Книги з живопису

The monograph on Egon Schiele edited by Rudolf Leopold in 1972 forms the basis for Egon Schiele’s world fame. This important document of art-historical literature has long been out of print, but it is now available once more in a revised edition with an updated catalogue raisonné. At the same time this magnificent volume provides an insight into the artist’s life through letters, sketches and documents.

Rudolf Leopold recognised back in the 1950s Schiele’s outstanding significance for art. He was largely responsible for ensuring that the artist received the place he deserved in art history and public awareness. The monograph presented Schiele’s paintings, watercolours and drawings chronologically in large-format colour plates. It is complemented by a profound examination of his motifs, studies, sketches and documents and provides a comprehensive overview. The current edition pays tribute to Leopold’s achievement.

_includes 228 full-page colour plates

About the Authors:

Rudolf Leopold (1925-2010) was an Austrian collector who developed his attention to the work of Egon Schiele, assembling the world's largest collection of Schiele's work.
Elisabeth Leopold is an Austrian art collector. With Rudolf Leopold, she cofounded the Leopold Museum and the Leopold Museum Private Foundation.

_________

Пролистать книгу Egon Schiele: Catalogue raisonné: Paintings, Watercolours, Drawings. Revised 2nd edition

У цій захоплюючій новій книзі розповідається про те, як Егон Шіле заново винайшов мистецтво портрета, блискуче захоплюючи внутрішнє життя своїх численних об’єктів — включно з ним самим.

У цій книзі простежується розвиток Шіле як портретиста через чотири основні хронологічні фази, з 1906 по 1918 рік. Починаючи з ретельного навчання художника у Віденській академії, у ній розповідається про остаточний розрив Шіле з академічним середовищем і появу його стилю експресіонізму. Коли Шіле відточував свої технічні здібності, він зібрав коло меценатів — багатьох із яких він увічнив на полотні — і розвинув тенденцію до реалізму та самоаналізу. Протягом усієї своєї кар'єри Шіле перевіряв межі традиційного портрета. Конфронтаційні, відверто еротичні та здебільшого позбавлені реквізиту чи декорацій, портрети Шіле є основоположними творами оригінальності та глибокого співпереживання людському стану.

Цей том також пропонує ретельний аналіз автопортретів Шіле та його стосунків із Густавом Клімтом, жестикуляційну мову Шіле в контексті сучасної фотографії та німого кіно, а також короткі біографії предметів Шіле та транскрипції яскравих листів, що стосуються його життя та творчості.

________

Погортати книгу Egon Schiele: Self-Portraits and Portraits

El Greco and Nordic Modernism

At the birth of modernism in the late 19th century, artists across Europe rediscovered the almost three centuries old artwork of the Greek painter known as El Greco (1541–1614). In the Nordic countries as well, his characteristic rapturous and expressive style was perceived as speaking directly to the rule-breaking forms of expression with which a new generation of artists were experimenting. His hailing as a cult figure was based as much on the story of his life, though, including the 300 years of rejection and obscurity that made him an outsider idol for young artists. This catalogue traces the inspiration that leading Nordic artists such as Edvard Munch, Helene Schjerfbeck, Nils Dardel, Harald Giersing, and Jens Ferdinand Willumsen took from the works of El Greco, and for the first time specifically explores his Nordic reception in the decades between 1885–1945, adding a hitherto undiscovered piece to the mosaic of El Greco’s multifaceted and multinational rediscovery.

Explore the oeuvre of Ernst Ludwig Kirchner, one of the most important German Expressionist painters of the 20th century.

Throughout his career, Ernst Ludwig Kirchner employed a highly inventive and original use of color. He favored novel applications of paint in unusual matte finishes. For Kirchner, color was of primary importance, coupled with technique and style. He was one of the leading Expressionist painters of the time and was one of the founding members of the Brücke. In his deeply personal depictions, he focused on the places where he lived and worked and his close friends and associates.

This book, accompanying a major exhibition at the Neue Galerie New York, provides a visual survey of Kirchner’s oeuvre and offers an in-depth analysis of different aspects of the artist’s output. Essays by leading experts examine Kirchner’s approach to color, his interest in the decorative arts, how electric light affected his treatment of color, the impact of Nietzsche on his work, and how he was profoundly changed by World War I.

This book includes illustrations of nearly 40 paintings, 30 prints, as well as drawings, sketchbooks, photographs, and decorative work.

About the Authors:

Jill Lloyd-Peppiatt is an independent art historian who has curated exhibitions for leading international museums including Tate, Royal Academy London, and the National Gallery in Washington. She has written extensively on Expressionist and contemporary artists.

