Книги з живопису

Чотириста маленьких людей граються au naturel з розрослими співочими птахами та малиною; пухкенький блакитний демон співає серенади модній молодій парі під мелодію, що лунає з його власного видовженого носа; пара безтілесних вух, озброєних ножем, переслідує проклятих крізь пекло.

Фантасмагоричні образи Ієроніма Босха (помер 1516 р.) були джерелом широкого інтересу ще з часів життя художника і досі настільки загадкові, що вчені висувають теорії про те, що вони містять приховані астрологічні, алхімічні чи навіть єретичні значення. Однак жодна з цих теорій, здається, ніколи не давала адекватного розуміння творчості Босха. Більше того, значний професійний успіх, яким художник користувався у своєму рідному Гертогенбосі, не кажучи вже про його членство в традиційній релігійній організації, свідчить про те, що він переслідував не зловісний таємний порядок денний, а просто своє особисте художнє бачення.

Ця захоплива нова монографія відомого мистецтвознавця Ларрі Сільвера інтерпретує це художнє бачення з дивовижною ясністю: вона пояснює, як розуміння Босхом людського гріха, моралі та покарання, яке виникло в епоху потужних апокаліптичних очікувань, сформувало його драматичні візуалізації пекла та спокус навіть найстійкіших святих. Розповідь Сільвера про художній розвиток Босха є однією з перших, яка враховує нещодавні технічні дослідження картин, а також переосмислення малюнків художника у зв'язку з його картинами.

Hieronymus Bosch також унікальний тим, наскільки надійно він розміщує роботу свого героя в ширшій історії живопису Нідерландів: Сільвер визначає джерела іконографії Босха в широкому спектрі панно XV століття, ілюмінацій рукописів та гравюр, а також описує, як, незважаючи на власну релігійність, картини Босха допомогли надихнути світських пейзажів та жанрових сцен пізніших нідерландських художників. Доповнена 310 ілюстраціями, більшість кольорових, включаючи численні драматичні крупні плани складно вигаданих сцен кошмарів Босха, ця книга є вичерпною про вічно захопливого художника.

Про автора:

Ларрі Сільвер, історик мистецтва Північного Відродження, отримав ступінь доктора філософії в Гарвардському університеті та наразі є професором історії мистецтв імені Фаркуара в Пенсильванському університеті. Серед інших його книг – загальний огляд Art in History та нещодавня книга Landscapes and Peasant Scenes: The Rise of Pictorial Genres in the Antwerp Art Market.

Presented in a style as stunning as the prints it celebrates, this survey of Hiroshige tells the fascinating story of the last great practitioner of ukiyo-e, or "pictures of the floating world." Hiroshige is considered to be the tradition's most poetic artist and his work had a marked influence on Western painting towards the end of the 19th century.

Vincent van Gogh, Claude Monet, Paul Cezanne, and James Whistler were inspired by Hiroshige's serene depictions of the natural world. Arranged chronologically, this book illustrates through text and magnificent reproductions Hiroshige's youth and early career; his artistic development in the genre of landscape prints; his depictions of Edo and the provinces; the flower and bird prints; and his many popular books and paintings. It discusses the historic and cultural environment in which Hiroshige flourished and the many reasons his art continues to be revered and imitated.

Filled with 300 color reproductions, and featuring a clamshell box and Japanese-style binding, this volume is destined to become the definitive examination of Hiroshige's oeuvre.

This first English book about Ho Kan, a pioneering Chinese artist who lived in Milan from 1964 to 2014, features exceptional artworks and groundbreaking research.

Ho Kan’s pioneering work is a meeting of many worlds, bringing together ideas and inspiration that are as rooted in notions of East and West as they are in the past and present. Delicately balanced on the cusp of Western geometry, and on the lines, shapes, and forms of Chinese characters, this book traces the artist’s creative trajectory from his co-founding of the radical Ton Fan Group in Taipei to the dynamic cultural milieu of 1960s Milan, the city he lived in until 2014.

