Книги з живопису

Carrie Moyer’s first major monograph expansively represents the influential abstract painter’s work and queer agitprop.

Carrie Moyer consciously centers her painting as a practice about painting, with history as a subtext. Known for her incursions into Color Field painting, Moyer also traces her influences to iconic female artists of the twentieth century, such as Georgia O’Keeffe, and surrounding questions of taste, once quipping of her paintings that “[Helen] Frankenthaler and [Fernand] Léger met in a dark corner and had Elizabeth Murray.”

Moyer’s complex work merges abstract aesthetics and legible imagery: vividly colored and textured forms are embedded with a range of historical, stylistic, and physical references to Surrealism, Modernism, 1960s and ’70s counterculture graphics, and ’70s feminist art. Moyer often works on the floor, pouring, rolling, stippling, mopping the paint, and embellishing with glitter. An exploration of acrylic’s unique properties is a driving force in her work. Beginning as an intern at HERESIES, the pioneering feminist art magazine, Moyer has also engaged in critical practices beyond the studio.

This monograph enriches a deep dive into Moyer’s painting practice, in particular her work of the past decade, with a portfolio of the artist’s agitprop from the 1990s, including Dyke Action Machine! (DAM!), one of the first lesbian public art projects.

About the Author:

Carrie Moyer is the director of Hunter College’s MFA program in Studio Art. Lauren O’Neill-Butler is a New York–based writer, editor, and educator. Katy Siegel is Eugene V. and Clare E. Thaw Endowed Chair in Modern American Art at Stony Brook University. Johanna Fateman is a writer, musician, and founding member of the rock band Le Tigre.

_____________

Пролистать книгу Carrie Moyer

Ця чудова нова книга, розкішно створений та проілюстрований том про суперечливого художника-романтика XIX століття, звертається до сучасних критиків Каспара Давида Фрідріха, водночас поглиблюючи нашу вдячність за його винятковий геній.

«Картина повинна стояти як картина, створена рукою людини, — писав Каспар Давид Фрідріх, — а не прагнути маскуватися під природу». Один із найпопулярніших художників свого покоління, Фрідріх уявляв пейзажі потужної краси та духовності в межах своїх студій. Ця захоплююча монографія, наповнена чудовими репродукціями та деталями його картин, підтверджує репутацію Фрідріха як піднесеного художника та інтерпретатора природи. У своєму вдумливому та добре дослідженому коментарі автор Йоганнес Граве досліджує унікальний підхід Фрідріха до пейзажного живопису, а також його революційні думки про те, як ці картини мають сприймати глядачі. Уважно розглядаючи такі роботи, як «Чернець біля моря», «Абатство в Дубовому лісі» та «Вівтар Тетшена», Грейвз показує, як Фрідріх розробив новаторський підхід до пейзажного живопису, який передав нове відчуття простору та часу та залучав глядача до унікального естетичного досвіду.

Читабельний, проникливий і щедро проілюстрований у розкішному томі, цей переконливий новий погляд проливає вирішальне світло на знамениту роботу Фрідріха.

Через 250 років після народження художника цей розкішний каталог виставки пропонує зазирнути в таємницю переважно посмертної популярності Фрідріха, а також останні дослідження його підготовки та техніки.

Каспар Давид Фрідріх, якого за життя здебільшого ігнорували, був скрупульозним художником, який писав емоційно провокаційні пейзажі, часто зображуючи самотні фігури чи групи людей на фоні драматичних пейзажів. Його роботи надихають багатьох митців до сьогодні, і цей том досліджує роль, яку зіграла Національна галерея Берліна у виведенні Фрідріха на передовий край історії сучасного мистецтва. Це також проливає світло на дивовижне використання Фрідріхом пар у картинах — у тому числі його найвідоміші пари «Чернець біля моря» та «Абатство в Дубовому лісі», — які він використовував для вираження різноманітних точок зору та концепції змін. Нарешті, у ньому розглядаються останні дослідження техніки Фрідріха: його раннє навчання в Копенгагені; його ескізи, підготовчі креслення та підкреслення; і його нетрадиційний вибір і використання пігментів.

