Книги з живопису

This volume is considered the most comprehensive monograph about the life and career of the female pioneer who integrated abstract painting, music, and dance, Lalan.

Born in Guizhou, Xie Jinglan (nicknamed “Lalan”) was a multidisciplinary artist trained across various art forms, including painting, music, and dance. Excelling in all such categories, Lalan united these fields in her artistic practice to create an oeuvre that epitomized “synthesized art.” Her lifelong explorations resulted in an unusual kind of exhibition/performance named Spectacle, which assimilates dance and music within her artworks. Her works can be found in important Western and Asian museums, such as the Centre Pompidou Musée National d’Art Moderne, and Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Shanghai Art Museum, and others.

This book reviews her entire career by selecting her most representative masterpieces and celebrating her life journey as the backdrop, between dream and drama. The materials in this book have been collected by a dedicated research team through a painstaking process lasting more than two years.

Lalan’s paintings are a melting pot of many important features inspired by traditional Chinese culture on the one hand (including the spirit of Taoism, the practice of qigong, and the essence of ink landscapes during the Song Dynasty), and Western abstract painting on the other.

About the Author:

Lalan studied music, dance, and art and produced works combining all three disciplines from the 1960s onward. Véronique Bergen is a philosopher, novelist, poet, and author of monographs and articles on contemporary artists.

Accompanying catalogue of an exhibition at Gagosian Gallery, Paris. The catalogue includes a fully illustrated, comprehensive listing of the paintings, drawings, and prints in Lichtenstein’s Expressionism series. Among the styles and movements appropriated by Lichtenstein, his borrowing of Expressionist motifs — from Alexei Jawlensky’s close-up, pensive faces to Ernst Ludwig Kirchner’s jagged, feline figures — strikes the clearest irony. Including key paintings, sculpture, drawings, and woodcuts, this catalogue demonstrates the bold paradox that Lichtenstein posed by translating Expressionist subjects into the primary colors and pop flatness of his signature style.

About the Authors:

Brenda Schmahmann is a research professor in the Faculty of Art, Design, and Architecture at the University of Johannesburg. She is the author of many articles and books, the most recent of which is Picturing Change: Curating Visual Culture at Post-Apartheid Universities. Hans Ulrich Obrist is a curator, critic, and art historian. He is codirector of exhibitions and programs and director of international projects at the Serpentine Gallery, London. Mayen Beckmann is the granddaughter of Max Beckmann and the editor of several publications that focus on the artist. Ruth Fine is a curator at the National Gallery of Art, Washington, D.C., and the author of the introduction to The Prints of Roy Lichtenstein: A Catalogue Raisonné, 1948–1993. Sidney B. Felsen is cofounder and codirector of Gemini G.E.L., an artists’ workshop and publisher of limited-edition prints and sculptures in L.A., and it had a long-standing publishing relationship with Roy Lichtenstein.

Розкішне однотомне видання відомого огляду Фейдона про одного з найвидатніших художників нашого часу

Величезний британський художник Лючіан Фрейд мав кар’єру, яка тривала понад сім десятиліть. Він працював майже до дня своєї смерті, поки не залишив незакінченим портрет друга та помічника студії Девіда Доусона.

Це відоме вшанування творчості Фрейда з 1930-х років до його смерті в 2011 році, яке вперше доступне в одному елегантно об’єднаному виданні, включає сотні картин, малюнків, ескізів і офортів – навіть особисті фотографії та ілюстровані приватні листи.

Ця книга, що містить вичерпний огляд його життя та творчості в одному розкішному томі, є чудовим доповненням до полиць шанувальників мистецтва. Створено у співпраці з архівом Люсіана Фрейда та Девідом Доусоном, директором архіву, і відредаговано Марком Холборном.

Про авторів:

Мартін Гейфорд – письменник і мистецтвознавець журналу The Spectator. Він сидів перед портретом Фрейда, досвід, описаний у «Людині з блакитним шарфом» (2010).

Художника Девіда Доусона представляє Marlborough Fine Art, Лондон. Помічник Фрейда з 1991 року до його смерті, він часто був моделлю для його картин.

Марк Холборн – редактор, дизайнер і письменник, який працював з багатьма провідними художниками протягом останніх 30 років.

Інтимні портрети від одного з найбільш новаторських художників-фігуративістів двадцятого століття та майстра намальованої плоті.

