Мистецтво

Цей надзвичайний тривимірний пакет Live the Art є гідною даниною легендарному статусу та впливу Джеффрі Дейча як арт-дилера та продюсера пам'ятних інсталяцій та мистецьких подій, які рішуче вийшли за рамки простої «виставки».

Live the Art, що створювалася понад чотири роки та розділена на розділи, присвячені кожному року між 1996 і 2010 роками, детально досліджує дивовижні шоу та перформанси, які візіонер Дейч влаштував в одноповерховому колишньому гаражі на Гранд-стріт у Сохо, який згодом став основним домом для Deitch Projects протягом п'ятнадцяти років.

Дейч пояснює концепцію заснування, стверджуючи: «Deitch Projects не задумувався як художня галерея. Концепція була простою. Ми не мали б працювати як галерея, а стали б комерційною версією «кімнати проектів», яку Музей сучасного мистецтва та низка інших американських музеїв створили у 70-х і 80-х роках».

Спочатку Дейч мав намір запросити художників, які ще не мали персональної виставки, створити «проект», а не звичайну виставку робіт, і він мав забезпечити художнику кошти для втілення своїх ідей у ​​цьому просторі.
Першою художницею була Ванесса Бікрофт, яка створила виставку «VB16 Piano Americano-Beige, 1996», що складалася з одразу ж відомої кімнати моделей, одягнених у колготки, бюстгальтери, туфлі на високих підборах та відповідні платинові перуки, що мляво тинялися простором. Зображення в книзі цього перформансу супроводжуються нотатками та спогадами Бікрофт про проєкт, і ця формула повторюється протягом усієї книги з власними коментарями художника поряд із зображеннями понад 150 проєктів, встановлених у цьому просторі та в інших місцях, включаючи парк Юніон-сквер, цвинтар Вудлон, Маямі-Біч, Рокфеллер-центр, Бруклін та супутниковий простір Дейча в Лонг-Айленд-Сіті.

Серед митців, чиї безкомпромісні проекти прикрашали Deitch Projects протягом п'ятнадцяти років його існування, є Барбара Крюгер, Сесілі Браун, Малік Сідібе, Тім Нобл та Сью Вебстер, ASFOUR, Ліза Лу, спільний проект Мадонни та фотографа Стівена Кляйна, Кехінде Вайлі, що передбачає астро-яскравий фокус, Йоко Оно, Джефф Кунс, кінорежисер Мішель Гондрі, Ден Колен, Віто Аккончі, Стефан Загмайстер, Стівен Спроус, Жюль де Балінкур, Шепард Фейрі та Міранда Джулі, серед багатьох інших.

Запуск заходу Deitch Projects був місцем, де міг бути знайомий з мистецтвом нью-йоркець, а вуличний театр учасників став частиною самих подій. Як зазначає Deitch у книзі «Живи мистецтвом»: «Однією з моїх цілей при створенні Deitch Projects було створити не просто галерею, а спільноту. Дуже приємно бачити, що ми створили не просто спільноту, а мистецьку родину». Немає сумнівів, що цієї мети було досягнуто, і «Живи мистецтвом» – це детальний огляд кожної події, створеної Дейчем та поділеної цією «родиною» художників та любителів мистецтва протягом неймовірних п’ятнадцяти років.

Про авторів:

Deitch Projects створили нову модель, яка переосмислює, яким може бути художня галерея. Окрім представлення понад 250 художніх проектів протягом п’ятнадцяти років свого існування, вона створила чудову спільноту художників, музикантів та інших творчих талантів. Після закриття галереї Джеффрі Дейч став директором Музею сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі. Зараз Дейч працює над тим, щоб перенести свою впливову виставку «Мистецтво на вулицях» до Нью-Йорка.

Стефан Загмайстер – графічний дизайнер та типограф з Нью-Йорка. Він є співзасновником Sagmeister & Walsh, дизайнерської фірми, яка створює айдентики, рекламні ролики, веб-сайти, додатки, фільми, книги та об’єкти.

_____________

Погортати книгу Live the Art

The most comprehensive book on the work of Liza Lou, whose popular and critically acclaimed installations made entirely of beads consider the important themes of women, community, and the valorization of labor.

