Мистецтво

Step inside the Lucasfilm art departments for the creation of fantastical worlds, unforgettable characters and unimaginable creatures. The Art of Star Wars: The Force Awakens will take you there, from the earliest gathering of artists and production designers at Lucasfilm headquarters in San Francisco to the fever pitch of production at Pinewood Studios to the conclusion of post-production at Industrial Light & Magic — all with unprecedented access. Exclusive interviews with the entire creative team impart fascinating insights in bringing director J. J. Abrams’s vision to life; unused “blue sky” concept art offers glimpses into roads not travelled.

Bursting with hundreds of stunning works of art, including production paintings, concept sketches, storyboards, blueprints and matte paintings, this visual feast will delight Star Wars fans and cineastes for decades to come. The Art of Star Wars: The Force Awakens is the definitive expression of how the latest chapter in the Star Wars saga was dreamed into being.

About the Authors

Image archivist Phil Szostak was embedded with The Force Awakens art department as a conceptual researcher and archivist from December 2012 through the end of production, and has worked in conjunction with Star Wars art departments for six years at Lucasfilm. A graduate of the School of Visual Arts in New York, Szostak worked for Wild Brain Animation on the Disney Channel series Higglytown Heroes, and he ran the JAK Films Art Department on Skywalker Ranch for over three years before joining the narrative design team on LucasArts' Star Wars: 1313. He resides in San Francisco. 

Production designer Rick Carter has won two Academy Awards®: One for his design of Steven Spielberg’s Lincoln, and one for his otherworldly production design on James Cameron’s mega-hit Avatar. Carter received his first Oscar nomination for his work on Robert Zemeckis’s Forrest Gump, and an additional nomination for Steve Spielberg’s historic epic War Horse. Carter served as co-production designer for Star Wars: The Force Awakens, and is currently collaborating with Steven Spielberg on The BFG. He lives in Los Angeles.

Завдяки ексклюзивному концептуальному мистецтву, ескізам персонажів і костюмів, а також дизайну транспортних засобів і істот від видавництва Lucasfilm і його партнерів, цей офіційний додаток до Star Wars: The High Republic (Phase 1) пропонує шанувальникам остаточно зазирнути за лаштунки амбітної нової ери оповідання Star Wars.

Передмова Кетлін Кеннеді, президента Lucasfilm і восьмиразового номінанта на премію «Оскар»

The Art of Star Wars: The High Republic переносить шанувальників за лаштунки першої фази масштабної перехресної події Lucasfilm Publishing. Зібрані найкращі концепт-арти персонажів, світів, кораблів і істот Високої Республіки — розроблені спільно візуалістами Lucasfilm і командою легендарних художників коміксів і Зоряних воєн, зокрема Філом Ното, Ієном Маккейгом і Райаном Черчем, серед багатьох інших — і представлені разом із матеріалами для розробки та інтерв’ю з архітекторами Високої Республіки Клаудією Грей, Джастіною Айрленд, Даніелем Хосе Older, Cavan Scott і Charles Soule, це важливий посібник зі створення, дизайну та реалізації цієї фантастичної епохи Star Wars авторки Крістін Бейвер.

У The High Republic Phase 1: Light of the Jedi Орден джедаїв і Галактична Республіка знаходяться на вершині своєї могутності, але після подій «Великого лиха» джедаї на чолі з лицарями-джедаями Аваром Крісом, Лоденом Грейтстормом, Ківом Треннісом і Стелланом Гіосом, до яких приєднується різноманітна група падаванів і майстрів-джедаїв, стикаються з нависаючою загрозою Нігілу — мародерської групи анархістів Зовнішнього Кільця, які виступають проти всього, що представляє Галактична Республіка. У The Art of Star Wars: The High Republic читачі дізнаються про походження улюблених шанувальниками нових персонажів, які брали участь у боротьбі з цією загрозою, а також дізнаються про нові захоплюючі дизайни зоряних винищувачів і створінь, чудово відтворене середовище та детальні види Starlight Beacon — сяючого символу надії в Республіці.

