Мистецтво

Costume design is storytelling. And to do it successfully, you need to understand the five functions of a costume: to connect to plot and theme, establish the structure of society, put in a specific time and place, indicate personality, and reveal a passage of time. It is an exciting and challenging craft that involves a thoughtful and thorough examination of these various elements in order to give a costume life. In animation, games, and illustration, in particular, the designer needs to be acutely aware of the unique characteristics and limitations of each medium ― from solid research approaches and basic production pipelines to audience experience and ideal tools of the trade. 

Talking Threads: Costume Design for Entertainment Art, backed by decades of experience of five industry professionals, provides an in-depth exploration of these functions and format considerations to equip artists with the necessary knowledge and mindset to develop strong narrative-informed costume designs. Each chapter is packed with creative exercises, detailed tutorials, inspiring designs, and invaluable insights that will help artists of all levels confidently and efficiently tackle their next costume adventure.

About the Authors:

Jessie Kate is a design mentor. With her background working with her father, a master craftsman and furniture designer, she gained experience with complex creative problem-solving. Her mother's musical focus nurtured a love of entertainment, and Jessie Kate combined the two influences to choose a path in entertainment design. Her past experience includes freelance design, educational program design, production coordination for TV animation, creative direction for startups, and indie project development. When she brought her curiosity and analytical approach to the animation industry and found a gap in costume-design education, Jessie Kate decided to fill the void by gathering a team of specialists to create this book. She specializes in using personality psychology to develop authentic character arcs and immersive costume designs, guiding her mentees through narrative analysis, practical research methodology, and concept development.Jessie Kate co-instructs History of Fashion at ArtCenter College of Design with Gwyn Conaway.

Gwyn Conaway is a member of the Costume Designers Guild Local 892. She's a costume designer, fashion historian, and culture specialist living in southern California. Although she works primarily in historical and dramatic film, Gwyn also consults on costume simulation for major animation and gaming studios. She specializes in Marvelous Designer and garment model fit.Considered an authority on the intersection between clothing and social psychology, Gwyn is on the cutting edge of how the entertainment industry thinks about costume and culture as a visual language. She is often called upon to design and consult for conceptual projects in post-apocalyptic and fantasy settings. Conaway is on the faculty at ArtCenter College of Design in Pasadena, California. Her course, History of Fashion, is the first of its kind. Geared directly towards entertainment design students, the class explores Gwyn's burgeoning expertise: building cultures for film, television, and gaming from the ground up.

Rebecca Black-Gliko descends from a long line of quilters and has been sewing in some form or another since a very young age. Her devotion to learning led to a degree in illustration as well as studying abroad in Japan and New Zealand. Beki has worked for Laika Studios on the films Kubo and the Two Strings and Missing Link in both the rapid prototype and costume departments. Living in Oregon with her husband, Raul Ramos, she continues to work on projects that explore and combine a variety of mediums. She is currently working on a stop-motion graphic novel, Oni-san, that combines her love of animation, illustration, and stop-motion. Beki enjoys the challenge of translating a design on paper into a functional final product--whether the end result is digital or physical--and choosing the format that best translates the intentions of the narrative.

Maria Kercher is a visual development artist specializing in material behavior and cultural stylization for animation. She has also worked in design for indie games and illustration for live-action films. Born and raised in Brazil, Maria visited the opera and ballet frequently and participated in dance and figure skating competitions, nurturing a fascination with how costumes are used to enhance performance. Through figure skating, she gained an interest in how countries or people can be represented through simplified shapes, colors, movement, and music. Learning to sew from her mother, she began exploring her fascination through fashion.When her father introduced her to US animation, Maria fell in love with the idea of breathing life into a fictional world and came to the US to study animation. Now based in Seattle, Washington, she is focused on expanding her knowledge of materials and world cultures to better connect audiences to each other.

Blythe Russo is an illustrator and puppet builder living in Ohio. She earned a master's in illustration from the Savannah College of Art and Design and is an active member and supporter of the Kidlit community. Blythe made her debut as a children's book illustrator with the counting book, One More Wheel (Macmillan/August 2019). Her favorite stories to tell are those of friendship--that give the reader both the giggles and the warm fuzzies.As a self-taught puppet-builder, she has worked as the lead puppet builder for Madcap Puppets. She has designed and fabricated pieces for a variety of their shows, including The Case of the Kidnapped Backpack, The Wonderful Wizard of Oz, and Pinocchio. She's also been known to teach a puppet-building class every so often.

