Книги з живопису

Mount Fuji has been a source of inspiration and awe since ancient times, and artists have been reproducing its likeness since at least the 14th century, as it became a key motif in all aspects of Japanese culture.

The 19th-century Ukiyo-e woodblock prints of important artists such as Hokusai and Hiroshige continued this reverence, creating series of beautiful images of landscape and society, with the mountain ever-present. With the slight relaxing of Japan's isolationist policies, artists discovered Western art and exploited its styles and perspectives, and, in turn, Western artists from Monet to Van Gogh were influenced by the bold and distinctive print style, which filtered into their work. This gorgeous new book discusses the fascinating history of Fuji as featured in these prints, and reproduces numerous examples of the stunning and timeless artworks, some in their complete series.

Part of a new series of beautiful gift art books this book focuses on Wassily Kandinsky, a renowned Russian-born painter, wood-engraver and lithographer who is often regarded as one of the earliest pioneers of abstract art. Beginning with a fresh and thoughtful introduction to Kandinsky's life and art, Wassily Kandinsky Masterpieces of Art goes on to showcase his key works in all their glory; spanning his early paintings inspired by Russian folk art and fairy tales to his later works characterised by contrasting colours and striking geometric shapes.

Під мікроскопом. Секрети всесвітньо відомих шедеврів

Якщо ви вважали ці картини знайомими, подивіться ще раз і придивіться уважніше. Частково історія мистецтва, частково детективна робота, ця захоплива колекція досліджує 100 всесвітньо відомих творів мистецтва через збільшені деталі, розкриваючи моду та спосіб життя, кохання та інтриги, політику та людей, які справді створюють шедевр.

Це важливе доповнення до нашого розуміння шедеврів історії мистецтва ставить деякі з найвідоміших картин світу під лупу, щоб розкрити їхні найменші та найтонші елементи та все, що вони розкривають про минулий час, місце та культуру.

Керуючи нашим поглядом дрібниці сюжету та символіки, автори Роз-Марі та Райнер Хаген дозволяють навіть найзнайомішим картинам ожити заново через їхні тонкощі та інтриги. Чи вагітна наречена? Чому чоловік носить берет? Як тінь війни нависає над сценою танцю? По дорозі ми подорожуємо від Стародавнього Єгипту до сучасної Європи, від епохи Відродження до бурхливих двадцятих. Ми зустрічаємо грецьких героїв і бідних німецьких поетів, блукаємо від соборів до кабаре-барів, від Едемського саду до садової лавки у сільській місцевості Франції.

Коли ми розбираємо кожну картину, а потім знову складаємо її, немов гігантський пазл, ці знамениті полотна захоплюють не лише своїм багатством деталей, але й тим, як вони відображають моду та тренди, людей і політику, кохання та спосіб життя свого часу.

Автор:

Роуз-Марі Хаген народилася у Швейцарії та вивчала історію, романські мови та літературу в Лозанні. Після подальшого навчання в Парижі та Флоренції вона читала лекції в Американському університеті у Вашингтоні, округ Колумбія.

Райнер Хаген народився в Гамбурзі та закінчив факультет літератури та театрознавства в Мюнхені. Пізніше він працював на радіо та телебаченні, останнім часом головним редактором німецької служби громадського мовлення. Разом вони співпрацювали над кількома виданнями TASCHEN, включаючи Masterpieces in Detail, Pieter Bruegel та Francisco de Goya.

It might seem like the sitters and subjects of art history’s greatest nude paintings have little left to show, but don't be fooled: there is more than meets the eye in these naked masterworks. Rose-Marie and Rainer Hagen guide us into the secrets of the flesh, coupling extended discussions with crisp, enlarged details of 12 iconic works from the canon of art history.

Biblical tales of morality or modern portrayals of leisure, works such as Tintoretto’s Susanna and the Elders or Manet’s The Luncheon on the Grass offer diverse visions of natural beauty. Each artwork is presented in reproductions of the highest quality, sourced directly from the original, located in collections of the Louvre, Musée d’Orsay, Uffizi, and many others.

