучасної візуальної культури є якість ручної роботи. Останні роботи багатьох творчих людей характеризуються майстерністю та інтенсивним, навіть трудомістким дослідженням представлених технік, матеріалів або стилів.

High touch — це термін, який використовується в теорії дизайну для опису доступної людської візуальності. Книга High Touch — це компіляція поточних робіт, яка розширює та збагачує це визначення в сучасний спосіб. Він представляє багатий вибір інноваційного, часто ручного дизайну, створеного з повним спектром матеріалів і стилістичних прийомів, які існують сьогодні, - усі вони також прагнуть розширити цю палітру візуальних можливостей у значущий спосіб.

Приклади, представлені в High Touch, доводять, що сфера застосування цієї новаторської роботи величезна. Сюди входять реклама, презентації брендів, фотографія, дизайн продукту, сценічний дизайн і сценографія, а також суміжні галузі, які або вже існують, або їх творцям ще належить винайти.

American artist Jean-Michel Basquiat (1960–1988) quickly became one of art history’s most luminescent personalities; his friendships with Andy Warhol, Keith Haring, and Madonna, as well as his tragic death at the age of twenty-seven, are the stuff of legend.

This retrospective publication traces the artist’s unique career and pinpoints his important position in art history. Basquiat’s works are marked by the kind of intensity and energy that also determined the course of his brief life. In just eight years - comparable to the career of Egon Schiele - Basquiat not only managed to create an extensive oeuvre but also to establish new figurative and expressive elements alongside Conceptual and Minimal Art. At the age of twenty-one, he became the youngest artist ever to be invited to the documenta, while his work also anticipated that of Germany’s Junge Wilde movement and the art of the nineties.

A rare and poignant compilation of photography and written anecdotes by American photographer and artist Lee Jaffe that captures his close friendship, collaboration, and travels with the artist Jean-Michel Basquiat as they traversed Japan, Thailand, and Switzerland in 1983. 

Lee Jaffe, a cross-disciplinary visual artist, musician, and poet, took photos of his friend, Jean-Michel Basquiat, when they traveled abroad in 1983. As a photographer, Jaffe had a connection to Basquiat, and their time spent together resulted in an archive of imagery that captured one of the art world’s true legends through an unfiltered and authentic lens.

Basquiat and Jaffe connected over reggae music at a mutual friend’s art show. It was the early 1980s in New York, when the art scene was raw, complicated, and thriving, and Jaffe cultivated strong connections with cultural figures such as Basquiat, Bob Marley, and Peter Tosh. “For me, watching him [ Jean] paint reminded me of the times I would sit and play harmonica while Bob Marley, with his acoustic guitar, would be writing songs that were eventually to become classics,” Jaffe says. “With Jean and Bob, it seemed like they were channeling inspiration coming from an otherworldly place.” This beautiful volume presents snapshots of Basquiat: from the artist smiling on a bullet train to Kyoto and behind-the-scenes documentation of Basquiat creating artwork in St. Moritz, to poignant portraits that mirror his undeniable magnetism. These rare depictions of Basquiat come to life with Jaffe’s unforgettable experiences of their friendship, collaborations, and travels detailed in private written memories and anecdotes. This insightful and moving illustrated volume captures the soul of the unedited, ambitious, young artist during the height of his short yet unprecedented artistic career.  

About the Author:

Lee Jaffe is an artist, photographer, filmmaker, musician, and producer.

__________

Пролистать книгу Jean-Michel Basquiat: Crossroads

This landmark volume tells the story of Jean-Michel Basquiat from the intimate perspective of his family, intertwining his artistic endeavors with his personal life, influences, and the times in which he lived, and features for the first time work from the Estate’s largely unseen and significant collection of paintings, drawings, sketches, and ephemera.

Organized by the family of Basquiat, the exhibition and accompanying catalogue feature over 200 never before and rarely seen paintings, drawings, ephemera, and artifacts. The artist’s contributions to the history of art and his exploration into our multi-faceted culture — incorporating music, the Black experience, pop culture, African American sports figures, literature, and other sources — are showcased alongside personal reminiscences and firsthand accounts providing unique insight into Basquiat’s creative life and his singular voice that propelled the social and cultural narrative that continues to this day.

Structured around key periods in his life, from his childhood and formative years, his meteoric rise in the art world and beyond, to his untimely death, the book features in-depth interviews with his surviving family members.

About the Authors:

Lisane Basquiat and Jeanine Heriveaux are the sisters of Jean-Michel Basquiat, and along with Nora Fitzpatrick, the artist’s stepmother, they run the Estate of Jean-Michel Basquiat. Ileen Gallagher is a curator and producer. Formerly a curator at De Young Museum in San Francisco and the Queens Museum of Art, New York, she also served as Director of Exhibitions for the Rock and Roll Hall of Fame Museum in Cleveland.

___________

Пролистать книгу Jean-Michel Basquiat: King Pleasure©

Том присвячений творчості Дженні Севіль (Кембридж, 1970), однієї з найвидатніших сучасних художниць і провідного голосу на міжнародній арт-сцені.

Севіль долає межі між образним і абстрактним, між неформальним і жестовим, зуміючи перетворити новину в універсальний образ, який ставить людську фігуру в центр історії мистецтва. Величезні, оголені тіла, з плотською фізичністю та пригнічені вагою, яка є більше екзистенціальною, ніж матеріальною, Савіль пов’язаний із великою європейською живописною традицією в постійному порівнянні з модернізмом Віллема де Кунінга та Сая Твомблі та портретами Пабло Пікассо та Френсіса Бекона.

Її роботи також окреслюють сильну кореляцію з майстрами італійського Відродження, зокрема з деякими великими шедеврами Мікеланджело.

Том містить багатий каталог картин і малюнків з 1990-х років до сьогодні.

Остаточне дослідження творчості KAWS, однієї з найвпливовіших і улюблених сил сучасного мистецтва та культури

KAWS є одним із найпопулярніших і впізнаваних сучасних митців, чий охоплення виходить далеко за межі світу мистецтва в сфери моди, музики та масової культури в цілому. Розпочавши кар’єру художника графіті в 1990-х роках, KAWS розширив свій репертуар на живопис, скульптуру, малюнок, дизайн продуктів і доповнену реальність, разом утворюючи художнє бачення, яке об’єднує всі ці практики. KAWS співпрацював з деякими з найвідоміших міжнародних брендів, зокрема Uniqlo, Comme des Garçons, Supreme, Nike, Dior, sacai, General Mills та багатьма іншими, і книга містить зображення студії художника, створені Джейсоном Шмідтом, і добірку раніше неопублікованих малюнків KAWS, а також роботи, що охоплюють всю його кар’єру, від його ранніх графіті-днів до колекціонування вінілу. іграшки, складний абстрактний живопис, монументальна публічна скульптура. Багато ілюстрована та найзначніша наукова робота щодо його творчості на сьогоднішній день, ця книга є остаточним дослідженням життя та кар’єри цього надзвичайного художника.

Про авторів:

Ден Надел – письменник і куратор із Брукліну.

Томас Кроу – професор сучасного мистецтва Розалі Солоу в Нью-Йоркському університеті.

Клер Ліллі – директор Йоркширського парку скульптур.

Джейсон Шмідт – фотограф із Нью-Йорка.