Книги з історії мистецтва

Актуальний путівник по найважливіших стилях та рухах мистецтва від сьогодення до античності

Починаючи з найновіших мистецьких подій двадцять першого століття та простежуючи нитку історії мистецтва назад у часі, Art in Time пропонує новий погляд на стилі та рухи мистецтва. Відстежуючись на хронології історичних та мистецтвознавчих подій, що забезпечують соціальний та політичний контекст, кожен стиль чи рух визначається репрезентативними творами мистецтва, а його місце в історії мистецтва висвітлюється лаконічними та захопливими текстами, написаними фахівцями кожного періоду.

Ця унікальна презентація 150 найважливіших мистецьких стилів та рухів дозволяє дослідити генеалогічне дерево історії мистецтва та зрозуміти, як мистецтво формується своїм часом та своїми попередниками, адаптуючи та змінюючи те, як ми бачимо, мислимо та інтерпретуємо світ навколо нас. Охоплюючи не лише західну традицію, але й стилі та рухи з Індії, Китаю, Японії, Латинської Америки та Африки, Art in Time показує, як стилі та рухи перетинаються та впливають один на одного протягом часу.

Історичні фотографії та документальні ефемери оживляють кожен період. Передмова, вичерпний глосарій та покажчик роблять цей ресурс повним ресурсом для всіх, хто цікавиться, як мистецтво стало тим, ким воно є сьогодні.

- Актуальний путівник по найважливіших стилях та напрямках мистецтва від сьогодення до античності
- Унікальне розташування від сучасного до минулого ілюструє, як сьогодення постійно впливає на минуле: як митці озираються назад та переосмислюють минуле заново
- Сторінки захопливих історичних документів, фотографій, газетних заголовків та інших ефемерних матеріалів нагадують про часи, в які виникли стилі та напрямки
- Інтегрована хронологія розміщує кожен мистецький розвиток у його культурному контексті, знову пов'язуючи мистецтво з реальним світом
- Глобальна перспектива розкриває захопливі зв'язки між стилями та напрямками мистецтва в часі та культурних традиціях
- Ілюстровано близько 450 картинами, скульптурами, фотографіями, інсталяційним мистецтвом, відео та новими медіа, а також історичними ефемерними матеріалами
- Стислі, авторитетні тексти групи фахівців-науковців, кураторів та критиків

At the end of the nineteenth century, Württembergische MetallwarenFabrik, or the Würtemberg Electro Plate Company as the firm was known outside Germany, was the world's largest manufacturer and exporter of household metalware. At its height, over 6,000 workers were employed in Germany, Poland and Austria, and almost 10,000 designs for objects ranging from teaspoons to enormous table centrepieces were produced. Widely known by its initials WMF, the company sometimes employed the services of leading German designers of the day, but for the most part, the wares were in a popular Jugendstil style, the German version of Art Nouveau. These decorative pieces are highly sought after today and are prized by collectors throughout the world.

WMF's domination of the export market is illustrated by the fact that they produced a sumptuous catalogue showing over 3,000 domestic pieces with descriptions in the English language. This catalogue was issued in 1906 by the company's English subsidiary from their showroom in Fore Street, London, and, as each illustration was hand-drawn, it must have represented a considerable investment. Original copies are now virtually unobtainable, and the complete catalogue is reprinted here with a detailed historical introduction by Graham Dry, a noted authority on nineteenth and twentieth-century decorative arts.

For the collector, this revised edition will provide a fascinating insight into the type and style of domestic metalwork that was available at the height of the Art Nouveau period. With details which include size, finish, and cost, the descriptions will be a major source of information.

The rise of the Art Nouveau style across Continental Europe and the US in the decorative arts was remarkable and is explored in this new beautifully illustrated book.

Discussing the movement first as a whole, then from the angle of the graphic arts and finally as manifested in the fine arts, it is a celebration of the style in two dimensions. From the work of well-known figures such as Toulouse-Lautrec, Gaudí and Tiffany to beautiful posters and illustrations advertising everything from coffee to costumes, and even including an exploration of the links to Synthetism and Symbolism among other movements, the book is a treat from start to finish.

