Книги про сучасне мистецтво

Перша вичерпна монографія про сміливе, зухвале та фантастичне мистецтво братів Хаас

Крокніть у світ, де дизайн зустрічається з мистецтвом найзухвалішим, підривним та захопливим чином. Haas Brothers: Uncanny Valley — це довгоочікувана перша монографія про сміливе, зухвале та фантастичне мистецтво Нікі та Саймона Хаас.

Відомі своєю творчою практикою, що розширює межі, дует працює в різних сферах мистецтва, ремесел, дизайну та технологій з підходом, який є одночасно концептуальним, але формальним, інтелектуальним, але грайливим.

Книга супроводжує першу велику гастрольну ретроспективу середньої кар'єри, присвячену братам Хаас, у Художньому музеї Кренбрук у Мічигані восени 2025 року, та висвітлює понад 100 їхніх найвідоміших робіт, від майже безглуздих меблів, що викликають розмови, до зухвалих скульптур у натуральну величину.

Багаті тексти, включаючи особисті історії братів з перших вуст та інтерв'ю з авангардними художницями-матерями та доньками Літою та Ізабель Альбукерке, доповнюють яскраві образи книги.

Виготовлена ​​з м'якою яскраво-рожевою обкладинкою, книга «Брати Хаас: Чудова долина» доводить, що ці іконоборчі візіонери є двома найцікавішими та найінноваційнішими постатями в сучасному мистецтві та дизайні.

Про авторів:

Художники та близнюки з Лос-Анджелеса Ніколай та Саймон Хаас разом керують своєю студією під назвою Брати Хаас.

Ендрю Блаувельт — директор Художнього музею Кренбрук у Детройті, штат Мічиган.

Лора Мотт — головний куратор Художнього музею Кренбрук та куратор виставки Haas Brothers: Uncanny Valley

Брук Ходжес — незалежна кураторка з Палм-Спрінгс, Каліфорнія, яка у 2024 році курувала роботу братів Хаас у Центрі скульптури Нашера.

Літа та Ізабель Альбукерке, мати та дочка, — художниці з Лос-Анджелеса, Каліфорнія.

Вичерпна книга про мистецтво Хай-Лайн, програму паблік-арту на Хай-Лайн, одному з найпопулярніших місць у Нью-Йорку. «Високе мистецтво» досліджує перші п'ять років мистецтва на Хай-Лайн, унікальному піднятому парку в Нью-Йорку, створеному шляхом перепрофілювання покинутої залізничної колії. З 2009 року, коли Хай-Лайн було відкрито для публіки, дев'ятнадцять мільйонів відвідувачів стали свідками понад 100 проектів паблік-арту, що оживляють територію цього унікального «парку в небі». Роботи включають скульптуру, інсталяцію, білборди, відео, перформанси та звукові роботи різних художників, від відомих діячів, таких як Джон Балдессарі, Ель Анацуї, Мауріціо Каттелан, Гілберт і Джордж та Ед Руша, до визнаних критиками художників середньої ланки, таких як Керол Бове, Сара Се та Марк Гротян. Хай-Лайн постійно розширює аудиторію сучасного мистецтва, одночасно розширюючи межі традиційних програм паблік-арту. Цей чудово ілюстрований том тематично представляє різноманітні проекти Хай-Лайн, включаючи повнокольорові зображення та короткі тексти про різні проекти, а також вступ куратора Сесілії Алемані; есе про вплив Хай-Лайн на Челсі, культурний центр району, де він розташований; та круглий стіл про сучасне публічне мистецтво.

Про автора:

Сесілія Алемані — куратор Дональда Р. Маллена-молодшого та директорка High Line art у Нью-Йорку.

___________

Погортати книгу High Art: Public Art on the High Line на сайтi видавництва.

Цей том документує співпрацю відомого модельєра Nigo® з багатьма артистами (включаючи Pharrell, A$AP Rocky та Tyler, the Creator), представляючи скарбницю одягу, кросівок, аксесуарів, обкладинок альбомів та колекційних предметів лімітованого випуску, а також архів фірмової графіки та візерунків.

Nigo®, що охоплює світи моди та хіп-хопу, є гігантом культури вуличного одягу. Один з піонерів надзвичайно впливового руху стилю Harajuku, Nigo® є засновником *A Bathing Ape®. Наразі він є креативним директором Kenzo та партнером Pharrell у Human Made та Billionaire Boys Club/IceCream, і є однією з трансформаційних фігур у сучасній моді, яка відіграє важливу роль у перетворенні вуличних трендів на сучасну розкіш.