From works depicting ultimate feminine grace, like Velázquez’s Rokeby Venus, to Hans Baldung’s mesmerizing image of the body’s decline in The Three Ages of Man and Death, these paintings are unified in their masterful rendering of the bare human form—both in life and beyond. Through this exploration into the covert secrets of nude works, they cease to be two-dimensional and come to full hot-blooded life.

About the series:

- Each book in TASCHEN's Basic Genre series features:
- approximately 100 colour illustrations with explanatory captions
- a detailed illustrated introduction plus a timeline of the most important political, cultural, and social events that took place during that period
- a selection of the most important works of the epoch, each presented on a 2-page spread with a full-page image and accompanying interpretation, as well as a portrait and brief biography of the artist

In the mid-1950s, Yves Klein (1928–1962) declared that “a new world calls for a new man.” With his idiosyncratic style and huge charisma, this bold artist would go on to pursue a brief but bountiful career, producing more than 1,000 paintings over seven years in an oeuvre now considered a mainstay of postwar modernism.Klein made his name above all with his large monochrome canvases in his own patented hue of blue. International Klein Blue (IKB), composed of pure pigment and binding medium, is at once rich and luminous, evocative and decorative, and was conceived by Klein as a means of evoking the immateriality and infinitude of the world.

The works of this “Blue Revolution” seem to draw us into another dimension, as if hypnotized by a perfect summer sky. Klein was also renowned for his deployment of “living brushes,” in which naked women, daubed in International Klein Blue, would make imprints of their bodies on large sheets of paper.

This Basic Art introduction presents key Klein works to introduce an artist who was at once a showman, inventor, and pioneer of performance art. With page after page of the ever-alluring International Klein Blue, it is both an essential guide to a modern art master and a meditation on the unique effects of a single color.

Новаторський огляд школи експресивного, символічного пейзажного живопису, який дав початок американському модернізму — нещодавно переглянуте та оновлене

Цей чудовий том, який містить понад 750 ілюстрацій, є першим остаточним описом руху тоналістів. Базуючись на оригінальних дослідженнях, у ньому розповідається про те, як прогресивний тоналістичний ландшафт розвінчав школу річки Гудзон наприкінці 1870-х років і залишався домінуючою школою в американському мистецтві аж до Першої світової війни. Більш провокаційно, він також стверджує, що тоналізм дав початок американському модернізму, заклавши основу для художників гуртка Штігліца, а згодом Мілтона Евері, Марка Ротко, Адольфа Ґотліба, Барнетт Ньюман, Хелен Франкенталер, Вольф Кан і Річард Мейхью.

A History of American Tonalism розміщує ключових діячів руху — таких як Джордж Іннесс, Джеймс Макніл Вістлер і Джон Генрі Твахтман — у їхньому культурному контексті, на який вплинули такі мислителі, як Ральф Волдо Емерсон, Генрі Девід Торо, Джон Берроуз і Вільям Джеймс. У ньому також розглядається кар’єра понад шістдесяти інших художників-тоналістів, менш відомих, але дуже талановитих.

Це нове видання A History of American Tonalism містить понад сто нових ілюстрацій, а також новий огляд стилістичних принципів тоналізму. Це й надалі буде важливим для любителів мистецтва, художників, науковців та всіх, хто прагне краще зрозуміти не лише рух тоналістів, а й американське мистецтво в цілому.

Про автора:

Девід Адамс Клівленд, історик мистецтва, куратор і викладач, писав для The Magazine Antiques і ARTnews. Він також є автором трьох романів: Time’s Betrayal, Love’s Attraction і With a Gem-Like Flame. Клівленд і його дружина живуть у Нью-Йорку, де він працює арт-консультантом разом зі своїм сином Картером Клівлендом, засновником Artsy.net, веб-сайту для пошуку, купівлі та продажу мистецтва.

The bestselling and critically acclaimed monograph on one of the most influential painters of the twentieth century

Willem de Kooning was a leading exponent of Abstract Expressionism. MoMA's 2011 de Kooning retrospective drew record crowds, and his prodigious achievements continue to provoke and inspire subsequent generations of artists such as Cecily Brown, Rebecca Warren, and Jonathan Lasker.

This is the most wide-ranging and comprehensive monograph available on this artist. Sumptuously illustrated and produced, the book encompasses his major works and periods, including his controversial 'Woman' paintings, as well as a wealth of accompanying sketches and preparatory drawings.

