Дизайн

This is a truly exceptional collection of drawings from one of our most revered cultural commentators.

Gerald Scarfe began his career in the 60s working for PUNCH and PRIVATE EYE before taking a job as a political cartoonist for the DAILY MAIL. He then worked for TIME Magazine in New York before starting his long association with the SUNDAY TIMES that still exists today in the form of his weekly drawings. His varied career has seen him work with Pink Floyd (The Wall, Wish You Were Here), Roger Waters and Eric Clapton (The Pros and Cons of Hitchhiking), Disney (Hercules), English National Ballet (The Nutcracker), Los Angeles Opera (Fantastic Mr Fox) as well as produce such iconic images as those for the titles of Yes Minister and Yes Prime Minister. His work has featured in the New Yorker and various BBC TV films such as Scarfe on Sex and Scarfe on Class. Exhibitions of his paintings and drawings have appeared in the Tate Gallery, the National Portrait Gallery and the Smithsonian National Portrait Gallery. He is viewed by many as both a national treasure and a genius and this is the first collection of his work to appear for 20 years.

About the Author:

Gerald Scarfe was born and lives in London. His incredible career spans newspapers, satirical and political publications, television, film, theatre and opera. He has worked for the SUNDAY TIMES for 38 years and the NEW YORKER for 12 years.

Here is a complete, comprehensive drawing reference for design students and professionals alike who want to implement drawing as a professional tool. In Drawing for Graphic Design, Timothy Samara empowers readers to add drawing to their design vocabulary, featuring case studies of commercial projects from start to finish along with a showcase of real-world projects that integrate drawing as an intrinsic part of their visual communication. Filled with original author drawings and sketches, it’s a must-have reference that will benefit designers of all levels.

About the Author:

Timothy Samara is a graphic designer based in New York City, where he divides his time between teaching, writing, lecturing, and consulting through STIM Visual Communication. His 18-year career in branding and information design has explored projects in print, packaging, environments, user interface design, and animation. He has been a senior art director at Ruder Finn, New York's largest public relations firm, and senior art director at Pettistudio, a small multidisciplinary design firm. Before relocating to Manhattan, he was principal of Physiologic in Syracuse, located in upstate New York. In 1990, he graduated a Trustee Scholar from the Graphic Design program at the University of the Arts, Philadelphia. Mr. Samara is a faculty member at New York's School of Visual Arts, New York University, Purchase College/SUNY, and The New School, and has published six books on design and typography, all through Rockport Publishers: Making and Breaking the Grid; Typography Workbook; Publication Design Workbook; Type Style Finder; Design Elements, Design Evolution, and, most recently, Letterforms, released in September, 2018. Mr. Samara and his partner live in the Williamsburg neighborhood of Brooklyn.

This book showcases a lesser-known aspect of Maurice Sendak’s oeuvre–his set designs for opera and ballets.

Maurice Sendak is well-known for his acclaimed children’s books, but he was also an avid opera lover and designed a number of sets for opera and ballet productions, among them Mozart’s The Magic Flute, Janáˇcek's The Cunning Little Vixen, Prokofiev’s The Love for Three Oranges, Tchaikovsky's The Nutcracker, and an opera by Oliver Knussen based on Where the Wild Things Are. This book brings together over one hundred and twentyfive pieces from among the more than nine hundred in the Morgan Library & Museum’s collection, including preliminary sketches, final watercolors, and cardboard models. Essays in the book discuss the importance of music to Sendak’s work, his fascination with comic strips, movies, mechanical toys, and pop-up books, and the artworks that inspired his stage designs. The book reveals the full breadth of Sendak’s visual work for opera and ballet and highlights his keen sense of humor, his love of art history, and his ability to tell striking stories through his art.

About the Authors:

Rachel Federman is Assistant Curator of Modern and Contemporary Drawings at the Morgan Library & Museum. She received her PhD in Art History from the Institute of Fine Arts, New York University, and previously held the position of Assistant Curator of Painting and Sculpture at the San Francisco Museum of Modern Art. She has published essays on Bruce Conner, Paul McCarthy, Allen Ruppersberg, and Andy Warhol, among others.

Liam Doona is a freelance theater designer and Head of the Department of Design and Visual Arts at Dún Laoghaire Institute of Art, Design and Technology, Ireland, where he also lectures in scenography. Alongside his academic role, he has maintained a practice as a set and costume designer. His work was included in the Collaborators exhibition (2007) at the Victoria and Albert Museum, London, and can also be seen in 2D-3D (2003) and Collaborators (2007), the quadrennial reviews of British stage design published by the Society of British Theatre Designers.

