Книги про сучасне мистецтво

The definitive monograph on the iconoclastic painter George Condo

With his arresting, unsettling style, George Condo emerged out of the dynamism of the New York art scene in the early 1980s, and he has been restlessly painting, drawing and sculpting – bringing forms into the world in one way or another – ever since. Condo’s originality lies in his transformation of references and inspirations, in both style and content, which include the canon of Western art history; from his journey through Greek classical sculpture to an unlimited and free exchange of painterly languages ranging from Rembrandt and Velasquez to Picasso and Warhol, and a unique vision of literary and popular culture.

With his ‘fake’ Old Masters, reconfigured Manets, impossibly intricate paintings that seem abstract only from a distance, fractured and multifaceted ‘psychologically Cubist’ portraits, and the orgiastic misdemeanours of a host of butlers, bankers and priests, Condo has invented, mastered and expanded not just one painterly language but an entire lexicon.

Working closely with Condo, Simon Baker has combined biographical, chronological and thematic approaches to survey the artist’s work and career to date. An introductory essay on Condo’s contradictory nature and a chapter exploring his phenomenal early career are followed by three thematic chapters that look at the years from 1984 to the present, tracing Condo’s systematic reconstruction of the techniques of painting, exploring his relationship to the concept of abstraction, and probing the darker side of his psychological iconography in drawing, painting, sculpture and writing.

George Condo is the definitive monograph on this unique artist. It will appeal to artists, art students and those with a general interest in art.

About the Author:

Simon Baker is Director of Maison Européenne de la Photographie, Paris (MEP). He was formerly Senior Curator, Photography and International Art, Tate. Prior to becoming Tate’s first curator of photography, he was Associate Professor of Art History at the University of Nottingham. He has written widely on surrealism, photography and contemporary art.

Інтимна та повна подорож у світ Джанлуки Паккіоні, скульптора, дизайнера та майстра мистецтва й ремесел.

Ця книга – дослідження художнього світу Джанлуки Паккіоні, від лаштунків його майстерні в Мілані до його неймовірного будинку-студії, а також завершених проектів та інсталяцій просто неба. Вона також торкається його натхнення, яке черпається з поєднання італійського класицизму та японського мінімалізму з відтінком французького декоративного стилю сімнадцятого століття.

Спочатку живучи в Парижі, де Паккіоні став скульптором у 1990-х роках, а потім у Мілані, своєму рідному місті, його ательє постійно створює скульптури та меблі лімітованих серій для міжнародних клієнтів. Як піонер у світі мистецтва та дизайну, його підхід до мистецтва є експериментальним та інноваційним, і протягом багатьох років він перейшов від заліза до нержавіючої сталі, а його найновіші роботи були виконані з литої бронзи, напівкоштовного каміння та мармуру.

Про автора:

Федеріка Сала – незалежний куратор та консультант з дизайну. Олів’є Габе — мистецтвознавець і директор Музею декоративного мистецтва в Парижі. Альберто Каваллі — генеральний директор Фонду Колоньї для Métiers d’Art. Кліо Лаво — куратор FILAF, Міжнародного фестивалю художньої книги та кіно в Перпіньяні.

Accompanied by a traveling exhibition, this book on the Bahamian artist’s textile portraits serves as a love letter to Black women: their style, strength, vulnerabilities, and beauty.

This debut of the 29-year-old Bahamian-born artist aims to redefine the often-politicized Black body, with portraits made in a range of textile-based techniques, such as embroidery and appliqué, celebrating Black women.

Gio Swaby’s intimate portraits are unique, highly personal figurative works made from an array of colorful fabrics and intricate, freehand lines of thread on canvas that explore the intersections of Blackness and womanhood. Illustrated with 80 works in full color that span from 2017 to 2021, this is the first book on this contemporary feminist artist who is a rising star in the world of textiles and portraiture. According to Swaby, “I wanted to create a space where we could see ourselves reflected in a moment of joy, celebrated without expectations, without connected stereotypes.”

Writers and scholars with multiple points of view take on Swaby’s work and delve into her place within contemporary Black art.

