Дизайн

«… книга є ідеальним символом усього, чого досяг Форд… навіть більше
Колекційний і потужний, ніж будь-що, що коли-небудь було на злітно-посадковій смузі», – The Financial Times

«Читай та плач» – The Evening Standard

Передмова Анни Вінтур

Том Форд — геній дизайну, який десять років очолював Gucci.

Цей розкішний том є повним каталогом його дизайнерських робіт для Gucci та Yves Saint Laurent. Він розповідає не лише про дизайни одягу та аксесуарів Ford для обох будинків, але також досліджує грандіозне бачення Ford щодо повного дизайну бренду, включаючи архітектуру, дизайн магазинів і рекламу.

За останнє десятиліття він перетворив Gucci в один із найсексуальніших модних брендів у світі. Його дизайни збільшили продажі Gucci у десять разів і допомогли створити цей бренд у конгломераті предметів розкоші, яким він є сьогодні.

Tom Ford містить понад 200 фотографій Річарда Аведона, Маріо Тестіно, Стівена Мейзеля, Гельмута Ньютона, Герба Ріттса, Террі Річардсона, Крейга МакДіна, Тодда Еберла та багатьох інших фотографів, включаючи багато раніше непублікованих фотографій.

Цю книгу, опубліковану приурочено до його відходу з Gucci, було створено при повній співпраці з Фордом, і кожна сторінка відображає його винятковий смак. Це свідчення Форда про кар’єру виняткових моментів, що заново відкривають межі стилю та чуттєвості.

Створений у тісній співпраці з самим Рамсом, цей каталог raisonné є найвищою довідкою про одного з найвпливовіших дизайнерів продуктів усіх часів

Дітер Рамс — один із найвпливовіших дизайнерів продуктів двадцятого століття, який понад шістдесят років визначав зовнішній вигляд, відчуття та функції деяких із найулюбленіших споживчих товарів у світі. Використовуючи свої «десять принципів гарного дизайну» як філософію та практику для вдосконалення галузі більш цілісним, відповідальним способом, Рамс має зіркову репутацію зі світовим резонансом.

Ця надзвичайна книга утворює каталог raisonné кожного продукту, який Рамс розробив за своє життя – справжнє свято його основоположного внеску в галузь промислового та товарного дизайну. Книга містить 300 кольорових ілюстрацій, упорядкована в хронологічному порядку, кожен продукт супроводжується детальним описом і розбивкою специфікацій, що робить її найкращим довідником для шанувальників Rams і ідеальним доповненням до світового бестселера Dieter Rams: As Little Design as Possible.

Про авторів:

Клаус Клемп – професор теорії та історії дизайну в HfG Offenbach, Німеччина, і куратор дизайну в Музеї Angewandte Kunst, Франкфурт-на-Майні, де він раніше був директором виставки та заступником директора. До роботи в музеї Клемп був директором департаменту культури міста Франкфурта.

Dieter Rams – промисловий дизайнер, чия співпраця з Braun і Vitsoe, яка визначила кар’єру, створила деякі з найбільш знакових споживчих товарів 20 століття.

Цей вишуканий том, автором якого є син дизайнера, є чудовим оспівуванням одного з найвинахідливіших дизайнерських умів світу. Поєднуючи химерність та елегантність, П'єро Форназетті (1913–1988) перетворив предмети повсякденного вжитку, такі як чашки, шарфи та ширми, на витвори мистецтва з його своєрідними лейтмотивами, такими як рука, жіноче обличчя та люмінесцентна риба. Крім того, він створив широкий спектр робіт, включаючи ідеалізовані архітектурні фантастичні малюнки, оформлення книг та провокаційні оголені тіла, а також декор для розкішного лайнера «Андреа Доріа». Форназетті, мабуть, найбільш відомий своїми сліпучими меблями в стилі trompe l’oeil, був знову відкритий у 1980-х роках і залишається дуже популярним серед колекціонерів у всьому світі. Монографія, що містить 2800 ілюстрацій, багато з яких ніколи раніше не публікувалися, задумана як книга художника, яка якомога точніше відображає власний підхід Форназетті до дизайну. Роботи Форназетті організовані за типами та включають картини, скульптури та офорти, меблі, графіку, текстиль, скло, ширми, підноси та кераміку, а також менші категорії. Завдяки унікальному та вичерпному доступу до архівів, це епічне починання охоплює детальну технічну, біографічну та бібліографічну інформацію, включаючи список виставок та реєстр повного збірника творів. Обов'язкова книга як для колекціонерів, так і для знавців.