Візуальне свято еклектичних творів мистецтва, натхненних духовними віруваннями, магічними техніками, міфологією та потойбічним досвідом.

Містичні вірування та практики існують тисячоліттями, але чому ми досі женемося за езотерикою? З самого початку людської творчості творці зображень тяжіли до цих невідомих сфер і створювали цікаві твори мистецтва, що виходять за межі часу та простору – але що саме приваблює художників до цих магічних сфер?

Від теософії та каббали до зодіаку та алхімії; спіритизму та церемоніальної магії до стихій та сакральної геометрії – «Мистецтво окультизму» знайомить з основними окультними темами та демонструє художників, на яких вони вплинули та керували. Відкрийте для себе символічні та міфічні образи прерафаелітів; автоматичні малюнки Хільми аф Клінт та Мадж Гілл; сюрреалістичну інтерпретацію міфу, алхімії та каббали Леонорою Каррінгтон; та багато іншого.

За участю видатних, маргіналізованих та маловідомих митців, книга «Мистецтво окультизму» перетинає містичні сфери, прагнучи надихнути та захопити. Поділена на тематичні розділи (Космос, Вищі істоти, Практики), книга слугує цікавим вступом до мистецтва містики – з есе, що досліджують кожну практику, та понад 175 творами мистецтва для відкриття.

Мистецтво окультизму завжди існувало на узбіччі, але надихало широкі маси, і ця книга викличе цікавість у всіх шанувальників магії, містицизму та таємничого.

Про автора:

С. Елізабет (відома як Mlle Ghoul) – письменниця з Флориди, яка спеціалізується на мистецтві, макабричному та надприродному. Вона є штатним автором Haute Macabre та писала для Coilhouse, Dirge та блогу Death & the Maiden. С. Елізабет також була співавторкою книги The Occult Activity Book (том 1 та 2) і веде два успішні блоги: «Ghoul Next Door» (ghoulnextdoor.tumblr.com) та «These Unquiet Things» (unquietthings.com).

At First Light chronicles twenty-six extraordinary artists of the last two hundred years who have lived and worked in Maine.

Published to coincide with the state's bicentennial in 2020, the volume considers the significant contributions artists have made to a deeper and more profound understanding of Maine's history, its land and its peoples. Maine's unique and breathtaking landscape -- from its rugged coastline, quaint harbors, majestic mountains, and verdant forests--continues to have a powerful effect on the artists who are drawn to its shores.

Written and expertly researched by some of the foremost scholars and curators in the field, each chapter focuses on a different artist, featuring the artists' artworks and anchored by breathtaking contemporary photography of their homes, studios, and surroundings. From picturesque bungalows to grander structures with beautiful vistas, the houses and studios featured are as diverse as the artists who have inhabited them. The artists featured include fan favorites to lesser known yet important figures from the eighteenth century to the present day, working in a range of media from painting to photography to sculpture, including: Jonathan Fisher, Winslow Homer, Frank Weston Benson, Charles Herbert Woodbury, John Marin, Marsden Hartley, Rockwell Kent, N. C. Wyeth, Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Marguerite and William Zorach, Rockwell Kent, Marsden Hartley, John Marin, Eliot Porter, Fairfield Porter, Rudy Burckhardt, Yvonne Jacquette, Ashley Bryan, Lois Dodd, Alex Katz, Bernard Langlais, Robert Indiana, David C. Driskell, Molly Neptune Parker, Richard Tuttle, and William Wegman.

About the Author:

Anne Collins Goodyear is codirector of the Bowdoin College Museum of Art. Frank H. Goodyear III is codirector of the Bowdoin College Museum of Art. Michael K. Komanecky is chief curator at the Farnsworth Art Museum, in Rockland, Maine. Stuart Kestenbaum is the Poet Laureate of Maine. Walter Smalling is a photographer based in Washington, D.C.