Christopher Mattaliano was named Portland Opera’s General Director in 2003. He has directed productions for such companies as the Metropolitan Opera, New York City Opera, San Francisco Opera, Washington Opera, Canadian Opera Company, Minnesota Opera, and Portland Opera, among others. He has also taught and directed at the Juilliard School, Manhattan School of Music, Yale University, and Princeton University and served on OPERA America’s Board of Directors from 2005 to 2011.

Avi Steinberg is the author of three books, including The Happily Ever: Travels in the World of Popular Romance, which will be published by Knopf Doubleday in 2020. He is a contributing writer at The New York Times Magazine and the Culture Desk of The New Yorker.

Drawing the Human Head is an in-depth study of the infinite variety of emotions that the human face can express and of how these can be conveyed on paper.

Emotions such as joy, pain, sadness, jealousy and desire are inherent human traits, and the great artists have been able to move us over the centuries through their ability to communicate them. This book guides the reader through human emotion in the history of art and also analyses the methods required to reproduce it. With its clear and accessible texts, this book is an indispensable tool for students, who can also use it as a self-study manual.

About the Authors:

Giovanni Colombo was born in Como, Italy, in 1961. After attending a lyceum for the arts, he enrolled in the Accademia di Belle Arti di Brera in Milan to study painting. In the early 1980s, he attended the studio of A. Tenchio to deepen his knowledge of engraving, where he met and became friends with many other artists and started working in illustration in addition to painting. In 1982 he began showing his artwork, in both group and individual shows, and in 1988 he started to teach painting at the "Fausto Melotti" State Art School in Cantù, Italy - where he still works today. He wrote Percezione & Disegno: dalla visione alla rappresentazione (Perception & Drawing: From Vision to Representation; Ikon, Milan, 1998). He has published several limited edition booklets and engravings. Today he lives and works in Como.

Giuseppe Vigliotti was born in Estavayer Le Lac, Switzerland, in 1965 and currently teaches painting. In 1983 he received his diploma from a fine arts secondary school, and in 1986 his work was shown in numerous exhibitions, both group and individual. Since 1987 he's worked as a freelance illustrator and graphic designer for numerous publishers. In 1988 received his degree in painting at the Accademia di Belle Arti di Brera in Milan. From 2007 to 2010 he worked in art publishing, with specific experience relating to artists' books and the use of graphic design software, editorial layout and website creation. His current artistic focus is on video-installations, multimedia techniques and computer graphics. Today he lives and works in Como.

Зазирніть за лаштунки разом із Гуендаліною Літтою — видатним дизайнером вечірок, яка понад тридцять років створює чарівні моменти для своїх рідкісних клієнтів.

Гуендаліна Літта — справжня втілювачка мрій та затребуваний організатор індивідуальних заходів. Від найпростішого декору до феєрії, що розкинулася на величезній території, її унікальні зібрання створені для задоволення. Пройдіть стежкою, освітленою свічками, до зачарованого лісу, щоб провести вечір під зірками, візьміть натхнення з шедевральної картини для захопливого досвіду, повечеряйте за скляним столом, прикрашеним пишними квітами, в елегантній оранжереї, або перенесіть себе в екзотичну країну, не виходячи з власної власності. Гуендаліна ніколи не перестає винаходити своє фірмове мистецтво розважати, створюючи гостинну, дружню атмосферу, яка об'єднує людей, поки вона майстерно організовує чарівне свято.

Креативність та стиль Гуендаліни в поєднанні з логістичною майстерністю не мають собі рівних. Вона та її виняткова команда майстрів – кейтерингові компанії, флористи, дизайнери інтер'єрів, архітектори, каліграфи, костюмери, художники та виконавці – звертають увагу на кожну деталь, щоб створити швидкоплинні враження, які назавжди залишаться в пам'яті кожного гостя.

Ця нова книга, що містить раніше неопубліковані фотографії з її останніх подій, слугує художньою дошкою настрою, яка надихає організаторів заходів та творчих людей усіх мастей. Поєднання фотографій за лаштунками та зовні залу створюють асоціації, покликані пробудити творчість, а тканинна обкладинка відтворює тканину, розроблену за індивідуальним замовленням, розписану вручну з одного зі святкувань. Гуендаліна, яка протягом тридцяти років створювала враження, щоб відзначити цінні моменти життя, ділиться своїм неповторним стилем та досвідом з читачами.