Для шанувальників, колекціонерів та дилерів майбутня книга Rizzoli Fornasetti: The Complete Universe – це привід для величезного святкування. Майже 700 сторінок, з 3000 зображеннями та ілюстраціями, це надзвичайний збірний каталог-резон та книга для журнального столика. Для тих, кого коли-небудь дратувала нестача інформації про Форназетті, ця книга здається дивом.

Я люблю порівнювати Форназетті з Енді Ворголом. Обидва мали довгу, плідну кар'єру, яка постійно поповнювала їхню творчість матеріалом, який був одночасно свіжим, але й знаковим. Обидва були талановитими ілюстраторами та майстрами апропріації. Форназетті вирізняється як у сфері мистецтва, так і дизайну своїм захопленим захопленням фігурацією, античністю та вишуканістю, що кидає виклик не лише естетичним уподобанням його поколінь, а й багатьом тенденціям, властивим модернізму.

На відміну від Воргола, чиї роботи здебільшого оцінюються в мільйонний діапазон, предмети Форназетті залишаються доступними для великої частини населення. Звичайно, є твори Форназетті (зокрема, меблі 1950-х років, прикрашені його найвідомішими мотивами) з цінниками, що наближаються до шестизначних сум. Однак сьогодні на вторинному ринку доступна також значна кількість матеріалів, виготовлених ательє Форназетті за його життя. (Повне розкриття інформації: я дилер, який спеціалізується на вінтажних творах Форназетті). Такі твори, включаючи все: від шовкових шарфів, ламп, підставок для парасольок, попільничок, дзеркал та декорованої порцеляни, можна знайти в діапазоні від кількох сотень до кількох тисяч доларів. Fornasetti: The Complete Universe – настільки вражаюча книга, що вперше робиться спроба задокументувати та датувати все (?!), що П'єро створив за своє життя. Форназетті має численні мотиви або сюжети, які він застосував до низки споживчих товарів, що є унікальними для нього, зокрема малахіт, міфологія, гральні карти, персоніфікація сонця та місяця, музичні інструменти та «Теми та варіації» (де жіноче обличчя зображено у понад 300 сюрреалістичних сценаріях).

Книга складається з двох половин; одна присвячена його художнім амбіціям та еволюції, друга — тому, як його таланти були застосовані для створення безлічі складних та самобутніх споживчих товарів. Син Форназетті, Барнаба, значною мірою відповідає як за збереження архівів свого батька, так і за створення цієї книги та за незмінну популярність Форназетті. З моменту смерті батька в 1988 році Барнаба активно перевидає дизайни та ліцензує певні культові зображення. Деяким пуристам може бути проблематично, що такі посмертні роботи включені сюди. Зрештою, такі роботи не були створені та не контролювані творцем і, ймовірно, ніколи не оціняться в ціні.

Про авторів:

Барнаба Форназетті — дизайнер, який контролює спадщину свого батька. Андреа Бранці — провідний архітектор і дизайнер у Мілані, автор низки книг про дизайн, зокрема The Hot House: Italian New Wave Design. Mariuccia Casadio. Маріучча Касадіо — арт-консультант італійського Vogue та авторка книги Dolce & Gabbana: Fashion Album, серед інших книг.

