Книги з живопису

Живописні світи Мунка – початковий поштовх до модернізму

Радикальна модерність Едварда Мунка в живописі була викликом для його сучасників. Це стосувалося, зокрема, художньої сцени Берліна приблизно 1900 року, на яку норвезький художник-символіст глибоко вплинув. Натомість він отримав там підтримку та зміг продовжувати розвивати свою творчість. Видання щедро ілюстроване та майстерно описує історію Мунка та Берліна.

У 1892 році Асоціація берлінських художників запросила досі невідомого Едварда Мунка (1863–1944) на виставку. Публіка була вражена барвистими, схожими на ескізи картинами. Художник насолодився фурором і переїхав до міста на Шпрее, де неодноразово перебував до 1908 року. Тут він опанував техніку друкованої графіки та вперше представив картини в кількох безперервних серіях, які стали центральними в його творчості. У Берліні незабаром концепція «Магії Півночі» (Стефан Цвейг) перестала асоціюватися з романтичними чи натуралістичними фіордовими пейзажами, а з психологічно концентрованими живописними світами Мунка.

Про авторів:

Томас Келер є директором Берлінської галереї, Державного музею сучасного мистецтва, фотографії та архітектури в Берліні з 2010 року.

Стефані Гекманн очолює колекцію образотворчого мистецтва Берлінської галереї з 2014 року та є куратором виставки.

A fresh look at one of America’s best-known and beloved artists at a pivotal but little-known moment in his life that profoundly shaped both his art and career.

Edward Hopper & Cape Ann tells the largely ignored but significant origin story of Edward Hopper’s years in and around Gloucester, Massachusetts — a period and place that imbued Hopper’s paintings with a clarity and purpose that had eluded his earlier work. This volume focuses on summers Hopper spent there in the 1920s, starting in 1923, when he first embraced watercolor during outdoor painting excursions on Cape Ann and discovered one of his favorite subjects: houses and vernacular architecture. The success of Hopper’s Gloucester watercolors transformed his work in all media and set the stage for his monumental career.

Accompanying a major retrospective at the Cape Ann Museum, including an unprecedented loan of twenty-eight works from the Whitney Museum of American Art, this highly readable and beautifully illustrated volume reveals in great depth the lesser-known story about the influence of a young painter, Josephine Nivison, who became not only Hopper’s wife but also the most trusted force underlying his artistic confidence. Here she is recast as principal producer of Hopper’s distinctive style and his “brand” visionary from the time of their courtship until his death in 1967.

About the Author:

Elliot Bostwick Davis is a former curator at the Metropolitan Museum of Art, the John Moors Cabot Chair at the Museum of Fine Arts, Boston, and director of the Norton Museum. She has published extensively on American art, including Winslow Homer, Edward Hopper, Mary Cassatt, and Jamie Wyeth, as well as on African American artists.

Все, що ви завжди хотіли знати про Гоппера

Ця незрівнянна меланхолія в картинах Едварда Гоппера час від часу спонукає нас поглянути на деталі його життя. Де саме жив і працював цей майстер самотності? Що було найважливішим впливом на нього під час роботи над його чудовими картинами Америки? У цій чудовій, просто структурованій книзі від А до Я Ульф Кюстер досліджує ці теми, які багато говорять про художника та його інтереси, і все ж він ніколи не втрачає з поля зору художника та необхідної дистанції до його неповторних картин.

Таким чином, Кюстер проходить азбукою життя та творчості Гоппера, від «американського пейзажу», «Б'юїка», «Ґете» та «тіні та сонячного світла» до ключового слова «нуль». По дорозі він відкриває багато нових дверей або ідей, збагачуючи погляди на картини Гоппера та даючи змогу інтерпретувати їх по-новому. Цікава та пізнавальна книга.

Едвард Гоппер (1882–1967) – майстер американського реалізму. Його картини відображали життя його епохи. Його метод живопису швидко став стилістичною основою різновиду американського модернізму. Джерелом натхнення для незліченних художників, фотографів та кінематографістів, його творчість продовжує впливати й донині.

