Книги про сучасне мистецтво

A major career survey of Yayoi Kusama, one of the most widely admired and popular artists of our time, published in collaboration with M+, Hong Kong, to accompany M+’s first Special Exhibition, Yayoi Kusama: 1945 to Now, from 12 November 2022 to 14 May 2023.

Yayoi Kusama is that rare thing: an artist who has achieved truly global acclaim. In a wide-ranging career spanning seven decades and multiple media, she has established profound connections with audiences around the world. Emerging at the forefront of artistic experimentation in Asia in the mid-20th century, Kusama soon became a central figure in the New York art scene of the 1960s. Today, Kusama continues to communicate her highly personal and spiritual world view through her art.

Yayoi Kusama: 1945 to Now is the most comprehensive survey of her work to date. Structured around six thematic sections, ‘Infinity’, ‘Accumulation’, ‘The Biocosmic’, ‘Radical Connectivity’, ‘Death’ and ‘Force of Life’, the volume elucidates the aesthetic and philosophical concerns at the heart of the artist’s oeuvre.

In addition to a selection of Kusama’s writings, some of which have never been published before, the book features correspondence with Georgia O’Keeffe, an interview with critic and curator Yoshie Yoshida, and a roundtable discussion among leading authorities in the field. Also included are curatorial essays exploring different aspects of Kusama’s practice, and a detailed visual chronology of her life. Appealing not only to those already familiar with Kusama and her work, but also to anyone discovering it for the first time, this monograph reveals an artist who, while shaped by international artistic currents, remains deeply connected to the traditions and culture of her native Japan.

Ця книга супроводжує першу велику європейську ретроспективну виставку Яйої Кусами, пропонуючи вичерпний огляд впливової творчості японської художниці, яка охоплює понад вісімдесят років.

Як доповнення до новаторської ретроспективи в Гропіус Бау, це видання досліджує життя та творчість Кусами через цілком оригінальні погляди провідних експертів. Книга простежує розвиток творчого доробку Кусами від її ранніх картин та накопичувальних скульптур до її захопливих середовищ, а також досліджує її менш відому художню діяльність у Європі та зокрема в Німеччині. Вона висвітлює відданість Кусами політичним та соціальним питанням у Європі, США та Японії. Різноманітний вибір зображень та архівних документів представлений поряд з текстами авторів з різним теоретичним підходом. Есе обговорюють досягнення Кусами у світі моди, кіно, арт-маркетингу та видавничої справи. Вони зосереджуються на її взаємодії з різними мистецькими сферами та пропонують жанрово-специфічні спостереження щодо її перформансів, інсталяцій та серій картин. Така ж панорамна та захоплива, як і сама тема, ця монументальна ретроспектива веде глядачів, які цікавляться Кусамою, до глибшого розуміння її творчої траєкторії та масштабу її надзвичайної кар'єри.

Про автора:

Стефані Розенталь — директорка музею Гропіуса Бау в Берліні. Раніше вона була головним куратором галереї Хейворд у Лондоні, а також художнім керівником 20-ї Сіднейської бієнале, яка відбулася у 2016 році.

A retrospective of Yayoi Kusama, Japan's most prominent artist and 'Queen of the Polka Dots'

Avant-garde artist Yayoi Kusama’s matchless creativity and originality have been captivating the world since she moved from Matsumoto, her hometown in Nagano, Japan, to the USA in 1958. In the last ten years alone, her retrospective exhibitions in four major European and American museums, including Tate Modern, London, and the Whitney Museum of American Art, New York, have seen record attendance.