Він також добре відомий як музичний продюсер, а з 1990-х років співпрацює з хітмейкерами хіп-хопу та сучасної музики, працюючи з Pharrell, Pusha T, Mos Def, M-Flo, Teriyaki Boyz та багатьма іншими. Книга є візуальним записом матеріальної культури, створеної цими партнерствами. Ці товари, створені в результаті співпраці — в обмежених кількостях, прикрашені логотипами та слоганами — є важливою частиною того, чому дизайн Nigo® такий популярний. Та ж максималістська філософія використовується в дизайні книги, з оригінальним малюнком персонажів та графікою по всій поверхні, що є невід'ємною частиною візуального наративу.

Про авторів:

Nigo® — модельєр та музикант, засновник *A Bathing Ape та Human Made, а також нинішній директор з дизайну Kenzo.

Фаррелл — мультиплатиновий артист.

Стівен Віктор — засновник і генеральний директор Victor Victor Worldwide records і старший віце-президент з питань A&R у Universal Music Group.

____________

Погортати книгу I Know Nigo​  на сайтi видавництва.

Catalogue raisonné of printed works by Ilya and Emilia Kabakov from 1981–2023

This catalogue raisonné of printed works by Ilya and Emilia Kabakov comprises some 90 works from 1981–2023. Some of these are series and consist of several prints. This graphic part of the Kabakov oeuvre, recently acquired by the Van Abbemuseum, Eindhoven, offers insight into the varied work of these two artists, comprising drawings, works with garbage, albums, paintings, and installations.

As the opposition between illusion and reality dissolves and the boundaries between the world we inhabit and its virtual dimensions blur, Immerse! examines how computer-generated public spaces shape our current political and social discourses. What is the potential of virtual reality within the art field, when concepts such as presence and absence, material and immaterial are beginning to lose their validity?

Realized as part of the international research project Beyond Matter that explores the shift in the production and mediation of visual art within institutional frameworks. Exhibition spaces are physical locations of knowledge production and exchange, where spatial qualities play an important role in the contextualization of information. One of the goals of the project is to develop virtual productions that maintain these sensual qualities, but add layers of digitized and born-digital content to defy transience and the dependency on geographical locations, and create entirely new immersive experiences.

The catalogue offers the reflections on the theme by curators Corina L. Apostol and Lívia Nolasco-Rózsás as well as 19 visual essays by trailblazing artists and four in-depth theoretical texts by Helen Kaplinsky, Matthew Fuller, Lukáš Likavčan, Zsolt Miklósvölgyi and Márió Z. Nemes that explore the concept of immersion.

The bible of indie culture. index A to Z celebrates the uncompromising personalities, humor, and DIY brilliance of the indie generation and captures the spirit of the era with sections like F for Fashion, featuring designers Kate Spade and Marc Jacobs; I for Indie with Harmony Korine and John Waters; and others such as Royalty, Vanished, and X-Rated. Paying homage to Generation X's "It" glossy, this volume is packed with index's most memorable interviews and greatest photographs of the time, including previously unpublished outtakes and party pictures.

Beginning as a low-budget, oversized fanzine in 1996, index magazine quickly became one of the most influential small publications in the United States. With a smart and irreverent voice that epitomized the late '90s indie ethos, the magazine brought together some of the most relevant cultural figures who were at that time young and often unknown, and who have since become cultural icons or celebrities, including Bjork, Scarlett Johansson, Alexander McQueen, and Ryan McGinley, to name just a few. New interviews with founders Peter Halley and Bob Nickas, a reminiscence by Bruce LaBruce, and a historical overview by Wendy Vogel offer further looks behind the scenes.

About the Author:

New York City-based artist Peter Halley published index magazine from 1996 to 2005. Bob Nickas is a critic and curator based in New York. Bruce LaBruce is a Toronto-based filmmaker, writer, director, photographer, and artist. Wendy Vogel is a New York-based writer and curator.

______________

Пролистать книгу index A to Z: Art, Design, Fashion, Film, and Music in the Indie Era

Reconstructing an omitted chapter of art history. The Untold History of Immersive Art

At the intersection of art, architecture and design, environments create and transform space into an immersive experience, inviting the audience to engage and interact. So far, art history has been focused on the works of male artists mostly from the US and Europe. Inside Other Spaces: Environments by Women Artists 1956–1976 aims to signpost a different narrative by highlighting women’s fundamental contributions to this field. Redefining the canon, the exhibition features 11 pioneering women artists from three generations, spanning Asia, Europe, and the Americas, including Judy Chicago, Aleksandra Kasuba, and Lygia Clark. Given the experimental nature of such environments, many of these original works were deconstructed or destroyed. The detailed reconstructions, which are carried out with the help of restorers and based on archival photographs, construction plans, and material lists, are presented here for the first time. Conceived as a reference book for the historiography of environments, the publication comprises a wealth of visual material also on artists not featured in the show, such as Yayoi Kusama and Yoko Ono, providing leading scholars’ essays and extensive bibliographies on environments and individual artists.