Featuring some 200 exceptional illustrations of the artist’s life and work, comprehensive critical research, and personal interviews with Ho Kan, the essays in this book explore the artist’s interactions and experiences in Taipei and Milan alongside those of other Italian and international artists from that period, mapping his artistic journey from surrealism toward abstraction, laying out his extraordinary legacy as a leading transcultural artist.

About the Author:

Flavia Frigeri is an art historian, lecturer, and Chanel Curator for the Collection at the National Portrait Gallery, London. Lesley Ma is the inaugural Ming Chu Hsu and Daniel Xu Associate Curator of Asian Art in the Department of Modern and Contemporary Art at the Metropolitan Museum of Art in New York. Raffaele Bedarida is Associate Professor of Art History at Cooper Union, New York, where he directs the History and Theory of Art program.

This is the first comprehensive overview of the career to date of British-born Jamaican artist Hurvin Anderson (b. 1965). Anderson is known for painting lush and loosely rendered observations of scenes and spaces loaded with personal meaning.

Turner Prize-nominated artist Hurvin Anderson is best known for his brightly painted, densely detailed landscapes and interior scenes — particularly those relating to his upbringing in the Afro-Caribbean community in the Midlands of England, as well as more recent trips to the Caribbean. Anderson’s luscious paintings have hybridity at their heart. A tug-of-war plays out between abstraction and figuration, nature versus the manmade, beauty and menace, and his British and Jamaican heritage.

Born in the United Kingdom as a member of the Jamaican diaspora, Anderson relates to the Caribbean as both insider and outsider, aware of the mythmaking that the idea of lost or future paradise generates. This book, Anderson’s first major monograph, has been carefully curated by the artist himself and includes paintings, sketches, source material and ephemera, and studio shots. The volume also features a foreword by Courtney J. Martin, an in-depth and deeply considered essay by art historian Catherine Lampert, poems by Roger Robinson, and an illustrated chronology.

About the Author:

Courtney J. Martin is Director of the Yale Center for British Art. Catherine Lampert is an independent curator and art historian. She has curated numerous exhibitions at the Hayward Gallery, the Royal Academy of the Arts, and the Whitechapel Gallery, where she was director from 1988 to 2001. Roger Robinson is a British writer, musician, and performer who lives between England and Trinidad. His book A Portable Paradise (Peepal Tree Press) won the prestigious 2019 T. S. Eliot Prize, announced in London in January 2020. He is the second writer of Caribbean heritage to win the prize, the highest-value award in UK poetry, after Derek Walcott won in 2010.

___________

Пролистать книгу Hurvin Anderson

A lavishly illustrated look at the sources behind the paintings of Francis Bacon

Francis Bacon famously found inspiration in photographs, film-stills and mass-media imagery. In this new, updated edition of In Camera, Martin Harrison reveals how these sources informed some of Bacon’s most important paintings and triggered decisive turning points in the artist’s stylistic development.

Key influences, including the masters Velázquez, Poussin and Rodin, the photographer Eadweard Muybridge and the film director Sergei Eisenstein, are given close consideration. Bacon’s work is examined in relation to the precedents set by other artists working in the tradition of making use of mechanical reproductions, including Pablo Picasso and Walter Sickert, and in the context of his contemporaries Lucian Freud, Mark Rothko, Graham Sutherland and Patrick Heron.

With the aid of over 270 illustrations, including valuable source images and documents, In Camera is a bravura accomplishment of original research, addressing important questions about Bacon’s painting practice and shedding fresh light on his life and work.

Contents List:

Introduction • After Picasso • Michelangelo and Muybridge • Raw Material • In Camera • Skin/Flicks

About the Author:

Martin Harrison is one of the foremost scholars of Francis Bacon, and the editor of Francis Bacon: Catalogue Raisonné.

This is the first international monograph on the French artist Inès Longevial.

Inès Longevial is a French painter based in Paris. She started drawing and painting at a very young age, first showing her work on Instagram, where she had an immediate success in terms of visibility. Since then her career has been growing fast, thanks to the support of the Parisian gallery Ketabi-Bourdet and to solo shows in Paris and New York.