_____________

Пролистать книгу At First Light: Two Centuries of Maine Artists, Their Homes and Studios

This visually stunning love letter to the art of traditional crafts takes readers inside Europe’s most illustrious — and in many cases endangered — decorative arts workshops to profile how artisans continue to maintain the highest centuries-old standards of workmanship and creativity.

Beginning in the Renaissance, ateliers were established as places for European artists to work and teach their crafts. Centuries later most of these spaces have disappeared, but a select few continue to produce some of the world’s most celebrated and sought-after objects in the areas of crystal, ceramics, wrought iron, fabric, bookbinding, mosaic, wood paneling, and more. John Whelan and Oskar Proctor traveled throughout Europe to document these important spaces, both to celebrate them and to preserve their disappearing ideals. Ranging from the well-known to the obscure, this volume takes readers inside dozens of ateliers from Austria, England, France, Germany, Italy, Spain, and Switzerland. Sumptuous double-page spreads feature alluring photography, and fascinating background texts tell their stories. By shining a light on their collective value as well as their individual expertise, this book offers both a historic evaluation of how ateliers have been shaped by modern forces — and also a clarion call for their preservation.

About the Author:

John Whelan is a specialist in heritage design and creative direction. His heritage projects include a revival of la brasserie française, France’s most iconic culinary export, and his clients include brands such as Cire Trudon, the oldest candlemaker in France. His work has been profiled by Architectural Digest, Vanity Fair, and The Time (London). He lives in Venice, Italy.

__________

Пролистать книгу Ateliers of Europe: An Atlas of Decorative Arts Workshops

Досліджуючи понад 120 організацій у світовому масштабі, ця робота показує, як майже кожен людський вираз пов'язаний з виконавською культурою.

Atlas of Performing Culture – це ілюстрована подорож п'ятьма континентами – Азією, Африкою, Європою, Океанією та Америкою – яка включає вивчення місць проведення та подій, пов'язаних з виконавством, динамічним та неповторним способом художньої діяльності, здатним об'єднати аудиторію, яка стає головною героїнею, з митцями та творами мистецтва, архітектури та природи.

Том організовано навколо п'яти тематичних розділів, пов'язаних з фізичними просторами, місцями проведення та типологіями подій. Унікальний досвід виконавського мистецтва може включати острівний музей у Японії, карнавал у Ріо, театральний дебют у Брюсселі, рейв-вечірку в британській сільській місцевості та культурний центр, розташований у колишньому похоронному бюро на околиці Парижа. Поряд з театрами, концертними залами та фестивалями, ми також знаходимо музеї, парки скульптур та гібридні культурні центри, які неможливо каталогізувати.

Руйнуючи традиційні межі між перформансом, візуальним мистецтвом та виконавськими видами мистецтва, ця книга пропонує читачеві — фахівцю, практикові мистецтва, науковцю чи просто шанувальнику мистецтва — подорож до деяких головних культурних місць та перформативних подій по всьому світу. Кожен розділ пропонує конкретний огляд провідних культурних організацій, а також добірку аналогічних міжнародних установ.

Про автора:

Крістіано Леоне — філолог, викладач університету, художній керівник та культурний підприємець. Він працював як у державному, так і в приватному секторах, співпрацював із Сорбонною, Віллою Медічі — Французькою академією в Римі, Electa, Національним римським музеєм, посольством Іспанії в Італії, Термами Каракалли та Центром національних пам'яток — Міжнародним містом французької мови. Він мешкає між Римом та Парижем.

Ця 240-сторінкова книга Aubrey Beardsley: The Decadent Magician of the Light and the Darkness розкриває суть митця Обрі Бердслі через понад 180 його робіт, зібраних під керівництвом Хіроші Унно, критика та письменника, який зробив внесок у багато книг про кінець століття.