A compelling exploration of Tantric rituals and spirituality, published to coincide with a once-in-a-generation exhibition at the British Museum

Tantra: enlightenment to revolution explores the radical force that transformed the religious, cultural and political landscape of India and beyond.

A philosophy originating in medieval India, Tantra has been linked to successive waves of revolutionary thought – from its sixth-century transformation of Hinduism and Buddhism, to the Indian fight for independence and the rise of 1960s counterculture.

Centring on the power of divine feminine energy, Tantra inspired the dramatic rise of goddess worship in medieval India and continues to influence contemporary feminist thought and artistic practice.

Presenting masterpieces of sculpture, painting, prints and ritual objects from India, Tibet and around the world, this publication offers new insights into a philosophy that has captured our imagination for more than a millennium.

Contents List:

1. The Rise of Tantra in Medieval India 2. Tantric Yoga in the Court 3. The Spread of Tantra Across Asia 4. Tantra and Revolution in Colonial India 5. Reimagining Tantra in the 20th Century

About the Author:

Imma Ramos is a curator of the South Asia collections at the British Museum.

Огляд захоплюючої кар’єри Квентіна Тарантіно в центрі культового кіно, від Reservoir Dogs до його останнього фільму Once Upon a Time in Hollywood

Квентін Тарантіно є одним із найвпливовіших і видатних режисерів сучасного світу. Його фільми викликають таке захоплення, що майже кожен з них миттєво стає культовою класикою. Тут Том Шон представляє докладні коментарі до кожного з десяти фільмів, знятих Тарантіно, від Reservoir Dogs до Once Upon a Time in Hollywood, а також розглядає його раннє життя, акторську кар’єру та його безперечний талант до написання сценаріїв. Проілюстрований більш ніж двома сотнями кадрів із фільму та залаштункових зображень, «Тарантіно: Ретроспектива» є гідною даниною унікальному таланту великого режисера.

Про автора:

Том Шон був кінокритиком Sunday Times з 1994 по 1999 рік, коли він переїхав до Нью-Йорка. Його статті публікувалися в багатьох газетах і періодичних виданнях, включаючи New Yorker, New York Times, Times Literary Supplement, Intelligent Life, Areté і Vogue. Він є автором книг Blockbuster: How Hollywood Learned to Stop Worrying and Love the Summer, In the Rooms and Scorsese: A Retrospective, останню також опублікував Thames & Hudson. Зараз він викладає історію кіно та критику в Нью-Йоркському університеті.

Заснована на початку 1950-х років піонером у виробництві як натуральних, так і культивованих перлів, компанія Tasaki зараз є провідним виробником розкішних ювелірних виробів у Японії; перша книга бренду документує понад 70 років інновацій.

Ця книга є святкуванням понад півстоліття дизайну ювелірних виробів та майстерності, створюючи книгу для численних шанувальників Tasaki, яка представляє себе новій та зростаючій аудиторії.

Tasaki, одне з шанованих імен у сфері перлів та дорогоцінного каміння в Азії, виросла зі скромної родини фермерів, що вирощують перли, і зараз є синонімом японської розкоші.

Сімдесят років потому компанія, яку він заснував, зараз є одним з головних виробників перлів Akoya у світі.

Вічно новаторська, Tasaki тепер відома своїм свіжим підходом до високоякісних ювелірних виробів. Почесне місце в книзі займають фірмові оправи, такі як послідовність перлин та діамантів, збалансованих на бруску з дорогоцінних металів, які застосовані до різноманітних аксесуарів. Від каблучок до розкішних годинників — часто задуманих разом із перспективними іменами в ювелірному дизайні — творіння бренду представлені у вишуканих деталях. Поряд із культовими виробами Tasaki, такими як загрозлива лінійка «Danger», представлені унікальні капсульні колекції від Tasaki Atelier, включаючи витончені, схожі на пір'я, діамантові набори, виконані для готелю Ritz Paris.