Her oil paintings and drawings focus on two main themes: femininity and nature. Bodies, faces, and skin are shaped by light and color, and different palettes reflect different emotions—sometimes soft and sensual, sometimes intense, strong, and violent. The artist approaches her memories in color and gives form to candid and absorbed faces that embody the nostalgia of seasons, sunsets, shades of light, and caresses.

Originally from the southwest of France but with family in the Basque Country, she’s been close to Spanish culture; Pedro Almodóvar’s colorful world and Pablo Picasso’s lines rank among her main influences. Through large oil portraits on linen canvas and on paper, the artist follows an intimate injunction: “to make the face speak.” Her face—her faces—have always taken on the appearance of a landscape, sculpted by infinite shades of gleam, carved by valleys, traversed by shadows.

The book presents a significant selection of paintings and drawings, and includes pages of her sketchbook, a kind of intimate diary showing her inspiration and her spontaneous approach to painting. It is the first monographic publication on a promising young talent, with great potential.

About the Author:

Lola Kramer is a curator, writer, and producer based in New York City. She is known for her essays, profiles, and interviews with pioneers of creative disciplines. She is the curator of 7 Gardens, a public art exhibition throughout the community gardens in the Lower East Side. She contributes to international journals including Frieze, Interview, L’Officiel Art, CURA, Kaleidoscope, and Apartamento.
Elise Roche is a French curator and contemporary art consultant. Since 2019, she has been the director of projects at Hervé Mikaeloff Agency where she specializes in projects dedicated to emerging creation. She has participated in the curation of various exhibitions such as "L'écume des songes” for Paris Art Fair; “Miss Dior,” a Dior heritage exhibition; and exhibitions for the Noor Festival in Riyadh. She also writes for magazines and galleries.
Line Papin is a French novelist, born in Vietnam and living in Paris. She published her first novel at the age of 21 and has published two successful novels since then.

Jack Vettriano's erotic, provocative and emotionally charged paintings have made him one of Britain's most successful contemporary artists.

Collected by celebrities the world over, his exhibitions have regularly sold out and paintings now change hands for millions of pounds. In this beautifully packaged collection, Jack chooses 100 essential canvases that reflect the intensity and passion of his work. An elegant accompanying essay by critic Anthony Quinn recounts Jack's early years and his emergence as a successful artist.

Filled with mysterious men and curvy, seductive yet enigmatic women, Jack's paintings are tales without text, storyboards about love and lust, possession and longing, pursuit and conquest. Understanding perfectly the stylish sexiness and intrigue that occurs when high life and low life collide, Jack also hints at memories of golden times, past and lost.

Jack Vettriano is Scotland's best-known and most successful contemporary artist. This is a perfect Valentine's gift.

An epic coming-to-America success story, this is the autobiography of Pakistani-born American artist Jamali who originated Mystical Expressionism and whose mission is to bring peace to the world through art.

In this heavily illustrated memoir the reader is treated to an epic saga covering seven decades and three continents about an artist's dream for a more peaceful world. The eldest son of a prominent family living in the foothills of the Himalayas, Jamali experienced the horrors of war through the Indian Partition, which led him to pursue a life of peace through art on a prolific scale producing more than 40,000 original works to date. The complex surfaces and mystical imagery found in Jamali's paintings have been compared to the neo-expressionists Anselm Kiefer and Georg Baselitz. His gestural techniques link him to Jackson Pollock and the New York School. But the pre-eminent art critic Donald Kuspit observed that Jamali's singular method required its own name -- Mystical Expressionism.

One hundred artworks individually selected by the artist accompany the engaging text in a separate section beautifully printed on a specially coated paper. Inspired by people such as Gandhi who advocated change through non-violent measures, Jamali hopes to change our lives by sharing his story of art and peace. 

About the Author:

Jamali is one of the most successful artists in America and one of the most collected living artists globally. He has galleries in New York, Florida, and Denmark.