About the Author:

Katherine Pill is curator of contemporary art at the Museum of Fine Arts, St. Petersburg, Florida. Melinda Watt is Chair and Christa C. Mayer Thurman Curator of Textiles at the Art Institute of Chicago. Nikole Hannah-Jones is a Pulitzer Prize–winning reporter for the New York Times Magazine.

_____________

Пролистать книгу Gio Swaby

The definitive book on High Line art, the public art program on the High Line, one of the most popular destinations in New York City. High Art surveys the first five years of art on the High Line, the unique elevated park in New York City created through the repurposing of an abandoned railway line. Since 2009, when the High Line was opened to the public, nineteen million visitors have been witness to more than 100 public art projects animating the grounds of this unique "park in the sky." The works include sculpture, installation, billboards, video, performance, and sound works by a range of artists, from established figures such as John Baldessari, El Anatsui, Maurizio Cattelan, Gilbert & George, and Ed Ruscha, to critically acclaimed mid-career artists such as Carol Bove, Sarah Sze, and Mark Grotjahn. The High Line is steadily broadening the audience for contemporary art while pushing the boundaries of traditional public art programs. This beautifully illustrated volume features the High Line’s diverse projects thematically, including full-color images and short texts on the various projects, along with an introduction by curator Cecilia Alemani; an essay on the High Line’s effect on Chelsea, the neighborhood cultural hub where it is located; and a roundtable discussion about public art today.

About the Author:

Cecilia Alemani is the Donald R. Mullen, Jr. Curator and director of High Line art in New York

___________

Пролистать книгу High Art: Public Art on the High Line на сайте издательства.

Цей том документує співпрацю відомого модельєра Nigo® з багатьма артистами (включаючи Pharrell, A$AP Rocky та Tyler, the Creator), представляючи скарбницю одягу, кросівок, аксесуарів, обкладинок альбомів та колекційних предметів лімітованого випуску, а також архів фірмової графіки та візерунків.

Nigo®, що охоплює світи моди та хіп-хопу, є гігантом культури вуличного одягу. Один з піонерів надзвичайно впливового руху стилю Harajuku, Nigo® є засновником *A Bathing Ape®. Наразі він є креативним директором Kenzo та партнером Pharrell у Human Made та Billionaire Boys Club/IceCream, і є однією з трансформаційних фігур у сучасній моді, яка відіграє важливу роль у перетворенні вуличних трендів на сучасну розкіш.

Він також добре відомий як музичний продюсер, а з 1990-х років співпрацює з хітмейкерами хіп-хопу та сучасної музики, працюючи з Pharrell, Pusha T, Mos Def, M-Flo, Teriyaki Boyz та багатьма іншими. Книга є візуальним записом матеріальної культури, створеної цими партнерствами. Ці товари, створені в результаті співпраці — в обмежених кількостях, прикрашені логотипами та слоганами — є важливою частиною того, чому дизайн Nigo® такий популярний. Та ж максималістська філософія використовується в дизайні книги, з оригінальним малюнком персонажів та графікою по всій поверхні, що є невід'ємною частиною візуального наративу.

Про авторів:

Nigo® — модельєр та музикант, засновник *A Bathing Ape та Human Made, а також нинішній директор з дизайну Kenzo.

Фаррелл — мультиплатиновий артист.

Стівен Віктор — засновник і генеральний директор Victor Victor Worldwide records і старший віце-президент з питань A&R у Universal Music Group.

____________

Погортати книгу I Know Nigo​  на сайтi видавництва.

Catalogue raisonné of printed works by Ilya and Emilia Kabakov from 1981–2023

This catalogue raisonné of printed works by Ilya and Emilia Kabakov comprises some 90 works from 1981–2023. Some of these are series and consist of several prints. This graphic part of the Kabakov oeuvre, recently acquired by the Van Abbemuseum, Eindhoven, offers insight into the varied work of these two artists, comprising drawings, works with garbage, albums, paintings, and installations.

As the opposition between illusion and reality dissolves and the boundaries between the world we inhabit and its virtual dimensions blur, Immerse! examines how computer-generated public spaces shape our current political and social discourses. What is the potential of virtual reality within the art field, when concepts such as presence and absence, material and immaterial are beginning to lose their validity?

