Книги про сучасне мистецтво

A landmark book documenting the first-ever art amusement park – launched in 1987 in Hamburg, Germany – in anticipation of its global reintroduction

In the late 1980s, more than 30 of the era’s most acclaimed artists – including Jean-Michel Basquiat, David Hockney, Roy Lichtenstein, Salvador Dalí, and Keith Haring – designed unique and fully operational fairground attractions specifically for the original park, including rides, interactive sculptures, games, performances, and music.

Each artist’s contribution is documented in photographs that show the artist at work, with details of the artworks, and showing the art in the context of the exhibition. Giving access to rare artworks that have not been widely viewed in 35 years, this book is being published for the first time in English with an updated preface.

About the Author:

André Heller is an acclaimed international multimedia artist. He is the creator of best-selling books, largescale flying and floating sculptures, and garden artworks, and has had a platinum-selling career as a singer and songwriter. In addition to directing shows, plays, circuses, films, and operas, he has also designed fire spectacles, labyrinths, and museums. He lives and works between Vienna and Marrakech.

Make Your Mark introduces the work of 45 artists who are extraordinarily diverse but united by one basic principle: their art is completely fresh, original and the epitome of creativity.

They adopt a wide range of practices, including not only street art and new interpretations of the form but also studio-based work that has an ‘urban’ edge. The names – 44flavours from Germany, Bault from France, Morcky from Italy, Ricardo Cavolo from Spain, Zio Ziegler from the USA, Fuco Ueda from Japan, Raymond Lemstra from the Netherlands, João Ruas from Brazil and many others – all show exceptional talent, distinctiveness and courage in their approach to their work.

Divided into three thematic chapters – ‘Draw’, ‘Paint’ and ‘Make’ – this book focuses not only on the handmade and the hand-drawn but also the unusual techniques and unconventional approaches to the media used. The work is experimental and multifaceted – involving painting, illustration, sculpture, installation, mural art, tattoo art, cartoons, animation, textile art, and sometimes all of these things in one go – and many of the artists could be equally at home in any one of these categories.

Make Your Mark is an inspirational guide for practitioners, students and fans as well as anyone in commercial branding and communications not frightened by integrity

Tristan Manco who has spotted the greatest talents in urban art in a string of bestselling publications brings us another mould-breaking worldwide selection.

Визнаний одним із провідних художників свого покоління, Марк Квінн нелегко зводиться до зручних ярликів. Найповніша на сьогодні книга про Квінна, «Я, ти і світ», простежує тридцятирічне захоплення художника багатогранним досвідом людського буття.

Марк Квінн привернув міжнародну увагу в 1991 році завдяки своїй роботі «Я», зліпку його голови, зробленому з власної замерзлої крові. Його ранні дослідження себе незабаром розширилися до ширших роздумів про досвід інших. Визначною подією в цьому зрушенні стала його відома скульптура 2005 року «Вагітна Елісон Лаппер», виставлена на четвертому плінтусі Трафальгарської площі в Лондоні. Відтоді Квінн займається низкою нагальних соціальних та екологічних проблем за допомогою різноманітних матеріалів і технік, які часто оживляють зв'язки між мистецтвом і наукою, борючись з дихотоміями краси та потворності, фізичного та духовного, вічного та смертного. Цей основоположний огляд включає багато його найвідоміших робіт, а також розмови з колишніми художниками та однодумцями Ай Вейвеєм, Тітусом Кафаром, Елісон Лаппер, Кейт Мосс, Неллою Нгінго та Джен Рід, малюючи картину художника, невгамовно допитливого до світу, що його оточує.

Про авторів:

Джефферсон Хак — куратор, креативний директор та співзасновник Dazed Media.

Ширлі Нгозі Нвангва пише про мистецтво, расу, гендер та політику для New York Times, New Yorker, New York Magazine, Art Forum, ARTnews та інших.