У цій монографії читачі знайдуть приголомшливі репродукції шістдесяти картин, у тому числі кількох культових робіт, і п’ятдесяти малюнків, які представляють колекції з усього світу. У поєднанні з останніми дослідженнями вони поєднуються, щоб запропонувати абсолютно сучасну оцінку надзвичайного таланту Фрідріха та його безсумнівного статусу піонера сучасного мистецтва.

За участю Біргіт Вервібе, Йоганнеса Граве, Гілмара Франка, Вернера Буша, Анни Марі Пфефлін, Герда-Хельге Фогеля, Крістіни Месль, Ральфа Глейса, Синтьє Геріке.

Про авторів:

Біргіт Вервібе є куратором Старої національної галереї в Берліні для живопису першої половини XIX століття та експертом з Каспара Давида Фрідріха.

Раплф Ґлейс є директором Старої національної галереї в Берліні з численними публікаціями про мистецтво XIX століття.

A monumental volume devoted to one of the world’s largest and most spectacular collections of Cézannes.

The Barnes Foundation’s holdings of works by the renowned Post-Impressionist Paul Cézanne (1839–1906) — sixty-one oils on canvas and eight works on paper — are among the most significant in the world. The Barnes Foundation was established in 1922 by scientist, entrepreneur, and educator Dr. Albert C. Barnes, a passionate supporter of European modernism. His virtually unrivaled collection, which can only be viewed at the Barnes Foundation, also includes exceptional paintings by Pierre-Auguste Renoir, Henri Matisse, Pablo Picasso, and many others.

Beginning in 1912, Barnes acquired works by Cézanne from major Paris dealers such as Paul Durand-Ruel and soon ranked among the artist’s most prominent collectors. At the time, this expressed a pioneering taste that Barnes shared with only a small group of enthusiasts, even though Cézanne had been posthumously hailed as a father of modern art at the turn of the twentieth century. The foundation’s impressive holdings of Cézannes — never before published in a single study in their entirety — span every period of the artist’s career and include his largest rendition of The Card Players and one of the three versions of The Large Bathers, one of his signal testaments.

This lavishly illustrated landmark volume is both a work on Cézanne and his time, and an impetus for further study of an artist whose oeuvre is at once luminous, austere, challenging, and deeply confounding.

About the Author:

André Dombrowski is Frances Shapiro-Weitzenhoffer Associate Professor of 19th-Century European Art at the University of Pennsylvania. Nancy Ireson is Deputy Director for Collections and Exhibitions and Gund Family Chief Curator at the Barnes Foundation, Philadelphia. Sylvie Patry is Chief Curator and Deputy Director for Curatorial Affairs and Collections at the Musée d’Orsay.

A gorgeous new edition with the cover printed on silver. Towards the end of his life and much inspired by Japanese water gardens, Monet spent a great deal of time in his beloved Giverny. Adorned with poppies, blue sage, dahlias and irises, the waters were disturbed only by bamboos and water lilies. His water garden was originally created to satisfy a need to be near water, and to provide a visual feast that could be enjoyed from his house. 

The pond was fed by the river Ru, and weeping willow and silver birch hung over its edges, caressing the fronds of the greenery and blossoms below. Its famous green wooden footbridge was built across the water and it became the central focus of many of his works. He said, ‘It took me some time to understand my water lilies. I planted them for pleasure.’ and so he began to work on what is probably the most famous series of paintings the world has ever seen.

Складна творчість американського художника Сая Твомблі (1928-2011) охоплює період близько шести десятиліть, протягом якого він ніколи не втрачав своєї виразної сили. Твомблі був одним із найпродуктивніших художників в історії новітнього мистецтва. Визнаний одним із найважливіших художників другої половини 20 століття, він поєднав спадщину американського абстрактного експресіонізму з європейською та середземноморською культурою.