Liza Lou first gained attention in 1996 when her room-sized sculpture Kitchen was shown at the New Museum in New York. Representing five years of individual labor, this groundbreaking work subverted standards of art by introducing glass beads as a fine art material. The project blurred the rigid boundary between fine art and craft, and established Lou's long-standing exploration of materiality, process, and beauty. Working within a craft métier has led the artist to work in a variety of socially engaged settings, from community groups in Los Angeles, to a collective she founded in Durban, South Africa. Over the past fifteen years, Lou has focused on a poetic approach to abstraction as a way to highlight the process underlying her work.

In this comprehensive volume that considers the entirety of Lou’s singular vision, curators, art historians, and artists offer important perspectives on the breadth of the work.

About the Author:

Glenn Adamson is a curator and writer who works at the intersection of craft, design history, and contemporary art. Julia Bryan-Wilson is professor of modern and contemporary art at the University of California, Berkeley. Dr. Cathleen Chaffee is chief curator of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo. Elisabeth Sherman is assistant curator at the Whitney Museum of American Art, New York. Carrie Mae Weems is an artist. 

___________

Пролистать книгу Liza Lou

Co-authored by Hip-Hop legend LL COOL J, acclaimed journalist Vikki Tobak and Rock The Bells’ editorial director Alec Banks, this momentous volume celebrates the fiftieth anniversary of the influential culture, sound, and preeminent voices of American Hip-Hop music.

LL COOL J Presents The Streets Win commemorates the birth, rise, and progression of Hip-Hop’s culture and its indisputable impact on American music over the past fifty years. Vikki Tobak, Alec Banks and LL COOL J reveal the journey of this music genre through rarely seen photographs of Hip-Hop from its inception, from block party performances to street shots, parties, sessions at recording studios, and more. The imagery is accompanied by first-person recollections from Hip-Hop’s MCs, B-Boys, graffiti artists, and DJs who share how they fell in love with Hip-Hop, broke into the business, their artistic and personal style inspiration, and their views on Hip-Hop’s culture and music. Stories are told by icons DJ Kool Herc, Salt-N-Pepa, MC Lyte, KRS-One, Eminem, Mary J. Blige, Grandmaster Flash, Run-D.M.C., Beastie Boys, De La Soul, Slick Rick, Public Enemy, Snoop Dogg, Dr. Dre, Nas, A Tribe Called Quest, Big Daddy Kane, Fat Joe, DJ Khaled and more.

Each page features a treasure trove of images by celebrated Hip-Hop photographers including Joe Conzo Jr., Ernie “Brother Ernie” Paniccioli, Jonathan Mannion, Janette Beckman, Estevan Oriol, Jamel Shabazz, Mike Miller, Clay Patrick McBride, and others who documented the growth; ephemera such as album covers, notebook drawings, and lyrics; party announcements; street scenes; clothing; and graffiti art. This definitive volume of the most important origin stories from the last fifty years of Hip-Hop is the perfect gift for music and photography fans.

About the Authors:

LL COOL J is a Rock & Roll Hall of Fame inductee, Grammy Award-winning Hip-Hop icon, Kennedy Center Honoree, actor, New York Times best-selling author, philanthropist, founder and CEO of Rock The Bells. Vikki Tobak is an author, journalist, and curator of music photography and contemporary culture. Alec Banks is a journalist and the editorial director of Rock the Bells.

________________

Пролистать книгу LL COOL J Presents The Streets Win: 50 Years of Hip-Hop Greatness​ на сайте издательства.

Музей Вікторії та Альберта може з гордістю зберігати оригінальне зображення логотипу журналу Rolling Stone у вигляді «язика та губ», але це аномалія. Культурне значення логотипу гурту було недооцінене. І все ж тисячі людей щодня носять їх на футболках, здебільшого як знаки вірності, але також просто тому, що вони виглядають круто. Деякі навіть стали тропами – згадайте The Ramones, Run DMC, AC/DC. (Запитання: Скільки людей, які носять футболки Ramones, бачили їх наживо або знають їхню музику?)

Логотипи гуртів вперше з'явилися в 1960-х роках. Вони стали поширеними в 1970-х і 1980-х роках, коли звукозаписні компанії та дизайнери скористалися силою музичного брендингу. Гурти та логотипи можуть здаватися несподіваними супутниками... проте часто саме найексцентричніші, анархічні типи зрештою створюють найпереконливіші або найвинахідливіші візуальні знаки, щоб виразити своє ставлення та стиль музики.

