Книги з живопису

Монографія робіт, присвячених Джотто, автора Франческа Флорес д'Арке, що спирається на вражаючий спектр джерел, від документів XIV століття до найновіших досліджень історії мистецтва.

Вазарі відомий своїм писанням, що Джотто «відновив справжній метод живопису, який був втрачений багато років до нього», і справді, його традиційно вважають засновником італійського Відродження.

Створивши серію робіт на замовлення для церкви та вищих класів у своїй рідній Тоскані та навколишніх регіонах, Джотто змінив хід європейського мистецтва, відійшовши від жорстких, стереотипних фігур візантійської та середньовічної традицій. Його новаторство полягало в тому, щоб надати своїм персонажам природний рух та вираз. Його великі фрескові цикли, такі як життя Діви Марії та Христа в каплиці Скровеньї (або Арені) в Падуї, наповнені реалістичними зображеннями тривимірних фігур; другорядні персонажі, як комічні, так і трагічні, демонструють діапазон дотепності та винахідливості художника.

І трактування перспективи Джотто було таким же революційним, як і його підхід до людської форми: драматична сила його сцен посилюється переконливими ілюзіоністичними просторами, в яких він їх розміщує. У цьому авторитетному огляді життя та творчості Джотто Франческа Флорес д'Арке спирається на вражаючий спектр джерел, від документів XIV століття до найновіших мистецтвознавчих досліджень. Її дослідження приводять її до важливих переатрибуцій картин у стилі Джотто та до нових висновків щодо виконання та датування як відомих, так і менш відомих творів. У цьому другому виданні свого дослідження д'Арке також обговорює землетрус 26 вересня 1997 року, який пошкодив фрески Верхньої базиліки Сан-Франциско в Ассізі, деякі з яких приписуються молодому Джотто; вона пояснює не лише масштаби пошкоджень, але й мистецтвознавчі висновки, що виникли в результаті подальших реставраційних робіт.

Понад триста ілюстрацій, більшість із яких повнокольорові, а деякі на подвійних розворотних сторінках, відтворюють усі значні фрески Джотто у вишуканих деталях, а також його рухомі розп'яття та поліптихи, схожі на коштовності. Ці чудові зображення та проникливий текст д'Арсе, вперше представлений у доступному виданні в м'якій обкладинці, роблять цю книгу вичерпною монографією про найвидатніших майстрів треченто.

Про автора:

Франческа Флорес д'Арсе — професор історії мистецтв в Університеті Верони, Італія. Експерт у галузі північноіталійського живопису, вона зробила численні внески у вивчення середньовічного та ренесансного мистецтва протягом своєї видатної викладацької кар'єри.

"I like my paintings to have one foot in the grave, to be not quite of this world. For me they exist in a dream world, a world that is made up of all the accumulated images stored in our subconscious that coagulate and mutate when we sleep." — Glenn Brown Mining art history and popular culture, Brown has created an artistic language that transcends time and pictorial conventions. He creates a space where the abstract and the visceral, the rational and irrational, the beautiful and grotesque churn in a dizzying amalgamation of reference and form.

In paintings completed over the last three years, including some of his largest works to date, Brown confronts traditional subjects of still life and portraiture. With characteristically fleshy textures beneath remarkably flat and glossy surfaces, the scenes evoke traditional memento mori.

About the Author:

Rudi Fuchs is a Dutch art historian and curator. He has been director of the Van Abbemuseum in Eindhoven, the Gemeentemuseum in The Hague and the Stedelijk Museum in Amsterdam from 1993 to 2003. He is currently a lecturer at the University of Amsterdam and has written extensively on art.

Розкішне дослідження понад 300 жінок-художниць та їхніх робіт, що охоплюють майже п’ять століть

Великі жінки-художниці – це новаторська книга, яка розкриває багатшу та різноманітнішу розповідь про історію живопису. До нього входять понад 300 художників з усього світу, як відомі художниці з історії, так і найцікавіші зірки, що сходять сьогодні.

Охоплюючи майже 500 років майстерності та інновацій, це опитування продовжує знамениту серію The Art Book Фейдона та розкриває та підтримує більш різноманітну історію мистецтва, демонструючи нещодавно відкриті та нещодавно оцінені роботи та художників на більш ніж 300 сторінках і зображеннях.