Книга зосереджена на його головних циклах, якого ніколи раніше не було: «Дев’ять промов про Коммода» (1963), «П’ятдесят днів в Іліамі» (1978) та «Коронація Сезостріса» (2000). Розвиток митця в цілому простежується на основі майже 200 картин, скульптур, малюнків, фотографій. Таким чином, це забезпечує унікальне уявлення про загальне інтелектуальне та чуттєве багатство творчості. Від його ранніх робіт на початку 1950-х років, які характеризуються використанням тексту, до його композицій 1960-х років, його реакції на мінімалістське мистецтво та концептуальне мистецтво 1970-х років до його останніх картин, огляд творчості підкреслює значення серій і циклів, у яких Сай Твомблі заново винайшов історичний живопис.

Завдяки поліфонічній концепції монографія пропонує численні підходи з есеями, які проливають світло на різні аспекти та етапи шляху Твомблі як художника. До нього входять та ін. роздуми та особисті враження інших художників, а також спогади його помічника Нікола Дель Россіо. Ці різноманітні свідчення дозволяють відкрити Сая Твомблі не лише як художника, а й як особистість.

Про авторів:

Йонас Сторсве – історик мистецтва та головний куратор відділу графіки в Національному музеї сучасного мистецтва в Центрі Помпіду. Раніше він був куратором шоу про Йозефа Альберса, Аліну Шапочніков і Джима Ходжеса, а також багато писав про сучасне мистецтво.

This is the first publication to survey the entirety of this hugely influential scholar and artist's groundbreaking 60-year career.  Driskell and his landmark exhibition, Two Centuries of Black American Art are also featured in a recently released major documentary film.

David Driskell (1931-2020) was one of the most revered and boundary-breaking American artists, long recognized for his vibrant and versatile painting and printmaking practice, which combined his sharp observation of American landscapes and his interest in the imagery and aesthetic innovations of the African diaspora. Driskell was equally well-known as a curator, art historian, and educator, and his career as both artist and scholar created a durable public record of the long history of art made by African Americans.
The exhibition and accompanying catalogue survey seven decades of the artist's painterly practice from the 1950s forward. Driskell's command of color and line is showcased through his beloved subjects, including the natural world, remembrances of the Southern Black experience, and the Black Christian church.

The book includes a primary essay by Driskell scholar and curator Julie McGee as well as many other testaments to Driskell by major American artists, art historians, and museum professionals. The catalogue also features a selection of Driskell's most significant writings, introducing the full range of his career to future generations of readers.

About the Authors:

Julie L. McGee is Associate Professor of Africana Studies and Art History, and Director of the Interdisciplinary Study Center at the University of Delaware. Jessica May is an independent curator and formerly Deputy Director and Robert and Elizabeth Nanovic Chief Curator at Portland Museum of Art, Maine. Thelma Golden is the Director of the Studio Museum in Harlem. Lowery Stokes Sims is an independent curator. Richard J. Powell is the John Spencer Bassett Professor of Art & Art History at Duke University. Renée Maurer is Curator at The Phillips Collection.

This book, which accompanies the first major exhibition devoted to David Hockney’s drawings in over 20 years, will explore Hockney as a draughtsman from the 1950s to now, with a focus on himself, his family and friends. From Ingres to the iPad – this book demonstrates the artist’s ingenuity in portrait drawing with reference to both tradition and technology.

David Hockney is recognised as one of the master draughtsmen of our times and a champion of the medium. This book will feature Hockney’s work from the 1950s to now and focus on his depictions of himself and a smaller group of sitters close to him: his muse, Celia Birtwell; his mother, Laura Hockney; and his friends, the curator, Gregory Evans, and master printer, Maurice Payne.

This book will examine not only how drawing is fundamental to Hockney’s distinctive way of observing the world around him, but also how it has been a testing ground for ideas and modes of expression later played out in his paintings.

From Old Masters to modern masters, from Holbein to Picasso, Hockney’s portrait drawings reveal his admiration for his artistic predecessors and his continuous stylistic experimentation throughout his career.

Alongside an in-depth essay from the curator, this book will feature an exclusive interview between author and curator, Sarah Howgate, and artist, David Hockney. In addition, an ‘In Focus’ essay by British Museum curator Isabel Seligman, will explore the relationship between Hockney, Ingres and Picasso drawings.

Desperately Young introduces the masterpieces left behind by some of the greatest rising stars in fine art – all of whom died before their thirtieth birthday.