Обкладинки цього повнорозмірного альбому Saturday Evening Post фіксують повсякденні події та історичні моменти американської історії.

Хоча технічно Норман Роквелл був академічним художником, у нього було око фотографа, і, ставши зрілим художником, він використав це око, щоб дати нам знайому картину Америки — напрочуд настільки — і водночас унікальну. Роквелл найкраще висловив це бачення Америки у своїх справедливо відомих ілюстраціях до обкладинок для таких журналів, як The Saturday Evening Post. 332 з цих обкладинок, від улюблених класичних творів, як-от «Чемпіон із мармуру», до менш відомих перлин, як-от «Час годування», відтворено в приголомшливому повнокольоровому режимі у цьому великоформатному томі, який обов’язково буде цінуватися шанувальниками мистецтва з усього світу.

Про автора:

Книги Крістофера Фінча включають бестселери Norman Rockwell’s America, The Art of Walt Disney, та Rainbow, біографію Джуді Гарленд, яка була перетворена на кінофільм для телебачення NBC. Інші його книги стосуються різних аспектів сучасного живопису та популярної культури.

__________

Найулюбленіші твори Нормана Роквелла, зібрані в красивому томі в тканинній палітурці

Норман Рокуелл дав нам картину Америки, яка була знайомою – напрочуд настільки – і водночас унікальною, тому що тільки він міг оживити її з таким авторитетом.

Роквелл найкраще висловив це бачення Америки у своїх справедливо відомих ілюстраціях до обкладинки Saturday Evening Post, намальованих між 1916 і 1963 роками. Усі його обкладинки Post відтворено у чудовому повному кольорі в цьому великому томі з коментарями Крістофера Фінча, відомого письменника про мистецтво та популярну культуру.

___________

Погортати книгу Norman Rockwell 332 Magazine Covers на Google Books

Завдяки незліченній кількості сучасних прикладів макетів і практичній інформації ця книга надає читачам міцну технічну основу для успішного редакційного дизайну.

Тепер у м’якій обкладинці цей том пропонує вичерпне технічне пояснення основних принципів компонування, повне поле, яке охоплює розташування шрифтів, зображень, кольорів, об’єктів і сіток на сторінці. Книга також представляє панораму сучасних тенденцій і стилів редакційного дизайну через добірку зі 100 проектів, від газет і журналів до каталогів, книг, брошур і плакатів.

У цій книзі читачі отримають загальне розуміння основ редакційного дизайну, включаючи розмір паперу, типографські одиниці, історію типографіки та стилі різних гарнітур, елементи макета, взаємодію між розділами та оптимальний спосіб візуальної передачі повідомлення. Це ідеальний орієнтир для дизайнерів, які шукають практичних рішень і натхнення.

Про автора:

Ван Шаоцян є професором Академії образотворчого мистецтва Гуанчжоу (Китай) і науковим керівником Коледжу мистецтв і гуманітарних наук Університету науки і технологій Макао. Він плідний редактор, чиї титули зосереджені на дизайні, мистецтві та стилі життя. Він також є редактором журналу Design 360° та щорічника Asia-Pacific Design. Його запрошували читати лекції в численних університетах, академіях дизайну та організаціях, а також він був членом журі найпрестижніших китайських нагород у галузі дизайну та ілюстрації.

Оновлене та розширене видання класичної монографії Майкла Бірута, що містить шість нових проектів та використовує приклади з портфоліо, що охоплює всю його кар'єру до сьогодні.

Логотипи, упаковки, вивіски, публікації, вебсайти: у сучасному світі нас оточує графічний дизайн. Звідки він береться? Чому він так виглядає? Що він має робити?

How to use graphic design to sell things, explain things, make things look better, make people laugh, make people cry, and (every once in a while) change the world – це кар'єрна монографія графічного дизайнера Майкла Бірута. Використовуючи приклади з портфоліо, що охоплює п'ять десятиліть, Бірут дає відповіді, описуючи три десятки проектів від початку до кінця, з розумінням творчого процесу, свого робочого життя, стосунків з клієнтами та викликів, з якими стикається будь-яка творча людина, впроваджуючи інноваційні роботи у світ сьогодні.