Серед представлених артистів: Хільма аф Клінт, Ейлін Агар, Софонісба Ангісола, Сесілі Браун, Леонора Керрінгтон, Мері Кассат, Елейн де Кунінг, Марлен Дюма, Ніколь Айзенман, Жаде Фадоютімі, Хелен Франкенталер, Артемізія Джентілескі, Меггі Хамблінг, Кармен Еррера, Гвен Джон, Фріда Кало, Тамара де Лемпічка, Агнес Мартін, Джоан Мітчелл, Еліс Ніл, Плаутілла Неллі, Джорджія О'Кіфф, Паула Рего, Бріджит Райлі, Дженні Севіль, Дана Шутц, Лі Краснер, Яйоі Кусама.

Про авторів:

Редактори Phaidon

Елісон М. Джінгерас – куратор і письменниця з Нью-Йорка та Варшави. Вона працювала куратором Музею Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк; Центр Помпіду, Париж; і Палаццо Грассі, Венеція. Зараз Джінгерас працює допоміжним куратором Dallas Contemporary та запрошеним куратором Музею сучасного мистецтва в Маямі, а також Музею сучасного мистецтва у Варшаві, крім того, що працює самостійно.

On the Baroque painter's early years in Rome and the origins of his vision of landscape painting

The impetus behind this volume was the Italian state's 2020 acquisition of the painting Landscape with a Country Dance (1601-02) by the Italian Baroque painter Guido Reni (1575-1642). The artwork's return to its native land at the Galleria Borghese marked a prime opportunity to rediscover the artist and his oeuvre, particularly the landscapes and rural scenes he created during his early years in Rome.

Nature and Devotion tracks the new vision of nature-a fusion of science and poetry-that Reni developed alongside his contemporaries (who included Niccolò dell'Abate, Annibale Carracci, Domenichino and Giovanni Battista Viola). Following the artist's course up until his breakthrough fresco for the Casino of Cardinal Scipione Borghese, Aurora (1613-14), the volume conveys how the impressions he gathered during his early years in Rome established a robust foundation upon which he built his later masterpieces.

Ця візуально приголомшлива колекція пейзажів Густава Клімта, знову доступна, виявляє менш відомий аспект творчості віденського художника.

Хоча Густав Клімт широко шанується за свої розкішні, сповнені символів портрети віденської буржуазії, ці роботи були лише одним аспектом його художнього самовираження. Його пейзажі є важливим аспектом його кар'єри та цінним внеском у школу європейського живопису природи. Протягом багатьох років художник подорожував австрійською та італійською сільською місцевістю влітку, де використовував надзвичайне світло та вражаючі відтінки для малювання та створення замальовок пейзажів.

Серед найвишуканіших пейзажів Клімта є ті, в яких він експериментував з композицією та стилем. Зображення, відтворені в цій книзі, супроводжувані науковими есе, охоплюють усі збережені пейзажі цього блискучого художника, що доводить, що його майстерність виходить за рамки портретного живопису та розкриває теми, що проявлялися протягом усього його життєвого шляху.

_________

Погортати книгу Gustav Klimt: Landscapes

Showcasing the best works by the acclaimed Nordic master of light and solitude, this is the first major book on the artist since 1998.

The paintings of Vilhelm Hammershøi (1864–1916) have become increasingly popular due their almost contemporary aesthetic. Admired and celebrated during his lifetime, Hammershøi gradually fell into oblivion before being rediscovered in the 1990s. He is now recognized as the iconic painter of Nordic light and solitude.

This newly researched monograph presents the artist’s best works, many drawn from rarely seen private collections. Enigmatic and subtle, his paintings feature empty interiors, shades of gray, and the silhouette of a lone figure. Reminiscent of Edward Hopper, Hammershøi has an impassioned following who will appreciate this new volume.

Multiple scholarly texts and an illustrated chronology shed new light on Hammershøi’s art and explore links with contemporary artists highlighting Hammershøi’s singular genius and more radical aesthetic, which still engages and surprises us today.

About the Authors:

Jean-Loup Champion is a sculptor, publisher, art historian, curator, and editor of several books. Frank Claustrat is Associate Professor of Contemporary Art History at Montpellier University in France as well as a noted expert on Nordic art. He has been published in Artnord, L’Œil, Connaissance des Arts, and La Gazette Drouot. Pierre Curie is curator at the Musée Jacquemart-André in Paris. Marianne Saabye is a Danish art historian and author who was the director of the Hirschsprung Collection from 1986 until 2016.

