Книги з історії мистецтва

The story of the French cashmere shawls of the 19th century and their rise to the heights of fashion. This treasure-trove will not only delight textile scholars and costume historians but is sure to appeal to anyone who loves gorgeous accessories

The delicate beauty of the cashmere shawl was first brought to Europe by the East India Companies and Napoleon’s campaigns. Woven in Kashmir, its fabric was so light that, according to legend, a whole shawl could be passed through a finger-ring. By the 19th century, these shawls were highly sought-after in France; French manufacturers soon saw that there was a market for more accessibly priced versions and started to create their own.

Monique Lévi-Strauss has spent more than thirty years collecting and studying these shawls and gathering rare documents to preserve their history. This completely revised, expanded and redesigned edition of her classic book on the subject illustrates nearly 300 of these beautiful items, superbly photographed to showcase their splendid original designs, alongside a wealth of archive material and contemporary paintings that show them being worn by their elegant owners.

Оновлена ​​та перероблена книга Charleston: A Bloomsbury House & Garden – це остаточне видання про сільський форпост групи Блумсбері в самому серці Сассекс-Даунс.

«Це абсолютно ідеально…», – написала художниця Ванесса Белл, коли переїхала до Чарльстона в 1916 році. Протягом п’ятдесяти років Ванесса та її колега-художник Дункан Грант жили, любили та працювали в цьому ізольованому фермерському будинку в Сассексі, разом перетворюючи будинок і сад на надзвичайний витвір мистецтва та створюючи сільський куточок для групи Блумсбері. Тепер син Ванесси, Квентін Белл, та її онука Вірджинія Ніколсон розповідають історію свого сімейного дому, пов’язуючи його з деякими з піонерів культури, які проводили там час, зокрема з сестрою Ванесси Вірджинією Вулф, економістом Мейнардом Кейнсом, письменником Літтоном Стрейчі та мистецтвознавцем Роджером Фраєм. Проводячи читачів крізь кожну кімнату будинку – від кабінету Клайва Белла, їдальні, кухні та садової кімнати до окремих спалень, студій та бібліотеки – Квентін Белл знову переживає давні спогади, зокрема про запрошення Т. С. Еліота на вечерю та постановку п'єс у студії, тоді як Вірджинія Ніколсон детально описує художні техніки (трафарет, вишивку, живопис, скульптуру, кераміку тощо), що використовуються для прикрашання та оживлення колись простого фермерського будинку.

У цьому оновленому виданні оригінального видання 1997 року спеціально замовлені фотографії Гевіна Кінгкомба вдихають життя в барвисті інтер'єри та сад фермерського будинку в Сассексі, а оновлений текст та підписи Вірджинії Ніколсон відображають еволюцію Чарльстона, який продовжує надихати нове покоління.

Для любителів літератури, декоративно-прикладного мистецтва та всього, що пов'язано з Блумсбері, книга Charleston: A Bloomsbury House & Garden пропонує вікно у справді унікальний творчий центр.

Про авторів:

Квентін Белл (1910 – 1996), молодший син Клайва та Ванесси Белл, виріс у Чарльстоні. Він був художником, скульптором, гончарем та мистецтвознавцем, а також завідував кафедрами образотворчого мистецтва та історії мистецтва в університетах Лідса, Оксфорда та Сассекса. Серед його книг – лауреатка премії Virginia Woolf: A Biography, Bloomsbury, «Блумсбері» та мемуари Elders and Betters.

Вірджинія Ніколсон – старша дочка Квентіна та Олів'є Белл. Вірджинія провела свої дитячі канікули в Чарльстоні, а зараз є опікуном видавництва. Вона також є авторкою серії відомих соціальних історичних праць, зокрема Among the Bohemians: Experiments in Living 1900 – 1939. Вона одружена з письменником, має трьох дітей та живе в Сассексі. У червні 2019 року Вірджинію було обрано членом Королівського літературного товариства.

Італійське мистецтво епохи Відродження тісно переплітається з розвитком дворів та придворної культури на більшій частині італійської території. Патронат правлячих родин невеликих італійських міст-держав значною мірою сприяв розквіту образотворчого мистецтва та архітектури, а також музики, літератури та театру.

