Мистецтво

Jack is one of the UK’s most popular, and yet most controversial, contemporary artists. His pictures sell for a record amount of money, the paintings in his exhibitions are always sold out before the opening and ‘The Singing Butler’ made history for being the most expensive painting by a Scottish living artist ever to be sold at auction. (And surely the same painting is one of the world’s most replicated fine art images?)

Here, for the first time, we get up close and personal with Jack in the studio. We see how he works in his studios in Scotland, London and Nice and we see how these locations influence his paintings. The book also includes brand new paintings never before seen. We analyse Jack’s own cultural influences and the influences his work has come to have on popular culture in turn.

With outstanding and revealing photography by Jillian Edelstein and a foreword from friend and fellow son of Fife, author Ian Rankin, this is a book to delight Jack Vettriano’s fans.

About the Author:

Jack Vettriano is entirely self-taught. A Scotsman of Italian descent, he left school at sixteen to become a mining engineer working down the Fife coalfields. For his twenty-first birthday, a girlfriend gave him a set of watercolour paints and from then on, he spent much of his spare time teaching himself to paint. His first solo exhibition in Edinburgh was a sell-out and since then he has had solo exhibitions in London, Hong Kong and New York. Over the last twenty years, interest in Vettriano’s work has grown consistently. Vettriano’s best-known painting, The Singing Butler, was sold at Sotheby’s for close to £750,000. He was awarded an OBE for Services to the Visual Arts. In 2013, a major twenty-year Retrospective exhibition of Vettriano’s work was staged at Kelvingrove art Gallery and Museum in Glasgow. He lives in Edinburgh.

Ця книга досліджує багатогранну кар'єру Джеймса Тіссо та пропонує свіжий погляд на французького художника 19-го століття.

Джеймс Тіссо найбільш відомий своїми картинами модних жінок та світського життя кінця 19 століття. Він народився в Нанті, Франція, навчався в Школі витончених мистецтв у Парижі, де потоваришував з Джеймсом Макнілом Вістлером та Едгаром Дега. Кар'єра Тіссо не піддається категоризації, і він ніколи формально не належав до кола імпресіоністів, незважаючи на запрошення Дега. Будучи проникливим бізнесменом, Тіссо здобув комерційний та критичний успіх по обидва боки Ла-Маншу, кидаючи виклик традиційним умовностям. У той час він отримав визнання від меценатів та колег, і навіть його світські портрети розкривають багатий та складний коментар до вікторіанської культури та культури кінця століття. Ця щедро ілюстрована книга, що містить картини, емалі та роботи на папері, досліджує життя та кар'єру Тіссо від раннього періоду його життя в Нанті до пізніших років, коли він створив сотні духовних та релігійних творів. Том також містить есе, які представляють нові наукові дослідження для переосмислення місця Тіссо в наративах канону 19-го століття.

Маршрут виставки:
Легіон Пошани, Сан-Франциско: 12 жовтня 2019 р. – 9 лютого 2020 р.
Музей д'Орсе, Париж: 23 березня – 19 липня 2020 р.

Про авторів:

Мелісса Е. Бюрон — директор відділу мистецтв у Музеях образотворчих мистецтв Сан-Франциско.
Марін Кісіель — куратор Музею д'Орсе, Париж.
Кристина Матіяшкевич — незалежна історикиня мистецтва та спеціалістка з Джеймса Тіссо.
Поль Перрен — куратор Музею д’Орсе, Париж.
Сирілль Шіама є куратором Музею мистецтв Нанта.

An inner journey into the beauty of simplicity through the masterpieces of one of the largest and best-known collections of Japanese art outside Japan Among the many ways one can approach a distant country there are study, travel, and a special sensitivity that allow a person to distinctly interpret the reasons behind a culture.

In the case of Jeffrey Montgomery and his splendid collection all three of these elements interact in a surprisingly harmonious way. The works he has collected during his lifetime lead to the very heart of Japanese art, accompanying us on a fascinating journey to discover the aesthetic ideals of a civilization that goes back millennia.