Про автора:

Майкл Бірут практикував усі жанри графічного дизайну, від книг і плакатів до упаковки та вивісок, для широкого кола клієнтів. Він здобув сотні нагород у галузі дизайну, а його роботи представлені в постійних колекціях Музею сучасного мистецтва та Метрополітен-музею в Нью-Йорку. Бірут є старшим критиком у Школі мистецтв Єльського університету та членом її Школи менеджменту.

Зміст першого видання:

Вступ • 32 проекти: 1. Як знищити світ за допомогою графічного дизайну • 2. Як бути графічним дизайнером посеред ніде • 3. Як думати руками • 4. Як розмістити великий знак на скляній будівлі, не загороджуючи вид • 5. Як розважатися з коричневою картонною коробкою • 6. Як дезорієнтувати архітектора • 7. Як замовкнути та слухати • 8. Як вмістити одинадцять фунтів шрифту в десятифунтовий мішок • 9. Як дістатися туди, куди хочеш • 10. Як дізнатися, хто ти є • 11. Як написати книгу з картинками • 12. Як бути модно позачасовим • 13. Як звести музей з розуму • 14. Як розслідувати вбивство • 15. Як відновити душу організації • 16. Як розробити два десятки логотипів одночасно • 17. Як накрити стіл • 18. Як зібрати мільярд доларів • 19. Як брендувати фентезі • 20. Як виграти футбольний матч • 21. Як перетинати культури • 22. Як назвати дитину • 23. Як пробігти марафон • 24. Як вийти за рамки стилю • 25. Як залишити слід • 26. Як уникнути очевидного • 27. Як бути вдячним • 28. Як споглядати безкінечне за яєчнею • 29. Як керувати власним островом • 30. Як провести шлюбну церемонію • 31. Як літати • 32. Як врятувати світ за допомогою графічного дизайну

Дизайн, історія та вплив на культуру вертушки та вінілової технології: подвійні сили феномену «відродження вінілу»

Інтерес до програвачів і платівок насолоджується ренесансом, оскільки місцеві аналоги та новонавернені знаходять свій незмінний стиль і надзвичайне звучання неповторними.Revolution, продовження улюбленої книги Phaidon Hi-Fi: The History of High-End Audio Design, досліджує дизайн і культурний вплив вертушки, компонента в центрі «відродження вінілу». Важлива книга для аудіофілів, колекціонерів і шанувальників дизайну Revolution демонструє захоплюючу історію програвачів і вінілових технологій від 1950-х років до сучасних передових дизайнів.

Написана Шварцем, автором книги Hi-Fi: The History of High-End Audio Design, який є експертом у аудіодизайні та захоплюється аналоговою музикою, ця книга містить 300 ілюстрацій зі світу програвачів, від доступних до висококласних, і все, що між ними. Важливе доповнення до книжкової полиці для вихідців із аналогового виробництва та тих, хто новачок у відродженні вінілу, а також для любителів музики та дизайну.

Про автора

Засновник компанії Audioarts, що займається виробництвом високоякісного аудіообладнання в Нью-Йорку, Gideon Schwartz вважається задумом і створенням синергетичних музичних систем для деяких із найвибагливіших творчих особистостей у світі. Незважаючи на те, що вони походять із надзвичайно різних сфер культурного впливу, усі вони мають одну спільну рису – любов і вдячність до музики та високоякісного відтворення звуку.

Шварц — колишній адвокат, який пішов у відставку, щоб зайнятися своєю пристрастю до музики та аудіообладнання. Він є автором Hi-Fi: The History of High-End Audio Design та Revolution: The History of Turntable Design і пристрасно пропагував аудіо як чітке вираження переконливого промислового дизайну та культурного впливу та значення. Його книги висвітлюють покоління аудіообладнання, водночас вселяючи в читача відчуття, що аудіо є важливим провідником для музичного мистецтва.