____________

Пролистать книгу Jamali: A Mystical Journey of Hope: The True Story of an American Artist

Джеймс Сеймур (бл. 1700-1752) — один із засновників англійського спортивного мистецтва. Любитель дерну, Сеймур спеціалізувався на зображеннях коней та їхніх вершників, зокрема в Ньюмаркеті між 1722 і 1752 роками. Його чудові картини та малюнки є одними з найважливіших записів, які ми маємо про ранніх видатних людей, таких як Літаючий Чайлдерс, та про те, як організовувалися перегони на цьому ранньому етапі.

Річард Віллс вивчав Сеймура понад десять років, і ця книга є першим в історії вичерпним звітом та каталогом. У книзі включено 130 картин та 430 малюнків, включаючи нові відкриття, з понад 500 ілюстраціями, багато з яких ніколи раніше не відтворювалися. Вступне есе розглядає життя Сеймура, чия відданість дерну дозволила йому отримати неперевершені знання про анатомію та поведінку коней. Значну інформацію про історію перегонів та її збагачення завдяки аналізу картин Сеймура надали Девід Олдрі та Тім Кокс.

Про автора:

Річард Віллс — захисник природи, який разом зі своєю дружиною Неттою займається фермерством у Гемпширі. Він працював на різних посадах в аукціонному домі Christie’s протягом 20 років і був пов’язаний зі світом мистецтва як колекціонер і агент. Він є публікованим карикатуристом і працював у різних благодійних організаціях з охорони природи у Великій Британії.

___________________________________

Погортати книгу  James Seymour: 1701-1752

Значна монографія американського художника-реаліста, нащадка однієї з найшанованіших мистецьких родин Америки та художника темних і тривожних сюжетів.

У цій книзі простежується постійна лінія інтригуючих, часто бентежних, образів протягом кар'єри відомого художника Джеймі Ваєта (нар. 1946), відомого своїми гіперреалістичними картинами сільськогосподарських тварин та маяків штату Мен. Основна увага в цьому томі зосереджена на моторошній нитці, що проходить через його творчість, актуальній, але не приголомшливій, і постійно розвивається разом з його стилем та сюжетами. Незалежно від того, чи представляє він цікавих персонажів, чи досліджує дивні пейзажі, Ваєт почувається як вдома з тривожними сюжетами та є майстром неспокійного настрою.

Як і його батько, Ендрю Ваєт, та дід Н. К. Ваєт до нього, Джеймі Ваєт розподіляє свій час між долиною річки Брендівайн у Пенсільванії та Делавері та середнім узбережжям штату Мен. У цих двох місцях Вайєт пережив багато «одержимостей», як він називає свої улюблені теми: сільськогосподарські знаряддя, що переповнені потенціалом для насильства, ексцентричні портрети та тривожні дослідження фігур, місця з привидами, а також одержимі рослини та тварини. Окрім основного есе, автори досліджують створення подібних тривожних настроїв у кіно, танці, звуковому мистецтві та класичній музиці.

Про авторів:

Дженніфер Маргарет Баркер — професор музичної теорії/композиції в Університеті Делаверу.

Аманда К. Бердан — старший куратор Музею мистецтв Брендівайну.

Рена Батлер — танцівниця та лауреатка премії Фонду принцеси Грейс за хореографію 2019 року.

Майкл Кілі — звукорежисер, композитор, виконавець та педагог.

Джон Раск — режисер та продюсер кіно та телебачення.

_______________

Погортати книгу Jamie Wyeth: Unsettled  на сайтi видаництва.

Defying constructed binaries between high and low art

Art and Objecthood illuminates the role of found objects and unconventional materials in the oeuvre of world-renowned artist Jean-Michel Basquiat. His creative fervor saw no bounds, he painted and drew on everything around him—from chairs to refrigerators, but also on items he encountered on the street: discarded windows and doors, mirrors, wood boards, and subway tiles. Interweaving art and life, these three-dimensional works are not only integral to New York’s cultural landscape in the 1980s but are also symbols of Basquiat’s engagement with, and transformation of, the reality around him. This publication presents new scholarship by leading Basquiat scholars and art historians and is the first comprehensive survey to explore Basquiat’s use of found objects and unorthodox supports and their role in addressing issues of social inequality, political thresholds, and racial boundaries in the United States.