З призначенням нью-йоркського модельєра Прабала Гурунга креативним директором, бренд розширився далеко за межі Азії та відкрив флагманські магазини в Європі та Північній Америці, серед шанувальників якого є така знаменитість, як Белла Хадід.

Про авторів:

Марія Доултон мешкає в Лондоні та є засновницею Jewellery Editor. Вона писала для Financial Times, Economist, Telegraph Luxury та Vanity Fair.

Такун Панічгул — модельєр, що отримав нагороди, з Нью-Йорка. Він був креативним директором Tasaki з 2009 по 2017 рік.

Прабал Гурунг — лауреат премій, модельєр з Нью-Йорка, креативний директор Tasaki.

______________

Погортати книгу Tasaki: Balance  на сайтi видавництва.

In this unique and deeply thoughtful collection, musician Alex Bleeker (Real Estate) and food and travel journalist Luke Pyenson (formerly of Frankie Cosmos) take readers on tour with a diverse lineup of inspiring indie musicians from around the world, sharing meals and travel experiences, peeking behind the curtain at this singular and singularly misunderstood way of life.

Through original essays and engaging conversations with dozens of indie musicians representing several subgenres, scenes, and eras, food takes center stage in stories about being on tour and eating on tour and how this basic human necessity can create a sense of community and interconnectedness in one of the most mobile industries in the world. Based broadly on the subject of eating on tour, these entries each spin off into their own focused and exciting behind-the-scenes story, but all confirm what Pyenson and Bleeker suspected all along ― food looms large in the lives of touring musicians, and it can be used as a gateway into understanding what going on tour is really like.

Featured contributors include:

- Robin Pecknold (Fleet Foxes) 
- Chris Frantz (Talking Heads) 
- Natalie Mering (Weyes Blood) 
- Mark Ibold (Pavement)
- John Gourley (Portugal. The Man)
- Lily Chait (touring chef to boygenius and Phoebe Bridgers) 
- Amelia Meath (Sylvan Esso)
- Greta Kline (Frankie Cosmos) 
- Devendra Banhart
- Bob Mould (Hüsker Dü) 
- Brian "Geologist" Weitz (Animal Collective)
- Dawn Richard
- Sasami Ashworth (SASAMI)
- Sadie Dupuis (Speedy Ortiz)
- The Beths

In addition to wide-angle meditations about eating on tour, Pyenson and Bleeker have gathered stories that take place on five continents, in private homes and street-side stalls, in temples of fine dining and in actual temples, backstage and in the van, early morning and late at night. Stories that deal with the best parts of touring: meaningful cultural exchange, hospitality-induced euphoria, and the opportunity to build relationships around the world. And the worst: loneliness, exhaustion, estrangement from family and friends, struggles with disordered eating, and unsteady access to medical care.

So the question isn’t, “How was tour?” It’s, “What do you eat on tour?” Like the best songs or meals, these conversations and essays evoke something central about the human experience. They show us all the ways that music and food bring us together, break us down, lift us up, and add color to our lives.

About the Authors:

Alex Bleeker is the bassist and co-founder of beloved indie rock band Real Estate and ascendant jam band Taper’s Choice. During his decade-and-a-half career as a musician, he has released more than ten full-length albums and toured extensively on five continents. He holds a bachelor’s degree from Bennington College and lives in coastal California with his partner, Leanne.

Luke Pyenson is a food and travel journalist whose work has appeared in The Washington Post, The New York Times, The Boston Globe, Saveur, and other publications. He was the longtime drummer of the critically acclaimed indie rock band Frankie Cosmos and founding drummer of cult DIY band Krill. He holds an MA in the Anthropology of Travel, Tourism, and Pilgrimage from SOAS, University of London, and lives in Brooklyn with his wife, Lauren.

Гiгантська 512-сторінкова колекція ескізів та ілюстрацій Кацуї Теради RAKUGAKING.

Єдиний і єдиний легендарний ілюстратор Кацуя Терада, він же RAKUGAKING (Король ескізів), добре відомий як піонер, який завжди шукає нові ідеї та мотиви для своїх малюнків, нарешті показав свої ескізи та ілюстрації RAKUGAKING, які довгий час зберігалися лише в його альбомі для етюдів.