Теоретик мистецтва та куратор Ульф Кустер (*1966, Штутгарт) працює у Фонді Бейелера в Рієні з 2004 року. Він проводить багато міжнародно визнаних виставок та публікацій. Гаттьє Канц опублікував низку з них, зокрема своє есе про Луїзу Буржуа в серії Reading Art.

 A lavishly illustrated volume with high-quality presentation

2018 marks the centenary of Egon Schiele’s death. To coincide with this occasion the publication will present the painting collection of the Belvedere Vienna including highlights such as Eduard Kosmack, House Wall, Death and Girl, The Embrace and Four Trees. The book provides an opportunity to study the artist’s work processes in greater detail and to follow the fascinating routes taken by his works before reaching the museum.

In 1918 the Österreichische Galerie under Director Franz M. Haberditzl was the first Austrian museum to acquire an oil painting by Schiele during his lifetime. Today the museum owns one of the top collections of paintings from the years 1907–1918 by the artist. The publication will examine each work separately and will answer questions with regard to their acquisition and subject as well as related works. At the same time, the results of the investigations into painting technique which the works have undergone since 2016 will be presented for the first time. Complementary essays explain the history of the collection and the changes to the stocks of Schiele’s works which are taking place as a result of museum reforms, the exchange of pictures or the restitution of individual works.

  - Presentation of the outstanding works of Egon Schiele
  - Many fascinating contributions relating to the collection history, provenance research and restoration

The monograph on Egon Schiele edited by Rudolf Leopold in 1972 forms the basis for Egon Schiele’s world fame. This important document of art-historical literature has long been out of print, but it is now available once more in a revised edition with an updated catalogue raisonné. At the same time this magnificent volume provides an insight into the artist’s life through letters, sketches and documents.

Rudolf Leopold recognised back in the 1950s Schiele’s outstanding significance for art. He was largely responsible for ensuring that the artist received the place he deserved in art history and public awareness. The monograph presented Schiele’s paintings, watercolours and drawings chronologically in large-format colour plates. It is complemented by a profound examination of his motifs, studies, sketches and documents and provides a comprehensive overview. The current edition pays tribute to Leopold’s achievement.

_includes 228 full-page colour plates

About the Authors:

Rudolf Leopold (1925-2010) was an Austrian collector who developed his attention to the work of Egon Schiele, assembling the world's largest collection of Schiele's work.
Elisabeth Leopold is an Austrian art collector. With Rudolf Leopold, she cofounded the Leopold Museum and the Leopold Museum Private Foundation.

_________

Пролистать книгу Egon Schiele: Catalogue raisonné: Paintings, Watercolours, Drawings. Revised 2nd edition

У цьому томі вперше зібрано роботи майстра-експресіоніста на папері.

Окрім кількох сотень картин, Шиле створив майже 3000 малюнків та акварелей, але обмежений доступ до цих крихких робіт зробив всебічний огляд його творчості рідкістю. Отже, це унікальна можливість дослідити його вражаючий художній розвиток протягом 12 років його короткої кар'єри.

Джейн Каллір, авторка каталогу Шиле, представляє кожен рік творчості художника, обговорюючи його покроковий шлях від вундеркінда до майстра людської форми та вираження.

Основна увага в цьому каталозі приділяється пізнішим, менш відомим роботам Егона Шіле, в яких він опрацьовував приватні та історичні події, починаючи з 1914 року, у стилі, що суттєво відрізняється від його ранніх робіт.

Творчий доробок ексцентричного художника Егона Шиле (1890–1918), створений протягом лише десяти років, відомий, перш за все, завдяки його головним картинам та малюнкам, створеним між 1910 та приблизно 1913/14 роками, в яких він опрацьовував власні емоційні стани та виражав внутрішні потрясіння цілого покоління у своїх зображеннях людської фігури. Його пізніші роботи після 1914 року, які суттєво відрізняються від ранніх і менш відомі. Його лінії стали більш виміряними, плавними та органічними, а фігури – повними та реалістичнішими. Озираючись назад, можна сказати, що особисті та історичні зміни та події 1914 року – початок війни, шлюб з Едіт Гармс (1893–1918) та нудьга армійського життя – явно мали глибокий вплив на його художню творчість.