Jean-Michel Basquiat (1960–1988, New York City) is known for his raw gestural style of painting. His distinct approach was characterized by a rich fusion of text, symbols, and imagery. He was one of the first African American artists to achieve major international acclaim, and is celebrated for his prolific, albeit short artistic career.

Ця захоплююча кольорова ретроспективна монографія пропонує нове розуміння унікальної візуальної мови Баскія та допомагає висвітлити повідомлення про політичні та соціальні проблеми, які здаються такими ж актуальними сьогодні, як і півстоліття тому.

Символічні, складні та часто емоційно насичені роботи Жана-Мішеля Баскія справили величезний вплив на мистецьку сцену Нью-Йорка 1980-х років. І хоча його надто коротка кар’єра завершилася, коли він помер у віці 27 років, Баскія залишив по собі величезну спадщину — не лише кількістю створених ним робіт, а й посланнями, які він закодував щодо політичних, соціальних, расових і культурних питань. Ця захоплююча книга показує, як Баскія використовував складну мережу знаків і символів, щоб кинути виклик самій системі, яка зробила його улюбленцем світу мистецтва. Він прослідковує його натхнення з мультфільмів, дитячих малюнків і реклами, а також його власної спадщини Гаїті та Пуерто-Ріко; обговорює вплив афроамериканської, африканської та ацтекської культурної історії; і показує, як Баскія включив у свої роботи класичні теми та сучасні ікони — від спортсменів до музикантів. Стає зрозумілим те, як, навіть будучи молодою людиною, Баскія глибоко розумів роль художника в історії мистецтва та своє становище як молодого темношкірого художника у світі расизму, придушення та соціальної несправедливості.

Ця книга допомагає читачам розшифрувати унікальний lingua franca Баскія, п’янкий масив творів, наповнений соціальними коментарями, які були, у свою чергу, гострими, гнівними, комічними, модними та карколомними, і які залишаються потужними та значущими сьогодні.

Про авторів:

Дітер Бухарт — міжнародний запрошений куратор і фахівець з баскії.
Антонія Хьоршельманн є куратором сучасного мистецтва в Музеї Альбертіна у Відні.
Клаус Альбрехт Шредер, директор Альбертіни у Відні.

________

Погортати книгу Jean-Michel Basquiat: Of Symbols and Signs

Найнатхненніші роботи художника в одному томі.

Жан-Мішель Баскія — художник і провокатор світу мистецтва — підкорив Нью-Йорк своїми потужними та складними роботами, які невпинно торкалися гострих соціально-політичних питань, включаючи расу, жорстокість поліції та структурну нерівність. У цьому важливому томі, присвяченому виставці у Фонді Бранта в їхньому нещодавно відкритому манхеттенському форпості, де представлені ключові роботи художника, мистецтво Баскія повертається до свого коріння в Іст-Віллидж, вперше за десятиліття контекстуалізуючи його в тому самому районі, який служив одним із найбільших джерел його натхнення.

Дітер Буххарт, відомий дослідник мистецтва Баскія та куратор, об'єднує сто найважливіших робіт художника, зосереджуючись на найкращих прикладах багатьох тем, які вплинули на творчість Баскія, від джазу, анатомії, спортивних діячів, коміксів, класичної літератури, африканської діаспори та історії мистецтва. Виставка частково відтворює три критичні ранні виставки художника, включаючи виставку картин та малюнків голів художника в галереї Роберта Міллера; його найважливіші полотна з виставки галереї Гагосян 1982 року в Лос-Анджелесі; та персональна виставка Баскія у Fun Gallery в Іст-Віллидж. Буххарт також детально розглядає так звані картини художника на підрамнику, в яких зазвичай приховані дерев'яні опори для натягнутих полотен оголені, роботи, які ще не були детально досліджені вченими. Роблячи це, Буххарт пропонує критичну оцінку незмінного значення та спадщини творчості художника.