Realized as part of the international research project Beyond Matter that explores the shift in the production and mediation of visual art within institutional frameworks. Exhibition spaces are physical locations of knowledge production and exchange, where spatial qualities play an important role in the contextualization of information. One of the goals of the project is to develop virtual productions that maintain these sensual qualities, but add layers of digitized and born-digital content to defy transience and the dependency on geographical locations, and create entirely new immersive experiences.

The catalogue offers the reflections on the theme by curators Corina L. Apostol and Lívia Nolasco-Rózsás as well as 19 visual essays by trailblazing artists and four in-depth theoretical texts by Helen Kaplinsky, Matthew Fuller, Lukáš Likavčan, Zsolt Miklósvölgyi and Márió Z. Nemes that explore the concept of immersion.

The bible of indie culture. index A to Z celebrates the uncompromising personalities, humor, and DIY brilliance of the indie generation and captures the spirit of the era with sections like F for Fashion, featuring designers Kate Spade and Marc Jacobs; I for Indie with Harmony Korine and John Waters; and others such as Royalty, Vanished, and X-Rated. Paying homage to Generation X's "It" glossy, this volume is packed with index's most memorable interviews and greatest photographs of the time, including previously unpublished outtakes and party pictures.

Beginning as a low-budget, oversized fanzine in 1996, index magazine quickly became one of the most influential small publications in the United States. With a smart and irreverent voice that epitomized the late '90s indie ethos, the magazine brought together some of the most relevant cultural figures who were at that time young and often unknown, and who have since become cultural icons or celebrities, including Bjork, Scarlett Johansson, Alexander McQueen, and Ryan McGinley, to name just a few. New interviews with founders Peter Halley and Bob Nickas, a reminiscence by Bruce LaBruce, and a historical overview by Wendy Vogel offer further looks behind the scenes.

About the Author:

New York City-based artist Peter Halley published index magazine from 1996 to 2005. Bob Nickas is a critic and curator based in New York. Bruce LaBruce is a Toronto-based filmmaker, writer, director, photographer, and artist. Wendy Vogel is a New York-based writer and curator.

______________

Пролистать книгу index A to Z: Art, Design, Fashion, Film, and Music in the Indie Era

Reconstructing an omitted chapter of art history. The Untold History of Immersive Art

At the intersection of art, architecture and design, environments create and transform space into an immersive experience, inviting the audience to engage and interact. So far, art history has been focused on the works of male artists mostly from the US and Europe. Inside Other Spaces: Environments by Women Artists 1956–1976 aims to signpost a different narrative by highlighting women’s fundamental contributions to this field. Redefining the canon, the exhibition features 11 pioneering women artists from three generations, spanning Asia, Europe, and the Americas, including Judy Chicago, Aleksandra Kasuba, and Lygia Clark. Given the experimental nature of such environments, many of these original works were deconstructed or destroyed. The detailed reconstructions, which are carried out with the help of restorers and based on archival photographs, construction plans, and material lists, are presented here for the first time. Conceived as a reference book for the historiography of environments, the publication comprises a wealth of visual material also on artists not featured in the show, such as Yayoi Kusama and Yoko Ono, providing leading scholars’ essays and extensive bibliographies on environments and individual artists.

Featured Artists: Lygia Clark, Aleksandra Kasuba, Marta Minujín, Maria Nordman, Faith Wilding, Tsuruko Yamazaki

An intimate monograph of the professional and personal creations of a midcentury design legend. Irving Harper is the most famous designer you have never heard of.

Working as an associate at the office of George Nelson in the 1950s and ’60s, Harper was responsible for such icons of midcentury design as the Marshmallow sofa, the Ball clock, and numerous Herman Miller textile designs. Harper’s unrecognized contribution to this seminal era of design, and his incredible paper sculptures (made in his spare time to "relieve stress"), are presented for the first time in this book. An essay by design critic Julie Lasky introduces Harper’s commercial design work, recognizable designs from graphics to domestic goods to furniture that are still coveted and appreciated today, designed for the offices of Raymond Loewy, George Nelson, and then his own studio Harper + George. The second part of the book documents Harper’s extensive paper sculptures, which have never been exhibited. More than three hundred works fill Harper’s house and barn in Rye, New York, where this array of fantastical people and animal sculptures was created from modest and inexpensive materials as diverse as spaghetti and toothpicks in addition to paper. Images of Harper’s home, filled with furniture and objects of his own design as well as his paper sculptures, offer a rare glimpse into a Modern design enthusiast’s paradise.