Завдяки понад 300 кольоровим ілюстраціям The Art of Star Wars: The High Republic є єдиною книгою, яка досліджує всі аспекти дизайну та художнього спрямування історії, що охоплює комікси, романи та книжки для молоді, занурюючи фанатів Зоряних воєн будь-якого віку в глибоке занурення в розвиток серії бестселерів New York Times.

Про авторів:

Крістін Бейвер – заступник редактора StarWars.com, ведуча цього тижня! у «Зоряних війнах» і автор книги «Скайвокер: Сім’я у війні». Вона живе в Сан-Франциско, Каліфорнія.Кетлін Кеннеді, президент Lucasfilm. Кетлін Кеннеді, володарка престижної премії Пам’яті Ірвінга Г. Талберга 2018 року, нагороди Гільдії продюсерів Америки Milestone Award і восьмиразового номінанта на премію Оскар®, є одним із найуспішніших і найповажніших продюсерів і керівників у кіноіндустрії сьогодні. Як президент Lucasfilm, вона керує трьома підрозділами компанії: Lucasfilm, Industrial Light & Magic і Skywalker Sound. Кеннеді був продюсером фільмів «Зоряні війни: Пробудження сили», «Ізгой-один: Історія Зоряних воєн», «Зоряні війни: Останні джедаї», «Соло: Історія Зоряних воєн» і «Зоряні війни: Сходження Скайвокера». Зараз Кеннеді є виконавчим продюсером відзначених премією «Еммі» серіалів «Мандалорець», «Книга Боби Фетта» та «Обі-Вана Кенобі», а також є продюсером усіх фільмів Lucasfilm, які працюють у прямому ефірі, зокрема «Індіана Джонс», «Віллоу», «Андор», «Асока» тощо. Кеннеді був продюсером або виконавчим продюсером понад 70 повнометражних фільмів, які загалом отримали 120 номінацій на премію «Оскар» і 25 перемог. Серед її робіт: Парк Юрського періоду, E.T. Позаземний, Шосте почуття, трилогія Назад у майбутнє, Хто підставив кролика Роджера, Гремліни, Гуні, Полтергейст, Лінкольн, Бойовий кінь, Цікава історія Бенджаміна Баттона, Водолазний дзвін і метелик, Список Шиндлера, Фіолетовий колір і Пригоди Тінтіна.

This official behind-the-scenes companion to season two of the hit Disney+ series The Mandalorian features exclusive concept art by the Lucasfilm art department and original interviews with the artists, writers, and filmmakers

The Art of Star Wars: The Mandalorian, Season Two takes fans behind the scenes of the second season of the Emmy Award–winning Disney+ live-action Star Wars television series. Filled with concept art, character, vehicle, weapon, and creature designs, and interviews with key crew and creatives, including executive producer/showrunner/ writer Jon Favreau (Iron Man, The Lion King) and executive producer/ director Dave Filoni (Star Wars: The Clone Wars, Star Wars: Rebels), The Art of Star Wars: The Mandalorian, Season Two will provide readers with an exclusive look at the stunning art and design work that helped bring new and returning characters and locations to life.

Season two of The Mandalorian tracks the continuing adventures of Din Djarin (Pedro Pascal) and the Child as they explore the far reaches of the Star Wars galaxy in an effort to return Grogu to his people and stay one step ahead of Moff Gideon’s (Giancarlo Esposito) Imperial remnant and squad of dark troopers. Alongside comrades from the first season, the duo encounters a cadre of new allies and forms tenuous alliances with former Jedi Padawan Ahsoka Tano (Rosario Dawson), frontier marshal Cobb Vanth (Timothy Olyphant), fellow Mandalorians Bo-Katan (Katee Sackhoff) and Koska Reeves (Mercedes Varnado aka Sasha Banks), and fan-favorite bounty hunter Boba Fett (Temuera Morrison). In The Art of Star Wars: The Mandalorian (Season Two), readers will encounter early visual and conceptual ideas for these new characters and their arsenal of weapons, ships, and armor, as well as the icy, lush, war-torn, and razed planets that serve as crucial stepping stones in Djarin and Grogu’s quest.