Його робота привела його до створення домашніх музичних систем для таких, як бос звукозаписної компанії та Джонні Кеш, Metallica, U2 та продюсер Red Hot Chili Peppers Рік Рубін; разом із генеральним директором дому моди Supreme Джеймсом Джеббіа; колекціонер мистецтва та засновник текстильної компанії Maharam Майкл Махарам, а також багато інших відомих людей у ​​світі комерційного та творчого мистецтва.

Його знання міжнародного світу hi-fi не мають собі рівних. Якщо ви хочете дізнатися більше про пошуки ідеального звуку, вам потрібно прочитати Гідеона Шварца.

Колекція з 1000 символів та логотипів, розроблених партнерами Pentagram з 1972 року дотепер.

Найбільша частина того, що Pentagram робила протягом останніх п'ятдесяти років, завжди полягала в створенні фірмової ідентичності для клієнтів з різних галузей та континентів. Скромний знак є центральним елементом усіх цих добре відточених ідентичностей – часто виступаючи скороченням для самого бренду. Знаки є скрізь – вони входять у нашу колективну психіку, вони є частиною культурного ландшафту та символізують стосунки, які ми формуємо з брендами.

1000 знаків, представлених у цій книзі, представляють різноманітний спектр робіт з ідентичності, створених партнерами Pentagram у минулому та сьогоденні. З моменту свого створення Pentagram розробляла знаки для всіх: від транснаціональних корпорацій до стартапів, державних установ, некомерційних організацій та соціальних підприємств, клубів, товариств, окремих осіб, районів і навіть цілих країн. Незалежно від вашої ідентичності, оригінальний знак, яким ви можете володіти, є відправною точкою для повідомлення про те, хто ви є та чим ви займаєтесь.

Існує багато підходів до створення самобутнього логотипу, і всі вони представлені тут: від жирних типографських словесних знаків до графічних символів та більш абстрактних рішень. Друк їх у чорно-білому кольорі допомагає нам побачити їх у найчистішому вигляді, підкреслюючи контрасти та випадкові подібності між ними.

Практика дизайну радикально змінилася з 1972 року, але її завдання залишаються незмінними. Оманливо проста вправа з розробки дизайну знака для клієнта та невловиме прагнення до позачасовості, яке воно тягне за собою, досі є центральним завданням, з яким стикаються графічні дизайнери сьогодні.

Про автора:

Pentagram – це міжнародна дизайнерська фірма з офісами в Лондоні, Нью-Йорку, Остіні та Берліні.

Чарівний погляд на більш ніж 300-річну моду через вишукану колекцію дизайнерських суконь

Яка жінка встоїть перед тим, щоб уявити себе в красивій дизайнерській сукні? Тут, вперше, представлено 100 чудових суконь із постійної колекції відомого Інституту костюма в Метрополітен-музеї, кожна з яких є нагадуванням про те, як мода відображає ширшу культуру, яка її створила.

Ця унікальна колекція, що включає в себе дизайни Поля Пуаре, Коко Шанель, Мадам Гре, Іва Сен-Лорана, Джанні Версаче, Вів’єн Вествуд, Олександра МакКвіна та багатьох інших, представляє приголомшливу різноманітність одягу. Від суконь на ґудзиках кінця 17-го століття до найсучасніших моделей початку 21-го століття, сукні відображають чутливість і надлишки кожної епохи, водночас створюючи яскраву картину того, як стилі змінювалися — іноді радикально — протягом багатьох років. Вовняна сукня кінця 1600-х років із дивовижним вкрапленням срібної нитки; пишна червона атласна сукня 1800-х років; коротка мерехтлива танцювальна сукня 1920-х років; гламурна коктейльна сукня 1950-х років; і міні-сукня 1960-х років — кожна з них розповідає історію свого періоду та служить свідченням незмінної винахідливості мистецтва модельєра.