Хоча більшість ілюстрацій у цій колекції з’являлися на попередніх міжнародних виставках Теради (наприклад, «Велетенський робот» у Лос-Анджелесі), ніколи раніше в жодній книзі не було так багато його RAKUGAKING. Це найкраща та найповніша колекція олівцевих ескізів Кацуї Теради, що робить її обов’язковою книгою як для його фанатів, так і для ілюстраторів загалом.

Про автора:

Кацуя Терада, він же Ракуґакінг («Король ескізів») — японський ілюстратор, добре відомий у США за своїми роботами, пов’язаними з «Залізною людиною» та «Хеллбоєм». Він любить робити замальовки скрізь, де б він не був, і брав участь у багатьох живих заходах з малюванням, де він заглибився в малювання на стінах. Дивно те, що він робить це, не роблячи чернеток. Кожен його малюнок виконано одним кадром. На його стиль малювання сильно вплинули Мебіус і Кацухіро Отомо. Терада — універсальний геній, який працював у багатьох сферах, починаючи від манги й аніме й закінчуючи живими бойовиками та дизайном персонажів. Його відомі роботи з дизайну персонажів — «Кров: Останній вампір» і «Віртуальний боєць».

Опублікований у зв'язку зі знаковою виставкою Tetsuya Ishida: My Anxious Self у галереї Gagosian New York, цей повністю ілюстрований каталог документує понад вісімдесят картин покійного Тецуї Ішіди та включає нові есе Сесілії Алемані та Дітарда Леопольда.

Tetsuya Ishida: My Anxious Self супроводжує оглядову виставку 2023 року, кураторкою якої є Сесілія Алемані, що представляє понад вісімдесят картин покійного японського художника з нагоди п'ятдесятої річниці його народження. З роботами з маєтку Ішіди, відомих приватних колекцій та Префектурного музею мистецтв Сідзуока, місто Сідзуока, Японія, «Тецуя Ішіда: Моє тривожне «я» являє собою найповнішу презентацію творчості художника, яка коли-небудь була представлена ​​за межами Японії, і його першу в історії в Нью-Йорку.

Протягом лише десяти років Ішіда створив вражаючий масив робіт, зосереджених на темі людського відчуження. Він з'явився як художник під час «втраченого десятиліття» Японії – рецесії, яка тривала протягом 1990-х років, а його картини відображають почуття безнадії, клаустрофобії та відчуженості, що характеризували японське суспільство в цей час швидкого технологічного прогресу. Перед своєю передчасною смертю в 2005 році Ішіда викликав алегорії викликів національного життя в картинах та графічних роботах, сповнених кафкіанської абсурдності.

Каталог містить розкішні фотографії, включаючи деталі, виставлених картин. Розширене есе Алемані надає важливий історичний та інтерпретаційний контекст для роботи, тоді як есе Дітарда Леопольда досліджує часте використання Ішідою власного обличчя у своїх картинах. Каталог також містить передмову Ларрі Гагосяна; вступ Мічіакі Ішіди, брата художника; та передрук оповідання «Червоний кокон» (1950) Кобо Абе.

Ішіда народився в місті Яїдзу, префектура Сідзуока, в 1973 році та помер у Токіо в 2005 році. Гагосян представив першу виставку робіт Ішіди за межами Японії, в Гонконзі в 2013 році.

Про авторів:

Кобо Абе (1924–1993), якого вважають одним із найвпливовіших післявоєнних романістів Японії, також відомий своїми оповіданнями, п'єсами та кіносценаріями. Сесілія Алемані, італійська кураторка, яка мешкає в Нью-Йорку, є директоркою Дональда Р. Маллена-молодшого та головною кураторкою програми High Line Art, що представляється High Line у ​​Нью-Йорку. Мічіакі Ішіда — старший брат Тецуї Ішіди. Дітхард Леопольд, який народився у Відні в 1956 році в родині колекціонерів творів мистецтва, продовжує жити в австрійській столиці, де працює куратором у Музеї Леопольда та пише оперні лібрето в стилі японських п'єс Но.