Returning for The Mandalorian season two, executive creative director Doug Chiang (Star Wars: The Force Awakens, Rogue One: A Star Wars Story) and the incomparable group of artists, designers, and dreamers known as the Lucasfilm art department “visualists” undertook the challenge of continuing to push the boundaries of Star Wars storytelling while also translating Ahsoka Tano from animation to live action and updating the look of the legendary Boba Fett. The Art of Star Wars: The Mandalorian, Season Two is the only book to explore the artistic vision for this groundbreaking sophomore season, taking readers on a deep dive into the development of the next chapter of Din Djarin and Grogu’s story. Exclusive interviews with the filmmakers and the Lucasfilm visualists provide a running commentary on The Mandalorian’s innovative art and design, revealing the inspiration behind the look and feel of the series.

**SEASON TWO burst is a removable sticker**

About the Authors:

Lucasfilm creative art manager Phil Szostak has worked in conjunction with Star Wars art departments since 2008. A graduate of the School of Visual Arts in New York, Szostak ran the JAK Films Art Department at Skywalker Ranch for more than three years before joining the narrative design team on LucasArts’ Star Wars: 1313. He is also the author of The Art of Star Wars: The Force Awakens (Abrams, 2015), The Art of Star Wars: The Last Jedi (Abrams, 2017), The Art of Star Wars: The Rise of Skywalker (Abrams, 2020), and The Art of Star Wars: The Mandalorian, Season One (Abrams, 2021). He lives in San Francisco. 

Doug Chiang is an Academy Award®–winning artist, author, and production designer. As creative director for Industrial Light & Magic, he served as visual effects art director of films such as Terminator 2: Judgment Day, The Mask, and Forrest Gump. In 1995, George Lucas personally selected Chiang to serve as head of the Lucasfilm art department for seven years on Star Wars: Episodes I and II. He left Lucasfilm in 2002 to form his own design studio, IceBlink Studios. Chiang returned to Lucasfilm in 2013 to work on Star Wars: The Force Awakens and currently serves as Lucasfilm VP and executive creative director. He served as production designer and design supervisor on The Mandalorian seasons one and two.

The Art of The Batman — це офіційна ілюстрована книга про закулісно довгоочікуваний фільм Метта Рівза «Бетмен» («Кловерфілд», «Світанок планети мавп», «Війна за планету мавп»), який вийде в кінотеатри 4 березня 2022 року. У фільмі «Бетмен» грає Роберт Паттінсон у ролі Брюса Уейна/Бетмена, Зої Кравіц у ролі Селіни. Кайл / Жінка-кішка, Пол Дано в ролі Едварда Нештона / Загадочника, Колін Фаррелл в ролі Освальда Кобблпота / Пінгвіна, Джеффрі Райт в ролі лейтенанта Джеймса Гордона, Енді Серкіс в ролі Альфреда Пенніворта та Джон Туртурро в ролі Кармін Фальконе.

Два роки переслідування вулицями Бетмена, вселяючи страх у серця злочинців, привели Брюса Вейна глибоко в тіні Ґотем-Сіті. Оскільки докази навколо серії злочинів починають вести все ближче до дому та масштаби планів злочинця стають ясними, Бетмен повинен налагодити нові стосунки, викрити винного та відновити справедливість у зловживанні владою та корупції, які давно мучать Ґотем-Сіті.

Читачі зможуть поглянути зсередини на процес розробки та виробництва «Бетмена», включаючи проникливі інтерв’ю з командою створення фільму та акторським складом; ніколи раніше не бачені концептуальні картини та знімки зі сцени, що досліджують цю нову версію Ґотем-Сіті; порівняння кадрів між фільмом і розкадровками; і детальніше ознайомтеся з дизайном костюмів, транспортних засобів, гаджетів, загадок тощо.

Про автора:

Джеймс Філд працював у кіноіндустрії з 2006 року. Міжнародний переможець письменницької програми Nickelodeon 2016/17, Філд відтоді розподіляв свій час між маркетингом і написанням для кіно, телебачення та аудіо. Він працював відповідальним за зв’язок із виробництвом для The Batman і The Flash. Він живе у Великобританії зі своєю партнеркою та дітьми.

Глибокий огляд українського мистецтва від зорі модернізму наприкінці ХІХ століття до початку російського вторгнення навесні 2022 року.