Про авторів:

Гуендаліна Літта – видатний організатор заходів на замовлення для клієнтів з усього світу, яка протягом тридцяти років створює виняткові святкування. Вона опублікувала книгу «Гуендаліна Літта: Мистецтво святкування» (Gourcuff Gradenigo, 2016).

Аксель Вервурдт — колекціонер, антиквар, дизайнер і куратор. Architectural Digest обрав його місце в Залі слави AD100. Серед його книг — Timeless Interiors, Wabi Inspirations, Living with Light, Stories and Reflections, Portraits of Interiors, та At Home with May and Axel Vervoordt.

Прісцил Ніфс — старший креативний директор і консультант, що спеціалізується на друкованих та цифрових комунікаціях. Вона розробила такі книги, як Alice Temperley: English Myths and Legends, True British: Alice Temperley (Rizzoli, 2017 та 2011) та Guendalina Litta: The Art of the Celebration; вона також працювала в Assouline.

Міхаель Ферір — аналоговий кінофотограф, який спеціалізується на портретній, майстерній та подійній фотографії.

This book explores the possibilities and applications of two-color printing technique in graphic design using different approaches such as: colour matching, duotone effects and gradation.

The wide selection of projects in the book covers different design categories, from logos, brochures, posters, packaging materials, book covers and exhibition materials to screen designs for corporate websites and promotional microsites. The wide variety of designs reveal the endless possibilities of duotone and the ways in which designers and artists make full use of two bright colours to create dramatic and dynamic compositions. 

Duotone is the next big trend in graphic design. It enhances readability, makes the most of minimalist designs without overwhelming the eye, and is the perfect way to effortlessly create unforgettable atmospheres.

У все більш цифровому світі бренди стикаються з проблемою зміни своєї ідентичності, щоб зміцнити свою присутність як онлайн, так і офлайн, не кажучи вже про низку інших засобів масової інформації. У результаті багато дизайнерів і творців вирішили порушити поширене уявлення «ніколи не змінюйте свою ідентичність» і вибрали плавну, адаптивну графіку, яка гнучко адаптується до кожної платформи, на якій вони розміщені.

Переплітаючи елементи, які охоплюють графіку, рух тощо, Dynamic Branding демонструє найкращі приклади графічних систем, які вміло змінюють форму в середовищах, щоб показати найкраще з того, що може запропонувати їхній бренд, зберігаючи його цілісність і основні цінності.

Незамінний візуальний посібник для художників з опанування та використання передових навичок анатомії людини у створенні образотворчого мистецтва.

Dynamic Human Anatomy людини» продовжує Basic Human Anatomy та пропонує художникам і студентам-мистецтву глибше розуміння анатомії, включаючи анатомію в русі, та те, як ця важлива навичка застосовується до створення образотворчого образотворчого мистецтва.

Про автора:

Роберто Ості викладає малювання фігур та анатомію людини для художників у Нью-Йоркській академії мистецтв, Університеті мистецтв у Філадельфії та Пенсильванській академії образотворчих мистецтв. Ості, який раніше мав освіту медичного ілюстратора, перш ніж стати художником, публікував свої роботи в багатьох наукових та мистецьких виданнях. Його картини виставлялися в галереях Європи та Сполучених Штатів. Він є автором Basic Human Anatomy, бестселера з художньої освіти та класичного довідника.

Hailed in his lifetime as the "poster king," E. McKnight Kauffer's designs for the London transport system, Alfred Hitchcock, and others are an enduring influence on contemporary advertising and graphic arts.

E. McKnight Kauffer (American, 1890-1954) was a pioneering figure who transformed the field of graphic design between the wars. He drew upon the emerging visual languages of Cubism, Vorticism, and Surrealism to create a modern graphic style that shaped the development of commercial art. Through collaborations with his avant-garde peers in art, literature, and design, including the Bloomsbury Group, Marion Dorn, T.S. Eliot, Langston Hughes, Aldous Huxley, and Man Ray, Kauffer expanded the scope and impact of his field.

This groundbreaking publication is the first to address the full range of Kauffer's career, from sophisticated designs for major clients -- including the London transport system, Random House, American Airlines, and Shell, as well as Allied propaganda posters during World War II--to book covers, rugs, costumes, and stage sets. An interdisciplinary group of authors offer critical perspectives on the cultural context of Kauffer's work, bringing new attention to the designer's depictions of race, gender, and global politics.