Art is constantly evolving, inviting experimentation, and, in today’s digital age, uses artificial intelligence to create entirely new realities. Data as a tool of expression is used by artists as an equal partner to break new ground at eye-level, while at the same time redefining the concept of art to revolutionize the world of design. This volume focuses on the esthetics and creativity of a new generation of designers who are using algorithm-supported tools along the vertical, from graphic design to 3D animation, kinetic objects and real-time visuals, to robotics and spatial installations, as well as hybrid approaches between digital and analogue. For this compendium, the editor was able to involve the biggest names in the world of data-driven design to present their most important work on the basis of facts, aspects, and stories and to provide insights into their creative processes. These range from the vision via the underlying code and challenges in the implementation concept, to the finished work. On a theoretical level, the presented works are significantly enriched by interviews and texts of experts and insiders of the scene.

“The Age of Data“ shows the future of art and design in this day and age in which the whole world is under close scrutiny due to the pandemic. It is an invitation to take the next steps and a motivation to keep up with the ongoing data-based design developments.

“What a wide range of works, artists, perspectives, technics – a stunning sampler of the 21st century! “
Stefan Weil
Atelier Markgraph & Museum of Modern Electronic Music

_Data-based design process throughout different categories
_A look behind-the-scene of the most important 40 pioneers
_With essays by specialists
_Promotion by Kickstarter campaign

Майстерно виготовлені жіночі воскові моделі, які можна розчленувати, займають центральне місце в цьому тривожному томі для шанувальників макабр, моторошного та медичної історії.

Під оригінальною венеціанською скляною та палісандровою вітриною в музеї Ла Спекола у Флоренції лежить «Анатомічна Венера» Клементе Сузіні (близько 1790 р.), ідеальний об'єкт, чиє розкішно-химерне існування кидає виклик вірі. Вона – або, краще сказати, вона – була задумана як засіб для навчання анатомії людини без необхідності постійного розтину, який був брудним, етично складним та схильним до швидкого руйнування. Ця воскова жінка в натуральну величину прикрашена скляними очима та людським волоссям і може бути розчленована на десятки частин, що відкривають, нарешті, спокійний плід, що згорнувся в її утробі. Невдовзі по всій Європі з'явилися моделі-сестри, де вони не лише навчали студентів-спеціалістів, а й захоплювали широку публіку.

The Anatomical Venus – це оспівування цих жіночих воскових моделей та розкриття їхньої еволюції від воскової фігури до фетишної фігури та втілення моторошного. Сьогодні ці образи порушують межі наших чітких категоріальних розмежувань між життям і смертю, наукою та релігією, тілом і душею, опудалом і екстазом, видовищем і освітою, кітчем і образотворчим мистецтвом. Майстерно написаний куратором жахливого, прекрасного та духовного, це ретельно ілюстрований огляд цих анатомічних одалісок та культурного й мистецького перетину, в якому вони перебувають.

Про автора:

Джоанна Ебенштейн — всесвітньо визнаний експерт у мистецтві анатомії та автор блогу, бібліотеки та серії подій «Патологічна анатомія». Серед її книг Death: A Graveside Companion та Anatomica.

The highly anticipated fifth volume of The Andy Warhol Catalogue Raisonné, covering his paintings from 1976 to 1978

This two-book addition to The Andy Warhol Catalogue Raisonné persuasively demonstrates the subversive core of Warhol's art. Intent on radical departure from his portraiture in the early seventies, Warhol's production gradually became anything but 'just faces'. From portraits of athletes and self-portraits to his Skull and Hammer and Sickle series, the Torso and Sex Parts paintings, and his abstract Piss, Oxidation, and Cum canvases, volume 5 showcases Warhol's work as powerful, and provocative as ever.

About the authors:

Neil Printz co-edited volumes 1 and 2 of The Andy Warhol Catalogue Raisonné and is the editor of volumes 3 and 4. He was formerly editor of the Isamu Noguchi Catalogue Raisonné and research curator for twentieth-century art at The Menil Collection, Houston.

Sally King-Nero, executive editor of Volumes 2, 3, and 4 of The Andy Warhol Catalogue Raisonné, is curator of drawings and photographs at the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts in New York.

The first in a multi-volume series on Warhol's complete artworks.

Andy Warhol (1928-1987) is one of the most iconic figures of twentieth-century art, a highly enigmatic personality who not only altered the definition of art but also left in his wake a vast and staggeringly complex record of his daily activities.