Гетті Джуда — головний арт-критик журналу i, постійний автор мистецьких сторінок Guardian та колумністка журналу Apollo. Вона пише для Frieze, Art Quarterly, Art Monthly, ArtReview та інших.

Доктор Джастін Бенгрі проводить магістерську програму з історії квір-культури в Лондонському університеті Голдсмітс та є директором Центру історії квір-культури Голдсмітс.

Вичерпний путівник по життю та творчості Марини Абрамович, найвідомішої у світі перформанс-художниці.

Поєднуючи абсолютно нові інтерв'ю, ніколи раніше не бачені зображення та захопливі ефемерні матеріали, ця книга є свідченням надзвичайного життя та творчості однієї з наших найсміливіших та найноваторськіших художниць, і видана до відкриття виставки Абрамович у Королівській академії – першої великої виставки жінки-художниці за 255-річну історію Академії.

Погоджуючись відповідати на будь-яке поставлене запитання, Абрамович розпочала 17 місяців відвертих інтерв'ю, які проводила її подруга та довірена особа Катя Тилевич. Результатом є монолітна ретроспектива, яка веде нас від скромних початків сором'язливої ​​дитини, що сиділа в задній частині класу, до безстрашної піонерки, яка підкорює та підриває світ мистецтва своїми перформансами, що розширюють межі, і завершується її найглибшим особистим досвідом на сьогодні.

Понад 600 зображень з особистого архіву Абрамович запалюють ці захопливі спогади, створюючи захопливий візуальний ландшафт та демонструючи нерозривно переплетений характер її життя та творчості.

Ця захоплююча інтимна подорож веде нас через пустелі, океани та міста, щоб дослідити екстремальні злети та падіння, водночас захоплюючись тим, як Абрамович підходить до кожного успіху та невдачі зі своїм фірмовим гумором та дотепністю. Ніколи не цураючись правди, вона не залишає каменя на камені, а безстрашність Абрамович пронизує кожну сторінку.

Доречно розмиваючи межі між митцем та мистецтвом, ця книга виступає ключовим каменем у житті одного з найважливіших перформансистів світу.

Про авторів:

Катя Тилевич – письменниця-художник та фантаст. Вона є автором книжок Marina Abramovic: A Visual Biography, Gus Van Sant: The Art of Making Movies, Art Oracles, Success Oracles, багатьох книг і монографій, есе та інтерв’ю, а також співавторка My Life as a Work of Art. Серед відомих співробітництв художників – «Методичні картки Марини Абрамович», текст для «Акробата» Майкла Борреманса, а також проекти з Баррі Макгі, Тоддом Хідо та Еспеном Дейтріксоном. Катя роками була редактором і автором таких видань, як Elephant, Mark, Frame, Domus і Pin-Up. Разом із братом Олексієм вона заснувала платформу для видань, художньої літератури та спецпроектів Friend & Colleague. Зараз вона працює над художньою книгою під назвою Fear Eats the Soup.katyatylevich.com

З початку своєї кар'єри в Белграді на початку 1970-х років Марина Абрамовіч була піонером перформансу, створивши деякі з найважливіших ранніх робіт цього виду. Досліджуючи свої фізичні та психічні межі, вона протистояла болю, виснаженню та небезпеці у своєму прагненні до емоційної та духовної трансформації.

Абрамович була нагороджена Золотим левом як найкраща художниця на Венеційській бієнале 1997 року. У 2010 році Абрамович мала свою першу велику ретроспективу в США та одночасно виступала понад 700 годин у виставці «Художник присутній» у Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку. Абрамович заснувала Інститут Марини Абрамович (MAI) – платформу для нематеріальної та тривалої роботи, щоб створити нові можливості для співпраці між мислителями всіх галузей.