Цей важливий том, підготовлений давнім помічником і другом художника в студії, Девідом Доусоном, містить двадцять великих і рідкісних картин Лючіана Фрейда (1922-2011). Книга починається роботами з 1990 року, коли Фрейд почав малювати художника-перформансу Лі Бауері: ці масштабні портрети Бауері започаткували нове відчуття монументальності у творчості митця. Натхненний вражаючою статурою Бауері, Фрейд почав працювати в більшому масштабі, підкреслюючи фізичну присутність своїх суб’єктів. Незважаючи на свій грандіозний масштаб, предмети Фрейда все ще зображуються з почуттям інтимності, проникливої ​​чесності та психологічної глибини.

Оголене тіло — тема, яка має особливе значення у творчості Фрейда. Нагота була для Фрейда способом отримати більш правдивий портрет. У цій монографії дослідження Фрейда розглядаються по-новому, а Доусон розповідає про те, як Фрейд працював над цими портретами, і розповідає про нього, надаючи інтригуючий погляд за лаштунки життя сучасного майстра репрезентативного мистецтва.

Про автора

Девід Доусон — художник, який працював з Лючіаном Фрейдом протягом двадцяти п’яти років. Він є автором книги «Життя з Лючіаном Фрейдом».

Філіп де Монтебелло є директором Acquavella Galleries у Нью-Йорку, який займається спеціальними виставками та публікаціями. Монтебелло був колишнім директором Метрополітен-музею в Нью-Йорку з 1977 по 2008 рік.

Каталог виставки Lucian Freud: The Self-portraits, яка відкриється в RA в жовтні 2019 року. Автори-експерти, зокрема ті, хто знав і працював з Фрейдом, розкривають підхід до жанру, який є водночас несподіваним та інтригуючим.

Цей 152-сторінковий каталог у твердій обкладинці було опубліковано для супроводу виставки Люсіан Фрейд: Автопортрети в Королівській академії мистецтв, з 27 жовтня 2019 року по 26 січня 2020 року.

Перша книга, яка зосереджена на автопортретах Фрейда, дає захоплююче розуміння психіки цього загадкового, але надзвичайно закритого художника. Автори-експерти Девід Доусон, Джозеф Лео Кернер, Джаспер Шарп і Себастьян Смі розмірковують про місце Фрейда в історії автопортретів і роль, яку відіграють автопортрети в його ширшій творчості.

__________

У 1964 році Лючіан Фрейд поставив своїм студентам Норвічського коледжу мистецтв завдання: намалювати оголені автопортрети та зробити їх «відвертими, промовистими, правдоподібними... справді безсоромними». Це була порада, якої митець часто дотримувався. Внутрішні, непохитні та часто оголені, автопортрети Фрейда дають нам уявлення про розвиток його стилю як художника. Твори постійно нагадують глядачеві про неперевершену присутність художника, незалежно від того, чи він безпосередньо стикається з глядачем, чи присутній лише як тінь чи у відображенні.

Нариси провідних авторитетів, у тому числі тих, хто добре його знав, досліджують життя та творчість Фрейда, аналізують важливість автопортретів у його практиці та інтенсивність, яку він зберігав, вивчаючи власне.

Супроводжує виставку в Королівській академії мистецтв, Лондон (27 жовтня 2019 р. – 26 січня 2020 р.) і Музеї образотворчих мистецтв, Бостон (22 лютого – 25 травня 2020 р.). Виставка організована Королівською академією мистецтв, Лондон, у співпраці з Музеєм образотворчих мистецтв, Бостон.

Про авторів:

Девід Доусон – художник і фотограф, а також колишній асистент Фрейда в студії.Джозеф Лео Кернер – професор історії мистецтва та архітектури Томаса та старший науковий співробітник Товариства стипендіатів Гарвардського університету.Джаспер Шарп – допоміжний куратор відділу сучасного мистецтва Художньо-історичного музею у Відні. Лауреат Пулітцерівської премії мистецтвознавець Себастьян Смі є автором книги The Art of Rivalry: Four Friendships, Betrayals and Breakthroughs in Modern Art (2016).

A revelatory look at this Italian-American modernist painter of highly realistic and romanticized still lifes, landscapes, and portraits drawn from his life in the gay New York scene and rural Vermont.

This first comprehensive survey of the life and work of Luigi Lucioni (1900–1988) places him in the context of fellow Regionalist painters Grant Wood, Charles Sheeler, and Maxfield Parrish. Lucioni is known for meticulously rendered still lifes, landscapes, and arresting portraits drawn from his close-knit circle of queer New York artists and cultural figures, including Paul Cadmus, Jared French, George Platt Lynes, and Lincoln Kirstein. In the early 1930s, Lucioni discovered Vermont, whose landscapes reminded him of northern Italy. It was there that he met Electra Havemeyer Webb, who was to become his single most important patron. For more than 50 years, the New York City–based artist spent every summer painting landscapes of trees, barns, and buildings in Vermont with sharply observed realism and a cool, precise style.