Також цікаво, як багато відомих графічних дизайнерів вперше зацікавилися логотипами та літерами, малюючи назви своїх улюблених гуртів на шкільних зошитах. Деякі з цих зусиль були шанобливими копіями, інші – покращеннями або прикрашеними версіями оригіналу. Версія для дизайнерів-початківців, які намагалися наслідувати риф Хендрікса.

Logo Rhythm містить історії та думки відомих дизайнерів, таких як арт-директор Beatles Кош, дизайнер Боуї Джонатан Барнбук, Малкольм Гарретт, Роб О'Коннор зі Stylorouge, Кріс Бігг з 4AD та гуру редакційної справи Марк Портер. Є внески від Гораса Пантера з The Specials, Енді Партріджа з XTC, Аллана Горрі з Average White Band, Джима Маккарті з The Yardbirds та Алекса Капраноса з Franz Ferdinand.

Книга вихваляє невідомих героїв та неймовірні історії, що стоять за культовими логотипами гуртів усіх жанрів. Вона розкриває оригінальні твори мистецтва та пропонує обґрунтовані коментарі та критику. Він оспівує добро, ексцентричне та сумнозвісне, шукаючи цікаві та яскраві деталі у захопливому світі логотипів гуртів.

Про автора:

Джим К. Дейвіс — один із найвидатніших копірайтерів Великої Британії. Він працює з дизайнерськими агентствами та брендами, допомагаючи їм розповідати свої історії. Колишній журналіст Guardian, він писав для дизайнерських видань по всьому світу — від Domus в Італії до Idea в Японії та Print у США. Автор «Книги реклами Гіннеса» та кількох визнаних книг про філателістичний дизайн, Джим — великий шанувальник фанку та соулу. Два найщасливіші (і найп'яніші) тижні свого життя він провів як стажер у музичній газеті Melody Maker. Джеймі Еллул — засновник і креативний директор Supple Studio, невеликого дизайнерського та брендингового агентства з Бата, яке мислить масштабно. Він є багаторазово нагородженим членом D&AD та досвідченим книжковим дизайнером, який створював книги для Thames & Hudson, BBC Books та Royal Mail. Джеймі раніше працював у кількох найвідоміших лондонських креативних студіях, зокрема у hat-trick, The Partners та Magpie – останню він заснував разом із друзями з художнього коледжу. Будучи досвідченим басистом та учасником перспективних гуртів The Super Colours та The Mystery Callers, він із задоволенням проміняв би весь свій успіх у світі дизайну на контракт зі звукозаписом.

________________________

Погортати книгу  Logo Rhythm: Band Logos that Rocked the World  на сайтi видавництва.

Looking at pictures can be a delightful, exciting or moving experience, but some pictures – and these are often the most rewarding – require some explanation before they can be fully understood.

Delving into the origins, designs and themes of over 100 pictures from different periods and places, this book illuminates the art of looking at – and talking about – pictures. Woodford shows how you can read a picture by examining the formal and stylistic devices used by an artist, and explores popular themes and subject matters, and the relationship of pictures to the societies that produced them.

The book is supplemented by a glossary of key terms, ranging from art movements and technical terms to religious and classical terminology, to give readers all the information they need at their fingertips.

Contents List:

Introduction • 1. Ways of Looking at Pictures • 2. Land and Sea • 3. Portraits • 4. Everyday Things • 5. History and Mythology • 6. The Christian World • 7. Creating Patterns on Flat Surfaces • 8. Tradition • 9. Design and Organization • 10. The Depiction of Space • 11. Formal Analysis • 12. Hidden Meanings • 13. Quality

Чудове нове видання з обкладинкою, надрукованою на сріблі.

Тіффані був висококваліфікованим у дизайні ювелірних виробів, кераміці, емалях та металообробці, але найбільш відомий своїми прекрасними вітражами.

Використовуючи опалесцентне скло різноманітних кольорів та текстур, він створив приголомшливу низку робіт у стилі модерн, схожих на коштовності, багато з яких представлені тут, у цьому розкішному томі.