Featured Artists: Lygia Clark, Aleksandra Kasuba, Marta Minujín, Maria Nordman, Faith Wilding, Tsuruko Yamazaki

An intimate monograph of the professional and personal creations of a midcentury design legend. Irving Harper is the most famous designer you have never heard of.

Working as an associate at the office of George Nelson in the 1950s and ’60s, Harper was responsible for such icons of midcentury design as the Marshmallow sofa, the Ball clock, and numerous Herman Miller textile designs. Harper’s unrecognized contribution to this seminal era of design, and his incredible paper sculptures (made in his spare time to "relieve stress"), are presented for the first time in this book. An essay by design critic Julie Lasky introduces Harper’s commercial design work, recognizable designs from graphics to domestic goods to furniture that are still coveted and appreciated today, designed for the offices of Raymond Loewy, George Nelson, and then his own studio Harper + George. The second part of the book documents Harper’s extensive paper sculptures, which have never been exhibited. More than three hundred works fill Harper’s house and barn in Rye, New York, where this array of fantastical people and animal sculptures was created from modest and inexpensive materials as diverse as spaghetti and toothpicks in addition to paper. Images of Harper’s home, filled with furniture and objects of his own design as well as his paper sculptures, offer a rare glimpse into a Modern design enthusiast’s paradise.

Offering insight into an important era of American design as well as the prolific output of a creative mind, this book promises to be the first to recognize Irving Harper’s contribution to the field and will appeal to fans of Modern design.

About the Authors:

Michael Maharam is the CEO of Maharam, a recipient of the Cooper-Hewitt National Design Award for Design Patron, and the author of Maharam Agenda. Julie Lasky is Deputy Editor, Home at the New York Times and was formerly the editor-in-chief of I.D. and Interiors.

_____________

Пролистать книгу Irving Harper: Works in Paper

The untold history of the seminal cultural venue Jabberjaw — the underground star of Los Angeles’s historic indie scene of the 1990s. Billing itself as a "coffeehouse art gallery" when it opened in 1989, Jabberjaw quickly became not only the cornerstone of the Los Angeles post-punk scene but also a hub of the underground music scene nationwide. Bridging the gap between punk and indie, Jabberjaw was a bastion of counterculture that hosted shows for bands from the obscure (Hole, Unsane) to the legendary (Nirvana, Pearl Jam) in an environment that reflected a generation. In collaboration with the owners of the club, and with contributions from many of the musicians and artists who played and spent time there, It All Dies Anyway is a record of the venue’s brief but influential existence. Designed and compiled by Bryan Ray Turcotte, the book is a visual feast, layering flyers and posters onto photographs, handmade record covers, and Polaroids of the gallery to paint an engrossing portrait not only of a venue but also of a forgotten time and place in music history.

About the Author:

Bryan Ray Turcotte is an author, curator, designer, publisher, and musician based in Los Angeles. He is the author of Punk Is Dead: Punk Is Everything and Fucked Up and Photocopied: Instant Art of the Punk Rock Movement.

_____________

Пролистать книгу It All Dies Anyway: L.A., Jabberjaw, and the End of an Era

Spiritual-Surreal Imagery

Jakub Julian Ziółkowski's vibrant works are bizarre and alluring. In his wild, surreal cosmos of mutant humans, organic forms and circulatory systems, the Polish painter mixes cultural symbols, the decorative and the fantastical. Juxtaposing the spiritual and the microscopic, he creates a universe bristling with detail and a kaleidoscope of references—from Hiernoymos Bosch visions of heaven and hell and James Ensor’s grotesque allegories to Philip Guston.Yet, his paintings show a highly personal world that is populated by a recurring cast of characters. This publication is the first comprehensive overview of his work from 2005 to the present, giving insights into his artistic practice in different media: from painting to sculpture, ceramics as well as drawing. The book includes essays by Olga Tokarczuk, winner of the Nobel Prize in Literature and Cecilia Alemani, curator of the 59. Venice Biennale, an in-depth interview with the artist, as well as texts by philosopher Kajetan Młynarski and psychologist Bartłomiej Dobroczyński.