Published on the occasion of the exhibition in Lugano, the volume presents one hundred and seventy works from the period between the 12th and 20th centuries – including textiles, furniture, paintings, religious and everyday-objects – carefully selected from the over one thousand objects collected over a lifetime by Jeffrey Montgomery. Renowned worldwide, the Montgomery Collection displays an extraordinary richness and a very singular substance: it is a collection of “oriental art”, and at the same time it expressed a “folk culture” reinterpreted in very elevated aesthetic terms by the elegant and refined choices made by the collector who had dedicated his entire life to it.

Edited by Francesco Paolo Campione, in collaboration with Moira Luraschi, Japan Arts and Life contains the essays by Francesco Paolo Campione (An Impermanent Journey between Art and Life); Matthi Forrer (Collecting Japanese Art Objects); Rossella Menegazzo (The Other Side of Japan. The Jeffrey Montgomery Collection between Art, Crafts, and Folklore); Giorgio Amitrano (Japan, the Beautiful, and Ourselves); Imogen Heitmann (The Museographical Display as a Creative ‘Meta-work’). The volume presents also the catalogue and the entries of the works, edited by Moira Luraschi and divided into thematic sections (Paintings; Woven objects; Hooks and counterweights; Ceramics; Fabrics; Lanterns; Masks; Furniture; Signs; Kettles and pourers; Sculptures; Lacquers).
Paolo Campione teaches Cultural Anthropology at the University of Insubria and he is the Director of the MUSEC Museo delle Culture, Lugano. Moira Luraschi, anthropologist, is curator of the Japanese collections and the photographic collection of the Yokohama School at MUSEC, Lugano.

________

Among the many ways one can approach a distant country, there are studies, travel, and a special sensitivity that allow a person to distinctly interpret the reasons behind a culture. In the case of Jeffrey Montgomery and his splendid collection all three of these elements interact in a surprisingly harmonious way. The works he has collected during his lifetime lead to the very heart of Japanese art, accompanying us on a fascinating journey to discover the aesthetic ideals of a civilization that goes back millennia.

About the Authors:

Francesco Paolo Campione teaches Cultural Anthropology at the University of Insubria and he is the Director of the MUSEC Museo delle Culture, Lugano.
Moira Luraschi, anthropologist, is curator of the Japanese collections and the photographic collection of the Yokohama School at MUSEC, Lugan.

Авторитетне та широкомасштабне візуальне есе про естетику Японії, класичний том, який тепер знову друкований із приголомшливим новим дизайном обкладинки

‘Japan style’ — це естетика, яку впізнають усі: красиво виставлена ​​квітка, елегантний малюнок каліграфії чи простий альпінарій, але це теж важко визначити.

Ця книга, написана одним із найповажніших у світі дослідників японського мистецтва та культури, робить саме це. Проілюстрований понад 150 приголомшливими зображеннями, які розкривають суть японського мистецтва та культури, а також новаторським і проникливим текстом Джан Карло Кальца, Japan Style досліджує конкретні досягнення японського мистецтва та архітектури та пропонує глибокий аналіз усієї японської культури, її бачення світу та людства.

Про автора:

Джан Карло Кальца є науковим дослідником азіатських культур і мистецтв та їх взаємодії із Заходом. Він є провідним авторитетом у японському мистецтві та естетиці, автор багатьох книг і куратор багатьох виставок у цій галузі.

Він був професором історії мистецтва Азії в Університеті Ка Фоскарі у Венеції та директором Міжнародного дослідницького центру Хокусая в Мілані. Серед найважливіших його книг: Танака Ікко, Хокусай, Укійо-е та Поема про подушку та інші історії, усі з яких були опубліковані англійською мовою у видавництві Phaidon.