Kusama has continuously innovated and re-invented her style. Well-known for her repeating dot patterns, her art encompasses an astonishing variety of media, including painting, drawing, sculpture, film, performance and immersive installation. It ranges from works on paper featuring intense semi-abstract imagery, to soft sculpture known as ‘Accumulations’, to her ‘Infinity Net’ paintings, made up of carefully repeated arcs of paint built up into large patterns. This comprehensive publication, originally published to accompany a sell-out exhibition at Matsumoto City Museum of Art, offers a comprehensive overview of Kusama’s entire career, including works from her youth, when she indulged in drawing in order to escape from her hallucinations; paintings made when she was based in New York, including ‘Infinity Nets’ and ‘Polka Dots’; works from the 1980s and 1990s, when she participated in the Venice Biennale; and last but not least, the ongoing large-scale series ‘My Eternal Soul’. The plates are in chronological order and followed by detailed captions.

About the Authors:

Yayoi Kusama (born 22 March 1929) is a Japanese contemporary artist who works primarily in sculpture and installation but is also active in painting, performance, film, fashion, poetry, fiction, and other arts. Her work is based in conceptual art and shows some attributes of feminism, minimalism, surrealism, Art Brut, pop art, and abstract expressionism, and is infused with autobiographical, psychological, and sexual content.
Akira Shibutami is a curator at the Matsumoto City Museum of Art.

In celebration of one of Kusama’s most iconic infinity rooms

A tribute to Yayoi Kusama, the world’s most popular artist, according to The Art Newspaper and The Guardian.

Yayoi Kusama is one of Japan’s most important and famous artists, beloved across multiple generations and different audiences, capable of wonder and amazement. Infinito presente is a tribute to her original and unique art, focusing on Fireflies on the Water one of her most iconic Infinity Mirror Rooms from the collection of the Whitney Museum of American Art in New York. Fireflies on the Water is a room-sized installation where, as the title suggests, the lights seem almost natural, like fireflies on a quiet summer’s night. The pool of water creates an incredible sense of stillness and the mirrors reflect never-ending images of themselves, creating a sidereal ambience. Space appears infinite, without top or bottom, beginning or end. As in Yayoi Kusama’s early installations, including her Infinity Mirror Room (1965), Fireflies on the Water embodies an almost hallucinatory approach to reality. Although linked to the artist’s personal mythology and the process of therapeutic work, this work also references sources as diverse as the myth of Narcissus and Kusama’s native Japanese landscape.

About the Author:

Stefano Raimondi, contemporary art curator, is director of network The Blank Contemporary Art, Italy’s leading network dedicated to the promotion and enhancement of contemporary art and the territory in which it is embedded.

Погляд на видатного китайського виконавця, скульптора та художника.

Чжан Хуань став одним із найважливіших митців свого часу, безстрашним дослідником меж людського тіла та ключовою фігурою на процвітаючій сцені китайського мистецтва. Його перші виступи, зокрема «12 м2, 65 кг» і «Підвищити рівень води в рибному ставку», піддавали його тіло виснажливим випробуванням на витривалість, розглядаючи зв’язок між фізичною витривалістю та духовним спокоєм.

Переїзд Чжана до Нью-Йорка в 1998 році сприяв його становленню як однієї з найбільш визнаних фігур у міжнародному сучасному мистецтві та призвів до виступів у містах по всьому світу, включаючи Сідней, Рим, Шанхай і Гамбург. У 2006 році він заснував студію в Шанхаї, де почав шукати більшого зв’язку з китайською спадщиною та історією. Це ознаменувало новий напрямок у його творчості, оскільки він повернувся від перформансу до скульптури, живопису та інсталяції. Створюючи великомасштабні скульптури, часто використовуючи знайдені предмети, такі як двері з сільських китайських будинків, він продовжує досліджувати нові способи відобразити свій інтерес до людського тіла та його унікальної мови.

Буддійські теми, які опосередковано фігурували в його ранніх роботах, набули більш помітної ролі після візиту до Тибету в 2005 році. Там він почав збирати фрагменти буддійських скульптур, які потім використовував як моделі для масивних мідних фігур. Після повернення до Шанхаю він почав використовувати попіл ладану з місцевих буддійських храмів у своїх скульптурах і картинах. Попіл, продукт релігійних підношень, зміцнює зв’язок між його мистецтвом і буддистською духовною практикою.