The first monograph on Iraqi artist Hayv Kahraman surveys her figurative work, which mines the marginal space that pertains to diasporic peoples, collective and personal memory, and gender.

The vital practice of Hayv Kahraman produces ethereal figures relating to each other in complex grounds. Their grace belies the brutal history of violence and displacement Kahraman’s subjects endure, creating an oscillating effect that entices the viewer with its seductive order. The artist combines elements of Italian Renaissance painting and twelfth-century Baghdadi illuminated manuscripts to create an evocative, hybrid vocabulary. Her quietly radical shifts — where traditional Iraqi screens’ geometric patterns are replaced with sections of a woman’s body, or a manuscript figure is presented as doll-like parts — convey the artist’s developing exploration of femininity, acculturation, and abstract patterns. Essays by Martin Daughtry, Walter Mignolo, and Octavio Zaya accompany works from all series to date, where graphic patterning attests alternately to violence and to moments of agency, community, and escape.

About the Author:

Martin Daughtry is associate professor of music at New York University. Walter Mignolo is professor of literature at Duke University. Octavio Zaya is an art critic and curator living in New York City since 1978.

___________

Пролистать книгу Hayv Kahraman на сайте издательства.

This beautiful book presents the extraordinary work of the iconic American "outsider" artist in a new critical light, locating him as a major figure in the history of contemporary art.

Self-taught and working in isolation until his death in 1973, Henry Darger realized an elaborate fantasy world of remarkable beauty and strangeness through hundreds of paintings and an epic written narrative. Angel-like Blengins with butterfly wings, natural catastrophes, innocent girls, and murderous soldiers all appear in Darger's scenes, which are reproduced in this book in double-page and gatefold illustrations.

In the volume's introductory essay, Klaus Biesenbach examines the radical originality of Darger's art, including his use of collage, incorporation of religious themes and iconography, and frequent juxtaposition of innocence with violence. An essay by Brooke Davis Anderson illuminates Darger's source materials and techniques, while another by Michael Bonesteel puts Darger's life in the context of his work.

The book also includes Darger's autobiography, “A History of My Life," introduced by Carl Watson. The only book of its kind, Henry Darger offers an authoritative, balanced, and insightful look at an American master.

About the Author:

Klaus Biesenbach is Director of the Museum of Contemporary Art in Los Angeles.

Чотириста маленьких людей граються au naturel з розрослими співочими птахами та малиною; пухкенький блакитний демон співає серенади модній молодій парі під мелодію, що лунає з його власного видовженого носа; пара безтілесних вух, озброєних ножем, переслідує проклятих крізь пекло.

Фантасмагоричні образи Ієроніма Босха (помер 1516 р.) були джерелом широкого інтересу ще з часів життя художника і досі настільки загадкові, що вчені висувають теорії про те, що вони містять приховані астрологічні, алхімічні чи навіть єретичні значення. Однак жодна з цих теорій, здається, ніколи не давала адекватного розуміння творчості Босха. Більше того, значний професійний успіх, яким художник користувався у своєму рідному Гертогенбосі, не кажучи вже про його членство в традиційній релігійній організації, свідчить про те, що він переслідував не зловісний таємний порядок денний, а просто своє особисте художнє бачення.

Ця захоплива нова монографія відомого мистецтвознавця Ларрі Сільвера інтерпретує це художнє бачення з дивовижною ясністю: вона пояснює, як розуміння Босхом людського гріха, моралі та покарання, яке виникло в епоху потужних апокаліптичних очікувань, сформувало його драматичні візуалізації пекла та спокус навіть найстійкіших святих. Розповідь Сільвера про художній розвиток Босха є однією з перших, яка враховує нещодавні технічні дослідження картин, а також переосмислення малюнків художника у зв'язку з його картинами.

Hieronymus Bosch також унікальний тим, наскільки надійно він розміщує роботу свого героя в ширшій історії живопису Нідерландів: Сільвер визначає джерела іконографії Босха в широкому спектрі панно XV століття, ілюмінацій рукописів та гравюр, а також описує, як, незважаючи на власну релігійність, картини Босха допомогли надихнути світських пейзажів та жанрових сцен пізніших нідерландських художників. Доповнена 310 ілюстраціями, більшість кольорових, включаючи численні драматичні крупні плани складно вигаданих сцен кошмарів Босха, ця книга є вичерпною про вічно захопливого художника.