Зміст і розділи:
Нерегулярна краса
- Японський стиль
- Чай і естетика невизначеного
- Образи порожнечі
- Спокусливість непостійності
- Ексцентричний? Ні, Надзвичайно
- Таємне послання No
- Сльози маски
- Кольори темряви
- інтерлюдія: маленька, але велика
Відчуття природи
- Гармонія речей
- Інтимне сприйняття дійсності
- Дракон у спокої
- Чудовість природи
- Природа і краса в плаваючому світі
- Інтерлюдія: Їсти очима
Магістри мистецтв
- Зеамі: Квітка в демоні
- Хокусай: Старий, божевільний від живопису
- Кавабата: Сила ефірного
- Місіма: Коли ти вб'єш себе, господарю?
- Ікко: спалах світла
Глосарій
Бібліографія
Подяки
Індекс

Founded in 1852, the V&A has acquired Japanese objects from its earliest years and played a significant role in bringing the art of Japan to the attention of designers, manufacturers and the British public.

This tradition continues to the present day and in this new book some of the world’s leading researchers in this field bring their attention to the V&A’s unparalleled collection. Ten chapters focus on subjects such as the effects of Buddhism on the country’s arts and culture; the samurai; the highly aestheticized tea ceremony, which has been a notable feature of Japanese culture from the Medieval period up to the present day; Ukiyo-e and the graphic arts (prints, illustrated books, paintings and screens from the Edo period); exchanges with the West and imperialism, right up to modern and contemporary crafts and design including manga and high-tech design.

About the Author:

Gregory Irvine is Senior Curator in the V&A's Asian Department, where he specializes in Japanese metalwork.

Демони, чаклуни, ніндзя… пояснюючи походження темних героїв Японії з точки зору японського мистецтва.

У багатьох манґа та аніме в стилі «темного фентезі», які сьогодні надзвичайно популярні, персонажі використовують надзвичайні здібності, щоб вирізати свою долю.

У японському мистецтві також часто зображуються персонажі, яких можна розглядати як прототипи цих персонажів манґи та аніме з надзвичайними здібностями, таких як чаклуни чи самураї, які керують магічними звірами. Також тут і там є роботи, такі як велетні, які вбивають демонів і їдять людей, або люди, чиї руки тягнуться, що нагадують всесвітньо відомі твори мистецтва. Ця позачасова колекція зосереджена переважно на істотах з «надзвичайними здібностями», які з'являються в історіях про привидів та легендах періоду Едо, та пояснює сучасні тенденції аніме та манґи.

Розділ I: Походження фігур з надприродними здібностями
・Збір та веселощі надприродних фігур; Архати, безсмертні відлюдники, чаклуни, японські міфологічні божества
Розділ II: Вражаючі фізичні здібності
・Зміна форми та надзвичайна мобільність істот, перехід між людьми та нелюдьми
Розділ III: Загрозливі природні явища
・Катастрофічне знищення вогню, води, вітру, грому, світла
Розділ IV: Концерт звірів
・Жахливі, але надійні супутники; люті, міфічні, божественні та надприродні звірі
Розділ V: Безліч надприродних істот
・Втілення людських бажань польоту, клонування себе, прокляття, чари
Розділ VI: Фантастичні битви
・Переповнення життя та уяви; Вбивство демонів, вбивство драконів, дуелі чаклунів, грандіозні конфлікти

Про автора:

Сьоко Харукі народилася на Хоккайдо, Японія, у 1986 році. Після роботи в Музеї Хоккайдо, Харукі з 2017 року є куратором Музею Едо-Токіо, де спеціалізується на історії японського мистецтва.

A striking and unusual view of the rich variety of Japanese art.

Offering a superb insight into a wide array of Japanese art, the book highlights – close-up and in colour – outstanding examples of design and craft in prints, paintings and screens, metalwork, ceramics, wood, stone and lacquer and will provide endless creative inspiration.

By showing the complete artwork alongside enlarged details – sometimes virtually invisible to the naked eye – intriguing comparisons can be drawn between seemingly unrelated pieces and the full craftsmanship can be seen.