Louise Bourgeois, who has produced art since the 1930s, began in the 1990s to use her clothes and the clothes of her loved ones as components in her sculptures and drawings. It is as much a reincarnation of her past and her childhood as a confirmation of her relationship with memory. Her visual approach to fabrics transforms decorative accessories into emotional and personal references which, especially in her Cells and later in her drawings, create representations of a tormented and at the same time powerful womanhood. Further development of the artist’s work began in 2002: exploiting the iridescent colours and formal structural properties of pieces of her clothing, she created “The Fabric Drawings,” astonishing works alternating between floral figurative pieces and chromatic abstractions.

This set of images is collected here in its entirety for the first time, constituting the closest thing yet to a general catalogue.

• This collection of pictorial and sculptural images is brought together in this anthology in a unique and exhaustive way.
• The publication is a means of approaching her distinctive iconographic and visual explosions and adding to our knowledge of the artist herself.
• Bourgeois’s emotional and figurative strength, translated into compositions of colour and form, is further testimony to her important contribution to the history of modern and contemporary art.

Прекрасні уми шести надзвичайно успішних жінок-художниць в індустрії розваг представляють LOVELY: Ladies of Animation. В історії анімаційного мистецтва було багато жінок-героїнь, ця елітна група продовжує традицію та розбудовує її.

Ця назва, яка містить перші опубліковані особисті роботи Лорелі Боув, Лізи Кін та Клер Кін, є незамінним доповненням до бібліотеки тих, хто цікавиться анімацією. Завдяки різноманіттю стилів від графічних робіт до реалістичних портретів ці зображення надихатимуть і радуватимуть глядача з кожним перегортанням сторінки.

Розкішне однотомне видання відомого огляду Фейдона про одного з найвидатніших художників нашого часу

Величезний британський художник Лючіан Фрейд мав кар’єру, яка тривала понад сім десятиліть. Він працював майже до дня своєї смерті, поки не залишив незакінченим портрет друга та помічника студії Девіда Доусона.

Це відоме вшанування творчості Фрейда з 1930-х років до його смерті в 2011 році, яке вперше доступне в одному елегантно об’єднаному виданні, включає сотні картин, малюнків, ескізів і офортів – навіть особисті фотографії та ілюстровані приватні листи.

Ця книга, що містить вичерпний огляд його життя та творчості в одному розкішному томі, є чудовим доповненням до полиць шанувальників мистецтва. Створено у співпраці з архівом Люсіана Фрейда та Девідом Доусоном, директором архіву, і відредаговано Марком Холборном.

Про авторів:

Мартін Гейфорд – письменник і мистецтвознавець журналу The Spectator. Він сидів перед портретом Фрейда, досвід, описаний у «Людині з блакитним шарфом» (2010).

Художника Девіда Доусона представляє Marlborough Fine Art, Лондон. Помічник Фрейда з 1991 року до його смерті, він часто був моделлю для його картин.

Марк Холборн – редактор, дизайнер і письменник, який працював з багатьма провідними художниками протягом останніх 30 років.

Інтимні портрети від одного з найбільш новаторських художників-фігуративістів двадцятого століття та майстра намальованої плоті.

Цей важливий том, підготовлений давнім помічником і другом художника в студії, Девідом Доусоном, містить двадцять великих і рідкісних картин Лючіана Фрейда (1922-2011). Книга починається роботами з 1990 року, коли Фрейд почав малювати художника-перформансу Лі Бауері: ці масштабні портрети Бауері започаткували нове відчуття монументальності у творчості митця. Натхненний вражаючою статурою Бауері, Фрейд почав працювати в більшому масштабі, підкреслюючи фізичну присутність своїх суб’єктів. Незважаючи на свій грандіозний масштаб, предмети Фрейда все ще зображуються з почуттям інтимності, проникливої ​​чесності та психологічної глибини.

Оголене тіло — тема, яка має особливе значення у творчості Фрейда. Нагота була для Фрейда способом отримати більш правдивий портрет. У цій монографії дослідження Фрейда розглядаються по-новому, а Доусон розповідає про те, як Фрейд працював над цими портретами, і розповідає про нього, надаючи інтригуючий погляд за лаштунки життя сучасного майстра репрезентативного мистецтва.

Про автора

Девід Доусон — художник, який працював з Лючіаном Фрейдом протягом двадцяти п’яти років. Він є автором книги «Життя з Лючіаном Фрейдом».