About the Authors:

Caitlin Condell is associate curator and head of the department of Drawings, Prints, and Graphic Design at Cooper Hewitt. Emily M. Orr is assistant curator of Modern and Contemporary American Design at Cooper Hewitt.

Чарльз та Рей Імз були одними з найвпливовіших дизайнерів 20-го століття.

Довідник меблів Імза надає читачам вичерпний огляд їхніх меблів, який включає такі віхи дизайну, як Plywood Group, Wire and the Plastic Chairs, Aluminum Group та легендарне крісло Lounge Chair. За допомогою детальних текстів та великого фотоматеріалу він реконструює генезу цих та інших новаторських дизайнів, проливаючи світло на інноваційне використання матеріалів та технік дуетом, а також аналізуючи значення їхньої роботи в контексті свого часу.

Основою цієї книги є колекція Імза, що зберігається в Музеї дизайну Vitra. Це найбільша колекція меблів Імза у світі, яка включає прототипи, експерименти та навчальні моделі з офісу Імза, а також інші ключові елементи.

Drawing on the work of artist and architect William Lim, this book offers a new, enlightened perspective on what Asian design means today. 

Exploring design works ranging from furniture and temporary art installations to interior design and architecture by CL3, founded by William Lim, and related studios Lim + Lu and Open UU, this book presents a fresh consideration of the essence of contemporary Asian design and how it has evolved over the past few decades.

The projects selected share a sensitivity to Asian qualities: a deep appreciation of site and context, craft and design details, with imaginative architectural responses delivering a reinterpretation of cultural heritage and traditions.

The book includes a contextual essay by Hong Kong-based architecture critic and author Catherine Shaw, a foreword by architecture and design curator Aric Chen, and a chapter dedicated to conversations on the modern interpretation of eastern aesthetics and the unique experience of designing for a new Asia between William Lim, Swedish museum director, art critic and writer Lars Nittve, and Shanghai-based architect Lyndon Neri.

The projects are presented in a clear, vibrant graphic style designed by William Lim and artist and graphic designer Stanley Wong, aka anothermountainman, to evoke an Asian quality. Each chapter includes a text by William Lim and features original conceptual sketches, photographs, floor plans, and drawings.

About the Author:

Catherine Shaw is an independent architecture, design, and art critic and published author. Originally an urban planner, she writes extensively on architecture, design, arts, and craft in Asia.  

Виріжте, розмістіть та прикрасьте. Завдяки простій 3-кроковій техніці та рекомендаціям щодо дизайну в Easy Ikebana, створення надзвичайної квіткової композиції стане таким простим!

Вам не потрібні екзотичні квіти чи дорогі вази, щоб створити приголомшливу квіткову композицію. Навіть одна квітка з вашого саду чи місцевого ринку, поєднана з простою ємністю, яка відповідає її розміру та формі, створить унікально красиве доповнення до вашого простору. Вода, ножиці та, можливо, кілька листків, гілочок або польових квітів – це єдині інші предмети, які вам знадобляться для завершення вашої композиції.

З Easy Ikebana навіть найменш досвідчений новачок:

- Ознайомиться з різними видами сезонних квітів, що їм потрібно та як з ними поводитися
- Розвине почуття міри, щоб створити збалансовану композицію
- Навчиться вибирати та використовувати зелень у своїх композиціях, незалежно від того, чи розміщуєте ви одну квітку, чи кілька
- Отримає поради щодо того, як зробити зрізані квіти довше зберігатися
- Відкриє для себе способи зробити сильну заяву, використовуючи дуже мало компонентів

Ці композиції показують, наскільки вражаючою може бути стриманість, не кажучи вже про те, наскільки доступною вона є. Легкі уроки з цієї книги перетворять аранжування квітів на розслаблююче та приємне заняття сезон за сезоном, а приголомшливі фотографії надихатимуть майстрів усіх рівнів красою та силою простоти – серця ікебани.

Про автора:

Шінічі Нагацука — флористичний дизайнер, що отримав нагороди, чиї роботи прикрашали такі заходи, як церемонія, присвячена візиту Далай-лами до Японії, та інші. Його авторські роботи охоплюють ікебану на всіх рівнях, від найпростішого до найскладнішого. Він є активним викладачем, який неодноразово виступав на телебаченні у своїй рідній Японії, де демонстрував основи дизайну та навчальні посібники для швидкого створення квіткових композицій. Він є президентом N Flower Design International, навчальної мережі, яка викладає флористичний дизайн по всій Японії.