This title is ideal for anyone interested in decorative arts and design, general readers, students and art historians alike.

____________

Beautifully illustrated with an array of Japanese art, this book offers a closer look at the rich variety of styles, decoration, motifs and patterns – and the sheer craftsmanship – of Japanese culture. Opening with an introduction that asks ‘What is Japanese art?’, this book presents a selection of striking and fascinating art from Japan, organised into a series of thematic chapters in which the author provides cultural context while pointing out exceptional features. By showing the complete artwork alongside enlarged details – sometimes virtually invisible to the naked eye – intriguing comparisons can be drawn between seemingly unrelated pieces. The selection of illustrations evokes the hand and eye of the most accomplished Japanese craftsmen and women past and present. Offering a superb insight into a wide array of Japanese art, the book highlights – close up and in colour – outstanding examples of design and craft in prints, paintings and screens, metalwork, ceramics, wood, stone and lacquer and will provide endless creative inspiration.

In 1868, Japan underwent a dramatic transformation following the overthrow of the shogun by supporters of Emperor Meiji, marking the end of feudal military rule and ushering in a new era of government that promoted modernizing the country and interacting with other nations.

Japanese print culture, which had flourished for more than a century with the production of color woodcuts (the so-called ukiyo-e, or “floating world” images), also changed course during the Meiji era (1868–1912), as societal changes and the once-isolationist country’s new global engagement provided a wealth of new subjects for artists to capture. Featuring selections from the renowned Achenbach Foundation for Graphic Arts’ permanent collection, Japanese Prints in Transition: From the Floating World to the Modern World documents the shift from delicately colored ukiyo-e depictions of actors, courtesans, and scenic views to brightly colored images of Western architecture, modern military warfare, technology (railroad trains, steam-powered ships, telegraph lines), and Victorian fashions and customs.

About the Authors:

Rhiannon Paget is the curator of Asian art at the John & Mabel Ringling Museum of Art in Sarasota, Florida. Karin Breuer is curator in charge of the Achenbach Foundation for Graphic Arts.

Демонструє та аналізує основні моменти з колекції японських гравюр Ван Гога, досліджуючи ключову роль, яку вони відіграли в його творчості

Ось прекрасне дослідження одержимості Ван Гога Японією, яке розкриває добірку гравюр, якими він сам володів (усі з Музею Ван Гога), поряд із його власними картинами та ескізами, зокрема шедевр «Цвітіння мигдалю», «Куртизанка», «Цвіт сливи» та Міст під дощем. Ця можливість поділитися баченням Ван Гога дає нам переконливе розуміння одного з найпотужніших творчих впливів, що стоять за його мистецтвом.

Вінсент Ван Гог зачарувався японською графікою в Парижі, де він придбав понад 600 гравюр у дилера. Він повісив їх у своїй майстерні, і вони навчили його по-новому дивитися на світ. Ван Гогу подобалися незвичайні просторові ефекти, простори яскравих кольорів, повсякденні сюжети та увага до деталей природи. Він також прагнув знайти сучасний, більш примітивний вид живопису, який безпосередньо взаємодіє з глядачем. Японські гравюри показали йому шлях, де природа все ще була відправною точкою.

Про авторів:

Аксель Рюгер, директор Музею Ван Гога.
Маріє Веллекоп — керівник відділу колекцій, досліджень і презентацій Музею Ван Гога.

