Книги з історії мистецтва

This book includes examples of the Wiener Werkstätte’s iconic aesthetic and covers all of the significant artists who were a part of the collective.

The Wiener Werkstätte, founded by Josef Hoffmann, Koloman Moser, and Fritz Waerndorfer, was an artists’ and craftsmen’s collective that existed in Vienna from 1903 until 1932. The artists’ goal was to bring high-quality design and craft into all areas of life and to elevate everyday objects into pieces of art. During that time, the collective produced items in a variety of media including ceramics, furniture, glass, jewelry, metalwork, and textiles. The Wiener Werkstätte style influenced generations of architects from Bauhaus to Art Deco. This book features the work of well-known Wiener Werkstätte members such as Josef Hoffmann, Koloman Moser, and Dagobert Peche along with lesser-known designers such as Gudrun Baudisch, Carl Otto Czeschka, and Ugo Zovetti. It also includes in-depth essays that explore the Wiener Werkstätte’s long history and legacy.

__________

Пролистать книгу Wiener Werkstätte - 1903-1932: The Luxury of Beauty

Re-examining history from a female perspective, this book celebrates the numerous important roles women have played in culture and society that are less often told.

Packed full of evocative images, this gloriously illustrated book reveals the key events in women's history - from early matriarchal societies through women's suffrage, the Suffragette movement, 20th-century feminism and gender politics, to recent movements such as #MeToo and International Women's Day - and the key role women have had in shaping our past.

Learn about the everyday lives of women through the ages as well as the big names of women's history - powerful, inspirational, and trailblazing women such as Cleopatra, Florence Nightingale, Emmeline Pankhurst, Eva Peron, and Rosa Parks - and discover the unsung contributions of lesser-known women who have changed the world, and the "forgotten" events of women's history.

Placing women firmly centre stage, Women - Our History shows women where they have come from, and, in celebrating the achievements of women of the past offers positive role models for women of today

This dazzling book showcases the history of modern and contemporary art using one hundred of the most significant art works -- one per year -- of the past 100 years.

Starting with Marcel Duchamp's 1919 whimsical, brilliant L.H.O.O.Q., this compendium offers a year-by-year tour of iconic paintings, photography, sculptures, installations, and performance pieces from all over the world. The works are carefully selected to showcase a diverse range of artists. Read from cover to cover, this volume offers an evocative summary of stylistic trends, historic events, and technological innovations that changed art over the past 100 years. 

Opening the book to any random page will illuminate a singular perspective and aesthetic delight. Each work is impeccably reproduced and presented in double-page spreads alongside informative and engaging texts. 

From Georgia O'Keeffe and Man Ray to Kara Walker and Ai Weiwei, this unique survey will both satisfy and surprise art lovers everywhere.

__________

Пролистать книгу 100 Years, 100 Artworks: A History of Modern and Contemporary Art

A comprehensive, lavishly illustrated guide to 20th-century pewter, which combines key international manufacturers and designers in one book

Pewter is a versatile alloy which has been used to make a wide variety of domestic objects since antiquity. Malleable and lustrous, it was commonly used for making tableware until the eighteenth and nineteenth centuries, when porcelain and glass became more popular. An inexpensive alternative to silver, it re-emerged as a popular material in the twentieth century, allowing for a new-found flexibility, and encouraging designers to experiment with form. From architectural finesse to the smallest everyday object, pewter was used globally, and was favoured as an inlay for decorative panels, furniture, vases and bowls.

20th Century Pewter outlines the development of pewter design from the Art Nouveau movement up to the Modernist period. The first book to examine the artists and manufacturers working in this versatile material, it highlights the important factories and workshops of Germany, Britain, France, the Netherlands, Austria, Scandinavia, Japan, and America. Histories of Wurttembergische Metallwaren Fabrik (WMF) and Liberty & Co. are included, as well as details of marks and monograms. With invaluable information on restoration, care, reproductions and fakes, the volume includes over 350 original photographs of outstanding examples of twentieth-century pewter design.