Цей новий том серії World of Art series містить огляд українського мистецтва, митців і мистецьких рухів від світанку модернізму та 1900-х до радянського періоду, до пострадянських часів і початку війни з Росією в лютому 2022 року. Українське мистецтво та митці обговорюються в історичному та політичному контекстах, а також про те, як вони зробили внесок у українську культуру та ідентичність і взаємодіяли з ними. Наповнений багатими ілюстраціями, кожен розділ досліджує різні періоди мистецтва чи течії.

Ми живемо в історичний момент, коли Україна та її культурна ідентичність перебувають у серйозній небезпеці, і авторка Аліса Ложкіна пропонує потужну можливість приєднати допитливих і чуйних читачів до української мистецької традиції.

Про автора:

Аліса Ложкіна – провідний мистецтвознавець, критик і куратор. Була головним редактором найбільшого українського арт-журналу Art Ukraine, а також заступником директора та головним куратором Мистецького Арсеналу, Київ, найбільшого музейно-виставкового комплексу України. Ложкіна курувала численні мистецькі проекти в українських і міжнародних музеях і мистецьких центрах, видала кілька книг. Вона брала участь у численних публікаціях, зокрема Texte zur Kunst, The Art Newspaper, ARTnews, Etudes sur L'histoire de l'art та Los Angeles Review of Books. Вона також художниця.

The Art of Urban Sketching is both a comprehensive guide and a showcase of location drawings by artists around the world who draw the cities where they live and travel. Authored by the founder of the nonprofit organization Urban Sketchers (www.urbansketchers.org), this beautiful, 320-page volume explains urban sketching within the context of a long historical tradition and how it is being practiced today.

With profiles of leading practitioners and discussions of the benefits of working in this art form, this inspiring book shows how one can participate and experience this creative outlet through modern-day social networks and online activity. You'll find more than 600 beautiful, contemporary illustrations, as well as artists' profiles and extended captions where these urban sketchers share their stories, how they work, sketching tips, and the tools behind each drawing.

With sketches and observations from more than 50 cities in more than 30 countries, The Art of Urban Sketching offers a visually arresting, storytelling take on urban life from different cultures and artistic styles, as well as insight into various drawing techniques and mediums.

About the Author:

Gabriel Campanario is a staff artist at The Seattle Times and the founder of Urban Sketchers (www.urbansketchers.org), a nonprofit organization dedicated to fostering the art of on-location drawing. Campanario's newspaper column, Seattle Sketcher, was awarded first place for blog writing in "The Best of the West" journalism contest. The blog and weekly print column, which combine location sketches and written stories, have quickly become popular in the Seattle area, where Campanario has been featured in TV and radio appearances. A native Spaniard, Campanario moved to the U.S. in 1998 and has lived near Seattle with his wife and two children since 2006. His journalism career spans two decades, working for newspapers in Barcelona, Lisbon, California, and Virginia. Campanario has a master's degree in journalism from the University of Navarra in Pamplona, Spain.

__________

Пролистать книгу The Art of Urban Sketching: Drawing On Location Around the World на Google Books.

Never-before-published drawings by Andy Warhol, telling the story of a cheeky snake and the glittering constellation of celebrities that surround him

Noa the Boa is a slave to fashion with the heart of an actor and an obsession with celebrity. He becomes luxurious leather accessories for illustrious clients – from Grace Kelly’s pillow to the codpieces at the Folies Bergère – in a high-fashion gift book for adults that is whimsical, and a little bit naughty.

This charming story and never-before-published, rarely exhibited drawings by one of the world’s most beloved artists, are a veritable who’s-who of celebrities of the 1960s, from Chanel, Grace Kelly and Jackie Kennedy, to Diana Vreeland and a couple of Rockefellers.

У бурхливому глобальному контексті після падіння Російської імперії та Жовтневої революції Грузія проголосила свою незалежність у 1918 році. Між тим часом і початком радянської влади в 1921 році авангардний творчий світ процвітав. Митці зустрічалися, переважно в численних тавернах і кафе Кутаїсі та столиці Тбілісі, щоб організовувати міждисциплінарні заходи. Їхня часті співпраці та взаємодії, які носили відбиток грузинських традицій та західних і східних впливів, набували різних форм: картини, малюнки, фільми, фотографії, перформанси та типографічні експерименти. Різноманітні рухи, такі як символізм/неосимволізм, футуризм, дадаїзм, заум, експресіонізм, кубізм та кубофутуризм, існували пліч-о-пліч у безпрецедентній творчій турбулентності.