Обрі Бердслі був ілюстратором, найбільш відомим своїми малюнками чорним чорнилом, сповненими еротичних та декадентських рис. Він народився в Брайтоні, Англія, 21 серпня 1872 року. Вікторіанська епоха, в яку жив Обрі, була охоплена суворою, жорсткою, консервативною мораллю. Суспільство було чоловічим і змушувало жінок бути скромними. Однак у Брайтоні, який перетворився на приморський курорт для вищих класів, сповнений розваг, люди були звільнені від такої суворості. Брайтон також був розсадником почуття свободи в усьому, і сексуальність не була винятком. Іншими словами, можна сказати, що Вікторіанська епоха була хаотичною епохою, протягом якої співіснували неупереджені думки щодо сексуальності та сувора, чоловіча мораль. Мати Обрі, Еллен, була людиною, яка втілювала цю атмосферу Брайтона. Хоча вона хвилювалася за виховання сина в такому середовищі, вона також викладала Обрі літературу та музику. Йому пощастило провести свою юність з Еллен, і Брайтон безумовно став основою його таланту до розуміння дивацтв суспільства тієї епохи. Обрі переїхав до Лондона, коли йому було 15 років. Коли родина Бердслі покинула Брайтон, Обрі втратив відчуття свободи, з яким його виховували, але водночас зміг розвинути свій талант, спілкуючись з Едвардом Берн-Джонсом, Оскаром Уайльдом та Вільямом Моррісом, художниками, які забарвили цей період. Обрі, чий талант розквітнув у Лондоні, почав пропонувати свої ілюстрації багатьом літературним та театральним виданням.

Найвідомішими прикладами є його ілюстрації до «Саломеї» Оскара Уайльда, «Смерті Артура» сера Томаса Мелорі, «Казок Едгара Аллана По» Едгара Аллана По, «Алібаба та сорок розбійників» з «Тисячі й однієї ночі», французького журналу «Жовта книга» та п'єси «Лісістрата». Ілюстрації до цих літературних та театральних творів мистецтва також були намальовані багатьма іншими ілюстраторами, але роботи Обрі були абсолютно відмінними від будь-яких інших. Спокусливі мотиви, які він малював, використовуючи лише чорне чорнило, такі як жінка з безстрашною посмішкою, джентльмен із зневажливою презирством та фігури з надзвичайно перебільшеними геніталіями, – все це виражає незрівнянний талант Обрі до сприйняття хаосу та неспокійної атмосфери того часу. Бунтівний характер та образність його ілюстрацій часто викликали суперечки. Його навіть називали «молодшим братом диявола». Але немає сумнівів, що він був зіркою своєї епохи, що видно з багатьох впливових ілюстраторів, які прийшли після нього та перебували під впливом творчості Обрі, таких як Гаррі Кларк, Алістер, Джон Остін, Кей Нільсен та Джордж Барб'є.

На жаль, геній Обрі освітив кінець дев'ятнадцятого століття, епоху декадансу кінця століття, лише ненадовго, перш ніж зникнути, коли його трагічно коротке життя обірвалося лише через двадцять п'ять років. Як виникли бунтівні, але вишукані монохромні твори мистецтва, намальовані «молодшим братом Диявола»? Чи було його життя просто самим мистецтвом? Ця книга – перлина, яка представляє твір мистецтва, найбільше ототожнюваний із самим «Бердслі», розкриваючи як художника, так і ідею, через його життя та його шедеври.

The Bauhaus, the school of art and design founded in Germany in 1919 and shut down by the Nazis in 1933, brought together artists, architects and designers in an extraordinary conversation about modern art. 

Bauhaus 1919–1933, published to accompany a major multimedia exhibition at MoMA, is the first comprehensive treatment of the subject by MoMA since 1938 and offers a new generational perspective on the 20th century’s most influential experiment in artistic education. It brings together works in a broad range of mediums, including industrial design, furniture, architecture, graphics, photography, textiles, ceramics, theatre and costume design, and painting and sculpture – many of which have rarely if ever been seen outside of Germany. 

Featuring about 400 colour plates and a rich range of documentary images, this publication includes two overarching images by the exhibition’s curators, Leah Dickerman and Barry Bergdoll, concise interpretive essays on key objects by over twenty leading scholars, and an illustrated, narrative chronology.