This book traces the rise of the 3D spectacle, from 19th-century stereoscopy to contemporary 3D filmmaking and artworks.

This book follows the cyclical development of 3D media from the 1830s to the present, tracing an alternate history of modernism in which virtual depth takes precedence over material flatness. Pursuing a career-long obsession, author Britt Salvesen explores the origins of the stereoscope and its impact on later artists, featuring historic images by Jules Duboscq, Marcel Duchamp, Oskar Fischinger, Salvador Dali, and others. She traces the origins of anaglyph and polarized film, as well as other 3D formats, such as View-Master, Stereo Realist, lenticular printing, computer animation, and holography. Readers learn how 3D techniques were adopted by such artists as Simone Forti, Dan Graham, Mariko Mori, William Kentridge, Trisha Baga, and Lucy Raven. Encompassing nearly 200 years of innovation and covering a wide range of genres, artists, and media — from sophisticated perceptual experimentation to popular cinema — this volume explores how and why 3D images remain wondrous to 21st-century artists and audiences. Each book includes 3D viewing apparatuses to allow readers to fully engage in this multi-dimensional history of artistic expression.

About the author:

Britt Salvesen is Curator and Head of the Wallis Annenberg Photography Department and the Prints and Drawings Department at the Los Angeles County Museum of Art.

5000 Years of Tiles is the essential, single-volume colour compendium of tile art and production around the world, from ancient times to the present day.

Over 350 beautiful colour illustrations showcase an incredible range of tile arts, including the first fired roof tiles in ancient Greece in the third millennium BC, English medieval floor pavements from Clarendon Palace, figural tiles from China, richly patterned Iznik tiles from the Islamic world and stylized ceramic tiles of the Arts and Crafts movement.

Placing the tiles firmly in their historical and cultural context, this richly illustrated book highlights the continuity and diversity of tiles, examining how tile art in one time and place has inspired and rejuvenated those in others. The function and form of this versatile art is examined in stunning detail, from floors to roofs, stoves to bathrooms, cathedrals to metro stations to reveal a fascinating history of design, colour and decoration.

A complete edition of the first herbal published by a woman artist — which has a remarkable backstory.

In the 1730s, Elizabeth Blackwell (1699–c. 1758) found herself penniless, with her ne’er-do-well husband confined to a London debtor’s prison. A talented artist, she came up with a unique and ambitious moneymaking scheme: the publication of a new illustrated guide to medicinal plants, including many New World species not depicted in earlier books. Blackwell’s Curious Herbal, published between 1737 and 1739, was hailed for its usefulness to doctors and apothecaries and met with considerable financial success.
This magnificent volume — the first modern edition of Blackwell’s herbal — reproduces all 500 of her exquisite plates. Blackwell not only made the drawings, but prepared the copper plates and personally hand-coloured them. Her handwritten descriptions of the plants, which she creatively adapted (with permission) from Joseph Miller’s Botanicum Officinale, retain considerable interest. This book features a previously unknown preface by Blackwell, in which she reveals her passion for art and nature, and her vision for the herbal. Two introductory texts contextualise Blackwell’s achievement: the noted garden writer Marta McDowell explores the history of herbals as a genre, and the state of botanical knowledge in Blackwell’s time; and the historian Janet Stiles Tyson relates the artist’s rather extraordinary biography.

A Curious Herbal will be essential for all lovers of botanical art, and for anyone interested in women’s history and the history of science.

About the Authors:

Marta McDowell teaches landscape history and horticulture at the New York Botanical Garden. She has authored several books, including Unearthing “The Secret Garden” and All the Presidents’ Gardens. Janet Stiles Tyson, an independent scholar, wrote her doctoral dissertation on Elizabeth Blackwell’s A Curious Herb

_______________________

Пролистать книгу A Curious Herbal на сайте издательства.