Її найновіша публікація — «Прогулянка крізь стіни: Мемуари», опублікована видавництвом Crown Archetype 25 жовтня 2016 року. Її ретроспектива «Прибиральник» відкрилася в Музеї сучасного мистецтва в Стокгольмі в лютому 2017 року та гастролювала ще на семи європейських майданчиках, завершивши виставку в Музеї сучасного мистецтва в Белграді, Сербія, у 2019 році. У вересні 2020 року Баварська державна опера представила світову прем'єру «7 смертей Марії Каллас», гастролі якої продовжаться на інших майданчиках. У 2023 році вона представить персональну виставку «Після життя» в Королівській академії та стане першою жінкою-художницею за 250-річну історію установи, яка займе весь простір галереї своїми роботами.

Ніколи раніше не публікована, ця самостійно курована, надзвичайно особиста колекція дорожніх нотаток та замальовок найшанованішої у світі перформанс-художниці пропонує читачам своєрідну іконографію сміливої ​​та абсолютно оригінальної творчості Абрамович.

Нотари художниці, мабуть, є найавтентичнішим засобом розуміння її процесу, технік та імпульсів. А для перформанс-художниці – рідкісним, постійним записом того, як вона розвиває своє ремесло. Складена протягом чотирьох десятиліть на канцелярському приладді з різних готелів та інших тимчасових помешкань, ця колекція оригінальних малюнків, колажів, поезії, творів, вирізок, фотографій та каракуль Марини Абрамович пропонує проблиски блискучого розуму в постійному русі. Гарно оформлена та оформлена, вона веде читачів у подорож думками Абрамович і простежує еволюцію найпліднішого етапу її кар'єри.

«Я вважаю, що нам, людям, потрібно рухатися вперед, і моє власне життя було суто кочовим», – пише Абрамович про свої дорожні щоденники. «Мій дім був усюди, куди я йшла, тому що моїм домом було моє власне тіло». Завдяки архівним матеріалам, елегантно відтвореним в оригінальному розмірі на високоякісному папері, ця колекція пропонує величезній базі шанувальників Абрамович безпрецедентний доступ до її творчого процесу.

Про автора:

Марина Абрамович здобула світове визнання як піонерка перформансу понад п'ятдесят років. У 2012 році вона заснувала Інститут Марини Абрамович (MAI) – платформу для нематеріальної та тривалої роботи, спрямованої на створення нових можливостей для співпраці між мислителями всіх галузей. Вона живе в Нью-Йорку.

The first international monograph of one of the most exciting painters working in Brazil today, Marina Perez Simão.

Marina Perez Simão (1981–) is an internationally recognized contemporary artist who uses a variety of techniques, such as collage, drawing, watercolor, and oil painting, as starting points to combine interior and exterior landscapes. She composes visual journeys that sometimes traverse the unknown, the abstract, and the nebulous, but which also include visions and memories.

Simão’s work is held in several public collections worldwide, including the Musée d’Art Moderne et Contemporain, in Saint-Étienne, France; the Ekard Collection in the Netherlands; the Samdani Art Foundation in Bangladesh; the Sifang Art Museum in China; the Speed Art Museum in Kentucky; and the Dallas Museum of Art, among others.

About the Author:

Osman Can Yerebakan is a freelance culture writer and curator based in New York. His writing has appeared in the Guardian, T: The New York Times Style Magazine, the Paris Review, Artforum, Brooklyn Rail, BOMB, New York Magazine, ArtNet, Art in America, Playboy, art + agenda, the Village Voice, Interview, Town and Country, and Architectural Digest among others. Solange Pessoa is a contemporary artist. She lives and works in Belo Horizonte, Brazil. Fernanda Brenner is a curator and writer. She is the founder and artistic director of Pivô, a non-profit art space in São Paulo. Pedro Mendes is a gallerist and one of the founders of the gallery Mendes Wood DM (São Paulo, Brussels, New York). 

This exhibition catalog presents the recent atmospheric paintings of one of the most important representatives of contemporary Spanish art, inspired by the seascapes of his native Majorca.