Список вмісту:

1. Передмова Акселя Рюгера, директора Музею Ван Гога • 2. Колекція японської гравюри Ван Гога: від товарів до колекції дослідження та утопічного ідеалу, Луї ван Тілборг • 3. Колекція японської гравюри Музею Ван Гога: аналіз, Кріс Уленбек • 4. Популярні предмети колекціонування за часів Ван Гога: японські гравюри з крепу, Сігеру Оікава • 5. Вибір із 130 японських гравюр із колекції музею Ван Гога

Японські ксилографічні гравюри періоду Едо (1615–1868) були продуктом висококомерціалізованої та конкурентної видавничої галузі. Їхній зміст був натхненний яскравою популярною культурою, яка процвітала в Едо (Токіо). У будь-який час десятки видавців змагалися за послуги провідних художників того часу. Видавці та художники виявили надзвичайну винахідливість у пошуку способів підтримувати попит на друковані вироби та обійти обмеження, накладені на них урядовою цензурою. Японські гравюри на дереві давно цінувалися на Заході за їх графічні якості, але їх зміст не завжди був повністю зрозумілий.

В останні роки публікації вчених з Японії, Європи та Сполучених Штатів уможливили більш тонку оцінку образів, які в них зустрічаються. Ця книга спирається на цю недавню стипендію, щоб пояснити, як ті, хто вперше придбав ці роздруківки, прочитали б їх. Завдяки приголомшливим новим фотографіям як добре відомих, так і рідко публікованих творів у колекції Британського музею, включно з багатьма нещодавно придбаними, автор досліджує, як і чому були зроблені такі відбитки, забезпечуючи захоплююче знайомство з такою улюбленою, але мало зрозумілою формою мистецтва.

Ця книга представляє татуювання в Японії з усім їх вражаючим багатством і витонченістю.

Історія цього унікального народного мистецтва, його значення, соціальне походження та еволюція, а також збірка рідкісних інтерв’ю з майстрами татуювань, зроблених за останні тридцять років.

У світі мистецтва татуювань небагато традицій можуть зрівнятися з витонченим і витонченим мистецтвом японських татуювань. У цій багатоілюстрованій книзі «Татуйоване тіло» французького історика та журналіста, який спеціалізується на Японії та Кореї Філліпа Понса, читачі знайдуть велику кількість докладної інформації про історію цього унікального народного мистецтва, його зв’язок із літературою та мистецтвом, а також чудові кольорові фотографії їхніх робіт. Надзвичайні багатством іконографії, збалансованістю композицій і витонченістю деталей, японські татуювання спокушали з п’ятнадцятого століття західних мандрівників, купців, а пізніше, у 18 і 19 століттях, моряків, солдатів, ексцентриків і художників, таких як Дега, Моне і Тулуз-Лотрек. Проте, незважаючи на своє культурне значення та естетичну красу, незважаючи на визнання в усьому світі, татуювання в самій Японії не поділяє статусу та офіційного визнання та підтримки інших традиційних форм мистецтва, таких як «шлях чаю», квіткова композиція (ікебана) або театр кабукі.

Книга пояснює чому та показує історичний вплив японського татуювання на всесвітнє співтовариство татуювань та його інтеграцію в сучасний глобальний культурний ландшафт. Читачі дізнаються про перехід від «парчових шкір», що вкривають усе тіло, до сучасного японського ренесансу татуювань, коли молоді люди віддають перевагу татуюванням «одна точка», які поєднують стародавні мотиви та аніме, аж до моменту, коли традиціоналісти дивуються, чи не втрачає «татуювання» свою автентичність.

З більш ніж 270 ілюстраціями ця книга є потужною даниною мистецтву, майстерності та незмінному шарму японського татуювання. Ідеально підходить для ентузіастів татуювань, ця вичерпна та візуально приголомшлива книга є обов’язковою для любителів східноазійського мистецтва та тих, хто цінує культурні традиції.

Про автора:

Філіп Понс (10 серпня 1942) — французький історик, фахівець з Японії та Кореї, токійський кореспондент щоденної газети Le Monde, що висвітлює поточні події на Далекому Сході. Разом із Крістіаном Соттером у 1973 році він став співзасновником Центру досліджень Японії (CRJ), дослідницького інституту, присвяченого сучасній Японії, який нині є частиною престижного Французького національного центру наукових досліджень (CNRS), і був його співдиректором. Його перші статті для Le Monde датуються 1974 роком. У 1976 році він став кореспондентом щоденника в Японії, звідки він також висвітлював Філіппіни, Південну Корею та Північну Корею, країни, які він відвідав двадцять разів між 1979 і 2020 роками. Як спеціаліст він є автором багатьох книг і статей про історію, культуру та політику Японії та Північної Кореї, а також з істориком П’єром Франсуа Souyri, тому про історію сексуальності та еротики в Японії (усі публікації французькою мовою). Окрім п’яти років, проведених у Римі, він жив у Токіо з кінця 1970-х років.