Серед іншого, повністю публікується майже невідомий щоденник Едіт Шиле (1915–1918), в якому вона записувала свої переживання, думки та почуття в ці важкі часи.

Про авторів:

Містить тексти від: Сандри Дзялек, Сімони Хеніґль, Керстін Джессі, Джейн Каллір, Ганнеса Лейдінгера.

У цій захоплюючій новій книзі розповідається про те, як Егон Шіле заново винайшов мистецтво портрета, блискуче захоплюючи внутрішнє життя своїх численних об’єктів — включно з ним самим.

У цій книзі простежується розвиток Шіле як портретиста через чотири основні хронологічні фази, з 1906 по 1918 рік. Починаючи з ретельного навчання художника у Віденській академії, у ній розповідається про остаточний розрив Шіле з академічним середовищем і появу його стилю експресіонізму. Коли Шіле відточував свої технічні здібності, він зібрав коло меценатів — багатьох із яких він увічнив на полотні — і розвинув тенденцію до реалізму та самоаналізу. Протягом усієї своєї кар'єри Шіле перевіряв межі традиційного портрета. Конфронтаційні, відверто еротичні та здебільшого позбавлені реквізиту чи декорацій, портрети Шіле є основоположними творами оригінальності та глибокого співпереживання людському стану.

Цей том також пропонує ретельний аналіз автопортретів Шіле та його стосунків із Густавом Клімтом, жестикуляційну мову Шіле в контексті сучасної фотографії та німого кіно, а також короткі біографії предметів Шіле та транскрипції яскравих листів, що стосуються його життя та творчості.

________

Погортати книгу Egon Schiele: Self-Portraits and Portraits

El Greco and Nordic Modernism

At the birth of modernism in the late 19th century, artists across Europe rediscovered the almost three centuries old artwork of the Greek painter known as El Greco (1541–1614). In the Nordic countries as well, his characteristic rapturous and expressive style was perceived as speaking directly to the rule-breaking forms of expression with which a new generation of artists were experimenting. His hailing as a cult figure was based as much on the story of his life, though, including the 300 years of rejection and obscurity that made him an outsider idol for young artists. This catalogue traces the inspiration that leading Nordic artists such as Edvard Munch, Helene Schjerfbeck, Nils Dardel, Harald Giersing, and Jens Ferdinand Willumsen took from the works of El Greco, and for the first time specifically explores his Nordic reception in the decades between 1885–1945, adding a hitherto undiscovered piece to the mosaic of El Greco’s multifaceted and multinational rediscovery.

Explore the oeuvre of Ernst Ludwig Kirchner, one of the most important German Expressionist painters of the 20th century.

Throughout his career, Ernst Ludwig Kirchner employed a highly inventive and original use of color. He favored novel applications of paint in unusual matte finishes. For Kirchner, color was of primary importance, coupled with technique and style. He was one of the leading Expressionist painters of the time and was one of the founding members of the Brücke. In his deeply personal depictions, he focused on the places where he lived and worked and his close friends and associates.

This book, accompanying a major exhibition at the Neue Galerie New York, provides a visual survey of Kirchner’s oeuvre and offers an in-depth analysis of different aspects of the artist’s output. Essays by leading experts examine Kirchner’s approach to color, his interest in the decorative arts, how electric light affected his treatment of color, the impact of Nietzsche on his work, and how he was profoundly changed by World War I.

This book includes illustrations of nearly 40 paintings, 30 prints, as well as drawings, sketchbooks, photographs, and decorative work.