Новаторський огляд школи експресивного, символічного пейзажного живопису, який дав початок американському модернізму — нещодавно переглянуте та оновлене

Цей чудовий том, який містить понад 750 ілюстрацій, є першим остаточним описом руху тоналістів. Базуючись на оригінальних дослідженнях, у ньому розповідається про те, як прогресивний тоналістичний ландшафт розвінчав школу річки Гудзон наприкінці 1870-х років і залишався домінуючою школою в американському мистецтві аж до Першої світової війни. Більш провокаційно, він також стверджує, що тоналізм дав початок американському модернізму, заклавши основу для художників гуртка Штігліца, а згодом Мілтона Евері, Марка Ротко, Адольфа Ґотліба, Барнетт Ньюман, Хелен Франкенталер, Вольф Кан і Річард Мейхью.

A History of American Tonalism розміщує ключових діячів руху — таких як Джордж Іннесс, Джеймс Макніл Вістлер і Джон Генрі Твахтман — у їхньому культурному контексті, на який вплинули такі мислителі, як Ральф Волдо Емерсон, Генрі Девід Торо, Джон Берроуз і Вільям Джеймс. У ньому також розглядається кар’єра понад шістдесяти інших художників-тоналістів, менш відомих, але дуже талановитих.

Це нове видання A History of American Tonalism містить понад сто нових ілюстрацій, а також новий огляд стилістичних принципів тоналізму. Це й надалі буде важливим для любителів мистецтва, художників, науковців та всіх, хто прагне краще зрозуміти не лише рух тоналістів, а й американське мистецтво в цілому.

Про автора:

Девід Адамс Клівленд, історик мистецтва, куратор і викладач, писав для The Magazine Antiques і ARTnews. Він також є автором трьох романів: Time’s Betrayal, Love’s Attraction і With a Gem-Like Flame. Клівленд і його дружина живуть у Нью-Йорку, де він працює арт-консультантом разом зі своїм сином Картером Клівлендом, засновником Artsy.net, веб-сайту для пошуку, купівлі та продажу мистецтва.

A new, compact edition of David Hockney and Martin Gayford’s brilliantly original book, with a revised final chapter and three entirely new Hockney artworks

'I won't read a more interesting book all year ... utterly fascinating' AN Wilson, The Sunday Times

Informed and energized by a lifetime of painting, drawing and making images with cameras, David Hockney, in collaboration with the art critic Martin Gayford, explores how and why pictures have been made across the millennia. What makes marks on a flat surface interesting? How do you show movement in a still picture, and how, conversely, do films and television connect with old masters?

Juxtaposing a rich variety of images – a still from a Disney cartoon with a Japanese woodblock print by Hiroshige, a scene from an Eisenstein film with a Velázquez painting – the authors cross the normal boundaries between high culture and popular entertainment, and make unexpected connections across time and media. Building on Hockney’s groundbreaking book Secret Knowledge, they argue that film, photography, painting and drawing are deeply interconnected. Insightful and thought-provoking, A History of Pictures is an important contribution to our appreciation of how we represent our reality. This new edition has a revised final chapter with some of Hockney’s latest works, including the stained-glass window in Westminster Abbey.

Contents List:

1. Pictures, Art and History 2. Pictures and Reality 3. Making Marks 4. Shadows 5. Picturing Space and Time 6. Brunelleschi’s Window and Alberti’s Mirror 7. Mirrors and Reflections 8. Paper, Paint and Multiplying Pictures 9. Painting the Stage and Staging Paintings 10. Caravaggio and the Academy of the Lynx-Eyed 11. Vermeer and Rembrandt: the Hand, the Lens and the Heart 12. Truth and Beauty in the Age of Reason 13. The Camera Before and After 1839 14. Photography, Truth and Painting 15. Painting with and without Photography 16. Snapshots and Moving Pictures 17. Movies and Stills 18. The Unending History of Pictures

About the Authors:

David Hockney is considered one of the most influential British artists of the 20th century. He has produced work in almost every medium - painting, drawing, stage design, photography and printmaking - and has stretched the boundaries of all of them. Born in Bradford, England, in 1937, Hockney attended art school in London before moving to Los Angeles in the 1960s. There, he painted his famous swimming pool paintings. In a 2011 poll of more than 1,000 British artists, Hockney was voted the most influential British artist of all time. He continues to create and exhibit art.