Книга починається зі вступу редактора видання Марко Фоліна, присвяченого критичним питанням придворного мистецтва та його історіографії, після чого йде важливий есей про історичні та географічні рамки Італії епохи Відродження, ілюстрований 18 спеціально виготовленими картами, корисними для розуміння складності та фрагментації країни у 15 столітті. Далі розглядається роль князівського патронату в розвитку музики та літератури: від місця гуманістів при дворі до зв'язку між музикою та пропагандою, від перших театральних вистав до виникнення друкарського верстата та публікації найвідоміших книг епохи Відродження: «Книги придворного» Кастільоне та «Розлюченого Орландо» Аріосто.

Друга, довша частина тому, розташована географічно та охоплює весь півострів, приділяючи увагу не лише головним дворам, таким як Мілан, Мантуя, Феррара, Урбіно, папський Рим, Неаполь та крипто-двір Медічі у Флоренції, але й присвячуючи розділи меншим дворам, розкиданим по всій північній та центральній Італії, від правителів Палеологів у Монферраті до двору Малатести в Ріміні, від Карпі за часів Піїв до правління Орсіні в Браччано.

Основні розділи збагачені текстами, присвяченими окремим аспектам культури та політики епохи Відродження: дворам кардиналів та південних баронів, патронажу кондотьєрів, специфіці венеціанських державних доручень тощо.

Есе написані відомими італійськими вченими, такими як Франко Піперно про музику, Рінальдо Рінальді про літературу, Алессандро Чеккі про Флоренцію Медічі та Алессандро Анджеліні про папський двір у Римі, і супроводжуються багатою та точною іконографією, яка показує не лише відомі шедеври, а й менш відомі твори мистецтва та архітектури.

Книга доповнена анотованою бібліографією для різних розділів та покажчиком імен та місць.

Ковбой, переосмислений: вічний міф про ковбоя — це багатша та різноманітніша історія, ніж більшість розуміє. У цьому огляді деякі з найважливіших митців, що працюють сьогодні, розглядають ковбоя крізь призму квір-, чорношкірих, азіатів та латиноамериканців.

Мабуть, жодна інша постать в американській популярній уяві не викликає такої поваги, таємничості та обожнювання, як ковбой. І це вже давно улюблена тема митців з початку ХХ століття до сьогодні. На цій унікальній виставці та супровідному каталозі ковбой глибоко досліджується з різних точок зору та життєвого досвіду, що відкриває нове бачення цієї давньої поп-ікони.

Режисерка та співкураторка Нора Бернетт Абрамс розглядає ковбоя крізь історичну перспективу, руйнуючи міф та містику. У розгорнутому інтерв'ю співкураторка Міранда Леш розмовляє з квір-латиноамериканським художником Рафою Еспарзою, який розглядає вакеро (іспанський термін для ковбоя) та вплив культури нортеньо на його творчість. Джонгву Джеремі Кім пропонує глибокий аналіз творчості художника Кеннета Тама та глибше обговорює маскулінність, сексуальність азіатських американців та те, як вони представлені. М'єшія Бейберс розповідає історію чорношкірого ковбоя-родео та про те, як ця фігура діє та функціонує сьогодні, а художник Р. Алан Брукс за допомогою казкового короткого графічного роману зображує історію Дірфілда, штат Колорадо, однієї з найдавніших чорношкірих громад у штаті.

Список художників: Джон Балдессарі, Р. Алан Брукс, Мел Чін, Грегг Діл, Анджела Еллсворт, Рафа Еспарза, Фабіан Герреро, Хуан Фуентес, Карл Гендель, Луїс Хіменес, Каліл Джозеф, Грейс Кеннісон, Діана Лоусон, Меттью Дж. Махоні, Лорел Накадате, Річард Прінс, Отіс Кваме Куайко, Акаша Рабут, Люсі Рейвен, Кен Тейлор Рейнага, Юмі Рот у співпраці з Еммануелем Девідом, Аною Сеговією, Емі Шералд, Стефані Сіджуко, Кеннетом Тамом, Енді Ворголом та Натаном Янгом.

Про автора:

Нора Бернетт Абрамс — директорка Марка Г. Фальконе в MCA Denver. Міранда Леш — старший куратор Еллен Брусс у MCA Denver. Джонгву Джеремі Кім — доцент кафедри історії та теорії мистецтв в Університеті Карнегі-Меллона. М’єшія К. Баберс — культурна антропологиня та директорка Let's Dialogue, LLC. Р. Алан Брукс — професор графічного наративу в Університеті Реджиса.

____________

Погортати книгу Cowboy на сайтi видавництва

Найвищий збірник про смерть, що містить найнезвичайніші у світі художні та етнографічні об'єкти, пов'язані зі смертністю, у поєднанні з текстами експертів.