Janis Staggs is Director of Curatorial and Manager of Publications at the Neue Galerie New York and co-editor and contributing author of Wiener Werkstatte, 1903-1932: The Luxury of Beauty (Prestel).

Perhaps no individual is more associated with the 20th-century art deco revival than Russian-born French artist and designer, Erté. Although his talent spanned many creative fields, Erte is perhaps best-known for his theatre and fashion designs, which were often later translated into beautiful silkscreen prints. Few can fail to be charmed by Symphony in Black, one of his most famous designs depicting a slender figure walking her dog.

Throughout his lifetime Erté designed over 200 covers for Harper's Bazaar and his works have been reproduced and copied countless times since, oozing a timeless air of class and sophistication. Combining fresh and thoughtful text and beautiful illustrations, including jewellery and sculpture inspired by his two-dimensional designs, this coffee-table book is the definitive Erté companion.

The first comprehensive survey of the beloved figurative realist painter Fairfield Porter to be published in more than two decades. A figurative realist in the heyday of abstract expressionism, Fairfield Porter (1907–1975) painted himself, his family, and friends in New York City, in Southampton, Long Island, and on an island off the Maine coast, all depicting a relaxed and comfortable world that seemed to mirror his own affluent, well-connected existence. With virtually all of the artist’s previous publications now out of print, this much-anticipated volume is an important addition to the literature on this great American master. Porter graduated from Harvard in 1928 and then studied at the Art Students League in New York with Thomas Hart Benton. Along with months in Maine, Porter lived in New York and from 1948 on, in Southampton where he purchased a large, late Federal-style house for his own expanding family. Porter painted several artist friends, including Elaine de Kooning, Larry Rivers, and Jane Freilicher. He was also close to the modern poets John Ashbery, Frank O’Hara, and James Schuyler. With a carefully curated selection of the artist’s best works, John Wilmerding, a specialist in American art, gives full consideration to Porter’s expressive compositions and a color palette influenced by his coastal surroundings. Karen Wilkin discusses Porter’s influences and pictorial creativity. Distinguished poet J. D. McClatchy writes a reflection on one of Porter’s paintings.

About the Authors:

John Wilmerding is Sarofim Professor of American Art, emeritus, at Princeton University. Karen Wilkin is an independent curator and art critic based in New York. She is a contributor to Rizzoli’s Wayne Thiebaud (2015). J. D. McClatchy is the editor of the Yale Review and former president of the American Academy of Arts and Letters.

This book provides insights on Farah Ossouli’s artistic pursuits with miniature painting, explains the historical background of Iranian Contemporary and the challenges of contemporary image-making in the new political and social climate.

Farah Ossouli (born in 1953 in Zandschan, lives and works in Tehran) has explored innovative approaches to the medium painting, most commonly through juxtaposition of images and texts that scrutinize preconceptions about gender and race while undermining collective assumptions in post-revolutionary Iran.

A hallmark of her paintings are exceptionally fine miniatures; her subjects are figurative but nevertheless not easily deciphered. Even through titles can identify what is portrayed, they often only hint at a possible interpretation of the picture. Through most of her works have a private character, Ossouli refers to historical events and occurrences with collective memory internationally, which still disturbs to this day. Ossouli can interpret history through an artwork, since the aesthetics of representation creates a challenge to the ethics of what is represented. The aesthetic quality of the paintings is what first allows the viewers to address his content. The dissolution of subjectivity and its rearticulation in miniature compositions is a major trope. Early on Ossouli began to use mirrors to facilitate this process – as myth and metaphor doubling and redoubling a fragmented vision – returning the viewer to that moment of ego formation described by Jacques Lacan as the mirror stage. Farah Ossouli’s paintings, gouaches, conceptual miniature works, drawings, artist books and texts since the mid-1970s have been characterized by a keen awareness how the conditio humana is a product of its representation in mass media. She has developed a unique aesthetic practice committed to a metaphorical and feminist narration.

For more than four decades, Ossouli has been delving into the violent peripheries of a society mediated by images, in genuine compositions whose fine surfaces contain an unsettling visual poetics, political allure, and hope. Her works are monumental sites of confrontation with ideologies that manipulate and often obliterate the individual. This corporal trauma is expressed in an almost documentary realism with the elements of classical Persian Miniature Paintings that presents little more than the bare facts, it is also reflected in every aspects of composition, from the projection of contemporary political issues and the removal of entire sections in the narration, to unnerving collapse of the figure with space it occupies.

Чудова, раніше не публікована колекція всіх картин і фресок, представлених в Уффіці, Палатинській галереї палацу Пітті, Академії та Дуомо, а також більше — майже 2000 творів мистецтва — усі вони представлені в практичному та елегантному форматі м’якої палітурки.