Offering insight into an important era of American design as well as the prolific output of a creative mind, this book promises to be the first to recognize Irving Harper’s contribution to the field and will appeal to fans of Modern design.

About the Authors:

Michael Maharam is the CEO of Maharam, a recipient of the Cooper-Hewitt National Design Award for Design Patron, and the author of Maharam Agenda. Julie Lasky is Deputy Editor, Home at the New York Times and was formerly the editor-in-chief of I.D. and Interiors.

_____________

Пролистать книгу Irving Harper: Works in Paper

The untold history of the seminal cultural venue Jabberjaw — the underground star of Los Angeles’s historic indie scene of the 1990s. Billing itself as a "coffeehouse art gallery" when it opened in 1989, Jabberjaw quickly became not only the cornerstone of the Los Angeles post-punk scene but also a hub of the underground music scene nationwide. Bridging the gap between punk and indie, Jabberjaw was a bastion of counterculture that hosted shows for bands from the obscure (Hole, Unsane) to the legendary (Nirvana, Pearl Jam) in an environment that reflected a generation. In collaboration with the owners of the club, and with contributions from many of the musicians and artists who played and spent time there, It All Dies Anyway is a record of the venue’s brief but influential existence. Designed and compiled by Bryan Ray Turcotte, the book is a visual feast, layering flyers and posters onto photographs, handmade record covers, and Polaroids of the gallery to paint an engrossing portrait not only of a venue but also of a forgotten time and place in music history.

About the Author:

Bryan Ray Turcotte is an author, curator, designer, publisher, and musician based in Los Angeles. He is the author of Punk Is Dead: Punk Is Everything and Fucked Up and Photocopied: Instant Art of the Punk Rock Movement.

_____________

Пролистать книгу It All Dies Anyway: L.A., Jabberjaw, and the End of an Era

Spiritual-Surreal Imagery

Jakub Julian Ziółkowski's vibrant works are bizarre and alluring. In his wild, surreal cosmos of mutant humans, organic forms and circulatory systems, the Polish painter mixes cultural symbols, the decorative and the fantastical. Juxtaposing the spiritual and the microscopic, he creates a universe bristling with detail and a kaleidoscope of references—from Hiernoymos Bosch visions of heaven and hell and James Ensor’s grotesque allegories to Philip Guston.Yet, his paintings show a highly personal world that is populated by a recurring cast of characters. This publication is the first comprehensive overview of his work from 2005 to the present, giving insights into his artistic practice in different media: from painting to sculpture, ceramics as well as drawing. The book includes essays by Olga Tokarczuk, winner of the Nobel Prize in Literature and Cecilia Alemani, curator of the 59. Venice Biennale, an in-depth interview with the artist, as well as texts by philosopher Kajetan Młynarski and psychologist Bartłomiej Dobroczyński.

About the Artist:

Jakub Julian Ziółkowski (*1980, Zamość, Poland) is one of the most eminent Polish contemporary painters. He trained at the Jan Matejko Academy of Fine Arts in Kraków, where he lives and works today. Since 2003, his work has been shown in numerous group and solo exhibitions, including Hauser & Wirth, London (2017), Neues Museum Nürnberg (2017), and the 55. Biennale di Venezia (2013).

Дебютна монографія про всесвітньо визнаного художника, наповнена його радісними, дотепними картинами, ілюстраціями, співпрацею тощо, включає в себе ніколи раніше не бачені твори мистецтва та особисті скетчбоки, що дають змогу зрозуміти його мистецьку практику.

Роботи Жана Жюльєна миттєво впізнавані та широкі за своїм розмахом. Відомий своїми проникливими та дотепними зображеннями повсякденного життя, його ілюстрації поміщають виразних персонажів у близьке середовище та діють як візуальний коментар до життя. Поділена на три розділи — «Особистий», «Спільна робота» та «Публічний» — ця чудова книга досліджує підхід Жюльєна до мистецтва та охоплює його широку кар’єру, починаючи з його перших творчих партнерств і закінчуючи прогресом у живописі, а також пропонує з перших рук поглянути на його процес за допомогою ескізів і ніколи раніше не бачених робіт. Унікальна та всеохоплююча за своїм обсягом книга є обов’язковою для кожного шанувальника творчості Жульєна.