© Маєток Жана-Мішеля Баскія. Ліцензовано Artestar, Нью-Йорк.

Про автора:

Дітер Буххарт — куратор і теоретик мистецтва з Відня. Він має ступінь доктора філософії з історії мистецтва та реставраційної науки. Він курував багато виставок у відомих міжнародних музеях та арт-просторах, а також опублікував майже десять книг про творчість Жана-Мішеля Баскія.

Найповніша монографія про фігуративну художницю Дженні Савілл, чиї великоформатні оголені картини продовжують кидати виклик загальноприйнятим ідеалам краси.

Через тринадцять років після своєї першої монографії видавництва Ріццолі, британська художниця Дженні Савілл, одна з перших учасниць Молодих британських художників, випускає свою найвизначнішу книгу, що включає ніколи раніше не публіковані картини з її останньої виставки в галереї Гагосян у Нью-Йорку. Цей довгоочікуваний том об'єднує нові роботи з багатьма картинами та малюнками Савілл на сьогоднішній день, а також есе, що досліджують постійне захоплення Савілл людським тілом у широкому мистецтвознавчому контексті. У книзі також представлена ​​розгорнута розмова Савілл з відомою американською фотографкою Саллі Манн. Ілюстрована хронологія кар'єри Савілл доповнює цей елегантний том. Ця чудово оформлена монографія є важливим доповненням до бібліотеки про одну з найвпливовіших та найвидатніших сучасних художниць світу.

Про авторів:

Дженні Савілл отримала ступінь бакалавра мистецтв з відзнакою в Школі мистецтв Глазго, Шотландія. Роботи Савілл представлені в кількох публічних колекціях, зокрема в Метрополітен-музеї, Нью-Йорк; The Broad, Лос-Анджелес; та колекції Саатчі, Лондон. Річард Кальвокорессі — директор і старший куратор галереї Гагосяна, Лондон. Раніше він був директором Фонду Генрі Мура та директором Шотландської національної галереї сучасного мистецтва в Единбурзі. Фотографії Саллі Манн були предметом великих виставок в Інституті сучасного мистецтва, Філадельфія, та в Галереї мистецтв Коркоран, Вашингтон, округ Колумбія. Її роботи можна знайти в багатьох колекціях, зокрема в Метрополітен-музеї та Музеї американського мистецтва Вітні. Марк Стівенс — колишній мистецтвознавець нью-йоркського журналу. Він є співавтором, разом з Анналін Свон, книги «де Кунінг: Американський майстер», лауреата Пулітцерівської премії 2005 року. Лорен Махоні організовує спеціальні виставки для Гагосяна. Раніше вона працювала у відділі живопису та скульптури Музею сучасного мистецтва, Нью-Йорк.

_____________

Погортати книгу Jenny Saville на сайті видавництва.

Оксиринх — місто у Верхньому Єгипті, засноване у 332 році до нашої ери, яке вважається одним із найважливіших археологічних об'єктів, коли-небудь відкритих. У своїй новій роботі Савіль згадує шар за шаром відкриттів в Оксиринху, кінцевим ефектом чого є таємнича розповідь про багатошарові тіла та зображення. Представлені дванадцять нових робіт — це поєднання олії, вугілля та пастелі на полотні, а також пейзажів і фігур, що переплітаються одне з одним.

Про автора:

Джон Елдерфілд, консультант галереї Гагосяна, є головним почесним куратором відділу живопису та скульптури в Музеї сучасного мистецтва, де він керував численними відомими виставками, серед яких «Курт Швіттерс, Анрі Матісс: ретроспектива» та «Де Кунінг: ретроспектива». У 2005 році журнал Time назвав його одним із 100 найвпливовіших людей року; а в 2006 році французький уряд зробив його кавалером Ордену мистецтв і літератури.