About the Authors:

Jill Lloyd-Peppiatt is an independent art historian who has curated exhibitions for leading international museums including Tate, Royal Academy London, and the National Gallery in Washington. She has written extensively on Expressionist and contemporary artists.

Janis Staggs is Director of Curatorial and Manager of Publications at the Neue Galerie New York and co-editor and contributing author of Wiener Werkstatte, 1903-1932: The Luxury of Beauty (Prestel).

The first comprehensive survey of the beloved figurative realist painter Fairfield Porter to be published in more than two decades. A figurative realist in the heyday of abstract expressionism, Fairfield Porter (1907–1975) painted himself, his family, and friends in New York City, in Southampton, Long Island, and on an island off the Maine coast, all depicting a relaxed and comfortable world that seemed to mirror his own affluent, well-connected existence. With virtually all of the artist’s previous publications now out of print, this much-anticipated volume is an important addition to the literature on this great American master. Porter graduated from Harvard in 1928 and then studied at the Art Students League in New York with Thomas Hart Benton. Along with months in Maine, Porter lived in New York and from 1948 on, in Southampton where he purchased a large, late Federal-style house for his own expanding family. Porter painted several artist friends, including Elaine de Kooning, Larry Rivers, and Jane Freilicher. He was also close to the modern poets John Ashbery, Frank O’Hara, and James Schuyler. With a carefully curated selection of the artist’s best works, John Wilmerding, a specialist in American art, gives full consideration to Porter’s expressive compositions and a color palette influenced by his coastal surroundings. Karen Wilkin discusses Porter’s influences and pictorial creativity. Distinguished poet J. D. McClatchy writes a reflection on one of Porter’s paintings.

About the Authors:

John Wilmerding is Sarofim Professor of American Art, emeritus, at Princeton University. Karen Wilkin is an independent curator and art critic based in New York. She is a contributor to Rizzoli’s Wayne Thiebaud (2015). J. D. McClatchy is the editor of the Yale Review and former president of the American Academy of Arts and Letters.

This book provides insights on Farah Ossouli’s artistic pursuits with miniature painting, explains the historical background of Iranian Contemporary and the challenges of contemporary image-making in the new political and social climate.

Farah Ossouli (born in 1953 in Zandschan, lives and works in Tehran) has explored innovative approaches to the medium painting, most commonly through juxtaposition of images and texts that scrutinize preconceptions about gender and race while undermining collective assumptions in post-revolutionary Iran.

A hallmark of her paintings are exceptionally fine miniatures; her subjects are figurative but nevertheless not easily deciphered. Even through titles can identify what is portrayed, they often only hint at a possible interpretation of the picture. Through most of her works have a private character, Ossouli refers to historical events and occurrences with collective memory internationally, which still disturbs to this day. Ossouli can interpret history through an artwork, since the aesthetics of representation creates a challenge to the ethics of what is represented. The aesthetic quality of the paintings is what first allows the viewers to address his content. The dissolution of subjectivity and its rearticulation in miniature compositions is a major trope. Early on Ossouli began to use mirrors to facilitate this process – as myth and metaphor doubling and redoubling a fragmented vision – returning the viewer to that moment of ego formation described by Jacques Lacan as the mirror stage. Farah Ossouli’s paintings, gouaches, conceptual miniature works, drawings, artist books and texts since the mid-1970s have been characterized by a keen awareness how the conditio humana is a product of its representation in mass media. She has developed a unique aesthetic practice committed to a metaphorical and feminist narration.

For more than four decades, Ossouli has been delving into the violent peripheries of a society mediated by images, in genuine compositions whose fine surfaces contain an unsettling visual poetics, political allure, and hope. Her works are monumental sites of confrontation with ideologies that manipulate and often obliterate the individual. This corporal trauma is expressed in an almost documentary realism with the elements of classical Persian Miniature Paintings that presents little more than the bare facts, it is also reflected in every aspects of composition, from the projection of contemporary political issues and the removal of entire sections in the narration, to unnerving collapse of the figure with space it occupies.