Precocious talent seeps from each artist’s work, along with a sense of unfulfilled potential. Informative biographies detail their legacies, while their tragic deaths lead us to wonder what heights they might’ve reached, had their lives not been cut short. Richly illustrated, Desperately Young presents prime examples of each artist’s work, demonstrating how our cultural heritage is just a little narrower for their loss.

From Europe to America to Japan and the Indian Subcontinent, the mid-14-hundreds to the late 20th century, this book hails the acknowledged greats and introduces those who died before they could leave an indelible mark on history. A compendium of 109 artists who fell prey to sickness, warfare, heartbreak or bad luck, Desperately Young is the only book to provide an in-depth study of artists who died young.

Contents: With works from Tommaso Masaccio, Frédéric Bazille, Thomas Girtin, Egon Schiele, Henri Regnault, Ernst Klimt, Jeanne Hébuterne, Kaita Murayama, Hermann Stenner, Maurycy Gottlieb, Fyodor Vasilyev, Marie Bashkirtseff, Richard Parkes Bonington, Luisa Anguissola, Walter Deverell, August Macke, Pauline Boty and Jean-Michel Basquiat – among many others.

- The first book to celebrate great artists who died before their time
- Unique insight into the lives, work and deaths of some of history's most tragic artists
- A richly illustrated resource, featuring many great names of art, including Masaccio, Basquiat, Schiele, Murayama, Anguissola, Girtin, Boty and more

About the Authors:

Vern G. Swanson was born in Central Point, Oregon, and studied at Brigham Young University and the University of Utah. He received his doctorate at the Courtauld Institute of Art, London. Swanson has been researching, authenticating and cataloguing British and Continental classical and academic paintings since 1973. He was Museum Director of Springville Museum of Art, Springville, Utah for thirty-two years until his retirement in 2012. His authored publications include J.W. Godward: The Eclipse of Classicism, as well as two major books on Sir Lawrence Alma-Tadema, six books on Russian and Soviet art, and five books on Utah painting and sculpture.

Angela Swanson Jones, daughter of Vern Swanson, grew up in an art museum and followed her father throughout the world visiting libraries, galleries and auction houses. Also a graduate of the Courtauld Institute of Art (master's degree), she is now the Director of Swanson-Jones Fine Art Consulting and an avid collector and writer in her own right. Her topics of research include Newlyn School Painting and Nineteenth and Twentieth-Century Religious Art. She is currently writing a biography and catalogue raisonné on the German painter, Heinrich Hofmann (1824-1911). She has published essays and articles with Fine Art Connoisseur, among others.

_________

Пролистать книгу Desperately Young: Artists Who Died in Their Twenties

This is a truly exceptional collection of drawings from one of our most revered cultural commentators.

Gerald Scarfe began his career in the 60s working for PUNCH and PRIVATE EYE before taking a job as a political cartoonist for the DAILY MAIL. He then worked for TIME Magazine in New York before starting his long association with the SUNDAY TIMES that still exists today in the form of his weekly drawings. His varied career has seen him work with Pink Floyd (The Wall, Wish You Were Here), Roger Waters and Eric Clapton (The Pros and Cons of Hitchhiking), Disney (Hercules), English National Ballet (The Nutcracker), Los Angeles Opera (Fantastic Mr Fox) as well as produce such iconic images as those for the titles of Yes Minister and Yes Prime Minister. His work has featured in the New Yorker and various BBC TV films such as Scarfe on Sex and Scarfe on Class. Exhibitions of his paintings and drawings have appeared in the Tate Gallery, the National Portrait Gallery and the Smithsonian National Portrait Gallery. He is viewed by many as both a national treasure and a genius and this is the first collection of his work to appear for 20 years.

About the Author:

Gerald Scarfe was born and lives in London. His incredible career spans newspapers, satirical and political publications, television, film, theatre and opera. He has worked for the SUNDAY TIMES for 38 years and the NEW YORKER for 12 years.