Смерть – це неминучий факт життя. Протягом століть і в усьому світі людство прагнуло змиритися з цією тривожною думкою через мистецтво та ритуали.

Том безпрецедентної широти та зловісної краси, Death: A Graveside Companion, досліджує вражаючий спектр культурних ставлень до смерті в семи тематичних розділах. Дев'ятнадцять експертів пропонують есе, що спонукають до роздумів, про конкретні аспекти культурної спадщини людства щодо уявлень про смерть. За есе йдуть сторінки галерей, що представляють захоплююче розмаїття образів, пов'язаних зі смертю, почерпнутих з кожної основної культури, від неолітичного Китаю та Мексики бронзової доби до середньовічної Німеччини, Непалу 18 століття та Франції 20 століття.

Від катакомб, крипт та кістяних ям до релікваріїв, бальзамування та мумій, від пам'ятних сувенірів, ванітас та танцю макабре до народних символів, знайдених фотографій та курйозів минулих ритуалів, цей вражаючий збірник містить понад 1000 зображень та поєднує високе мистецтво, кітч та все, що між ними.

З передмовою Вілла Селфа та представленими раніше не опублікованими фотографіями багатьох різноманітних та еклектичних творів мистецтва, артефактів та ефемерних предметів, що знаходяться в колекції мистецтв Річарда Гарріса, Death: A Graveside Companion – це неперевершена книга, сповнена моторошного натхнення та моторошних ідей, які варто взяти з собою в могилу.

Зміст:

1. Мистецтво вмирання • 2. Огляд померлих • 3. Увічнення померлих • 4. Персоніфікація смерті • 5. Символізація смерті • 6. Смерть як розвага • 7. Померлі після життя

Про автора:

Джоанна Ебенштейн — мультидисциплінарна художниця, кураторка, письменниця, викладачка та графічна дизайнерка. Вона веде блог та веб-сайт Morbid Anatomy, а також заснувала Музей хворобливої ​​анатомії. Ебенштейн фотографує, курує та колекціонує артефакти, зображення та тексти, що стосуються цікавих колекцій, ранніх музеїв та кабінетів курйозу, колекціонерів та колекціонування, медичних музеїв та музеїв природної історії. Вона є авторкою книг Death та The Anatomical Venus.

Do Remember! The Golden Era of NYC Hip-Hop Mixtapes is the first comprehensive deep-dive oral and visual history of the golden era of hip-hop mixtape culture in New York City.

From street corners to corner offices, mixtapes made a huge impact on the music industry and hip-hop culture in New York City during the late ’80s, ’90s, and early 2000s. Mixtapes helped dictate what rap songs were hot in the clubs, on the radio, and in the streets, and they influenced which artists would get signed to record deals. Mixtapes also showcased which DJs had the most skills and creativity, and who had the juice to pull the illest exclusives.

Do Remember! combines the best elements of oral and pictorial histories to explore the evolution of mixtapes as a crucial component of New York City hip-hop culture. Featuring a comprehensive collection of rare mixtape cover art, never-before-seen images, vintage tracklists, and exclusive interviews with Kid Capri, Brucie B, Mister Cee, Ron G, S&S, Doo Wop, Green Lantern, Lord Finesse, Clark Kent, Bobbito, Cipha Sounds, Havoc of Mobb Deep, the late, great DJ Kay Slay, and many more, including a special foreword by Fab 5 Freddy, Do Remember! captures an era in New York City that went on to inspire future hip-hop generations all over the world.

About the Authors:

Evan Auerbach is a globally recognized hip-hop historian. His career as a blogger and archivist has made him the number one source for providing rare hip-hop memorabilia to the masses. A walking encyclopedia of rap knowledge, Evan has played an essential role in revitalizing music media's nostalgia for 90s ephemera and landmark hip-hop events. His website UpNorthTrips continues to be pivotal in sparking a modern wave of obsession with rare photos, classic hip-hop flyers, promo material, and posters. In 2016, Evan co-authored No Sleep: Nightlife Flyers (1988–1999) with Stretch Armstrong.

Daniel Isenberg is a seasoned hip-hop journalist who has written for Complex, Def Jam, Pitchfork, Pigeons & Planes, and XXL, and who created the NahRight Mixtape Memories blog series highlighting legendary mixtape DJs and moments. Isenberg is also an award-winning sports and entertainment marketing creative director, a GRAMMY Award–nominated songwriter, and author of the children’s hip-hop and sports-themed chapter book My Name Is Spit: The Dunk Dance.