Місто Флоренція є домом для десятків музеїв і палаців, які містять багато найвідоміших у світі творів мистецтва. Florence: The Paintings & Frescoes – це багата та чудова колекція з тисяч картин і фресок, яку щороку відвідують мільйони мандрівників, включно з мистецтвом Джотто, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Гірландайо, Корреджо, Боттічеллі, Караваджо, Тиціана, Рембрандта, ван Дейка, Ель Греко та сотень інших.

Досліджуйте історію мистецтва у Флоренції за допомогою семи есе Росса Кінга, автора бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», у яких розповідається про те, як картини, політика та повсякденне життя флорентійців впливали одне на одне. Історик мистецтва Аня Гребе, автор книги The Louvre та The Vatican, також висвітлює 250 найбільш знакових і значущих картин і фресок в історичному місті з детальною інформацією про атрибути робіт, біографічні подробиці художників тощо.

Ця вражаюча колекція з майже 2000 картин і фресок є обов’язковою для будь-якого любителя мистецтва, студента чи мандрівника у кріслі.

Про автора:

Росс Кінг є автором бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», а також романів «Екслібрис» і «Доміно». Живе в Англії, поблизу Оксфорда.

Місто Флоренція є домом для десятків музеїв і палаців, які містять багато найвідоміших у світі творів мистецтва. Florence: The Paintings & Frescoes – це багата та чудова колекція з тисяч картин і фресок, яку щороку відвідують мільйони мандрівників, включно з мистецтвом Джотто, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Гірландайо, Корреджо, Боттічеллі, Караваджо, Тиціана, Рембрандта, ван Дейка, Ель Греко та сотень інших.

Досліджуйте історію мистецтва у Флоренції за допомогою семи есе Росса Кінга, автора бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», у яких розповідається про те, як картини, політика та повсякденне життя флорентійців впливали одне на одне. Історик мистецтва Аня Гребе, автор книги The Louvre та The Vatican, також висвітлює 250 найбільш знакових і значущих картин і фресок в історичному місті з детальною інформацією про атрибути робіт, біографічні подробиці художників тощо.

Ця вражаюча колекція з майже 2000 картин і фресок є обов’язковою для будь-якого любителя мистецтва, студента чи мандрівника у кріслі.

Про автора:

Росс Кінг є автором бестселерів «Купол Брунеллескі» та «Мікеланджело та стеля Папи», а також романів «Екслібрис» і «Доміно». Живе в Англії, поблизу Оксфорда.

A focused look at double-figure paintings by the celebrated British artist, whose disturbing portrayals radically altered the genre of figurative painting in the twentieth century.

This book highlights a theme that preoccupied Francis Bacon throughout his career: the relationship between two people, both physical and psychological. At its heart are two of the most uninhibited images that Bacon ever painted: Two Figures (1953) and Two Figures in the Grass (1954). After completing these interrelated works, Bacon did not return to the subject until 1967, the year that homosexual acts in private were decriminalized in England and Wales, when he painted Two Figures on a Couch, also featured in this volume. In Bacon's paintings, the human presence is evoked sometimes viscerally, at other times more fleetingly, in the form of a shadow or a blurred, watchful figure. In certain instances, the portrayal takes the form of a composite in which male and female bodily traits are transposed or fused. A number of the works in Couplings were inspired by Bacon's own fraught relationships.

Francis Bacon: Couplings features an introductory text by Richard Calvocoressi; a new essay and plate texts by Martin Harrison; and a never-before-published interview with Bacon by Richard Francis and Ian Morrison; as well as studio ephemera and working documents that illuminate Bacon's process.

About the Authors:

Richard Calvocoressi is an art historian and a director and senior curator at Gagosian, London. Martin Harrison, a curator and writer on art and photography, is an authority on the work of Francis Bacon.

In 1949 Francis Bacon found his subject - the human body - and from then on it remained his principal theme. But he did not paint from life. Instead he appropriated images from the mass media that he manipulated into his "studies." This book presents over 200 of these documents, about which Bacon was secretive but which, it emerges, were integral to his creative process.

Culled from thousands of pieces of original material found in his studio, including newspapers, magazines, books, and photographs, these items have each been exhaustively and minutely researched, providing for the first time comprehensive details of the artist's sources. Previously unseen, these visually thrilling documents demonstrate Bacon's tactile, visceral relationship with his sources and his unerring eye for seeking out visual stimulation in the most unexpected places.

This unique selection of material from Bacon's sudio - meticulously documented and compellingly presented - will provide an invaluable insight into both the artist's work and his working methods.