Про автора:

Ларрі Сільвер, історик мистецтва Північного Відродження, отримав ступінь доктора філософії в Гарвардському університеті та наразі є професором історії мистецтв імені Фаркуара в Пенсильванському університеті. Серед інших його книг – загальний огляд Art in History та нещодавня книга Landscapes and Peasant Scenes: The Rise of Pictorial Genres in the Antwerp Art Market.

Presented in a style as stunning as the prints it celebrates, this survey of Hiroshige tells the fascinating story of the last great practitioner of ukiyo-e, or "pictures of the floating world." Hiroshige is considered to be the tradition's most poetic artist and his work had a marked influence on Western painting towards the end of the 19th century.

Vincent van Gogh, Claude Monet, Paul Cezanne, and James Whistler were inspired by Hiroshige's serene depictions of the natural world. Arranged chronologically, this book illustrates through text and magnificent reproductions Hiroshige's youth and early career; his artistic development in the genre of landscape prints; his depictions of Edo and the provinces; the flower and bird prints; and his many popular books and paintings. It discusses the historic and cultural environment in which Hiroshige flourished and the many reasons his art continues to be revered and imitated.

Filled with 300 color reproductions, and featuring a clamshell box and Japanese-style binding, this volume is destined to become the definitive examination of Hiroshige's oeuvre.

This first English book about Ho Kan, a pioneering Chinese artist who lived in Milan from 1964 to 2014, features exceptional artworks and groundbreaking research.

Ho Kan’s pioneering work is a meeting of many worlds, bringing together ideas and inspiration that are as rooted in notions of East and West as they are in the past and present. Delicately balanced on the cusp of Western geometry, and on the lines, shapes, and forms of Chinese characters, this book traces the artist’s creative trajectory from his co-founding of the radical Ton Fan Group in Taipei to the dynamic cultural milieu of 1960s Milan, the city he lived in until 2014.

Featuring some 200 exceptional illustrations of the artist’s life and work, comprehensive critical research, and personal interviews with Ho Kan, the essays in this book explore the artist’s interactions and experiences in Taipei and Milan alongside those of other Italian and international artists from that period, mapping his artistic journey from surrealism toward abstraction, laying out his extraordinary legacy as a leading transcultural artist.

About the Author:

Flavia Frigeri is an art historian, lecturer, and Chanel Curator for the Collection at the National Portrait Gallery, London. Lesley Ma is the inaugural Ming Chu Hsu and Daniel Xu Associate Curator of Asian Art in the Department of Modern and Contemporary Art at the Metropolitan Museum of Art in New York. Raffaele Bedarida is Associate Professor of Art History at Cooper Union, New York, where he directs the History and Theory of Art program.

This is the first comprehensive overview of the career to date of British-born Jamaican artist Hurvin Anderson (b. 1965). Anderson is known for painting lush and loosely rendered observations of scenes and spaces loaded with personal meaning.

Turner Prize-nominated artist Hurvin Anderson is best known for his brightly painted, densely detailed landscapes and interior scenes — particularly those relating to his upbringing in the Afro-Caribbean community in the Midlands of England, as well as more recent trips to the Caribbean. Anderson’s luscious paintings have hybridity at their heart. A tug-of-war plays out between abstraction and figuration, nature versus the manmade, beauty and menace, and his British and Jamaican heritage.

Born in the United Kingdom as a member of the Jamaican diaspora, Anderson relates to the Caribbean as both insider and outsider, aware of the mythmaking that the idea of lost or future paradise generates. This book, Anderson’s first major monograph, has been carefully curated by the artist himself and includes paintings, sketches, source material and ephemera, and studio shots. The volume also features a foreword by Courtney J. Martin, an in-depth and deeply considered essay by art historian Catherine Lampert, poems by Roger Robinson, and an illustrated chronology.

About the Author:

Courtney J. Martin is Director of the Yale Center for British Art. Catherine Lampert is an independent curator and art historian. She has curated numerous exhibitions at the Hayward Gallery, the Royal Academy of the Arts, and the Whitechapel Gallery, where she was director from 1988 to 2001. Roger Robinson is a British writer, musician, and performer who lives between England and Trinidad. His book A Portable Paradise (Peepal Tree Press) won the prestigious 2019 T. S. Eliot Prize, announced in London in January 2020. He is the second writer of Caribbean heritage to win the prize, the highest-value award in UK poetry, after Derek Walcott won in 2010.