Miquel Barceló (1957–) is a contemporary Spanish artist known for his experimental approach to painting and sculpture. Whether utilizing bleach, organic matter, or even live insects, Barceló’s neo-Expressionist oeuvre explores decomposition, light, and the natural landscape. Born in 1957 in Majorca, Spain, he credits the influence of Lucio Fontana. His work is both abstract and cerebral, as evidenced by his broad range of paintings, ceramics, and installations. In 2011, Barceló exhibited his sculpture in New York’s Union Square. Currently living and working in Paris and Majorca, the artist has works in the collections of the Guggenheim Museum Bilbao, the Museum of Modern Art in New York, and the Reina Sofía National Museum in Madrid, among others.

About the Author:

Acquavella Galleries is distinguished for its expertise in the files of nineteenth-, twentieth-, and twenty-first-century art. For more than ninety years, Acquavella Galleries has sold major paintings and sculpture to private collectors and museums worldwide.

Найвидатніші сучасні дизайнери світу демонструють свої роботи в історичному оточенні Чатсворт-Хауса, щоб пролити світло та розпалити розмову про інтригуюче поєднання старого та нового, минулого та майбутнього, а також еволюцію історії та практик дизайну.

Чатсворт – це надзвичайне середовище для знайомства з дизайном: сховище чудових творів образотворчого та декоративного мистецтва, замовлених поколіннями родини Кавендіш протягом понад чотирьох століть. Розширюючи однойменну виставку 2023 року в Чатсворті, виставка «Дзеркало, дзеркало» представляє роботи шістнадцяти сучасних художників через захопливі фотографії in-situ з супровідними біографіями художників та есе, які розкривають, як історичні артефакти та середовище формують та надихають практику сучасних художників сьогодні. До цієї різноманітної групи художників належать Майкл Анастассіадес, Іні Арчібонг, Венделл Касл, Анділе Дьялване, Ндіді Екубія, Наджла Ель Зейн, Формафантасма, Йоріс Лаарман, Макс Ламб, Фернандо Лапосс, Дже Се Юнг О, Семюел Росс, Кріс Шанк, Етторе Соттсасс, Фей Тугуд та Джозеф Волш. Від гнучких світлодіодних освітлювальних конструкцій, що освітлюють зали бібліотеки Чатсворта, до скульптури для сидіння, вирізьбленої вручну з іранського травертину в офіційному Рожевому саду великого маєтку, ці сучасні роботи створюють несподівані та позачасові зв'язки з архітектурою, інтер'єрами, меблями та керамікою будинку.

Про авторів:

Гленн Адамсон — американський куратор, автор та історик.

Деян Суджіч, кавалер Ордена Британської імперії, — британський письменник та телеведучий, що спеціалізується на дизайні та архітектурі.

Доктор Алекс Ходбі — старший куратор програм у Чатсворті.

Сеш Джайлз — куратор колекцій декоративного мистецтва в Чатсворті.

Modern Art takes the reader through individual movements from Impressionism to Conceptual Art, situating these within five broader chronological themes.

Starting with Impressionism in 1860, Dempsey proceeds through the essentials of Modernism, the post-war New Disorder and beyond. The material is arranged with great care to lead the reader through over seventy essential topics of modern art in a practical and easy-to-navigate structure.

Each boldly designed feature includes a clear definition of the theme, a list of key artists, features, media and collections, and expertly curated illustrations with explanatory captions.

A reference section includes a useful glossary of modern art terms, an easy-to-navigate timeline and suggestions for further reading.

Contents List:

Introduction • 1. Rise of the Avant-Gardes 1860–1900 • 2. Modernisms for a Modern World 1900–18 • 3. Search for a New Order 1918–45 • 4. A New Disorder 1945–65 • 5. Beyond the Avant-Gardes 1965–today

Casts new light on 75 masterpieces of modern art, revealing details that even those familiar with the works may previously have missed

Great works of art cannot be fully understood in a single encounter: to get the most out of modern art, it pays to revisit and reconsider, to reflect and to scrutinize in detail. It is also helpful to understand a work’s context: what has gone before, what it may be reacting against or extending, how it embraces new technologies, and how it relates to contemporary thinking on such subjects as politics, sexuality, identity and the role of the artist.