The Andy Warhol Catalogue Raisonné, the definitive record of the artist's paintings, sculptures and drawings, cover some 15,000 works produced by Warhol between 1948 and 1987. Also included is an incredible array of rarely published source material, including newspaper scraps and movie star publicity stills that inspired Warhol's boundlessly fascinating life and career.

The Andy Warhol Catalogue Raisonné was initiated in 1977 by Thomas Ammann. The editors Georg Frei and Neil Printz began primary research in 1993 and have been advised throughout the project by the distinguished curators and art historians Kynaston McShine and Robert Rosenblum. Experts from the Andy Warhol Foundation personally examined the vast majority of Warhol's works and began a thorough review of his archive, which at his death consisted of some 1,500 cardboard boxes, flat files, and trunks filled with source material, memorabilia, correspondence and junk mail.

The editors examined works in museum conservation facilities and discussed them with conservators, submitted works for review by the Andy Warhol Art Authentication Board, and interviewed Warhol's assistants and colleagues to assemble a customized database of works unparalleled in Warhol scholarship. All of their findings are documented in this unprecendented project.

Each annotated catalogue entry includes the works title, date, medium, dimensions and present owner, followed by a record of inscriptions, provenance, exhibitions and literature. Related works are linked by general introductory texts that explore historical circumstances, shared themes and studio practices. Supplementary figures to the texts illustrate source materials that Warhol appropriated for his works: newspaper articles and advertisements, soup cans and publicity stills, as well as related drawings, works by other artists, and studio and exhibition views. Volume 1 includes classic and much-prized Warhols such as the Campbell Soup paintings, images of the iconic figures of Marilyn, Liz and Elvis, and early self-portraits.

About the authors:

Georg Frei is a curator, art critic, and editor who has been affiliated with Thomas Ammann Fine Art AG in Zurich since 1988. Previously he wrote art, dance, and theatre criticism for several Swiss newspapers and magazines. For the Thomas Ammann gallery he has organized more than a dozen exhibitions and edited the accompanying catalogues on such artists as Picasso, Cy Twombly, Max Beckmann, and Willem de Kooning. For the Fondation Beyeler in Basel, he was the guest curator of the exhibition 'Andy Warhol: Series and singles, 2000-2001'.

Neil Printz is an art historian with a focus on twentieth century American art. He is currently the editor of the Isamu Noguchi Catalogue Raisonné for the Isamu Noguchi Foundation in New York, and Professor of Art History at Caldwell College in Caldwell, New Jersey. From 1977 to 1983 he was the director of the Holly Solomon Gallery in New York. Dr. Printz has contributed and edited articles for several journals and museum publications, including The Menil Collection in Houston, Texas; the Rheinisches Landesmuseum in Bonn; the Stadel Museum in Frankfurt; and the St. Petersburg Foundation for Culture and Art. He was Research Curator at The Menil Collection from 1983 to 1991.

The fourth volume of this highly praised, definitive reference to Andy Warhol’s (1928–1987) extensive artistic production

The 607 paintings and one sculpture documented in Volume 4 of The Andy Warhol Catalogue Raisonné were produced during a period of less than three years, from late 1974 through early 1977. In September 1974, Warhol changed studios, moving across Union Square from the sixth floor of 33 Union Square West to the third floor of 860 West Broadway. Like Volumes 2 and 3, Volume 4 is identified with a new studio, where Warhol continued to work for a decade, until he moved into his last studio at 22 East 33 Street on December 3, 1984. Volume 4 may be seen as the first in a series of books associated with one studio that will document an enormously productive ten-year period in Warhol's oeuvre from the mid seventies to the mid eighties.

About the authors:

Sally King-Nero, Executive Editor of Volumes 2 and 3 of the Andy Warhol Catalogue Raisonné, is Curator of Drawings and Photographs at the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts in New York.

Neil Printz, co-edited the first two volumes of the Andy Warhol Catalogue Raisonné. Paintings and Sculptures, 1961–1963 and Paintings and Sculptures, 1964–1969. He is the Editor of Volume 3: Paintings and Sculptures, 1970–1974. He was formerly Editor of the Isamu Noguchi Catalogue Raisonné and Research Curator for Twentieth Century Art at The Menil Collection, Houston.