An illustrated chronology maps de Kooning's life, career, and work, with photographs from the artist's archive interspersed throughout the book, enriching the reader's understanding of the wider art-historical context of his paintings. Judith Zilczer's critically acclaimed monograph is an essential addition to the libraries of a new audience of readers and de Kooning enthusiasts, offering an unprecedented and compelling examination of his body of work.

About the Authors:

About the Author:

Judith Zilczer, Curator Emerita of the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, organized more than two dozen exhibitions in her twenty-nine years at the museum, where she served as Historian, Curator of Paintings, and Acting Chief Curator. Her exhibition publications include Willem de Kooning from the Hirshhorn Museum Collection (1993), Richard Lindner: Paintings and Watercolors, 1948–1977 (1996), and Visual Music: Synaesthesia in Art and Music Since 1900 (2005). A 1975 graduate of the doctoral program of the University of Delaware, she has received numerous awards, including the 2006 George Wittenborn Memorial Book Award of the Art Libraries Society of North America. Dr Zilczer has written and lectured widely on modern and contemporary art and is recognized as the leading authority on the art of Willem de Kooning.

This long-overdue new look at the life and work of Albert Pinkham Ryder explores the artist's deeply visionary paintings and the powerful and enduring paths he forged for generations of American modernists.

Few American artists have captured painters' imaginations with the gripping force of Albert Pinkham Ryder (1847-1917). The brooding spirituality of his works, coupled with formal innovation decades ahead of its time, have long made Ryder a favorite of trailblazers like Jackson Pollock, Marsden Hartley, and Robert Rauschenberg. And yet, the artist's biography and practices remain elusive. A Wild Note of Longing--whose title comes from a Ryder poem--takes up the challenge, bringing a new generation of scholarship to the most comprehensive collection of Ryder masterworks assembled to date.

Ryder is considered a seminal artist for both the late nineteenth-century Gilded Age and for the emerging modernism of the early twentieth century. This monumental new book presents multiple voices from leaders in the field on the continuing and ever evolving relevance of Albert Pinkham Ryder in modern art. In addition to a general overview of the artist's career, essays also cover Ryder within the context of his hometown of New Bedford, Massachusetts, and Ryder's influence and context within modernism.

About the Author:

Christina Connett Brophy is The Douglas and Cynthia Crocker Endowed Chair for the Chief Curator, New Bedford Whaling Museum, Massachusetts. Elizabeth Broun was director of the Smithsonian American Art Museum and the Renwick Gallery from 1989 to 2016; she is the Visual Arts Advisor to the Kennedy Center, and a member of the boards of the Henry Luce Foundation and the Olana Partnership. William C. Agee is Evelyn Kranes Kossak Professor Emeritus of Art History, Hunter College, New York, and is former director of The Museum of Fine Arts, Houston, and Pasadena Art Museum.

Wake up to artistic inspiration every day with this popular, chunky hardback made available again in a refreshed edition containing a perpetual calendar featuring a dazzling variety of masterpieces from every era.

As functional as it is beautiful, this substantial book presents some of the world’s greatest art in an elegant package that will look good at home or in the office. Every day offers a different, exquisitely reproduced artwork from a variety of eras, genres, and media; quotations to ponder, surprise, and delight; and ample space to record birthdays, anniversaries, and other important dates as well as personal notes and reflections. There’s art for every taste and from every period: prehistory and ancient Egypt; Medieval and Renaissance; Impressionist, Abstract, and Modern.

Featured artists include Leonardo da Vinci, Botticelli, Raphael, Michelangelo, Albrecht Dürer, Caravaggio, Titian, Hiroshige, El Greco, Vermeer, Turner, Monet, van Gogh, Cassatt, Kandinsky, Klee, Picasso, and others.

This book’s global and historical collection of images makes it the perfect gift for lovers of art and will offer inspiration every day of the year.

________

Пролистать книгу A Year in Art: A Painting a Day на сайте издательства.

Відкрийте для себе малюнки Альбрехта Дюрера, одного з найвидатніших художників епохи Відродження, відомого як неперевершений живописець і кресляр з гострим оком до світу природи.