A rare and fascinating look at the Bauhaus’s global legacy, and a central publication of the school’s centenary celebrations

From its inception in 1919, the Bauhaus was a truly international institution. Students and teachers travelled from Croatia, Hungary, Japan, Palestine, Russia, Switzerland and the United States to Weimar and later Dessau and Berlin to become part of the school, drawn to the Bauhaus because of its cosmopolitan, avant-garde perspective and hands-on curriculum. This outlook was reflected in the way the school received and interpreted diverse influences, ranging from Arts and Crafts to reform pedagogy, from Eastern spirituality to constructivism, machine production and the Neues Bauen (New Building) movement. Art and design at the Bauhaus also contained a transcultural element, gleaned through exposure to non-western cultures, books and museum collections and interaction with foreign students and visiting lecturers.

Featuring contributions from artists, historians, cultural theorists and others, Bauhaus Imaginista offers a rare opportunity to explore a history of transcultural exchange in the 20th century through the specific lens of the Bauhaus and its reception in different geographies and time periods. Part of the large-scale project marking the school’s centenary, its focus is on the experimental, open-ended character of modernism as well as its inherent cosmopolitanism. As never before, it shows the crucial role the Bauhaus had in reimagining the relationship between art and society.

About the Authors:

Marion von Osten is a curator, researcher and writer based in Berlin. Her previous publications include, as co-editor, Colonial Modern: Aesthetics of the Past, Rebellions for the Future and Transcultural Modernisms. 

Grant Watson is a London-based curator and researcher. Recent projects include How We Behave with If I Cant Dance, Amsterdam, exploring questions of life practice and politics through filmed interviews (2014-present).

Понад 1200 років прекрасного дизайну книг, тепер в одній приголомшливій колекції.

Книга Келлс (яку вважають найкрасивішою книгою у світі), Лестерський кодекс (найдорожча книга Леонардо да Вінчі), Декоративні Писання Середньовіччя, Подарункові книги кінця 19 століття, Дизайнерські книги епохи модерну та ар-деко, Обкладинки книг Пінгвіна...

Це повна колекція з понад 100 «прекрасних книг» світу, надрукованих високоякісно. Хоча основний текст японською мовою, назва кожної книги наведена мовою оригіналу, а повний список книг, включаючи рік видання, країну та власника, написаний англійською мовою.

Цінова книга для любителів книг, друкованих видань та тих, хто любить класичну культуру Заходу.

Книги, представлені в цій книзі, представлені в таких бібліотеках та музеях: Бібліотека Пірпонта Моргана Нью-Йорка, Бібліотека Конгресу Вашингтона, округ Колумбія, Публічна бібліотека Нью-Йорка, Музей образотворчих мистецтв Бостона, Бібліотека Вольфсонівського університету Флориди.

Про автора:

Хіроші Унно народився 1939 року в Токіо. Унно пише про мистецтво, кіно, музику, урбанізацію, романи, аранжування квітів та багато іншого. Нещодавні видання Унно, випущені PIE International - Avant-Garde Graphics in Russia, The Art of Fantasy, Sci-fi and Steampunk, Harry Clarke, William Morris: Master of Modern Design, The World of Mucha, A Thousand and One Nights - здобули визнання в усьому світі.

This generously illustrated and comprehensive book examines German and Austrian artists in the 1930s as they reacted to a time of crisis and dissent.

The 1930s in Germany and Austria were marked by economic crisis, political disintegration, and social chaos. This beautifully illustrated catalog surveys the development of the arts in these two countries between the two world wars. Presenting nearly 150 paintings and works on paper, this book reveals artistic developments that foreshadowed, reflected, and accompanied the beginning of World War II. Works by Max Beckmann, Otto Dix, Max Ernst, Oskar Kokoschka, and Alfred Kubin are presented alongside pieces by lesser-known artists such as Friedl Dicker-Brandeis, Albert Paris Gütersloh, Karl Hubbuch, Richard Oelze, Josef Scharl, Franz Sedlacek, and Rudolf Wacker. This book features essays about the appropriation of artistic idioms, the reactions of artists toward their historical circumstances, and major political events that shaped the era.