Key scholars examine Lucioni’s oeuvre, materials, techniques, and his role in American modernism.

About the Author:

David Brody is Professor of Design Studies at Parson School of Design at the New School. Thomas Denenberg is Director of Shelburne Museum. Katie Wood Kirchhoff is Associate Curator at Shelburne Museum. Alexander Nemerov is Carl and Marilynn Thoma Provostial Professor in the Arts and Humanities and Chair of the Department of Art and Art History at Stanford University. Nancie Ravenel is Object Conservator, Preservation and Conservation at Shelburne Museum. Richard Saunders is Director of the Middlebury College Museum of Art.

____________

Пролистать книгу Luigi Lucioni: Modern Light

Тридцять п'ять сучасних художників створюють власні версії «Сніданку на траві».

Картину Едуара Мане «Сніданок на траві» (1863) зазвичай називають першою сучасною картиною. Вступний слайд на лекціях з історії мистецтва про модернізм, ця робота залишається однією з «найсміливіших картин, які коли-небудь бачили у Франції», як описав її Росс Кінг у книзі «Суд Паріса» (2006).

Як і Мане зі «Сніданком на траві», найпровокаційніші художники сьогодні об'єднують історичне та сучасне в одну площину. Джеффрі Дейтч запросив групу цих впливових художників створити власні версії, поєднані тут з історичними відгуками на картини Мане. У тонкому томі представлені ці часто гострі та сатиричні роботи разом із есе, що обговорюють тривалий вплив «Сніданку на траві» на сучасний фігуративний живопис.

Про авторів:

Джеффрі Дейтч допоміг побудувати кар'єру деяким із багатьох провідних сучасних художників як галерист та куратор. Він є колишнім директором Музею сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі.

Аруна Д'Суза пише про сучасне та сучасне мистецтво; інтерсекційні фемінізми та інші форми політики.

Марина Моларскі-Бек досліджує мистецтво ХХ століття, зосереджуючись на міжвоєнній фотографії та історії гендеру та сексуальності.

Томас Е. Кроу — американський історик мистецтва та мистецтвознавець, найбільш відомий своїми впливовими працями про роль мистецтва в сучасному суспільстві та культурі.

____________

Погортати книгу Luncheons on the Grass: Reimagining Manet's Le Déjeuner Sur L'Herbe​ на сайтi видавництва.

This major new book on René Magritte offers fresh interpretations of the artist’s use of symbols and imagery to articulate his particular brand of surrealism.

In this beautiful monograph, a collection of revelatory essays focuses on five common images in Rene Magritte’s work — fire, shadows, curtains, words, and the fragmented body. Featuring vibrant reproductions of more than 100 works, this book helps readers understand how the artist employed these images in ways both deceptive and realistic. 

The book explores how he distorted accepted interpretations of classic symbols; why he so often used words as elements of his paintings; and how he applied aspects of the theater in his works. As Magritte’s paintings have become subsumed by the very commercialism they sought to ridicule, this volume takes a fresh look at an artist whose familiarity masks an incredible gift for deception and rapier-like intellect.

______________

Пролистать книгу Magritte: The Treachery of Images

Алессандра Біджі Іотті та Джуліо Заватта — відомі мистецтвознавці, автори та професори, які організовували виставки, заходи та конференції в Італії та за кордоном. У цій книзі вони запрошують читача в подорож художніми галереями, музеями та місцями богослужіння, шукаючи як відомі, так і забуті шедеври маньєризму — найсуперечливішого стилю епохи Відродження. Маньєризм виник у пізні роки Високого італійського Відродження та продовжував існувати на початку 17 століття. Серед відомих художників, які працювали в цьому стилі, — Понтормо, Россо Фьорентіно, Парміджаніно та Джуліо Романо. Ця книга пропонує уявлення про цей рух у контексті свого часу та висвітлює забуті твори, що становлять важливу частину історії італійського мистецтва.

Текст англійською та італійською мовами.

Про автора:

Алессандра Біджі Іотті, Джуліо Заватта — мистецтвознавці, автори та професори, які організовували виставки, заходи та конференції, а також публікували есе та книги в Італії та за кордоном. Засновники журналу Taccuini d’Arte, вони курували кілька випусків Бієнале дизайну в Ріміні.

A landmark monograph on an unprecedented scale that allows all aspects of Mark Rothko’s career to be heard in full voice, published in close collaboration with the artist’s family and featuring beloved works from major collections as well as never-before-seen canvases and paintings on paper.