___________

Пролистать книгу Hurvin Anderson

A lavishly illustrated look at the sources behind the paintings of Francis Bacon

Francis Bacon famously found inspiration in photographs, film-stills and mass-media imagery. In this new, updated edition of In Camera, Martin Harrison reveals how these sources informed some of Bacon’s most important paintings and triggered decisive turning points in the artist’s stylistic development.

Key influences, including the masters Velázquez, Poussin and Rodin, the photographer Eadweard Muybridge and the film director Sergei Eisenstein, are given close consideration. Bacon’s work is examined in relation to the precedents set by other artists working in the tradition of making use of mechanical reproductions, including Pablo Picasso and Walter Sickert, and in the context of his contemporaries Lucian Freud, Mark Rothko, Graham Sutherland and Patrick Heron.

With the aid of over 270 illustrations, including valuable source images and documents, In Camera is a bravura accomplishment of original research, addressing important questions about Bacon’s painting practice and shedding fresh light on his life and work.

Contents List:

Introduction • After Picasso • Michelangelo and Muybridge • Raw Material • In Camera • Skin/Flicks

About the Author:

Martin Harrison is one of the foremost scholars of Francis Bacon, and the editor of Francis Bacon: Catalogue Raisonné.

This is the first international monograph on the French artist Inès Longevial.

Inès Longevial is a French painter based in Paris. She started drawing and painting at a very young age, first showing her work on Instagram, where she had an immediate success in terms of visibility. Since then her career has been growing fast, thanks to the support of the Parisian gallery Ketabi-Bourdet and to solo shows in Paris and New York.

Her oil paintings and drawings focus on two main themes: femininity and nature. Bodies, faces, and skin are shaped by light and color, and different palettes reflect different emotions—sometimes soft and sensual, sometimes intense, strong, and violent. The artist approaches her memories in color and gives form to candid and absorbed faces that embody the nostalgia of seasons, sunsets, shades of light, and caresses.

Originally from the southwest of France but with family in the Basque Country, she’s been close to Spanish culture; Pedro Almodóvar’s colorful world and Pablo Picasso’s lines rank among her main influences. Through large oil portraits on linen canvas and on paper, the artist follows an intimate injunction: “to make the face speak.” Her face—her faces—have always taken on the appearance of a landscape, sculpted by infinite shades of gleam, carved by valleys, traversed by shadows.

The book presents a significant selection of paintings and drawings, and includes pages of her sketchbook, a kind of intimate diary showing her inspiration and her spontaneous approach to painting. It is the first monographic publication on a promising young talent, with great potential.

About the Author:

Lola Kramer is a curator, writer, and producer based in New York City. She is known for her essays, profiles, and interviews with pioneers of creative disciplines. She is the curator of 7 Gardens, a public art exhibition throughout the community gardens in the Lower East Side. She contributes to international journals including Frieze, Interview, L’Officiel Art, CURA, Kaleidoscope, and Apartamento.
Elise Roche is a French curator and contemporary art consultant. Since 2019, she has been the director of projects at Hervé Mikaeloff Agency where she specializes in projects dedicated to emerging creation. She has participated in the curation of various exhibitions such as "L'écume des songes” for Paris Art Fair; “Miss Dior,” a Dior heritage exhibition; and exhibitions for the Noor Festival in Riyadh. She also writes for magazines and galleries.
Line Papin is a French novelist, born in Vietnam and living in Paris. She published her first novel at the age of 21 and has published two successful novels since then.

Jack Vettriano's erotic, provocative and emotionally charged paintings have made him one of Britain's most successful contemporary artists.

Collected by celebrities the world over, his exhibitions have regularly sold out and paintings now change hands for millions of pounds. In this beautifully packaged collection, Jack chooses 100 essential canvases that reflect the intensity and passion of his work. An elegant accompanying essay by critic Anthony Quinn recounts Jack's early years and his emergence as a successful artist.

Filled with mysterious men and curvy, seductive yet enigmatic women, Jack's paintings are tales without text, storyboards about love and lust, possession and longing, pursuit and conquest. Understanding perfectly the stylish sexiness and intrigue that occurs when high life and low life collide, Jack also hints at memories of golden times, past and lost.

Jack Vettriano is Scotland's best-known and most successful contemporary artist. This is a perfect Valentine's gift.