Martin Gayford is art critic for The Spectator and the author of acclaimed books on Van Gogh, Constable and Michelangelo. He is the author of Man with a Blue Scarf, Rendez-vous with Art and A Bigger Message. He has collaborated with David Hockney on A Bigger Message and A History of Pictures, and has co-written a volume of travels and conversations with Philippe de Montebello: Rendez-vous with Art.

Словник мезоамериканської міфології та релігії, що є путівником по цьому лабіринтному символічному світу

Майже 300 статей, від сходження на престол до ярма, описують головних богів та символи ацтеків, ольмеків, сапотеків, майя, теотіуакано, мікстектів та тольтеків.

Вступні есе містять стислий виклад мезоамериканської історії та релігії.

Ця авторитетна праця є стандартним довідником для студентів, науковців та мандрівників.

Про авторів:

Мері Еллен Міллер — американська історикиня мистецтва та декан Єльського коледжу. У 2008 році її було призначено професором Стерлінга в Єльському університеті. Вона обіймала посади завідувачки кафедр історії мистецтва, латиноамериканських досліджень та археологічних досліджень у Єльському університеті, а також директорки бакалаврських досліджень з історії мистецтва. Вона написала багато статей про мезоамериканське мистецтво, а її книга, написана разом з Ліндою Шеле «Кров королів», вважається знаковою у дослідженнях майя. Вона також є авторкою, разом з Карлом Таубе, книги «Боги та символи стародавньої Мексики та майя».

Карл Таубе — американський мезоамериканіст, археолог, епіграф та етноісторик, відомий своїми публікаціями та дослідженнями доколумбових культур Мезоамерики та американського Південного Заходу.

Many initiatives to support women were begun in the late 1800s, but the Royal School of Needlework (RSN) is one of the few that remain. This initiative was born from the desire of three women – Princess Helena, Lady Victoria Welby and Lady Marian Alford – to popularise the lost art of ornamental needlework and place it on a par with other decorative arts, such as painting and sculpture. Their other, yet no less important goal was to provide employment for women compelled to earn their own livelihood. Though women are no longer so limited in occupational options, the RSN has been keeping traditional embroidery techniques alive for a century and a half. 

Published to coincide with the RSN’s 150th anniversary, this book will tell the story of the RSN from its founding in 1872 to the current day. It will highlight key people, royal and other special commissions, the changing fortunes of the school as fashions changed and the approach to teaching hand embroidery, as well as bringing attention to the role and position of the RSN historically and today, associating with everyone from society ladies and theatre impresarios in the late 19th century to working with fashion designers Patrick Grant, Nicholas Oakwell and Alexander McQueen, and architects in the 21st century.

About the Author:

Dr Susan Kay-Williams has been chief executive of the Royal School of Needlework since 2007. She is also a curator and archivist. She has spent a lot of her spare time researching the RSN’s history because she believes more of its remarkable history needs to be known. In her own right her research interest is in the history of dyes and textile dyeing. She published The Story of Colour in Textiles in 2013 (Bloomsbury).