Чудова, раніше не публікована колекція всіх картин і фресок, представлених в Уффіці, Палатинській галереї палацу Пітті, Академії та Дуомо, а також більше — майже 2000 творів мистецтва — усі вони представлені в практичному та елегантному форматі м’якої палітурки.

Місто Флоренція є домом для десятків музеїв і палаців, які містять багато найвідоміших у світі творів мистецтва. Florence: The Paintings & Frescoes – це багата та чудова колекція з тисяч картин і фресок, яку щороку відвідують мільйони мандрівників, включно з мистецтвом Джотто, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Гірландайо, Корреджо, Боттічеллі, Караваджо, Тиціана, Рембрандта, ван Дейка, Ель Греко та сотень інших.

Досліджуйте історію мистецтва у Флоренції за допомогою семи есе Росса Кінга, автора бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», у яких розповідається про те, як картини, політика та повсякденне життя флорентійців впливали одне на одне. Історик мистецтва Аня Гребе, автор книги The Louvre та The Vatican, також висвітлює 250 найбільш знакових і значущих картин і фресок в історичному місті з детальною інформацією про атрибути робіт, біографічні подробиці художників тощо.

Ця вражаюча колекція з майже 2000 картин і фресок є обов’язковою для будь-якого любителя мистецтва, студента чи мандрівника у кріслі.

Про автора:

Росс Кінг є автором бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», а також романів «Екслібрис» і «Доміно». Живе в Англії, поблизу Оксфорда.

Місто Флоренція є домом для десятків музеїв і палаців, які містять багато найвідоміших у світі творів мистецтва. Florence: The Paintings & Frescoes – це багата та чудова колекція з тисяч картин і фресок, яку щороку відвідують мільйони мандрівників, включно з мистецтвом Джотто, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Гірландайо, Корреджо, Боттічеллі, Караваджо, Тиціана, Рембрандта, ван Дейка, Ель Греко та сотень інших.

Досліджуйте історію мистецтва у Флоренції за допомогою семи есе Росса Кінга, автора бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», у яких розповідається про те, як картини, політика та повсякденне життя флорентійців впливали одне на одне. Історик мистецтва Аня Гребе, автор книги The Louvre та The Vatican, також висвітлює 250 найбільш знакових і значущих картин і фресок в історичному місті з детальною інформацією про атрибути робіт, біографічні подробиці художників тощо.

Ця вражаюча колекція з майже 2000 картин і фресок є обов’язковою для будь-якого любителя мистецтва, студента чи мандрівника у кріслі.

Про автора:

Росс Кінг є автором бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», а також романів «Екслібрис» і «Доміно». Живе в Англії, поблизу Оксфорда.

A focused look at double-figure paintings by the celebrated British artist, whose disturbing portrayals radically altered the genre of figurative painting in the twentieth century.

This book highlights a theme that preoccupied Francis Bacon throughout his career: the relationship between two people, both physical and psychological. At its heart are two of the most uninhibited images that Bacon ever painted: Two Figures (1953) and Two Figures in the Grass (1954). After completing these interrelated works, Bacon did not return to the subject until 1967, the year that homosexual acts in private were decriminalized in England and Wales, when he painted Two Figures on a Couch, also featured in this volume. In Bacon's paintings, the human presence is evoked sometimes viscerally, at other times more fleetingly, in the form of a shadow or a blurred, watchful figure. In certain instances, the portrayal takes the form of a composite in which male and female bodily traits are transposed or fused. A number of the works in Couplings were inspired by Bacon's own fraught relationships.

Francis Bacon: Couplings features an introductory text by Richard Calvocoressi; a new essay and plate texts by Martin Harrison; and a never-before-published interview with Bacon by Richard Francis and Ian Morrison; as well as studio ephemera and working documents that illuminate Bacon's process.

About the Authors:

Richard Calvocoressi is an art historian and a director and senior curator at Gagosian, London. Martin Harrison, a curator and writer on art and photography, is an authority on the work of Francis Bacon.