Зображення суконь супроводжуються інформативним текстом і доповнюються деталями крупним планом, а також фотографіями з подіумів, модними плакатами, творами мистецтва та портретами дизайнерів. Глосарій пов’язаних термінів також включено.

Про автора:

Гарольд Кода є відповідальним куратором Інституту костюма Метрополітен-музею.

This inspiring book chronicles the most influential ideas that underpin design thinking. These all-important concepts have not only shaped the evolution of design throughout its history, but also continue to exert an enormous influence on contemporary design practice. Written by two renowned design experts, it provides a concise history of the subject, while offering a fascinating resource to dip into for the general reader.

From the early historic origins of craft-based design to the blossoming of Modernism thanks to the design reform movements of the 19th and early 20th centuries together with the changes brought about by increasing industrialisation and digitalisation, this book traces the most important ideas in design. From ancient times through to the Industrial Revolution, and then on to the Modern Movement, the post-war consumer society and our own digital age, design ideas have fundamentally influenced the creation of our man-made world. And newer ideas, such as Parametricism and Open-Source Design, are bound to determine the future direction of our shared material culture.

Arranged in broadly chronological order, the ideas are presented through fascinating text and arresting visuals, 100 Ideas that Changed Design explores when each idea first evolved and the subsequent impact it has had up to the present day.

About the authors:

Charlotte and Peter Fiell are leading authorities on the history, theory and criticism of design and have written over 50 books on the subject, many of which have gone on to become bestsellers. They have also lectured widely, guest taught courses and consulted to manufacturing companies, museums, salerooms and major private collectors around the world. Recent titles by the Fiells include The Story of Design: From the Palaeolithic to the Present, Design Museum: A to Z of Design and Designers and Modern Scandinavian Design.

Fine Lines. 100 illustrators to remember

Drawn from TASCHEN’s Illustration Now! series, this go-to catalogue brings together 100 of the most successful and important illustrators around the globe. With featured artists including Istvan Banyai, Gary Baseman, Seymour Chwast, Paul Davis, Brad Holland, Mirko Ilić, Anita Kunz, and Christoph Niemann, the international overview provides an invigorating record of the dynamism and diversity of the illustration scene.

Each illustrator is featured with a self-portrait, samples from their portfolio, and a succinct description by Steven Heller, with a supplementary list of selected exhibitions and publications. In his introduction, Steven Heller describes the dynamic realm of illustration today and the challenging process of selection within this highly competitive and ever-moving genre.

About the series:

Bibliotheca Universalis — Compact cultural companions celebrating the eclectic TASCHEN universe at an unbeatable, democratic price!

Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible, open-minded publishing. Bibliotheca Universalis brings together more than 100 of our all-time favourite titles in a neat new format so you can curate your own affordable library of art, anthropology, and aphrodisia.

Bookworm’s delight — never bore, always excite!

Книга являє собою збірку зі 100 логотипів, розроблених між 1965 і 2017 роками одним зі всесвітньо відомих італійських графічних дизайнерів, Армандо Мілані.

Передмова Роджера Ремінгтона та Массімо Віньєллі

Про автора:

Армандо Мілані, Нью-Йорк, 1984, автор ідеї та дизайну цієї книги, є президентом AGI/Італія (Alliance Graphique International) та президентом Milani Design, з офісами в Мілані та на півдні Франції, де він організовує лекції та семінари з графічного дизайну. У 1992 році він випустив книгу Double Life з почуттям гумору та креативністю 80 дизайнерів AGI за участю Пола Ренда, а в 2000 році книгу 50 Poems of Lawrence Ferlinghetti and 50 Images of Armando Milani. У 2003 році він розробив плакат «Війна/Мир» для Організації Об'єднаних Націй, який поширився по всьому світу. У 2015 році він оформив книгу No Words Posters – збірку робіт 80 міжнародних графічних дизайнерів.