В інтерв’ю РоузЛі Голдберг обговорює з Чжаном своє життя та мотиви, своє дитинство в сільській провінції Тан’їнь і усвідомлення того, що його тіло може бути найкращим засобом самовираження. Огляд Yilmaz Dziewior аналізує еволюцію творчості Чжана від його ранніх суперечливих виступів у Пекіні до його інтересу до буддизму та його недавніх розробок монументальних скульптур і живопису, деякі з яких потребують понад сотні помічників. Роберт Сторр зосереджується на «Будівництві каналу» (2007), епічній картині з попелу, яка є свідченням величезної сили колективної праці. Для вибору художника Чжан вибрав уривок із вчень стародавнього ченця тігуан, зібраний його учнем Мяодзі. Записи художника включають власні яскраві думки Чжана про його мистецтво та його життя, включаючи раніше неопубліковані заяви художника.

Про авторів:

Інтерв’ю: РоузЛі Голдберг – історик мистецтва, критик і куратор, яка започаткувала дослідження перформансу. Автор кількох основоположних книг, у тому числі Performance Art: From Futurism to the Present (1979) та Performance: Live Art from the 1960s (1998), вона є директором-засновником «Performa», некомерційної організації з розробки, замовлення та презентації мистецтва перформансу.

Опитування: Їлмаз Дзевір – критик і куратор із Гамбурга, де він є професором теорії мистецтва у Вищій школі мистецтва. Раніше він був куратором Музею Людвіга в Кельні та директором Kunstverein у Гамбурзі, де він організував виставку робіт Чжан Хуана в 2002 році, зараз він є співкуратором 7-ї бієнале візуальних мистецтв у Лімерику (2009). Його твори публікувалися в Artforum, Camera Austria та Texte zur Kunst, а також у численних каталогах виставок.

Фокус: Роберт Сторр – декан Школи мистецтв Єльського університету. Колишній старший куратор Музею сучасного мистецтва в Нью-Йорку, він керував бієнале SITE у Санта-Фе в 2004 році та Венеціанською бієнале в 2007 році. Він був співавтором Фейдонових Алекса Каца (2005), Луїзи Буржуа (2003) і Реймонда Петібона (2001), а також регулярно пише для численних журналів і журналів, зокрема Art. в Америці — Фріз і Паркетт.

Супровідний каталог до виставки Марини Абрамович у Королівській академії з 23 вересня по 1 січня 2024 року.

За останні півстоліття Марина Абрамович здобула всесвітнє визнання як піонер перформансу. У цій гарній новій книзі описано першу виставку у Великій Британії, яка включає роботи за всю її кар’єру. Повторне виконання деяких з її найвідоміших і найрадикальніших творів з’являється поруч із новими та недавніми роботами. Додаток доповненої реальності для iOS і Android дозволяє читачам переглядати фільми оригінальних виступів Абрамовича під час читання книги.

Ця важлива публікація, яка є важливою покупкою для всіх прихильників надзвичайної 55-річної кар’єри Абрамович, привертає голоси експертів до дискусії, яку породжує її новаторське мистецтво. Наскільки далеко повинна просуватися художниця в гонитві за своєю роботою? Яку роль відіграє глядач у створенні вистави? Як мистецтво перформансу може пережити момент, у якому воно відбувається?

• Записує першу британську виставку, яка включає роботи за всю кар’єру Абрамовича
• Додаток доповненої реальності для iOS та Android дозволяє читачам переглядати фільми оригінальних виступів Абрамовича під час читання книги.