За життя Альбрехт Дюрер досяг величезного успіху як живописець і гравер, виконуючи замовлення у таких видатних діячів, як Фрідріх Мудрий та імператор Священної Римської імперії Максиміліан I. Його малюнки та етюди свідчать про його інтерес до людських пропорцій, анатомії та перспективи. У цій книзі представлені малюнки Дюрера з видатної колекції музею Альбертіни, включаючи сімейні портрети, етюди тварин і рослин, а також етюди людського тіла. У цій книзі представлено понад 100 малюнків Дюрера, включаючи «Зайця», «Автопортрет у віці 13 років» та «Меленколію I», а також картини та гравюри. Книга містить наукові есе та чудово відтворені роботи.

Про автора:

Крістоф Мецгер — спеціаліст з Дюрера та головний куратор музею Альбертіни у Відні.

__________

Погортати книгу Albrecht Dürer

Тепер доступний у новому виданні, цей щедро ілюстрований том спирається на найновіші дослідження, щоб представити захопливу нову інтерпретацію Альбрехта Дюрера, як людини, так і як художника.

Графки та малюнки Альбрехта Дюрера надихнули сотні художників як за його життя, так і після смерті. Однак його талант художника та колориста, а також його захоплення науковим світом не були широко оцінені.

Вплив Дюрера був як міжнародним, так і міжпоколінним — навіть Пікассо стверджував, що його надихав художник 16-го століття. Відтворена з приголомшливими деталями та включаючи ілюстрації найвідоміших гравюр та малюнків Дюрера, каталог-резонсе його картин та біографічне дослідження, ця книга представляє Дюрера для 21-го століття. Створивши більше автопортретів, ніж будь-який інший художник свого часу; масово просуваючи свої бестселери; навіть винайшовши власний логотип з монограмою, Альбрехт Дюрер був комерційно проникливим задовго до сучасного покоління саморекламних та фінансово підкованих художників.

Існує 55 збережених картин Дюрера, з яких 17 є предметом суперечок. Використовуючи наукові дослідження, ця книга розвіює всі суперечки, що призводить до остаточного каталогу картин. Спираючись на глибоке дослідження, ця книга розкриває правду про Дюрера та його мистецтво.

Про автора:

Норберт Вольф — історик мистецтва та письменник, який мешкає в Мюнхені. Він опублікував кілька книг у видавництві Prestel, зокрема Art Nouveau, Art Deco, Impressionism та The Golden Age of Dutch and Flemish Painting, а також монографії про Альбрехта Дюрера та Тиціана.

_____________

Погортати книгу Albrecht Durer: Catalogue of the Paintings

Давнє захоплення Алекса Каца танцем та співпраця з відомими драматургами та хореографами призвели до створення деяких його найскладніших композицій.

Відтоді, як Алекс Кац вперше намалював «Пола Тейлора» у 1959 році, він запрошував танцюристів бути йому моделями. Танець, за словами художника, належить до тієї ж «давньої традиції жестів», що й живопис. Ця публікація є першою, яка досліджує багато десятиліть роботи Каца для сцени, включаючи способи, якими він впроваджував принципи повоєнного живопису в театр та танцювальну естетику.

«Я ніколи не бачив нічого подібного», – згадує Кац про своє перше знайомство з творчістю танцюриста та хореографа Пола Тейлора. Вони співпрацювали над п'ятнадцятьма постановками, для яких Кац впровадив інновації з плоским освітленням, гумористичними перешкодами та механізмами кадрування. Його співпраця з Полом Тейлором призвела до співпраці з іншими компаніями, включаючи Йошіко Чума, Лору Дін, Вільяма Дюнаса та Парсонс.

Серед найвідоміших декорацій Каца – ансамбль фігурок, які він створив для постановки Кеннета Коха 1961 року «Джордж Вашингтон перетинає Делавер». Кац посилив абсурдність п’єси, натхненної Війною за незалежність, за допомогою фігурок та реквізиту, що прилягають до поп-стилю. Ця публікація об’єднує картини, ескізи, костюми, фотографії, кадри з фільмів та ефемерні експонати. Нещодавно замовлені есе, неопубліковані матеріали та основні картини нададуть огляд робочих стосунків Каца з окремими хореографами та проллють нове світло на авангардну співпрацю в Нью-Йорку між 1960-ми та 80-ми роками.