About the Author:

Olaf Peters is Professor of Modern Art at Martin Luther University in Halle-Wittenberg and the author of Degenerate Art: The Attack on Modern Art in Nazi Germany 1937 and Berlin Metropolis: 1918-1933 (both by Prestel).

This lavishly illustrated book examines Berlin in-depth during a period of explosive growth between the two world wars.

Between 1871 and 1919, the population of Berlin quadrupled, and the city became the political center of Germany, as well as the turbulent crossroads of the modern age. This was reflected in the work of artists, directors, writers, and critics of the time. As an imperial capital, Berlin was the site of violent political revolution and radical aesthetic innovation. After the German defeat in World War I, artists employed collage to challenge traditional concepts of art. Berlin Dadaists reflected upon the horrors of war, and the terrors of revolution and civil war. Between 1924 and 1929 as the spirit of modernity took hold, jazz, posters, magazines, advertisements, and cinema played a central role in the development of Berlin’s urban experience. The concept of the “Neue Frau” — the modern, emancipated woman–helped move the city in a new direction. Finally, Berlin became a stage for political confrontation between the left and the right and was deeply affected by the economic crisis and mass unemployment at the end of the 1920s. This book explores in numerous essays and illustrations the artistic, cultural, and social upheavals in Berlin between 1918 and 1933, and places them in a broader historical framework.

About the Author:

Olaf Peters is Professor of Modern Art at Martin Luther University in Halle-Wittenberg and the author of Degenerate Art: The Attack on Modern Art in Nazi Germany 1937 and Before the Fall: German and Austrian Art in the 1930s (both by Prestel).

Against the Grain

Since its beginnings in Paris in the mid-19th century, the idea of bohemia, an urban community of artists and intellectuals living outside bourgeois norms, has been a potent trope of artistic identity. It was here that the notion of an unconventional, free-spirited life, precarious yet filled with idealism, was codified and romanticized. Bohemia: History of an Idea, 1950 – 2000 shows the continuities and differences between the scenes and subcultures of the second half of the twentieth century, when the mainstream began to appropriate and thereby erode a way of life predicated on its rejection. Nonetheless, as an alternative to conformity the bohemian idea has exerted an enduring fascination. Through works by 39 artists, including Alice Neel, PeterHujar, John Deakin, David Wojnarowicz, Ed van der Elsken, Robert Frank and Alfred Leslie, William Gedney, Libuše Jarcovjáková, Nan Goldin, Zhang Huan and Wolfgang Tillmans, the publication explores the diversity of expressions in various cities in Europe, North America and Asia and shows that the bohemian idea continues to galvanize and inspire.

About the Author:

Russell Ferguson is a research professor at the University of California’s Art Department. During his tenure at the Museum of Contemporary Art and the Hammer Museum in Los Angeles, he curated numerous exhibitions on culture and representation in contemporary art and photography.

Знаменитий купол Флорентійського собору, найбільше муроване склепіння у світі, було збудовано Філіппо Брунеллескі між 1420 та 1436 роками. Більше 100 років потому, між 1572 та 1579 роками, склепіння було прикрашено фресками художників Джорджо Вазарі та Федеріко Цуккарі, що зображують Страшний суд. Використовуючи передові технології обробки зображень, повний доступ та провідного італійського художнього фотографа, ця книга представляє в небачених раніше деталях та повноті весь живописний цикл Купола. Внески відомих мистецтвознавців Марко Буссальї, Міни Грегорі та Тімоті Вердона висвітлюють мистецтвознавче значення цього чудового символу Флоренції та епохи Відродження.

Текст англійською та італійською мовами.

Про авторів:

Марко Буссальї — історик мистецтва та професор Римської академії образотворчих мистецтв.

Міна Грегорі — почесний професор історії сучасного мистецтва Флорентійського університету.

Тімоті Вердон — історик мистецтва, який здобув освіту в Єльському університеті. Він є директором Музею опери Дуомо у Флоренції.

Карло Ванніні — один із провідних італійських художніх фотографів та викладає фотографію для культурної спадщини в Академії образотворчих мистецтв у Болоньї.