Про авторів:

Карен Арчі є куратором сучасного мистецтва в музеї Stedelijk, Амстердам. Едріан Хітфілд, професор перформансу та візуальної культури в Університеті Рогемптона, Лондон. Світлана Раканович є професором теорії сучасного мистецтва на факультеті образотворчого мистецтва Цетіньє Університету Чорногорії. Андреа Тарсія — директор виставок Королівської академії мистецтв у Лондоні. Девін Цубер є доцентом кафедри американських студій, релігії та літератури в Теологічному союзі вищих навчальних закладів Берклі, а Джордж Ф. Доул є професором сведенборгіанських студій у Центрі сведенборгіанських досліджень у Берклі.

____________

Погортати книгу  Marina Abramović​ .

At the Tipping Point

Taking a deliberately kaleidoscopic approach, the exhibition 1.5 Degrees and the accompanying catalogue encourage us to address the climate crisis in a curious, innovative, participatory, and active way. More than 30 international artists, including melanie bonajo, Julian Charrière, Ernesto Neto, Otobong Nkanga, Laure Prouvost, Marianna Simnett and the collective SUPERFLEX, explore the complex interdependencies between humans, nature and technology, and search for solutions, from plants as data repositories, algae as energy sources and microorganisms as empathic dialogue partners. Including all parts of the museum collections as well as new outdoor installations at the National Garden Show BUGA, the book presents various models of how to use the means of art to reshape the coexistence of species and emphasizes the hope-giving potential of creativity and innovation.

This book traces the rise of the 3D spectacle, from 19th-century stereoscopy to contemporary 3D filmmaking and artworks.

This book follows the cyclical development of 3D media from the 1830s to the present, tracing an alternate history of modernism in which virtual depth takes precedence over material flatness. Pursuing a career-long obsession, author Britt Salvesen explores the origins of the stereoscope and its impact on later artists, featuring historic images by Jules Duboscq, Marcel Duchamp, Oskar Fischinger, Salvador Dali, and others. She traces the origins of anaglyph and polarized film, as well as other 3D formats, such as View-Master, Stereo Realist, lenticular printing, computer animation, and holography. Readers learn how 3D techniques were adopted by such artists as Simone Forti, Dan Graham, Mariko Mori, William Kentridge, Trisha Baga, and Lucy Raven. Encompassing nearly 200 years of innovation and covering a wide range of genres, artists, and media — from sophisticated perceptual experimentation to popular cinema — this volume explores how and why 3D images remain wondrous to 21st-century artists and audiences. Each book includes 3D viewing apparatuses to allow readers to fully engage in this multi-dimensional history of artistic expression.

About the author:

Britt Salvesen is Curator and Head of the Wallis Annenberg Photography Department and the Prints and Drawings Department at the Los Angeles County Museum of Art.

Now available in a new edition, this survey of great contemporary artists is the perfect introduction to the exciting world of art today.

From painters and photographers to sculptors and performance artists, fifty of the most influential contemporary artists are profiled in this colourful and engaging book that traces the various artistic movements and radical changes of the second half of the twentieth century. Presented chronologically, each artist is featured in one or two double-page spreads that include brilliant reproductions of their most important works, a succinct text about their work and life, an insightful biography with key dates in their career, and informative background on major developments in the art world. As diverse and inspiring as the artists themselves, this book is a voyage of discovery into art’s cutting edge.

About the Authors:

Brad Finger is an art historian based near Chicago, Illinois. He is the author of 13 Modern Artists Children Should Know and 13 American Artists Children Should Know.

Christiane Weidemann is an art historian and author of art books for children and adults. Her books include Salvador Dali, Leonardo da Vinci, and 50 Women Artists You Should Know.

___________

Пролистать книгу 50 Contemporary Artists You Should Know

"Public art is one of the most important elements that define a city. Public installations echo the character and spirit of a time and place, and remind us all of the imperative need for creativity and imagination in our daily lives."
(Carole Feuerman)

Art has always made a substantial contribution to cultural identity. This impact is considerably enhanced when a work of art is created for a public place and takes on a space-defining function. Whatever the shape, size or medium, art in public, accessible to all, attracts attention. Its presence provokes thought, questions assumptions, expresses values, and adds new qualities to communities and cities.