Ця книга розповідає невідому історію яскравого авангарду на Кавказі, що народився в тавернах Тбілісі – художніх лабораторіях, де все було можливо, але де причаїлася радянська цензура.

Багато ілюстровано роботами Елени Ахвледіані, Гіго Габашвілі, Іраклія Гамреклі, Ладо Гудіашвілі, Давида Какабадзе, Петре Оцхелі, Ніко Піросманашвілі, Іллі та Кирила Зданевичів та багатьох інших.

__Коротка, але квітуча епоха авангарду в Грузії повернута до життя
__Видання збігається з однойменною виставкою «Авангард у Грузії (1900–1936)», яка проходитиме в BOZAR, Брюссель, з 5 жовтня 2023 року по 14 січня 2024 року та є частиною фестивалю мистецтв Europalia.

A fascinating, narrative biography of the art movement that transformed the modern world, tracing the lives and activities of the key protagonists as they set about a revolution in art.

October 1917. The Russian Revolution wipes the old tsarist empire off the map. Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Lyubov Popova, Alexander Rodchenko, Olga Rozanova, Vladimir Tatlin and other avant-garde artists participate in the revolutionary struggle, transforming inner cities with their progressive murals, posters, installations and performances. The new political leaders soon want nothing to do with these radical artists. While their reputation is growing in Europe, they experience increasing pressure in the Soviet Union.

Against a background of violent social and political change, author Sjeng Scheijen describes with compassion and humour events that shaped the artistic revolution in this, the first illustrated biography to relate the rise and fall of the leading figures of the Russian avant-garde. From philosophical and political subversion, involvement with the Bolshevik administration and links with Europe, to violent repression, incarcerations and torture in the 1930s under Stalin, events are narrated through artists’ personal memories drawn from existing and important new archival findings. Excerpts from diaries and correspondence reveal the extent of the avant-garde’s energy and determination to survive a totalitarian regime, civil war, hunger and terror.

Scheijen’s vivid, dynamic style, authoritative command of his source material and extensive original research provides exceptional insight into the lives of these avant-gardists, whose art left a lasting legacy that transformed modern art.

Contents List:
Introduction: why we paint our faces!
1. Kazimir Malevich in the Kremlin/ 1917
2. Tatlin, the Pittoresque collective/ 1917-1918
3. A white revolution/ 1917-1918
4. Monumental propaganda! Or, the avant-gardist as bureaucrat/ 1917-1918
5. Tatlin’s tower/ 1919-1921
6. Many avant-gardists in the provinces/ 1919-1922
7. The last laboratory/ 1922-1925
8. Family ties/ 1925-1927
9. Tatlin’s bird/ 1927-1932
10. Farewell/ 1932 and beyond

About the Author:

Sjeng Scheijen is an author and an internationally acclaimed expert on Russian art. He has curated several important exhibitions in London, Groeningen and elsewhere, and is the former cultural attaché to the Royal Netherlands Embassy in Moscow. His previous book, Diaghilev: A Life (2009) received much critical acclaim, being described as ‘masterful’ by the Guardian and ‘magnificent’ by the Daily Mail.

Книга починається у січні 1969 року, на початку останнього року існування гурту The Beatles.

The Beatles (The White Album) займають перше місце в чартах, і четвірка збирається в Лондоні для нового проєкту. Протягом 21 дня, спочатку на кіностудії Twickenham, а потім у власній новій студії Apple Studios, з камерами та магнітофонами, що документують щоденну роботу та розмови, гурт репетирує величезну кількість пісень, кульмінацією яких є їхній фінальний концерт, який, як відомо, відбувається на даху їхньої власної офісної будівлі, зупиняючи центр Лондона.