Альбрехт Дюрер (1471–1528) був найбільшим художником північноєвропейського Відродження. Віртуозні ксилографії та гравюри Дюрера забезпечили йому славу на всьому континенті ще за його життя. Проте він також створив надзвичайні результати в інших засобах масової інформації, включаючи живопис, акварель і малюнок, що охоплює захоплюючі портрети та автопортрети, великі вівтарі та ретельні дослідження тварин і природи.

У цій великій новій монографії Джеффрі Чіппс Сміт досліджує міфи, які сприяли легенді про Дюрера, розглядаючи його життя та кар’єру в рамках бурхливої ​​епохи європейської історії. Беручи до уваги широку вченість художника, Сміт дає свіже уявлення про багато його найвизначніших робіт, розкриваючи творчий процес, що стоїть за ними, і їх багатство значень та ідей. Центральним у центрі уваги Сміта є історичне та культурне бродіння Європи до та після Реформації, оскільки він простежує роки становлення Дюрера у вільному імперському місті Нюрнберзі та його подальші подорожі Німеччиною, Італією та Нідерландами. У результаті складається яскрава картина професійної діяльності плідної і психологічно складної постаті.

Завдяки детальним коментарям та оригінальним дослідженням, це водночас авторитетна та доступна монографія – незамінна для студента чи науковця, але, безумовно, сподобається всім, хто цікавиться цим геніальним митцем.

Про автора:

Джеффрі Чіппс Сміт очолює кафедру європейського мистецтва Кей Фортсон в Техаському університеті в Остіні. Серед його книг — German Sculpture of the Later Renaissance (1994) та Sensuous Worship: The Jesuits and the Early Catholic Reformation in Germany (2003).

The first international monograph dedicated to Eddy Kamuanga Ilunga, one of the most enterprising and exciting young artists working in Africa today.

Eddy Kamuanga’s large-scale figurative paintings display a wealth of historical understanding in a sophisticated interplay of strikingly colored forms juxtaposed on gray negative space.

Kamuanga’s work taps into the rich yet complex colonial history of the Democratic Republic of the Congo, or DRC. His politically nuanced and culturally sensitive work explores the seismic shifts in economic, political, and cultural identity in the DRC since colonization. Increasingly globalized in outlook, many in the DRC today are rejecting their ancestral heritage in favor of modernity, a conflict that fuels Kamuanga’s work.

The DRC is the world’s largest exporter of coltan, a mineral critical to the production of computer chips and mobile phones. In all of Kamuanga’s works, the skin of each figure is embedded with integrated circuits, referring to the harsh conditions experienced by workers who mine coltan by hand.

Eddy Kamuanga has been recognized internationally as one of the most interesting young contemporary African talents of today, and his reputation is growing fast worldwide.

His work has been shown across Africa, notably at Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA), South Africa, and has been included in exhibitions in Europe and the United States, at institutions such as Fowler Museum at UCLA, Los Angeles; Hood Museum of Art at Dartmouth College, Hanover, New Hampshire; Saatchi Gallery, London; and Royal Academy of Arts, London. He is represented by October Gallery, London.

About the Author:

Sammy Baloji is an international contemporary artist. Sandrine Colard is a historian of modern and contemporary African arts. Gerard Houghton is director of special projects at October Gallery. Gabriela Salgado is a curator based in London. Gus Casely-Hayford is a museum director, cultural historian, broadcaster, and lecturer.

A beautifully produced literary art book that restores a collection of drawings and pastels to the heart of the life story of one of the great artists of the 19th century

Edgar Degas (1834 - 1917) was described as 'the most intelligent, the most demanding, the most merciless draughtsman in the world' by the poet and critic Paul Valery and today Degas is considered one of the outstanding draughtsman of the late nineteenth century. His powerful drawings and the pastles, which he himself characterized as 'orgies of colour', are some of the most compelling works in western art.

Drawing was not only the central tenet of Degas's art but also virtually a daily activity. Through an examination of the artist's drawings and pastels, which exist in great number and variety, Christopher Lloyd examines the development of Degas's style and outlines the story of his life in the contexts of Impressionism and Post-Impressionism.

Following a broadly chronological approach, Lloyd discusses the wide range of Degas's work: the images of ballet dancers (which form over half of the artist's oeuvre), jockeys, laundresses, milliners and female nudes, as well as the less well-known landscape drawings. With over 200 illustrations that capture the most fleeting of subtleties and shades, this book provides a comprehensive and engaging account of the artist as draughtsman.