In this volume, selected works introduce the history of public art over 4,500 years of historical eras and styles, including world-famous landmarks such as the Great Sphinx of Giza, the Trevi Fountain or the Statue of Liberty. The majority of art works presented here are from modern times, allowing an in-depth look at contemporary works by important artists like Alexander Calder, Nam June Paik, Jeff Koons, Eduardo Chillida or Ai Weiwei.

A sardonic spin on the ABC book, A is for Anarchist is a sharp knife in a drawer full of safety scissors.

Wryly written by critically acclaimed rapper billy woods and sublimely illustrated by artist m. musgrove, A is for Anarchist upends the traditional ABC format with earnestness that belies its irreverence. Anarchist takes modest ideas, like E is for Energy and G is for Ghosts, and flips them into incisive commentary on modern life and the state of the world. Also, it has to be the only alphabet book with annotated footnotes and a Nas reference.

About the Author:

Woods is a writer, rapper, and father who needed somethingcool to read to his children. The child of a Jamaican intellectual and a Zimbabwean revolutionary, woods’s childhood spent between the U.S., Africa, and the West Indies leaves its imprint on all his work. Musgrove is a Brooklyn-based painter, illustrator, and amateur animator. She is inspired by Wimmen’s Comix, William Morris, and tumult.

This is the first monograph on the internationally acclaimed Ivorian-American contemporary artist Aboudia.

Aboudia (b. 1983) draws inspiration from local street culture in his hometown of Abidjan, Ivory Coast. The artist is famous for his heavily layered, brutally energetic paintings that combine an innocence and spontaneity with the portrayal of a dark interior world. Since the Ivorian civil wars (2004–2011), his urban landscapes have been haunted by trauma: armed soldiers, ominous skulls, and a populace hemmed in by danger. His recent work continues to grapple with the hardships of daily life and the social inequalities within Ivorian society.

In his imagery, Aboudia refers to characters from his direct neighborhood and contemporary “Nouchi” culture and language, illustrating the vitality and resilience of the inhabitants of Abidjan. With an immense variety of details coming in and out of focus, often only revealing themselves after several viewings, his paintings are a melting pot of references, paying homage to traditional arts and spirituality but also including images from contemporary West African culture.

About the Authors:

Ugochukwu-Smooth C. Nzewi is a Nigerian artist, art historian, and curator, currently curator in the Department of Painting and Sculpture at the Museum of Modern Art in New York City.

Gauz is the pen name of Patrick Armand-Gbaka Brede. Gauz is a photographer, writer, editor of a satirical Ivorian economic newspaper, and the author of the novel Debout-Payé, published in Paris in 2014 by “Le Nouvel Attila.”

Це друга велика монографія, присвячена всесвітньо відомому колективу російських художників: AES+F.

З 1987 року AES+F працюють на стику живопису, скульптури, фотографії, відео та нових технологій. Вони отримали всесвітнє визнання в Російському павільйоні на 52-й Венеційській бієнале в 2007 році з їх провокаційним, неземним Last Riot (2007), першою з їхніх фірмових великомасштабних багатоканальних відеоінсталяцій. Завжди розширюючи межі своєї практики, між 2016 і 2019 роками колектив також працював над декораціями відео для театру та опери.

Том проллє світло на психоаналітичний підхід, який лежить в основі їхньої мови та провокацій, спрямованих на те, щоб спонукати глядача до процесу саморефлексії, змінюючи його сприйняття світу та суспільства. Їхня візуальна подорож буде розділена на три хронологічні частини, що відповідають найбільш значним змінам у їхній концептуальній еволюції та охоплюють їхню практику з 1995 по 2020 рік.

Том включає внески Тіни Р. Раян і Брук Л. Макгоуен, Тома Мортона та Хоу Ханру.