Modern Art in Detail: 75 Masterpieces spotlights the finer points that even those in the know may miss, casting light upon minutiae that a quick glance will almost certainly fail to reveal. Expert commentary reveals the subtle internal details and technical tricks employed by the artist to achieve particular effects.

The book also looks at the themes and external and personal factors influencing the creation of an artwork – everything from global political events, to groundbreaking movements such as Cubism, Abstract Expressionism and Pop, and even scientific and mathematical theories, which are often of great relevance.

The book examines 75 works of modern art, from Vincent van Gogh’s The Church at Auvers-sur-Oise, through Marcel Duchamp’s The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even and Francis Bacon’s Three Studies for a Crucifixion, to Jeff Koons’s Triple Elvis and Theaster Gates’s Face Over Time.

Approaching each work as part of a tradition that links the oldest work of art to the most recent, it deftly charts the shift from the supremacy of artistic technique to the more recent dominance of the idea behind the artwork itself, as well as being an enlightening, entertaining and accessible guide to a wide range of modern art.

About the Author:

Susie Hodge is an art historian, author, artist and journalist with more than 100 books to her name. She has an MA in the History of Art from Birkbeck, University of London, and is a Fellow of the RSA. She has twice been named the No. 1 art writer by the Independent.

A comprehensive volume — overseen by the artist himself — on one of the most renowned living artists today, Takashi Murakami. 

Takashi Murakami is celebrated the world over for his deft blurring of high and low art. In this volume, accompanying a major exhibition of his work and the first in the Middle East, readers are immersed in the unique way Murakami channels the ecstasy and anxiety of contemporary culture. Conceived by the artist as a self-portrait in the guise of a cartoon, Murakami – Ego illuminates the role of the artist as a cipher and critic of pop phenomena as well as a mirror of global networks of consumerism, interpretation, and exchange. 

The book features some of the artist’s most celebrated series, including Kaikai Kiki Lots of Faces and Pom and Me. Murakami has conceived of the exhibition itself as a work of art, creating new modes of display that include sculptural pedestals with digital animation, a circus tent that doubles as an indoor cinema, and an impressive 300-foot-long painting, all of which are featured in the book. In addition to an interview by curator Massimiliano Gioni, Murakami will contribute writings on various works.

About the Author:

Takashi Murakami has become recognized as one of the most prominent contemporary artists of his time. His work has been featured in numerous solo exhibitions at museums and art institutions throughout the world. Recent shows include the travelling retrospective ©MURAKAMI and the Château de Versailles’s solo exhibition of his works on the palace grounds. Massimiliano Gioni is the associate director and director of exhibitions for the New Museum in New York and the curator of the exhibition Murakami – Ego for the Qatar Museums Authority.

_____________

>Пролистать книгу Murakami: Ego на сайте издательства.

Proprietary algorithms, secret data troves, and inscrutable systems rule the day. How is this registered in art? In Poetics of Encryption Nadim Samman explores works that highlight the hidden dimensions of our technological landscape. Running counter to erroneous claims regarding a new culture of transparency and openness, such artworks address black sites, black boxes, and black holes — all the while, toggling between enlightened concern and occult dreaming.

About the Author:

Nadim Samman is Curator for the Digital Sphere at KW Institute for Contemporary Art, Berlin. He read Philosophy at University College London before receiving his PhD from the Courtauld Institute of Art. Widely published, in 2019 he was First Prize recipient of the International Award for Art Criticism (IAAC). Major curatorial projects included the 4th Marrakech Biennale (2012), the 5th Moscow Biennale for Young Art (2015) and the 1st Antarctic Biennale (2017).

Surveying the work of video art pioneer Nam June Paik, this volume highlights the artist's radical engagement with process.