Contents List:

Introduction • 1. Beginnings 1853–1855 • 2. Italy 1856–1859 • 3. History Paintings 1860–1865 • 4. Changing Directions 1865–1870 • 5. Confronting the Modern World 1870–1879 • 6. Retreat into the Studio 1880–1890 • 7. Landscape Drawings • 8. ‘The Dying of the Light’ 1890–c. 1912

About the Author:

Christopher Lloyd worked in the Department of Western Art of the Ashmolean Museum in Oxford from 1968 to 1988, combining curatorial duties with teaching. During that time he was appointed by Harvard University to a Fellowship at Villa I Tatti in Florence and was Visiting Research Curator of Early Italian Painting at the Art Institute of Chicago. He was appointed Surveyor of The Queen’s Pictures in the British Royal Collection in 1988 and retired from that post in 2005. He is now engaged in writing and organizing exhibitions on a wide variety of subjects. His publications include monographs on painters, catalogues of museum collections and surveys of the Royal Collection, as well as In Search of a Masterpiece: An Art Lover’s Guide to Great Britain and Ireland, Edgar Degas: Drawings and Pastels and Paul Cézanne: Drawings and Watercolours, all published by Thames & Hudson.

In dialogue with Edward Munch — discover the many ways the expressionist painter’s work has influenced modern and contemporary artists.

While Munch’s pessimistic, melancholy worldview crucially defines our understanding of his work, many important postwar and contemporary artists have drawn inspiration from several aspects of his oeuvre. This richly illustrated book explores how nine such artists — Francis Bacon, Georg Baselitz, Louise Bourgeois, Miriam Cahn, Peter Doig, Marlene Dumas, Tracey Emin, Jasper Johns and Andy Warhol—engaged with Munch’s work at different points in, or throughout, their careers. It features elaborate reproductions of sixty works by Munch juxtaposed with those inspired by him. Readers discover how Baselitz cunningly pays tribute to his artistic hero; how Tracey Emin’s practice, like Munch’s, is autobiographical, both drawing from their personal torment to create their unnerving works; how Marlene Dumas was drawn to the expressiveness of Munch’s portraits; how Louise Bourgeois’ works are illustrative of Munch’s fixation on fear and isolation; how Francis Bacon modeled “Screaming Pope” after Munch’s most renowned painting; and how Peter Doig draws on Munch’s radical treatment of pigments and materiality. Essays by leading scholars detail each artist’s unique preoccupation with Munch and offer a focused exploration of the ways women artists in particular were inspired by his examinations of loneliness, fear, and trauma.

__________

Пролистать книгу Munch In Dialogue

Живописні світи Мунка – початковий поштовх до модернізму

Радикальна модерність Едварда Мунка в живописі була викликом для його сучасників. Це стосувалося, зокрема, художньої сцени Берліна приблизно 1900 року, на яку норвезький художник-символіст глибоко вплинув. Натомість він отримав там підтримку та зміг продовжувати розвивати свою творчість. Видання щедро ілюстроване та майстерно описує історію Мунка та Берліна.

У 1892 році Асоціація берлінських художників запросила досі невідомого Едварда Мунка (1863–1944) на виставку. Публіка була вражена барвистими, схожими на ескізи картинами. Художник насолодився фурором і переїхав до міста на Шпрее, де неодноразово перебував до 1908 року. Тут він опанував техніку друкованої графіки та вперше представив картини в кількох безперервних серіях, які стали центральними в його творчості. У Берліні незабаром концепція «Магії Півночі» (Стефан Цвейг) перестала асоціюватися з романтичними чи натуралістичними фіордовими пейзажами, а з психологічно концентрованими живописними світами Мунка.

Про авторів:

Томас Келер є директором Берлінської галереї, Державного музею сучасного мистецтва, фотографії та архітектури в Берліні з 2010 року.

Стефані Гекманн очолює колекцію образотворчого мистецтва Берлінської галереї з 2014 року та є куратором виставки.