The second in a multi-volume series on Warhol's complete artworks.

Andy Warhol (1928-1987) is arguably the most iconic figure of twentieth-century art, a highly enigmatic personality who not only altered the definition of art itself but also left in his wake a vast and staggeringly complex record of his activities. Warhol's archive consists not only of his artworks but also of 1,500 cardboard boxes, flat files and trunks filled with source material, memorabilia, correspondence and junk mail. The catalogue raisonné constitutes an indispensable record of the artist's paintings, drawings and sculptures: some 15,000 works produced by the artist between 1948 and 1987, the year of his death.

Volume 2 documents the artist's paintings, sculpture and installations made between 1964 and 1969, the important period known as 'The Factory Years', when Warhol began to acquire Pop Art fame as well as a cadre of collaborators and groupies - all of which made 'The Factory' into one of the most mythologized artist's studios ever, and Warhol's work at this time emblematic of his career as a whole. This volume documents 23 series and more than 1,400 individual works, including the well-known series Thirteen Most Wanted Men, the box sculptures, approximately 300 works in the Jackie series, and the 1964 and 1964-5 Flowers series, amongst others.

As in Volume 1, Volume 2 includes a fascinating collection of source material: especially the rare studio photographs taken by Billy Name-Linich, who became The Factory's first de facto photographic historian. In this volume, editors Georg Frei and Neil Printz focus on Warhol's serial production, analysing the evolution of Warhol's working methods and the growing relationship between Warhol's exhibitions and his studio production. They establish a sophisticated and extensive chronology for the works of this period, many of which have been difficult to locate and to date, due to their seriality. The text provides both a compelling overview and an unparalleled deconstruction of Warhol's riveting story.

The project is co-sponsored by the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts in New York and by Thomas Ammann Fine Art in Zurich.

About the authors:

Georg Frei is a curator, art critic and editor who has been affiliated with Thomas Ammann Fine Art AG in Zurich since 1988. Previously he wrote art, dance, and theatre criticism for several Swiss newspapers and magazines. For the Thomas Ammann gallery he has organized more than a dozen exhibitions and edited the accompanying catalogues on such artists as Picasso, Cy Twombly, Max Beckmann and Willem de Kooning. For the Fondation Beyeler in Basel, he was the Guest Curator of the exhibition 'Andy Warhol: Series and singles, 2000-2001'.

Neil Printz, a specialist in twentieth-century American art, in New York, is currently Editor of the Isamu Noguchi Catalogue Raisonné. He is Professor of Art History at Caldwell College in Caldwell, New Jersey.

Sally King-Nero is Curator of Drawings and Photographs at the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, a position she has held since 1993. She has been extensively involved in the examination and cataloguing of Warhol's works since the 1980s.

The Art and Making of Arcane проведе читачів крізь візуальну подорож революційного мультсеріалу від Riot Games та Fortiche. Цей том, що містить ранні стилі малювання, еволюцію дизайну персонажів та вражаючі ілюстрації до створення світів, є вичерпним зведенням творчого процесу та бачення Arcane.

Шанувальники Arcane та League of Legends будуть вражені візуальним розвитком улюблених чемпіонів, захоплюючими дух міськими пейзажами Пілтовера та Зауна, а також захопливими винаходами хекстека та Шиммера.

З небаченими раніше зображеннями зі сховищ Riot та Fortiche, рукописом, створеним на основі інтерв'ю з понад двадцятьма аніматорами, сценаристами, режисерами, художниками та багатьма іншими творчими умами, що стояли за успіхом Arcane, ця книга просто обов'язкова до прочитання.

Книга містить ранні дизайни, що показують, як персонажі розвивалися візуально, чудові краєвиди розлогого фону та мистецтва сеттингу, а також інтерв'ю з понад 20 ключовими аніматорами, сценаристами, режисерами, художниками, геймдизайнерами, музикантами та іншими творцями.

The Art and Making of Arcane постачається з ацетатною обкладинкою, ексклюзивною для цього видання. Також до нього додається безліч додаткових матеріалів зі світу, зокрема постер Джинкс, знімна карта Пілтовера, креслення світу, лист Вандера, розкладні матеріали з контентом першого та другого сезонів та багато іншого.