__________

Пролистать книгу An Unbroken Thread: Celebrating 150 Years of the Royal School of Needlework

Багато ініціатив на підтримку жінок було започатковано наприкінці 1800-х років, але Королівська школа рукоділля (RSN) є однією з небагатьох, що збереглися. Ця ініціатива народилася з бажання трьох жінок – принцеси Гелени, леді Вікторії Велбі та леді Меріан Алфорд – популяризувати втрачене мистецтво орнаментального рукоділля та поставити його нарівні з іншими декоративними видами мистецтва, такими як живопис та скульптура. Їхньою іншою, але не менш важливою метою було забезпечити роботою жінок, змушених самостійно заробляти на життя. Хоча жінки більше не так обмежені у виборі професій, RSN зберігає традиційні техніки вишивання вже півтора століття.

An Unbroken Thread розповідає історію від заснування RSN у 1872 році до наших днів. У ньому висвітлюються ключові особи, королівські та інші спеціальні доручення, зміна долі школи зі зміною моди та підхід до викладання ручної вишивки, а також привертається увага до ролі та становища RSN історично та сьогодні, співпрацюючи з усіма, від світських дам та театральних імпресаріо кінця 19 століття до роботи з модельєрами Патріком Грантом, Ніколасом Оуквеллом та Александром Макквіном, та архітекторами 21 століття.

Вперше опубліковане до 150-річчя RSN, це перероблене видання детально описує найновіші проекти, над якими працювала RSN, демонструючи їхню майстерну роботу над регаліями для коронації Їхніх Величностей Короля Карла III та Королеви Камілли – Державна мантія Короля, Мантія Королеви, Екран помазання, Королівський палантин та пояс, Голови маєтку та Голови держави.

_Демонстрація регалій для коронації Їхніх Величностей Короля Карла III та Королеви Камілли.
_Висвітлення визначної історії Королівської школи рукоділля (RSN) від заснування до наших днів. Ілюстровано історичними фотографіями та документами.
_Оригінальне видання опубліковане до 150-річчя RSN.

Про автора:

Доктор Сьюзен Кей-Вільямс обіймає посаду головного виконавчого директора Королівської школи рукоділля з 2007 року. Вона також є куратором та архівістом. Вона присвячує багато вільного часу дослідженню історії RSN, оскільки вважає, що про її визначну історію потрібно знати більше. Її дослідницькі інтереси зосереджені на історії барвників та фарбування текстилю. Вона опублікувала книгу The Story of Colour in Textiles (Bloomsbury) у 2013 році.

_____________

Погортати книгу  An Unbroken Thread: Celebrating 150 Years of the Royal School of Needlework - updated edition

Art & War in the Renaissance, видана з нагоди великої пересувної виставки, представляє самобутню зброю та обладунки в багатому контексті важливої серії гобеленів, щоб підкреслити красу воєнної культури Європи епохи Відродження.

Цей значний внесок в історію мистецтва та військову експозицію досліджує військове мистецтво, від церемоніальних обладунків, аркебуз та мечів до розкішних фламандських гобеленів, що зображують битву при Павії, битву 1525 року між королем Франції Франциском I та імператором Священної Римської імперії Карлом V, яка, можливо, сформувала сучасну європейську історію.

Засіб престижу та пропаганди, безпрецедентний набір гобеленів з Музею та Королівського музею Боско ді Каподімонте, що відображає події битви при Павії в натуральну величину, за проектом Бернарда ван Орлея, провідного брюссельського художника того часу, який був відомий у всій Європі епохи Відродження.

Книга демонструє моду шістнадцятого століття, включаючи вишукані обладунки, складно деталізовану зброю та костюми від кутюр для військових з Армерії Фарнезе, однієї з найважливіших династичних збройовень Європи. Есе провідних науковців заглиблюються в архів неаполітанської родини д'Авалос, зусилля з реставрації робіт, а також їхні підготовчі креслення, що зараз зберігаються в Луврі. Великі кольорові пласкі та безліч пишних деталей доповнюють цей визначний том.

Про авторів:

Сільвен Белленжер — почесний директор Музею та Королівського музею Боско ді Каподімонте.

Томас П. Кемпбелл — директор і генеральний директор Музеїв образотворчих мистецтв Сан-Франциско.