About the Artist:

Jakub Julian Ziółkowski (*1980, Zamość, Poland) is one of the most eminent Polish contemporary painters. He trained at the Jan Matejko Academy of Fine Arts in Kraków, where he lives and works today. Since 2003, his work has been shown in numerous group and solo exhibitions, including Hauser & Wirth, London (2017), Neues Museum Nürnberg (2017), and the 55. Biennale di Venezia (2013).

Дебютна монографія про всесвітньо визнаного художника, наповнена його радісними, дотепними картинами, ілюстраціями, співпрацею тощо, включає в себе ніколи раніше не бачені твори мистецтва та особисті скетчбоки, що дають змогу зрозуміти його мистецьку практику.

Роботи Жана Жюльєна миттєво впізнавані та широкі за своїм розмахом. Відомий своїми проникливими та дотепними зображеннями повсякденного життя, його ілюстрації поміщають виразних персонажів у близьке середовище та діють як візуальний коментар до життя. Поділена на три розділи — «Особистий», «Спільна робота» та «Публічний» — ця чудова книга досліджує підхід Жюльєна до мистецтва та охоплює його широку кар’єру, починаючи з його перших творчих партнерств і закінчуючи прогресом у живописі, а також пропонує з перших рук поглянути на його процес за допомогою ескізів і ніколи раніше не бачених робіт. Унікальна та всеохоплююча за своїм обсягом книга є обов’язковою для кожного шанувальника творчості Жульєна.

Про автора:

Жан Жульєн – плідний і улюблений французький художник-графік. Його творчий доробок варіюється від ілюстрації, фотографії та відео до костюмів, інсталяцій, книг, плакатів, одягу — навіть скейтбордів. Джульєн демонстрував роботи по всьому світу в музеях і галереях Парижа, Лондона, Брюсселя, Лос-Анджелеса, Нью-Йорка, Сан-Франциско, Берліна, Токіо, Сеула, Сінгапуру тощо. Його роботи з’являються в The New York Times, New Yorker, National Geographic, SZ Magazine, Telerama та інших, і він співпрацював з Beams, RCA Records, The Connaught, Colette, Amnesty International, Le Coq Sportif, Jardin des Plantes (Nantes), Hotel Amour, Champion USA, Salomon і Petit Bateau, серед інших світових брендів.

Defying constructed binaries between high and low art

Art and Objecthood illuminates the role of found objects and unconventional materials in the oeuvre of world-renowned artist Jean-Michel Basquiat. His creative fervor saw no bounds, he painted and drew on everything around him—from chairs to refrigerators, but also on items he encountered on the street: discarded windows and doors, mirrors, wood boards, and subway tiles. Interweaving art and life, these three-dimensional works are not only integral to New York’s cultural landscape in the 1980s but are also symbols of Basquiat’s engagement with, and transformation of, the reality around him. This publication presents new scholarship by leading Basquiat scholars and art historians and is the first comprehensive survey to explore Basquiat’s use of found objects and unorthodox supports and their role in addressing issues of social inequality, political thresholds, and racial boundaries in the United States.

Jean-Michel Basquiat (1960–1988, New York City) is known for his raw gestural style of painting. His distinct approach was characterized by a rich fusion of text, symbols, and imagery. He was one of the first African American artists to achieve major international acclaim, and is celebrated for his prolific, albeit short artistic career.

Ця захоплююча кольорова ретроспективна монографія пропонує нове розуміння унікальної візуальної мови Баскія та допомагає висвітлити повідомлення про політичні та соціальні проблеми, які здаються такими ж актуальними сьогодні, як і півстоліття тому.

Символічні, складні та часто емоційно насичені роботи Жана-Мішеля Баскія справили величезний вплив на мистецьку сцену Нью-Йорка 1980-х років. І хоча його надто коротка кар’єра завершилася, коли він помер у віці 27 років, Баскія залишив по собі величезну спадщину — не лише кількістю створених ним робіт, а й посланнями, які він закодував щодо політичних, соціальних, расових і культурних питань. Ця захоплююча книга показує, як Баскія використовував складну мережу знаків і символів, щоб кинути виклик самій системі, яка зробила його улюбленцем світу мистецтва. Він прослідковує його натхнення з мультфільмів, дитячих малюнків і реклами, а також його власної спадщини Гаїті та Пуерто-Ріко; обговорює вплив афроамериканської, африканської та ацтекської культурної історії; і показує, як Баскія включив у свої роботи класичні теми та сучасні ікони — від спортсменів до музикантів. Стає зрозумілим те, як, навіть будучи молодою людиною, Баскія глибоко розумів роль художника в історії мистецтва та своє становище як молодого темношкірого художника у світі расизму, придушення та соціальної несправедливості.