In today's information-saturated world, food and drink establishments need not only to offer high-quality products but also good communication ideas, a unique visual identity and graphic design that stands out from the rest. For these companies, unique branding starts with basic elements such as a logo, slogan, font, and colour scheme, and is finally reflected in the product, packaging and related design. This book focuses on graphic design, showing how the unique visual identity of the food industry can help companies attract consumers and achieve success, providing inspiration for graphic and shop designers and entrepreneurs in this area of business. It includes case studies comprising cafés, restaurants, bars, dessert shops and bakeries.

About the Author:

Wang Shaoqiang is a professor at the Guangzhou Academy of Fine Arts (China) and Doctoral Supervisor at the College of Arts and Humanities of the Macau University of Science and Technology. He is a prolific editor whose titles focus on design, art and lifestyle. He is also the editor of Design 360° magazine and Asia-Pacific Design yearbook. He has been invited to lecture at numerous universities, design academies and organizations, and he has been a jury member for China's most prestigious design and illustration awards.

Ця книга досліджує значний внесок у культуру дизайну, зроблений Cassina, першою компанією, яка розробила та індустріалізувала позачасові перевидання.

З 1973 року, коли Cassina запустила колекцію iMaestri, компанія автентично перевидала деякі з найвідоміших моделей найвидатніших архітекторів ХХ століття. Бренд розпочав цей процес у 1965 році з перших перевидань меблів Ле Корбюзьє, П'єра Жаннере та Шарлотти Перріан, розширюючись з роками, щоб створити особливу колекцію з такими іменами, як Ерік Гуннар Асплунд, Шарль Ренні Макінтош та Герріт Томас Рітвельд. Ці дизайни були оновлені, знайшовши нове життя завдяки інноваційним технологічним розробкам, що здійснюються компанією, завжди з повагою до оригінальних дизайнів.

Колекція також розповідає про зустрічі компанії з відомими італійськими архітекторами, включаючи Франко Альбіні, Джо Понті та Карло Скарпу, та про те, як це поєднання творчої досконалості та якості виробництва породило такі надзвичайні роботи. З появою дизайнів Джакомо Балли, Марко Занузо, Іко Парізі та Віко Маджістретті, колекція Cassina iMaestri стала символом позачасової елегантності, що втілює справжню суть досконалості «Зроблено в Італії».

Завдяки оригінальному графічному дизайну книга відображає багатство та різноманітність каталогу Cassina, в якому ікони природно взаємодіють із сучасними творами, щоб повністю підкреслити спадкоємність між минулим, сьогоденням та майбутнім.

Книга, редагована Іваном Міттоном, організована у п'ять тематичних розділів, які містять впливові тексти та нові фотоматеріали, створені міжнародними авторами.

Про автора:

Іван Міттон — колишній куратор відділу дизайну Центру Помпіду в Парижі з 2002 по 2005 рік. Він брав участь у великих виставках, таких як «Етторе Соттсасс», «20 років дизайну для Оліветті» та «Шарлотта Перріан». У 2008 році він вирішив зосередитися на виробництві виняткових меблів та художніх інсталяцій на замовлення.

Editorial Design надає дизайнерам усе необхідне для створення власних макетів, поєднуючи історію редакційного дизайну з сучасною практикою, щоб просвітити та надихнути як початківців, так і більш досвідчених дизайнерів.

Третє видання було оновлено, щоб відобразити останні розробки у візуальній журналістиці, з понад сотнею нових зображень, що демонструють найкраще в сучасному редакційному дизайні. Додано нові розділи, присвячені незалежним журналам та безперешкодній інтеграції друкованого та цифрового форматів.

Це щедро ілюстроване перероблене видання містить тематичні дослідження, практичні вправи та поради, а також оновлені профілі провідних дизайнерів у цій галузі, які діляться своїм досвідом та пропонують безцінні поради. Дизайн книги було оновлено у більшому форматі для легкої читабельності зображень, підписів та тексту.

Про автора:

Кет Колдуелл — старший викладач Центрального університету Святого Мартіна, Лондонського університету мистецтв, працює над програмою графічних комунікацій. Кет є членом-засновником Організації редакційних дизайнерів.