Блискучий наступник The Art of Florence, цей двотомний витвір мистецтва охоплює всю історію мистецтва Парижа, від кам'яного віку до піраміди в Луврі. Містить том 1 і том 2 у друкованій обкладинці.

Усі види мистецтва — живопис, скульптура, архітектура, міський дизайн, дизайн інтер'єрів, графічний дизайн, фотографія, кіно, мода, театр та опера — відіграли певну роль у створенні незмінного духу Парижа. З примітивного села, що тулився на острові посеред Сени, Париж прославився як середньовічний та ренесансний центр мистецтва, як колиска епохи Просвітництва та як тигель сучасного мистецтва та архітектури. Він залишається світовим центром інновацій у мистецтві, архітектурі та дизайні, а також одним із найприємніших з усіх сучасних міст.

Зібрана під редакційним керівництвом Мішеля Лаклотта, колишнього директора Музею Лувру, та за участю видатних вчених з обох боків Атлантики, книга «Мистецтво та дух Парижа» охоплює понад 6000 років культурної історії. У двох томах, що містять дев'ять проникливих та широкомасштабних розділів, та приблизно 1500 ілюстрацій, автори описують історію образотворчого мистецтва в Парижі, простежуючи його еволюцію та еволюцію соціальних систем, які його підтримували.

Том I представляє галло-римське поселення, описане Цезарем і розкопане сучасними археологами, буквально фундамент сучасного Парижа. Від цих початків, розділ 2 проводить читача через темний період раннього Середньовіччя, коли Париж був спустошений норманами, через тривалий процес відбудови, який призвів до розквіту готики та видатних шедеврів архітектури та вітражів, Нотр-Дам-де-Парі та Сент-Шапель. Місто епохи Відродження та центр епохи Просвітництва є темами розділів 3 та 4, ілюстрованих шедеврами живопису та декоративного мистецтва, які до вісімнадцятого століття зробили Париж центром мистецтв західного світу.

Том II починається з 1800 року, коли Наполеон зміцнює свою владу та вирішує зробити Париж найкрасивішим містом, яке бачив світ. Розділ 5 розповідає про його коротку епоху, яка луною лунатиме у французькій уяві протягом десятиліть після цього, і яка розпочинає правління Парижа як «Столиці дев'ятнадцятого століття». Битви класицизму та романтизму, а також поява сучасної «інженерної архітектури» зі скла та заліза, описані в розділі 6, де розповідається про славетний Вілл Люм'єр Другої імперії в Парижі з його визначними світовими виставками. Також розглядаються наслідки Комуни, коли найулюбленіші художники французької традиції, включаючи Мане, Ренуара, Моне та Сезанна, винайшли «Новий живопис». Розділ 7 переносить нас у Париж кінця століття, Прекрасну епоху та підготовку до Першої світової війни, коли чудова група художників, включаючи Пікассо, винайшла мистецтво для нового століття. Розділ 8 досліджує період між війнами, епоху вишуканості та консолідації в мистецтві, а розділ 9 переносить історію Парижа до сьогодення, досліджуючи дивовижні способи, якими Париж знову переродився, ставши містом видовищ та хранителем свого визначного минулого, залишаючись водночас життєво важливим центром моди, театру та образотворчого мистецтва.

Розкішна добірка фотографій, більшість з яких відтворені в кольорі, доповнює жваві, інформативні тексти показовою сумішшю улюблених шедеврів та маловідомих відкриттів. Доповнюють ці розкішні томи дев'ять фотопортфоліо, що містять класичні чорно-білі знімки, відтворені в двотонному режимі, таких майстрів, як Брассаї, Анрі Картьє-Брессон, Робер Дуано та Андре Кертес, які відображають дух Парижа у візуальних есе на такі теми, як Сена, Париж вночі, магазини та кафе, а також вулиці та бульвари міста.

Про автора:

Мішель Лаклотт, директор Музею Лувру з 1987 по 1995 рік, також обіймав посаду головного куратора у Відділі живопису музеїв, починаючи з 1966 року. Він спеціалізується на французькому та італійському живописі XIV та XV століть. Лаклотт був редактором шедевра Аббевіля The Art and Spirit of Paris.