___________

Погоратти книгу 100 Logos: The Power of the Symbol

An exclusive look at one hundred fabulous shoes from the renowned Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art

A hundred pairs of shoes, from the 16th to the 21st century, paint a vivid picture of how shoe styles have changed — sometimes radically — over the years. They also reveal how some trends have reappeared throughout the ages. For instance, platform shoes were worn by fashionable Venetian women from the 15th to the 17th century and by Manchu Chinese women in the 1800s. In the late 1930s, Salvatore Ferragamo introduced a modern version of the platform shoe, and updated versions appeared in the 1970s and 1990s. 

Beautifully designed and produced, this brilliant follow-up to the Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art's 100 Dresses presents examples of fashionable footwear in a range of styles, from flats to stilettos and everything in between. Among them are shoes designed by Manolo Blahnik, Christian Louboutin, Roger Vivier, and Vivienne Westwood. Images of the shoes are accompanied by informative text and enhanced by works of art, contemporary photos, and portraits of designers. Sure to spark the imaginations of anyone interested in fashion and design, 100 Shoes details how women have used these essential fashion accessories to elevate their style, stature, and status throughout the centuries. An introduction by fashion-forward actress Sarah Jessica Parker adds to the accessibility and appeal of this delightful volume. 

About the Authors:

Harold Koda is curator in charge at the Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art. Actress 

Sarah Jessica Parker is known for her unique sense of fashion and her love of shoes.

Досконалість італійського дизайну через 100 ваз від початку минулого століття до сьогодення.

Що відрізняє «італійську» вазу від величезної кількості ваз, вироблених у всьому світі? Ваза — це як повсякденний предмет, так і предмет, який піддається величезній різноманітності інтерпретацій, сфера, в якій італійські дизайнери перевершують з точки зору оригінальності та впізнаваності (не кажучи вже про притаманну «стійкість» вази як об’єкта, який зазвичай виготовляється з найбільш екологічних матеріалів, таких як глина чи кремнеземне скло).

Намір 100 ваз італійського дизайну полягає в тому, щоб проаналізувати та дати можливу відповідь на концепцію італійського стилю, досліджуючи одне з його найпоширеніших і стійких проявів.

Матеріали, форми, традиції та інновації розгортаються перед очима читачів, сторінка за сторінкою, допомагаючи їм шукати сенс у виклику, поставленому назвою: добірка включає вази — усі вони випущені у виробництво, іноді невеликими чи дуже маленькими серіями — з минулого століття, від Галілео Чіні до Фабіо Новембре, охоплюючи золоту еру від 1930-х до 1960-х років.

Початкова нарисами Марко Менегуццо та Енріко Мортео про концепцію та історію італійських ваз, книга запрошує читача відкрити для себе 100 років матеріалів, форм, традицій і винаходів.

Про автора:

Історик мистецтва та дизайну, автор і куратор Марко Менегуццо викладає історію сучасного мистецтва, музеологію та управління виставковими системами в Accademia di Brera, Мілан. Він є членом наукового комітету офіційних архівів Маріо Скіфано, Вінченцо Аньєтті, Марчелло Морандіні, Летиції Баталья, Уго Ла П’єтра та є президентом архіву Giò Pomodoro. Енріко Мортео, архітектор, критик та історик дизайну та архітектури, співпрацює з великими міжнародними дизайнерськими журналами.

Muses of attitude, brains and confidence come together in this glossy compendium of the female icons who use their personal style and influence to change the way we look and dress.

From the obvious to the outrageous, Frida Kahlo to Cara Delevingne, 100 Women | 100 Styles profiles the personalities of each woman, showing what made them who they are, and how they can inspire you.

About the Author:

Tamsin Blanchard is a freelance journalist and editor of Hole & Corner magazine. She is also Special Projects Curator for Fashion Revolution. Her books include Fashion & Graphics, and Green is the New Black: How to Change the World with Style.