Про автора:

Жан Жульєн – плідний і улюблений французький художник-графік. Його творчий доробок варіюється від ілюстрації, фотографії та відео до костюмів, інсталяцій, книг, плакатів, одягу — навіть скейтбордів. Джульєн демонстрував роботи по всьому світу в музеях і галереях Парижа, Лондона, Брюсселя, Лос-Анджелеса, Нью-Йорка, Сан-Франциско, Берліна, Токіо, Сеула, Сінгапуру тощо. Його роботи з’являються в The New York Times, New Yorker, National Geographic, SZ Magazine, Telerama та інших, і він співпрацював з Beams, RCA Records, The Connaught, Colette, Amnesty International, Le Coq Sportif, Jardin des Plantes (Nantes), Hotel Amour, Champion USA, Salomon і Petit Bateau, серед інших світових брендів.

Defying constructed binaries between high and low art

Art and Objecthood illuminates the role of found objects and unconventional materials in the oeuvre of world-renowned artist Jean-Michel Basquiat. His creative fervor saw no bounds, he painted and drew on everything around him—from chairs to refrigerators, but also on items he encountered on the street: discarded windows and doors, mirrors, wood boards, and subway tiles. Interweaving art and life, these three-dimensional works are not only integral to New York’s cultural landscape in the 1980s but are also symbols of Basquiat’s engagement with, and transformation of, the reality around him. This publication presents new scholarship by leading Basquiat scholars and art historians and is the first comprehensive survey to explore Basquiat’s use of found objects and unorthodox supports and their role in addressing issues of social inequality, political thresholds, and racial boundaries in the United States.

Jean-Michel Basquiat (1960–1988, New York City) is known for his raw gestural style of painting. His distinct approach was characterized by a rich fusion of text, symbols, and imagery. He was one of the first African American artists to achieve major international acclaim, and is celebrated for his prolific, albeit short artistic career.

Ця захоплююча кольорова ретроспективна монографія пропонує нове розуміння унікальної візуальної мови Баскія та допомагає висвітлити повідомлення про політичні та соціальні проблеми, які здаються такими ж актуальними сьогодні, як і півстоліття тому.

Символічні, складні та часто емоційно насичені роботи Жана-Мішеля Баскія справили величезний вплив на мистецьку сцену Нью-Йорка 1980-х років. І хоча його надто коротка кар’єра завершилася, коли він помер у віці 27 років, Баскія залишив по собі величезну спадщину — не лише кількістю створених ним робіт, а й посланнями, які він закодував щодо політичних, соціальних, расових і культурних питань. Ця захоплююча книга показує, як Баскія використовував складну мережу знаків і символів, щоб кинути виклик самій системі, яка зробила його улюбленцем світу мистецтва. Він прослідковує його натхнення з мультфільмів, дитячих малюнків і реклами, а також його власної спадщини Гаїті та Пуерто-Ріко; обговорює вплив афроамериканської, африканської та ацтекської культурної історії; і показує, як Баскія включив у свої роботи класичні теми та сучасні ікони — від спортсменів до музикантів. Стає зрозумілим те, як, навіть будучи молодою людиною, Баскія глибоко розумів роль художника в історії мистецтва та своє становище як молодого темношкірого художника у світі расизму, придушення та соціальної несправедливості.

Ця книга допомагає читачам розшифрувати унікальний lingua franca Баскія, п’янкий масив творів, наповнений соціальними коментарями, які були, у свою чергу, гострими, гнівними, комічними, модними та карколомними, і які залишаються потужними та значущими сьогодні.

Про авторів:

Дітер Бухарт — міжнародний запрошений куратор і фахівець з баскії.
Антонія Хьоршельманн є куратором сучасного мистецтва в Музеї Альбертіна у Відні.
Клаус Альбрехт Шредер, директор Альбертіни у Відні.

________

Погортати книгу Jean-Michel Basquiat: Of Symbols and Signs