The Beatles: Get Back розповідає історію цих сесій через стенограми відвертих розмов гурту. Спираючись на понад 120 годин звукозаписів, провідний музичний письменник Джон Гарріс редагує захопливий текст, щоб дати нам відчуття перебування в студії, яке просто неймовірне. Ці сесії яскраво оживають завдяки сотням неопублікованих, надзвичайних знімків двох фотографів, які мали спеціальний доступ до їхніх сесій — Ітана А. Рассела та Лінди Істмен (яка вийшла заміж за Пола Маккартні через два місяці). Також включено багато небачених кадрів плівки високої роздільної здатності, відібраних з 55 годин відновленого відеоматеріалу, на основі якого також створено документальний фільм Пітера Джексона.

Легенда свідчить, що ці сесії були похмурим часом для гурту, який розпадався. Однак, як пише відомий романіст Ханіф Курейші у своєму вступі: «Насправді це був продуктивний час для них, коли вони створили одні зі своїх найкращих робіт. І саме тут ми маємо честь бути свідками їхніх ранніх чернеток, помилок, відхилень від теми та відхилень, нудьги, хвилювання, радісного джемування та раптових проривів, які призвели до роботи, яку ми зараз знаємо та якою захоплюємося». Через півстоліття після їхнього останнього виступу ця книга завершує історію творчого генія, позачасової музики та натхненної спадщини The Beatles.

«Було б справедливо сказати, що сьогодні Let It Be символізує розпад The ​​Beatles. Це міфологія, правда дещо інша. Справжня історія Let It Be була замкнена в сховищах Apple Corps протягом останніх 50 років». — Пітер Джексон

Attention all creative fashionistas! The ultimate guide to drawing today's most stylish fashion designs has arrived! In this sequel to Christopher Hart's bestselling how-to-draw book Fashion Design Studio, aspiring fashion designers can access easy templates for drawing the designs of their dreams. This book not only covers the basics of drawing dresses, tops, pants, and accessories, it digs into all the dreamy details that make fashion so much fun. Fashion-forward details such as hi-low hemlines, cut-out shoulders, patchwork denim, high-cut waistlines, floral- print ankle boots, and carefully clashed patterns. Classic cuts that are perennial favorites are the starting point for drawing mix-and-match outfit details that will spark any aspiring designer's creativity. Offering accessibility, versatility, and on-point style, this is the guide every aspiring fashion designer needs for learning to draw their most fabulous creations.

About the Author:

Christopher Hart is the world's bestselling author of manga, basic drawing and cartooning books. His titles have set the standard for art instruction with more than 3 million copies in print in eighteen languages. Renowned for up-to-the-minute content and easy-to-follow steps, all of Hart's books have become staples for a new generation of aspiring artists and professionals.

__________

Пролистать книгу The Beginner's Fashion Design Studio: Easy Templates for Drawing Fashion Favorites

Riders on the Storm. The charge of 20th-century expressionism

Join the heady ride of Der Blaue Reiter, the group of artists who galloped just three years of the early 20th century together, but in their rejection of establishment standards and charge into a new artistic realm marked a major step in the evolution of European Expressionist and abstract art.

Although it only lasted three turbulent years, the afterburn of the Blaue Reiter (1911–1914) movement exerted a tremendous influence on the development of modern European art. Named after a Kandinsky painting, The Blue Rider, this loose band of artists, grouped around Russian émigré Wassily Kandinsky and German painter Franz Marc, sought to reject establishment standards and charge into a new artistic unknown.

Articulating spiritual values and concerns in an era of rapid industrialization, the artists of the Blaue Reiter were connected by a shared interest in painting, woodcuts, and prints, as well as the symbolic values of color and spontaneous approaches to artwork. Key pieces such as Franz Marc’s Blue Horse I (1911), Kandinsky’s Picture with a Black Arch (1912), and August Macke’s Woman in a Green Jacket (1913) reveal varying subjects, but all channel distorted perspectives, crude lines, and an emphatic, expressionist use of color.

The Blaue Reiter was abruptly truncated by the onset of the First World War, which killed two of its leading artists, along with growing dissent between the group’s protagonists. This book reveals the movement’s remarkable influence despite its brevity, presenting key works, artists, and their reverberating effects.