Francis Bacon (19091992) was renowned for his dramatic depictions of the human form; he portrayed the ordeal of the vulnerable, defencelessly exposed body like no other artist of his generation.

At the centre of this volume are about sixty of Bacons disturbing yet captivating studies of the human figure, encompassing works from the late 1940s until his death.

Texts by a range of experts on the artist offer new insights into these radical and often discomfiting images, so brilliantly reproduced on the pages of this book.

With 1,200 works, including 250 paintings created by the artist since the previous edition, this newly expanded book on this much admired and very influential British painter is now available in an accessibly priced edition.

This is the most comprehensive monograph to date on Frank Auerbach (1931–), one of the preeminent artists of our age, widely admired for his vivid, impulsive depictions of the world around him. Often compared to Francis Bacon and Lucian Freud in terms of the revolutionary and powerful nature of his work, Auerbach crafts depictions of people and the urban landscapes near his London studio that make him one of the greatest painters alive today. Spanning the length of his career from the 1950s to the present, this expanded edition includes 250 additional works to bring it up to date. In the back of the book there is a small-scale chronological sequencing of full-color reproductions, which depicts nearly every painting made by the artist, from his student years up until this publication. At age 90, he looks back over his life and his work, rich with breakthroughs in painting and masterful individuality.

Praise for earlier edition:
“The constant painter: a rare interview with Frank Auerbach... A weighty monograph filled with photographs of his life’s work, written by William Feaver, is published [and] underscore[s] his position as a Grand Old Man of British Painting.”
—London Evening Standard

“This definitive account of Auerbach’s work and life includes excellent large-scale reproductions of 200 paintings and an illustrated catalogue of some 1,000 more, lively, pertinent interpretations from Feaver, the artist’s long-term friend, critical supporter and model, and engaging interviews and photographs.”
—The Financial Times

About the Author:

William Feaver is a painter, writer, critic, and one of Auerbach’s regular sitters. He is the author of Lucian Freud (Rizzoli, 2007) and was the curator of Lucian Freud (Tate, 2002) and Freud & Auerbach (V&A Museum, 2006).

____________

Пролистать книгу Frank Auerbach: Revised and Expanded Edition

Видатна колекція французького живопису Шотландської національної галереї повністю описана в цьому двотомному ілюстрованому каталозі.

Спираючись на великі наукові дослідження, ця вичерпна праця включає багатьох видатних імен, зокрема Моне, Дега, Сезанна, Пуссена, Ватто та Делакруа.

З моменту відкриття у 1859 році колекція французького живопису Шотландської національної галереї постійно зростала, відображаючи зміну смаків та пріоритетів, завдяки натхненним та пізнавальним покупкам і численним щедрим пожертвам. Захоплива історія колекції розповідається у вступному есе.

Кожного художника представляє стисла біографія, після якої йде дослідження його окремих робіт, що містить найновіші дослідження. Цей каталог, що ілюструє та описує 189 творів мистецтва, є вичерпним джерелом інформації про французький живопис у національній колекції Шотландії.

Про автора:

Дослідження та написання підготовлено Майклом Кларком, кавалером Ордена Британської імперії, колишнім директором Шотландської національної галереї, та професором Френсісом Фаул, старшим куратором Національних галерей Шотландії, з урахуванням приміток щодо збереження від Леслі Стівенсон, старшого реставратора картин Національних галерей Шотландії.

Важливі шедеври європейського живопису з українського міста Одеса були збережені від загрози пошкодження під час війни, що триває. У цьому чудово виготовленому томі колекція сяє у чудових репродукціях разом із текстами англійською, німецькою та українською мовами – символ солідарності з Україною та її культурними інституціями.

В основі цього видання лежать сімдесят шість робіт з колекції живопису Одеського музею західного та східного мистецтва – шедеври європейського мистецтва, що охоплюють період з XVI по XIX століття. Представлена ​​в мистецтвознавчому діалозі з вишуканими роботами з берлінської Гемельдегалереї, ця унікальна колекція охоплює біблійні та міфологічні сюжети з Італії та Нідерландів, портрети, натюрморти, жанрові сцени, зображення Мадонни та пейзажі.

Серед художників: Андреас Ахенбах, Корнеліс Де Хем, Франческо Граначчі, Гверчіно, Франс Галс, Алессандро Маньяско, Габріель фон Макс, Сассоферрато, Ролан Савері, Бернардо Строцці, Фріц Таулов.

Про авторів:

Дагмар Гіршфельдер очолює Gemäldegalerie, Staatliche Museen zu Berlin з 2021 року.
Сабіна Лата – науковий співробітник Gemäldegalerie.