Філіп де Монтебелло є директором Acquavella Galleries у Нью-Йорку, який займається спеціальними виставками та публікаціями. Монтебелло був колишнім директором Метрополітен-музею в Нью-Йорку з 1977 по 2008 рік.

Каталог виставки Lucian Freud: The Self-portraits, яка відкриється в RA в жовтні 2019 року. Автори-експерти, зокрема ті, хто знав і працював з Фрейдом, розкривають підхід до жанру, який є водночас несподіваним та інтригуючим.

Цей 152-сторінковий каталог у твердій обкладинці було опубліковано для супроводу виставки Люсіан Фрейд: Автопортрети в Королівській академії мистецтв, з 27 жовтня 2019 року по 26 січня 2020 року.

Перша книга, яка зосереджена на автопортретах Фрейда, дає захоплююче розуміння психіки цього загадкового, але надзвичайно закритого художника. Автори-експерти Девід Доусон, Джозеф Лео Кернер, Джаспер Шарп і Себастьян Смі розмірковують про місце Фрейда в історії автопортретів і роль, яку відіграють автопортрети в його ширшій творчості.

__________

У 1964 році Лючіан Фрейд поставив своїм студентам Норвічського коледжу мистецтв завдання: намалювати оголені автопортрети та зробити їх «відвертими, промовистими, правдоподібними... справді безсоромними». Це була порада, якої митець часто дотримувався. Внутрішні, непохитні та часто оголені, автопортрети Фрейда дають нам уявлення про розвиток його стилю як художника. Твори постійно нагадують глядачеві про неперевершену присутність художника, незалежно від того, чи він безпосередньо стикається з глядачем, чи присутній лише як тінь чи у відображенні.

Нариси провідних авторитетів, у тому числі тих, хто добре його знав, досліджують життя та творчість Фрейда, аналізують важливість автопортретів у його практиці та інтенсивність, яку він зберігав, вивчаючи власне.

Супроводжує виставку в Королівській академії мистецтв, Лондон (27 жовтня 2019 р. – 26 січня 2020 р.) і Музеї образотворчих мистецтв, Бостон (22 лютого – 25 травня 2020 р.). Виставка організована Королівською академією мистецтв, Лондон, у співпраці з Музеєм образотворчих мистецтв, Бостон.

Про авторів:

Девід Доусон – художник і фотограф, а також колишній асистент Фрейда в студії.Джозеф Лео Кернер – професор історії мистецтва та архітектури Томаса та старший науковий співробітник Товариства стипендіатів Гарвардського університету.Джаспер Шарп – допоміжний куратор відділу сучасного мистецтва Художньо-історичного музею у Відні. Лауреат Пулітцерівської премії мистецтвознавець Себастьян Смі є автором книги The Art of Rivalry: Four Friendships, Betrayals and Breakthroughs in Modern Art (2016).

A revelatory look at this Italian-American modernist painter of highly realistic and romanticized still lifes, landscapes, and portraits drawn from his life in the gay New York scene and rural Vermont.

This first comprehensive survey of the life and work of Luigi Lucioni (1900–1988) places him in the context of fellow Regionalist painters Grant Wood, Charles Sheeler, and Maxfield Parrish. Lucioni is known for meticulously rendered still lifes, landscapes, and arresting portraits drawn from his close-knit circle of queer New York artists and cultural figures, including Paul Cadmus, Jared French, George Platt Lynes, and Lincoln Kirstein. In the early 1930s, Lucioni discovered Vermont, whose landscapes reminded him of northern Italy. It was there that he met Electra Havemeyer Webb, who was to become his single most important patron. For more than 50 years, the New York City–based artist spent every summer painting landscapes of trees, barns, and buildings in Vermont with sharply observed realism and a cool, precise style.

Key scholars examine Lucioni’s oeuvre, materials, techniques, and his role in American modernism.

About the Author:

David Brody is Professor of Design Studies at Parson School of Design at the New School. Thomas Denenberg is Director of Shelburne Museum. Katie Wood Kirchhoff is Associate Curator at Shelburne Museum. Alexander Nemerov is Carl and Marilynn Thoma Provostial Professor in the Arts and Humanities and Chair of the Department of Art and Art History at Stanford University. Nancie Ravenel is Object Conservator, Preservation and Conservation at Shelburne Museum. Richard Saunders is Director of the Middlebury College Museum of Art.