Ця книга допомагає читачам розшифрувати унікальний lingua franca Баскія, п’янкий масив творів, наповнений соціальними коментарями, які були, у свою чергу, гострими, гнівними, комічними, модними та карколомними, і які залишаються потужними та значущими сьогодні.

Про авторів:

Дітер Бухарт — міжнародний запрошений куратор і фахівець з баскії.
Антонія Хьоршельманн є куратором сучасного мистецтва в Музеї Альбертіна у Відні.
Клаус Альбрехт Шредер, директор Альбертіни у Відні.

________

Погортати книгу Jean-Michel Basquiat: Of Symbols and Signs

Published on the occasion of the installation of Jeff Koons' Split-Rocker at Rockefeller Center in New York City in association with Gagosian Gallery, this colorful new book will appeal to any fan of Koons' work, as well as those interested in contemporary art and landscape architecture.

Consistent with Koons's persistent fascination with dichotomy and the in-between, the inspiration for Split-Rocker came when he decided to split and combine two similar but different toy rockers, a pony belonging to his son and a dinosaur ("Dino"). The slippage or "split" between the different halves of the heads gives an almost Cubist aspect to the composition. As the model was enlarged to the scale of a small house, the split became an opening, a profile, and a light shaft.

Jeff Koons is largely regarded as one of the most important yet controversial artists of the postwar era. His art has appeared at galleries and museums worldwide, and the subject of the beautiful new book is no exception. Since its creation in 2000, Split-Rocker has appeared at Palais des Papes, Avignon in 2000; and subsequently at Château de Versailles (2008) and Fondation Beyeler (2012). It is also in the collection of the Glenstone private museum in Potomac, Maryland, where it has been on view since June of 2013. This catalogue features images and discussions of all of these installations, including Split-Rocker's most recent exhibition at New York City's Rockefeller Center in 2014.

About the Author:

Jerry Speyer is the chairman and co-CEO at Tishman Speyer. Günther Vogt is the founder of VOGT Case Studio.

Найповніша монографія про фігуративну художницю Дженні Савілл, чиї великоформатні оголені картини продовжують кидати виклик загальноприйнятим ідеалам краси.

Через тринадцять років після своєї першої монографії видавництва Ріццолі, британська художниця Дженні Савілл, одна з перших учасниць Молодих британських художників, випускає свою найвизначнішу книгу, що включає ніколи раніше не публіковані картини з її останньої виставки в галереї Гагосян у Нью-Йорку. Цей довгоочікуваний том об'єднує нові роботи з багатьма картинами та малюнками Савілл на сьогоднішній день, а також есе, що досліджують постійне захоплення Савілл людським тілом у широкому мистецтвознавчому контексті. У книзі також представлена ​​розгорнута розмова Савілл з відомою американською фотографкою Саллі Манн. Ілюстрована хронологія кар'єри Савілл доповнює цей елегантний том. Ця чудово оформлена монографія є важливим доповненням до бібліотеки про одну з найвпливовіших та найвидатніших сучасних художниць світу.

Про авторів:

Дженні Савілл отримала ступінь бакалавра мистецтв з відзнакою в Школі мистецтв Глазго, Шотландія. Роботи Савілл представлені в кількох публічних колекціях, зокрема в Метрополітен-музеї, Нью-Йорк; The Broad, Лос-Анджелес; та колекції Саатчі, Лондон. Річард Кальвокорессі — директор і старший куратор галереї Гагосяна, Лондон. Раніше він був директором Фонду Генрі Мура та директором Шотландської національної галереї сучасного мистецтва в Единбурзі. Фотографії Саллі Манн були предметом великих виставок в Інституті сучасного мистецтва, Філадельфія, та в Галереї мистецтв Коркоран, Вашингтон, округ Колумбія. Її роботи можна знайти в багатьох колекціях, зокрема в Метрополітен-музеї та Музеї американського мистецтва Вітні. Марк Стівенс — колишній мистецтвознавець нью-йоркського журналу. Він є співавтором, разом з Анналін Свон, книги «де Кунінг: Американський майстер», лауреата Пулітцерівської премії 2005 року. Лорен Махоні організовує спеціальні виставки для Гагосяна. Раніше вона працювала у відділі живопису та скульптури Музею сучасного мистецтва, Нью-Йорк.

_____________

Погортати книгу Jenny Saville на сайті видавництва.