Про автора:

Сільвія Буріні є директором Центру досліджень російського мистецтва (CSAR) Університету Ка’ Фоскарі у Венеції.Джузеппе Барб’єрі – повний професор історії сучасного мистецтва Венеціанського університету Ка’ Фоскарі та керівник кафедри філософії та культурної спадщини.

This eagerly awaited first monograph focuses on Alexander Ponomarev, one of Russia's most eminent and singular contemporary artists.

Alexander Ponomarev is one of Russia's most widely known contemporary artists, renowned both at home and abroad. In 2014, he was featured in Time magazine as one of the 100 Leading Global Thinkers thanks to the vast range of devices he employs to express his ideas, such as drawings, vast, complex installations, and a variety of technologies. He also captures some of the planet's most extreme and least accessible landscapes, symbolizing what he views as a world that is "culturally and morally adrift."

The themes he tackles are those he considers of critical relevance to today's world: the rapport between science and art, the exploration of the Arctic and Antarctic, the retrieval of ancient engineering traditions vs. today's advanced technologies, and the crucial and urgent issue of climate change.

The volume includes two ample introductory essays describing his position in the Russian context of art production over the twentieth and twenty-first centuries and his roots in the artistic and humanist culture of the early modern era (Vitruvius, Leonardo, Titian, and the major geographical explorations, etc.).

About the Author:

Silvia Burini is director of the Center for the Studies of Russian Arts (CSAR) at Ca' Foscari University in Venice. Giuseppe Barbieri is full professor of history of modern art at Ca' Foscari University. He has authored and curated over forty books and organized numerous exhibitions.

Визнаний одним із головних поп-художників свого часу, Аллан Д'Арканджело (1930–1998) ще не отримав критичної переоцінки таких художників, як Рой Ліхтенштейн та Джеймс Розенквіст. Його перша монографія майже за десять років знайомить нову аудиторію з його культовими картинами, зокрема з його відомими баченнями життя в дорозі.

Подібно до своїх поп-колег Енді Воргола та Еда Руші, Аллан Д'Арканджело поєднував масово виготовлені зображення у творах, що підкреслюють сцени повсякденного американського життя. Хоча його роботи часто містять образи з більш знайомого мистецтва 1960-х років — Жаклін Кеннеді та Мерилін Монро, дівчата-пін-ап, що курять, Супермен, Лакі Страйк — вони відрізняються сюрреалістичними елементами, які він привніс до поп-тропів, та романтичними видами американського індустріального ландшафту.

Д'Арканджело якось зауважив, що його «найглибші враження від пейзажу були, коли він дивився крізь лобове скло». Художник привніс поп-чутливість у традицію пейзажного живопису в графічному стилі, який торкався мінімалізму, прецизіонізму та живопису з жорсткими краями. Часто зображені з точки зору водія, роботи Д'Арканджело втілюють глибоко американський досвід польоту нескінченною дорогою. Фірмовий пейзаж Д'Арканджело, що прокручується, прорізаний миготливими знаками, такий же знайомий як мандрівникам, так і гравцям у відеоігри.

Це вичерпне видання містить понад 200 репродукцій та три есе, що детально описують те, що критик Дор Ештон описує як «поетичне усвідомлення неосяжності як видимої, так і невидимої в американському житті, [що] позначило та вирізняло творчість [Д'Арканджело]».

Про авторів:

Алекс Дж. Тейлор — доцент кафедри історії мистецтва та архітектури Піттсбурзького університету та автор книги «Форми переконання: мистецтво та корпоративний імідж у 1960-х роках». Еван Моффітт — письменник, редактор та позаштатний критик з Нью-Йорка. Сесіль Вайтінг — професорка історії мистецтв Каліфорнійського університету в Ірвайні та авторка книжок A Taste for Pop: Pop Art, Gender, та Consumer Culture.

____________

Погортати книгу Allan D'Arcangelo на сайтi видавництва