Граціелла Палей — відома реставраторка гобеленів, яка працює для італійської громадської спадщини.

Чечілія Паредес — міжнародна науковниця та спеціалістка з гобеленів.

Карміне Романо — куратор і керівник відділу оцифрування та цифрового каталогу в Музеї та Королівському музеї Боско ді Каподімонте.

Антоніо Тосіні — реставратор арсеналів Фарнезе та Бурбона в Музеї та Королівському музеї Боско ді Каподімонте.

________

Погортати книгу Art & War in the Renaissance: The Battle of Pavia Tapestries на сайтi видавництва.

Розкішно ілюстрована понад 1000 ілюстраціями та написана одним із провідних світових експертів, книга Art Deco Complete стане визначальною роботою на цю тему на багато років уперед.

У найповнішому описі декоративного мистецтва періоду ар-деко, коли-небудь зібраному, Алістер Дункан відзначає багате розмаїття форм та різноманітне міжнародне коріння, що зробило його постійним улюбленцем колекціонерів та постійним джерелом натхнення для дизайнерів.

Проходячи між двома світовими війнами та Великою депресією, започаткувавши епоху джазу та еру автомобілів і хмарочосів, і формуючи все, від мосту Золота Брама до скромної настільної лампи, історія ар-деко є історією нашого сучасного світу.

У своїх найчистіших формах вона розвинулася з характерно французького образу розкоші та вишуканості. Пізніше європейські та американські дизайнери-модерністи включили метал і пластик у стилі, описані як «Streamline Moderne», але які зараз називаються «Deco». Хоча Париж був духовною домівкою руху, ар-деко був справді глобальним стилем, а дизайнери з кожної країни Європи та Америки надихалися величезним міжнародним каталогом художніх та ремісничих традицій.

Посібник починається з есе про основні засоби масової інформації того періоду: меблі та оформлення інтер'єру; скульптура; живопис, графіка, плакати та палітурні вироби; скло; кераміка; освітлення; текстиль; срібло, метал, лак та емаль; та ювелірні вироби, після чого йдуть щедро ілюстровані детальні біографії провідних дизайнерів та художників, які працювали в цьому середовищі.

Друга половина книги — це авторитетний ілюстрований список від А до Я всіх значних дизайнерів у стилі ар-деко, що містить понад чотириста статей.

Про автора:

Алістер Дункан багато років був співробітником та консультантом Christie's у Нью-Йорку, а зараз є незалежним консультантом з декоративного мистецтва 19-го та 20-го століть. Він є автором багатьох книг про період ар-деко, зокрема Art Nouveau and Art Deco Lighting, Art Deco Furniture, American Art Deco and Art Nouveau та Art Deco Bookbinding.

З понад 1000 кольоровими та чорно-білими ілюстраціями.

Зі свіжістю та широтою підходу, що ставить мистецтво італійського Відродження в його контекст, ця книга досліджує, чому були створені твори та хто замовив палаци, собори, картини та скульптури. Вона охоплює Рим, Флоренцію, Венецію та Венето, Ассізі, Сієну, Мілан, Павію, Геную, Падую, Мантую, Верону, Феррару, Урбіно та Неаполь. Розділи згруповані в чотири хронологічні частини, що дозволяє послідовно досліджувати окремі міста в різні періоди. Блоки «Сучасна сцена» пропонують захопливі уявлення про повсякденне життя, а блоки «Сучасний голос» цитують художників та письменників того часу. Доступна та чудово представлена ​​з понад 700 переважно кольоровими зображеннями, ця книга є вичерпною роботою про ключовий період західного мистецтва та культури.

Про авторів:

Джон Т. Паолетті — почесний професор історії мистецтва. Він має численні публікації про меценатство родини Медічі у Флоренції та про Мікеланджело. Гері М. Радке — спеціаліст з епохи Відродження в Сіракузькому університеті та член Американської академії в Римі.