Тісний зв'язок японського татуювання з темним світом якудза допоміг надати цій формі художнього вираження ауру таємничості. Але культура ірезумі є глибокою та багатою на значення, форми та мотиви, які пройшли шлях від кольорових гравюр на дереві до нанесення на шкіру, щоб прикрасити та захистити своїх носіїв.

Ця книга розкриває значення та секрети найбільш значущих мотивів традиційного японського татуювання, таких як міфологічні та надприродні істоти, тварини, буддистські божества, квіти та історичні персонажі, і перетворює цей вид мистецтва на шлях до особистих знань та індивідуального вираження. Читачі дізнаються про походження та значення кожного візуального представлення найпоширеніших тем у цьому виді мистецтва. Irezumi itai починається з короткого огляду історії японського мистецтва татуювання, а потім розглядає кожну тему (воду, міфологічних тварин, реальних тварин, міфологічних персонажів, історичних персонажів, квіти, сюнга та йокай) за допомогою зображень та описових текстів; також містить галерею оригінальних дизайнів автора та глосарій.

Elegantly packaged in a bespoke box, these 100 postcards feature some of the most spectacular examples of artworks made in the age-old woodblock tradition. All sourced from the V&A's outstanding collections, the Japanese Woodblock Print Postcard Box is the third release in the best-selling V&A box set series. Each set celebrates the V&A's status as a source of inspiration for designers, reflecting the unique breadth and depth of a collection that represents over 3,000 years of objects from all over the world.

Vinyl Mania. The greatest in jazz LP art

Part design history, part trip down musical memory lane, this anthology of jazz album artwork is above all a treasure trove of creative and cultural inspiration. Spanning half a century, it assembles the most daring and dynamic jazz cover designs that helped make and shape not only a musical genre but also a particular way of experiencing life.

From the 1940s through to the decline of LP production in the early 1990s, each chosen cover design is distinct in the way it complements the energy of the album’s music with its own visual rhythms of frame, line, text, and form. To satisfy even the most demanding of music geeks, each record cover is accompanied by a fact sheet listing performer and album name, art director, photographer, illustrator, year, label, and more.

The author:

Joaquim Paulo is a consultant for major labels and directs a number of radio stations in Portugal. He started collecting vinyl at 15, and flies to London, Paris, New York and São Paulo to enrich his collection of over 25,000 LPs. He lives and works in Lisbon and dedicates his free time to recovering old and rare recordings.

The editor:

Julius Wiedemann studied graphic design and marketing and was an art editor for newspapers and design magazines in Tokyo before joining TASCHEN in 2001. His titles include the Illustration Now! and Record Covers series, as well as the infographics collection and books about advertising and visual culture.

American artist Jean-Michel Basquiat (1960–1988) quickly became one of art history’s most luminescent personalities; his friendships with Andy Warhol, Keith Haring, and Madonna, as well as his tragic death at the age of twenty-seven, are the stuff of legend.

This retrospective publication traces the artist’s unique career and pinpoints his important position in art history. Basquiat’s works are marked by the kind of intensity and energy that also determined the course of his brief life. In just eight years - comparable to the career of Egon Schiele - Basquiat not only managed to create an extensive oeuvre but also to establish new figurative and expressive elements alongside Conceptual and Minimal Art. At the age of twenty-one, he became the youngest artist ever to be invited to the documenta, while his work also anticipated that of Germany’s Junge Wilde movement and the art of the nineties.