Альбрехт Дюрер (1471–1528) був найбільшим художником північноєвропейського Відродження. Віртуозні ксилографії та гравюри Дюрера забезпечили йому славу на всьому континенті ще за його життя. Проте він також створив надзвичайні результати в інших засобах масової інформації, включаючи живопис, акварель і малюнок, що охоплює захоплюючі портрети та автопортрети, великі вівтарі та ретельні дослідження тварин і природи.

У цій великій новій монографії Джеффрі Чіппс Сміт досліджує міфи, які сприяли легенді про Дюрера, розглядаючи його життя та кар’єру в рамках бурхливої ​​епохи європейської історії. Беручи до уваги широку вченість художника, Сміт дає свіже уявлення про багато його найвизначніших робіт, розкриваючи творчий процес, що стоїть за ними, і їх багатство значень та ідей. Центральним у центрі уваги Сміта є історичне та культурне бродіння Європи до та після Реформації, оскільки він простежує роки становлення Дюрера у вільному імперському місті Нюрнберзі та його подальші подорожі Німеччиною, Італією та Нідерландами. У результаті складається яскрава картина професійної діяльності плідної і психологічно складної постаті.

Завдяки детальним коментарям та оригінальним дослідженням, це водночас авторитетна та доступна монографія – незамінна для студента чи науковця, але, безумовно, сподобається всім, хто цікавиться цим геніальним митцем.

Про автора:

Джеффрі Чіппс Сміт очолює кафедру європейського мистецтва Кей Фортсон в Техаському університеті в Остіні. Серед його книг — German Sculpture of the Later Renaissance (1994) та Sensuous Worship: The Jesuits and the Early Catholic Reformation in Germany (2003).

El Greco and Nordic Modernism

At the birth of modernism in the late 19th century, artists across Europe rediscovered the almost three centuries old artwork of the Greek painter known as El Greco (1541–1614). In the Nordic countries as well, his characteristic rapturous and expressive style was perceived as speaking directly to the rule-breaking forms of expression with which a new generation of artists were experimenting. His hailing as a cult figure was based as much on the story of his life, though, including the 300 years of rejection and obscurity that made him an outsider idol for young artists. This catalogue traces the inspiration that leading Nordic artists such as Edvard Munch, Helene Schjerfbeck, Nils Dardel, Harald Giersing, and Jens Ferdinand Willumsen took from the works of El Greco, and for the first time specifically explores his Nordic reception in the decades between 1885–1945, adding a hitherto undiscovered piece to the mosaic of El Greco’s multifaceted and multinational rediscovery.

Why collect Russian stage designs? Why write about them? These questions are not rhetorical or idly academic. They have real historical, intellectual, and commercial relevance. Answers may vary, but surely a primary response must be that, quite simply, Russian stage designs are immensely pleasing to the eye. They vibrate, and scintillate with colour, texture and movement.

Furthermore, through their daring inventions, Russian artists of the first thirty years of the 20th century transformed, profoundly and permanently, our perception of stage design - and hence of the theatre. They belonged to an extraordinarily creative generation of impresarios, dancers, actors, patrons, and critics who inspired or at least made a major contribution to the international renaissance of the art of the stage, and in particular areas, e.g. the teaching and performing of ballet, their influence is still present today.

However, in spite of the many published commentaries on the Russian theatre, in spite of the autobiographies and biographies of its leading representatives, and in spite of the scholarly appreciations of its various components (ballet, drama, opera), the subject of stage design in Russia has yet to be explored in all its manifestations.

Each work presented here is documented as fully as possible, and includes curatorial data, provenance index, and references to relevant published sources, exhibitions; and variants such as copies and preliminary drawings. The catalogue raisonné addresses the issues of attribution, identification of stage production, and date of execution and adduces evidence in the form of bibliographical, archival, and photographic data, expert opinion, and circumstantial evidence in order to support assumptions and conclusions.

Rising from the Ashes. The first color lithographs of the rediscovered Pompeii

When the excavations at Pompeii were first placed on a scholarly archaeological footing in the 19th century, brothers Fausto and Felice Niccolini were close at hand and ready to respond. Making use of the newly introduced technique of color lithography, they documented the buildings, frescos, statues, as well as the most ordinary everyday objects, of the city buried in just 24 hours by the catastrophic eruption of Vesuvius and preserved for over 1,600 years under a mantle of volcanic ash.