____________

Пролистать книгу Luigi Lucioni: Modern Light

A landmark book documenting the first-ever art amusement park – launched in 1987 in Hamburg, Germany – in anticipation of its global reintroduction

In the late 1980s, more than 30 of the era’s most acclaimed artists – including Jean-Michel Basquiat, David Hockney, Roy Lichtenstein, Salvador Dalí, and Keith Haring – designed unique and fully operational fairground attractions specifically for the original park, including rides, interactive sculptures, games, performances, and music.

Each artist’s contribution is documented in photographs that show the artist at work, with details of the artworks, and showing the art in the context of the exhibition. Giving access to rare artworks that have not been widely viewed in 35 years, this book is being published for the first time in English with an updated preface.

About the Author:

André Heller is an acclaimed international multimedia artist. He is the creator of best-selling books, largescale flying and floating sculptures, and garden artworks, and has had a platinum-selling career as a singer and songwriter. In addition to directing shows, plays, circuses, films, and operas, he has also designed fire spectacles, labyrinths, and museums. He lives and works between Vienna and Marrakech.

Тридцять п'ять сучасних художників створюють власні версії «Сніданку на траві».

Картину Едуара Мане «Сніданок на траві» (1863) зазвичай називають першою сучасною картиною. Вступний слайд на лекціях з історії мистецтва про модернізм, ця робота залишається однією з «найсміливіших картин, які коли-небудь бачили у Франції», як описав її Росс Кінг у книзі «Суд Паріса» (2006).

Як і Мане зі «Сніданком на траві», найпровокаційніші художники сьогодні об'єднують історичне та сучасне в одну площину. Джеффрі Дейтч запросив групу цих впливових художників створити власні версії, поєднані тут з історичними відгуками на картини Мане. У тонкому томі представлені ці часто гострі та сатиричні роботи разом із есе, що обговорюють тривалий вплив «Сніданку на траві» на сучасний фігуративний живопис.

Про авторів:

Джеффрі Дейтч допоміг побудувати кар'єру деяким із багатьох провідних сучасних художників як галерист та куратор. Він є колишнім директором Музею сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі.

Аруна Д'Суза пише про сучасне та сучасне мистецтво; інтерсекційні фемінізми та інші форми політики.

Марина Моларскі-Бек досліджує мистецтво ХХ століття, зосереджуючись на міжвоєнній фотографії та історії гендеру та сексуальності.

Томас Е. Кроу — американський історик мистецтва та мистецтвознавець, найбільш відомий своїми впливовими працями про роль мистецтва в сучасному суспільстві та культурі.

____________

Погортати книгу Luncheons on the Grass: Reimagining Manet's Le Déjeuner Sur L'Herbe​ на сайтi видавництва.

For more than 40 years, Parisian jeweller Lydia Courteille has been confounding the Place Vendome jewellery houses with her bold and brazen designs. Her unique and avant-garde style is legendary. Her collections spark the senses. In this impassioned new biography, Juliet Weir-de la Rochefoucauld takes us on a voyage around the world, sharing the stunning locations and famous women from whom Courteille draws inspiration.

In the disposable world of 21st-century consumerism, amidst the monotony of marketing algorithms and ceaseless production lines, Lydia Courteille has forged her own creative path, refusing to let the individuality of her work slip from her fingers. Her jewels crystalise memories, honour the dead, make powerful social statements, poke fun at modern absurdities, and transport us to the other side of the planet. Guided by an acclaimed author and jewellery expert, this colourful monograph renders her odysseys of creation and discovery in stunning visual detail.

_The spectacular new biography of unique Parisian jeweller, Lydia Courteille
_Charts Courteille’s voyages of creation and discovery
_Includes the stories behind some of the most idiosyncratic jewels of the past 40 years
_A celebration of the famous women who inspired Courteille’s life and work

About the Author:

A Fellow of the Gemmological Association of Great Britain (Gem A), Juliet Weir-de La Rochefoucauld began her career at Sotheby's & Co., London. Based in France, she is also the author of 21st-Century Jewellery Designers: An Inspired Style (Antique Collectors' Club, 2013), and Lydia Courteille, Extraordinary Jewellery of Imagination and Dreams (ACC Art Books, 2016). Juliet's great-grandfather, Thomas Weir, founded the jewellers Weir & Sons in Dublin in 1869, a company that is still run by members of the family.