Nam June Paik (1932–2006) broke new ground in late twentieth-century art, working on a global stage to transform video into an art medium. This book reflects on Paik’s working method as well as the ideas and materials that inspired his art practice. It was published on the occasion of a two-part exhibition at Gagosian, New York, curated by John G. Hanhardt, one of the foremost scholars of Paik’s work. Nam June Paik: Art in Process highlights the centrality of process and exploration across Paik’s career — through his pioneering manipulated televisions from the early 1960s to live global satellite telecasts, large-scale video sculptures, drawings, and the late-style painted TVs — and provides an opportunity to follow Paik’s lifelong engagement with new media and the development of his own singular visual language. Highlights include Paik’s painted sections of the Berlin Wall (2005); Beuys Projection (1990), Paik’s powerful video interpretation of his performance with Joseph Beuys in Tokyo; and his celebrated One Candle, Candle Projection (1988–2000), a live video installation of candlelight.

With essays by John G. Hanhardt and Gregory Zinman, the book features extensive illustrations including numerous full-page plates and details, a foldout of the score for Paik’s Symphony for 20 Rooms (1961), as well as rarely seen archival photographs by Peter Moore (1932–1993) documenting Paik’s early performances.

About the Author:

John G. Hanhardt is an art historian and a curator of film and the media arts. He has curated retrospectives of Nam June Paik’s work at the Whitney Museum of American Art, Solomon R. Guggenheim Museum, and Smithsonian American Art Museum. Gregory Zinman is Associate Professor of Film and Media in the School of Literature, Media, and Communication at the Georgia Institute of Technology. He is the author of Making Images Move: Handmade Cinema and the Other Arts, and is a coeditor, with John Hanhardt and Edith Decker-Phillips, of We Are in Open Circuits: Writings by Nam June Paik.

Pairing the video sculptures, paintings, and drawings produced during the last decade of Nam June Paik’s life with key works from the artist’s oeuvre, this book testifies to Paik’s lifelong exploration of the role of technology in culture. Paik is considered the founder of video art and was one of the first artists to bring television into the realm of art, treating it as a tactile and multisensory medium.

About the Author:

The current consulting senior curator for media arts at the Smithsonian Museum of American Art in Washington D.C., John G. Hanhardt is one of the leading scholars on Nam June Paik.

An expansive and timely survey on contemporary British photographer and artist Nick Waplington, with work spanning his entire 40-year career – his first comprehensive retrospective volume

London- and New York-based artist Nick Waplington uses photography to capture the complex and far-reaching aspects of our lived experience. He rose to prominence in the early 1990s with Living Room and has since become known for his unfiltered depictions of people and places, and the sociopolitical backgrounds that define them.

From the chaos, violence, and euphoria of riots, protests, and free parties to the surreal, hypnotic quiet of his large-format landscapes, Waplington’s work (in all its messy humanness) transcends stereotypes and confounds expectations, and this book is no exception. Including never-before-published images, offering new insight into both well- and lesser-known projects, as well as Waplington’s painting and artistic practice, the book opens with a newly commissioned introduction from Simon Baker, one of the leading curators of contemporary photography in Europe and director of the Maison Européenne de la photographie (MEP), Paris.

This is the most extensive survey of Waplington's work to date, and includes previously unpublished photographs, as well as paintings, sketchbooks, and other artworks that complement his practice.

About the Authors:

Nick Waplington is a British artist living between London and New York. He has published extensively throughout his career, including Safety in Numbers (1995), Truth or Consequences (Phaidon, 2001), Working Process (2013), a collaboration with Alexander McQueen, Hackney Riviera (2019), and Anaglypta (2020). Waplington has exhibited in galleries and museums worldwide, and in 2015, was the first living British artist to have a solo photographic exhibition in the main galleries of Tate Britain, London.

Simon Baker is a curator, writer, and educator, and is currently director of the Maison Européenne de la Photographie, Paris. Formerly, he was senior curator of international art at the Tate Modern, London