The Niccolinis’ goal was to illustrate all aspects of life in the antique city. Their publication, Le case ed i monumenti di Pompei (“The Houses and Monuments of Pompeii”), which was issued in installments between 1854 and 1896 in Naples, presented over 400 color plates providing not only views, maps, and groundplans of the city and its public buildings, but also offered unprecedented access to Pompeii’s private residences. They revealed the astonishing painted wall decorations that adorned these long-buried abodes, their intricate works of art, and the practical utensils of everyday use, conjuring up a vivid picture of each house as a real domestic space. In total, the plates illustrated more than 1,000 items, each extensively specified and located for the first time, making the publication a major reference in Pompeii research. In addition, “animated” representations visualized daily life in Pompeii’s workshops, taverns, and shops, on its public squares, and in its temples, theaters, and baths.

This meticulous facsimile revives the Niccolinis’ extraordinary achievement with all color plates and two introductory essays setting the project in its contemporary context and presenting the historical protagonists of the Vesuvian excavations. In addition, we explore the remarkable influence exerted by Pompeian art — and by the haunting plaster casts made of victims of the eruption — on the visual arts. Across painting, sculpture, and interior design, we trace the Pompeii legacy in the work of Robert Adam, Anton Raphael Mengs, Angelika Kaufmann, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Lawrence Alma-Tadema, Pablo Picasso, and Giorgio de Chirico, right through to recent masters Duane Hanson and George Segal.

The authors:

Sebastian Schütze was a longtime research fellow at the Bibliotheca Hertziana (Max Planck Institute for Art History) in Rome. He is a member of the academic board of the Istituto Italiano per gli Studi Filosofici in Naples, and a member of the Österreichische Akademie der Wissenschaften. From 2003 to 2009 he held the Bader Chair in Southern Baroque Art at Queen’s University in Kingston. In 2009 he was appointed professor of early modern art history at Vienna University.

Valentin Kockel studied classical archaeology and obtained his doctorate in 1978 with a thesis on the necropolises of Pompeii. He has worked at the German Archaeological Institute in Rome, the Technical University of Darmstadt, and until 2014 he was Professor at Augsburg University. Kockel has headed excavations in Ostia Antica and at the Forum in Pompeii.

Чудова, раніше не публікована колекція всіх картин і фресок, представлених в Уффіці, Палатинській галереї палацу Пітті, Академії та Дуомо, а також більше — майже 2000 творів мистецтва — усі вони представлені в практичному та елегантному форматі м’якої палітурки.

Місто Флоренція є домом для десятків музеїв і палаців, які містять багато найвідоміших у світі творів мистецтва. Florence: The Paintings & Frescoes – це багата та чудова колекція з тисяч картин і фресок, яку щороку відвідують мільйони мандрівників, включно з мистецтвом Джотто, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Гірландайо, Корреджо, Боттічеллі, Караваджо, Тиціана, Рембрандта, ван Дейка, Ель Греко та сотень інших.

Досліджуйте історію мистецтва у Флоренції за допомогою семи есе Росса Кінга, автора бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», у яких розповідається про те, як картини, політика та повсякденне життя флорентійців впливали одне на одне. Історик мистецтва Аня Гребе, автор книги The Louvre та The Vatican, також висвітлює 250 найбільш знакових і значущих картин і фресок в історичному місті з детальною інформацією про атрибути робіт, біографічні подробиці художників тощо.

Ця вражаюча колекція з майже 2000 картин і фресок є обов’язковою для будь-якого любителя мистецтва, студента чи мандрівника у кріслі.

Про автора:

Росс Кінг є автором бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», а також романів «Екслібрис» і «Доміно». Живе в Англії, поблизу Оксфорда.

Місто Флоренція є домом для десятків музеїв і палаців, які містять багато найвідоміших у світі творів мистецтва. Florence: The Paintings & Frescoes – це багата та чудова колекція з тисяч картин і фресок, яку щороку відвідують мільйони мандрівників, включно з мистецтвом Джотто, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Гірландайо, Корреджо, Боттічеллі, Караваджо, Тиціана, Рембрандта, ван Дейка, Ель Греко та сотень інших.

Досліджуйте історію мистецтва у Флоренції за допомогою семи есе Росса Кінга, автора бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», у яких розповідається про те, як картини, політика та повсякденне життя флорентійців впливали одне на одне. Історик мистецтва Аня Гребе, автор книги The Louvre та The Vatican, також висвітлює 250 найбільш знакових і значущих картин і фресок в історичному місті з детальною інформацією про атрибути робіт, біографічні подробиці художників тощо.