The author:

Hajo Düchting studied art history, philosophy, and archaeology in Munich, where he gained his doctorate in 1981 with a thesis on Robert Delaunay’s Windows series. After working in museum and adult education, he moved on to teaching posts and guest professorships at the universities of Munich, Kassel, Leipzig, Saarbrücken, and Mainz. Düchting has published numerous articles on the art of the modern era, color theory, and the teaching of art, and has authored a number of TASCHEN titles, including Paul Cézanne, Wassily Kandinsky, Robert and Sonia Delaunay, and Georges Seurat.

About the series:

Born back in 1985, the Basic Art Series has evolved into the best-selling art book collection ever published. 

Each book in TASCHEN’s Basic Art series features:
- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

From fine art to street style, the aesthetics and motifs of the gothic are entwined with the heart of today’s alternative visual culture.

Vampires and demons have become screen icons of the modern underworld. Skulls, crosses and religious iconography represent symbols of rebellion for a new gothic generation, a shorthand for an allegiance with a modern day underworld where monsters and misfits rule the world. Structured over three defining chapters (Gods & Monsters, The Kingdom of Darkness and Dark Arts/Higher Power), The Book of Black provides an exploratory visual narrative through which to reveal and celebrate the artists, aesthetics and styles of today’s gothic visual arts, presenting seminal gothic artworks alongside emerging artists of today.

About the Author:

Faye Dowling is a freelance editor, curator and art buyer specialising in photography, illustration, design and contemporary visual culture. She has worked for brands such as Stella McCartney, Louis Vuitton and Adidas, and magazines including Dazed & Confused, Frieze, Eye and Varoom. For Laurence King she is the author of The Book of Skulls (2011).

The skull is one of the most recognizable symbols of today’s contemporary visual culture. Adorning T-Shirts, badges and rock memorabilia as the ultimate symbol of anarchy and rebellion, the image of the skull has found its way into the vocabulary of urban life.

In response to this cultural phenomenon, The Book of Skulls presents a cool visual guide to the skull, charting its rebirth through music and street fashion to become today’s ultimate anti-establishment icon. From the Grateful Dead to skater punk graffiti, from haute-couture to Damien Hirst, this book is the ultimate collection of iconic and unusual skull motifs.

Packaged in an amazing 'skeleton' binding and drawing together artwork from music, fashion, street art and graphic design, The Book of Skulls is a celebration of one of today’s most iconic cultural symbols.

About the Author:

Faye Dowling is a freelance editor, curator and art buyer specializing in photography, illustration, design, and contemporary visual culture. She has worked for magazines including Dazed & Confused, Varoom, Frieze, Eye, Edit and Pictured.

Год за годом история людей и событий, которые сформировали эволюцию джаза от его корней в Африке и на юге США до множества городских стилей, которые слышны по всему миру сегодня

Обновленное и исправленное издание

The Chronicle of Jazz рассказывает всю историю джазовой музыки и ее личностей, историю, богатую инновациями, экспериментами и спорами. Начиная с зари двадцатого века, книга описывает эволюцию джаза от его корней в Африке и на юге США до множества стилей, которые слышны по всему миру сегодня, и подробно рассматривает, как джаз повлиял и подвергся влиянию других музыкальных и художественных форм.

В книге представлены сотни иллюстраций и редких изображений, от обложек пластинок до фотографий живых выступлений, и она сопровождается доступным и обширным текстом, который превращает музыку в слова, а истории в живые образы. Каждый хронологически организованный раздел содержит специальные статьи по темам от помешательства на босса-нове до джаза в Париже, зарисовок личностей и основополагающих концертов и альбомов.

Это яркий праздник творческой и вечной музыки, который является богатым источником информации как для поклонников джаза, так и для всех любителей музыки.

Список содержания:

1895–1916: Истоки • 1917–1929: От Нового Орлеана до Восточного побережья • 1930–1945: Свинг • 1946–1958: Стиль и идея • 1959–1969: Рождение современного джаза • 1970–1999: Инновации и реакция • 2000–: Блюз тысячелетия • Ссылка

Об авторе:

Мервин Кук — профессор музыки в Ноттингемском университете. Среди его других книг — The Cambridge Companion to Jazz, The Hollywood Film Music Reader, The Cambridge Companion to Twentieth-Century Opera, Letters from a Life: The Selected Letters of Benjamin Britten, A History of Film Music та The Cambridge Companion to Benjamin Britten.