Про авторів:

Діана Туїт працювала куратором сучасного та сучасного мистецтва імені Каца в Музеї мистецтв Коледжу Колбі у Вотервіллі, штат Мен. Чарльз Л. Рейнхарт багато років був директором Американського фестивалю танцю. Девід Салле – американський художник, гравер, фотограф та сценограф. Дженніфер Тіптон — американська дизайнерка освітлення, що отримала численні нагороди. Роберт Сторр — американський куратор, критик, художник і письменник. Жаклін Террасса — директорка імені Керолін Маззі Музею мистецтв коледжу Колбі.

____________

Погортати книгу Alex Katz: Theater & Dance

Ali Banisadr's first major monograph delves into the Iranian painter's influences and practice.

Preeminent Iranian-American artist Ali Banisadr's canvases depict a complex swirl of action and abstracted figuration across a stagelike picture plane. Varied histories inform these paintings, ranging from the artist's synesthesia, to Persian miniatures, to the multi-figure works of Brueghel and Bosch, and the gestural imaginations of Willem de Kooning and Max Ernst.

Born in Tehran in 1976, Ali Banisadr grew up during the Islamic revolution and the eight-year Iran-Iraq War. In 1988, he and his family emigrated to Turkey and then to California. In 2000, he moved to New York City where he currently lives and works.

About the Authors:

Negar Azimi is a writer and the senior editor of Bidoun. Her writing has appeared in Artforum, Frieze, Harper's, The New Yorker, and The New York Times Magazine. Robert Hobbs, an art historian and curator specializing in twentieth- and twentieth-first century art, is the author of over fifty books and major catalogues on topics ranging from Abstract Expressionism to Earth Art and from Modernism to Post-Modernism. Joe Lin-Hill is Deputy Director of the Albright-Knox Museum. John Yau is a poet and critic who lives in New York. He has published over fifty books of poetry, artists' books, fiction, and art criticism.

Andrew Wyeth is an essential introduction to the enduring masterworks of this profoundly popular American artist. 

Published on the occasion of the centennial of the artist s birth, this handsome book highlights works spanning the entirety of the artist s seven-decade career painting the landscapes and people he knew in Chadds Ford, Pennsylvania, where he lived, and in Maine, where he summered. 

Many of his most important landscapes and portraits were created in and around his Chadds Ford studio, now part of the Brandywine River Museum of Art, with which Andrew Wyeth was intimately connected since its founding in 1971. 

A short introduction provides an overview of his life, and descriptive captions contextualize some fifty of the artist s finest and most beloved paintings, including Pennsylvania Landscape (1942), Wind from the Sea (1947), Christina s World (1948), Trodden Weed (1951), Roasted Chestnuts (1956), Braids (1977), and Pentecost (1989). Readers will also be treated to works previously unseen, such as Betsy s Beach (2006) and Crow Tree (2007).

The Lost Landscapes of England

Anthony Amies’ paintings assert a classical conception of painting. From the mid 1970s, the British artis pursued a radical counter-concept to the art of his time with a stylistically peculiar landscape painting. They are calm and enigmatic pictures that do without any scandal. In large-scale drawings and oil paintings, he plays with the “blot” technique: Amies abstracts the landscapes to convey an idea rather than a realistic image. The reduction to land and sea is a reflection on England and  the loss of its individual landscapes to the monotony of industrial and urban proliferation and sprawling housing estates. In this idiosyncrasy ― the assertion of the genre of landscape painting and in the painterly quality of the works as a contribution to the assertion of painting in art―lies the importance of this English painter.

About the Artist:

Anthony Amies (1945, Norwich–2000, London) was educated at Great Yarmouth College of Art in the 1960’s and later at London’s Slade School of Fine Art. Refusing to conform to the zeitgeist, he found his visual language inspired by Cozens’ blot technique in the early 1970s, and would persist with it until his untimely death in 2000. Amies received the Arts Council Award in 1977 and worked teaching art in Camden from 1973–1995 at the Camden Institute and the Camden School of Art.