Ця вражаюча колекція з майже 2000 картин і фресок є обов’язковою для будь-якого любителя мистецтва, студента чи мандрівника у кріслі.

Про автора:

Росс Кінг є автором бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», а також романів «Екслібрис» і «Доміно». Живе в Англії, поблизу Оксфорда.

A new selection of letters, statements and interviews reveal the preoccupations, thoughts and ideas of Francis Bacon, one of the 20th century’s most influential and important artists.

The documents selected for Francis Bacon: A Self-Portrait in Words illustrate Bacon’s sharp wit and ability to express complex ideas in highly personal, memorable language. Included here are not only letters to friends, patrons and fellow artists, but also intriguing notes and lists of paintings. They often come with a sketch as an aide-mémoire or an injunction to himself as he worked in the studio, and many have only come to light since his death.

Bacon’s letters mirror and reveal his dominant preoccupations at different points throughout his long career. Most of Bacon’s letters have never been published and include several that he wrote to the author. Particularly intriguing is the record of a dream that he jotted down, outlining impossibly beautiful paintings he had conjured up in his sleep. Together with photographs, archive material and works by the artist are numerous reproductions of Bacon’s characteristic handwriting, from the briefest jottings and notes to more extensive letters and statements.

Bacon frequently came up with memorable epithets and definitions. He delighted in doing with words what he set out to do in painting: 'I like phrases that cut me.' Michael Peppiatt explores the personal legacy of one of the 20th century’s most important painters and presents a compelling verbal self-portrait that reveals both man and artist.

Contents List:

Introduction
Statements and Quotations (1949 – 1989)
Letters (1943 – 1992)
Studio Notes (1954 – 1990)
Selected Interviews (1958 – 1986)
Chronology

About the Author:

Michael Peppiatt is a well-known writer and curator, who began his career as an art critic in London and Paris in the 1960s. Described by The Art Newspaper as ‘the best art writer of his generation’, his previous books include Francis Bacon: Anatomy of an Enigma and Francis Bacon: Studies for a Portrait. He was guest curator of the Royal Academy of Arts’ exhibition ‘Francis Bacon: Man and Beast’ (London, 2022).

Ідеальний сюжет для графічного роману, коротке життя Фріди Кало було драматичним і романтичним, трагічним і болісним. У цій ілюстрованій «біографії» Ванна Вінчі вловлює дух світу Кало за допомогою яскравих кольорових, детально промальованих ілюстрацій. Поєднуючи факти та історію з казковими та сюрреалістичними послідовностями, Вінчі створює інтимний портрет художниці, яка втілила свій життєвий досвід у своє мистецтво. Палаюче кохання та нищівна втрата, неймовірна радість і глибокий відчай – все це було частиною життя Кало та частиною картин, які є одними з найвідоміших творів мистецтва всіх часів.

Сповнені образами, що заполонили творчість Кало – мавпами та папугами, традиційним одягом та пишними садами – Вінчі наповнює свої тексти та малюнки сприйняттям і чутливістю художника. Результатом є виразна, доречно пристрасна данина легендарній постаті.

George Barbier (1882–1932) is one of the great French illustrators of the early twentieth century. He is famous for his elegant art deco works that were heavily influenced by orientalism and Parisian couture. Born in Nantes, France in 1882, he skyrocketed to fame and notoriety after his first exhibition in 1911. Known as one of “the knights of the bracelet” for his luxurious and glamorous lifestyle and work, George Barbier also received renown for costumes and set designs he did for theater, film, and ballet. Even today, his modern and stylish illustrations are popular all over the world.

With critical essays on such topics as coloration and composition, this volume is a complete compendium of Barbier’s work. This valuable reference book is categorized by Barbier’s major projects in fashion, book illustration, theater art, and editorial design and is perfect for illustrators and graphic designers as well as a beautiful gift for someone very special.

About the Author:

Hiroshi Unno was born in 1939 in Tokyo. Unno writes on art, cinema, music, urbanism, novels, flower arranging and more. Unno recent titles released by PIE International - Avant-Garde Graphics in Russia, The Art of Fantasy, Sci-fi and Steampunk, Harry Clarke, William Morris: Master of Modern Design, The World of Mucha, A Thousand and One Nights - have gained recognition worldwide.