Deluxe and comprehensive, this revelatory volume examines the brilliance of Mark Rothko (1903–1970), a pioneer of the New York School and major figure in the Abstract Expressionist movement. Illustrated with more than 275 images that explore his paintings, prints, and works on paper, this book highlights the best-known and also lesser-known works by Rothko — from his early figurative and Surrealist works to his mesmerizing color-field paintings of immense scale to the more restricted palette of his luminous later works and his final series of black-and-gray paintings. Among Rothko’s artistic philosophies, he held that painting was a deeply psychological and spiritual experience through which basic human emotions could be communicated. This is the first book to include foldouts that highlight works from the Rothko Chapel in Houston and the Rothko Room at the Phillips Collection in Washington, D.C.

Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko draw on intimate knowledge of the artworks and the artist’s life to give a fuller picture of their father and place him within the context of art history; they endeavor to give an impartial portrait—the man and his work—while introducing personal details where they can enlighten. Alexander Nemerov and Hiroshi Sugimoto provide reflections about the artist’s work.

About the Author:

Christopher Rothko is the son of Mark Rothko and is actively involved in managing his father's legacy. He has helped prepare more than two dozen Rothko exhibitions. Kate Rothko Prizel is the daughter of Mark Rothko. She fought and won a prolonged legal battle that resulted in the return of almost 700 of her father’s works to his estate. Alexander Nemerov is Professor at Stanford University. Hiroshi Sugimoto is a contemporary photographer and architect.

____________

Пролистать книгу Mark Rothko

Mark Rothko's awe-inspiring yet deceptively simple, iconic colour field paintings belie the mythical and emotional complexity behind them. 

Rothko put his heart and soul into creating works that were to act upon the viewer in an almost physical way, progressing from figurative and symbolist works to eventually using shimmering and enveloping colour to elevate you to higher spiritual awareness. 

This gorgeous book enables you to discover the themes, thinking and methodology behind the oeuvre, from Greek tragedy and Nietzsche to music and colour, whilst experiencing his pieces displayed in full, free of clutter, for you to immerse yourself and be swept away. 

This enthralling and comprehensive new book on Henri Matisse is an eye-opener for all students and art lovers interested in early twentieth-century art. Taking fifty of Matisse’s most iconic works of art, John Cauman provides an accessible narrative about the man and his work, deciphering the themes, methods and intentions of this truly great artist.

Chronologically spanning from the late nineteenth century to the mid 1950s, each painting, drawing and mural is described and analysed in beautiful detail, within the context of the period, so that the reader can really understand what the artist was hoping to achieve with each work. The paintings are prefaced by an informative introduction that presents the milieu and key characters that featured in Matisse’s life.

Among his most famous works, this book includes Luxe, calme et volupté (1904), Le Bonheur de vivre (The Joy of Life) (1905–6), Self-Portrait in a Striped Shirt (1906), Blue Nude (Memory of Biskra) (1907), Bathers by a River (1909-17), Harmony in Red (1908), Dance I (1909), Entrance to the Casbah (1912-13),  Pianist and Checker Players (1924), Still Life with a Magnolia (1941), Memory of Oceania (1951–2) and The Snail (1953).

About the Author:

John Cauman is an independent curator and writer on late 19th-century and early 20th-century art. He studied at Columbia and Bennington before receiving his PhD from City University of New York with a dissertation on Matisse and America: 1905-1933. He has contributed to various publications including Inheriting Cubism and co-curated the exhibition ‘Matisse and American Art’ at Montclair Art Museum in New Jersey, 2018.

Travel is a fundamental experience of human existence. For Max Beckmann it was of existential importance both in a symbolic, but also in a deeply personal sense. In the 1920s, he regularly traveled to the noble health resorts and palace hotels on the Dutch, Italian, and French coasts. His defamation as a "degenerate" artist by the Nazi regime, however, forced him to retreat, first from Frankfurt to Berlin and subsequently into exile in Amsterdam. His emigration to the United States marked the culmination of a life entwined with the longing to travel as well as uprooting, transit and exile. Max Beckmann. DEPARTURE assembles an outstanding selection of artworks and initiates a dialogue with hitherto unseen objects and materials from the Max Beckmann Archive. It shows Beckmann’s relationship to film and literature as a producer of images of aspirations and longing resonating with notions of identity and home.

About the Author:

Max Beckmann (1884-1950) is one of the most important artists of the 20th century. A star of the Berlin Secession, Beckmann’s career was slowed by World War I and a personal crisis, but continued in the 1920s. After the Nazis forced him to resign his professorship in Frankfurt in 1933, he went into exile in Amsterdam in 1937 and subsequently emigrated to the US in 1947. Teaching in St. Louis and New York, he became the most successful German artist in the United States of his time.

Cubism, widely regarded as the most influential style to emerge at the advent of modernism, had a home in New York and a leading figure in Max Weber.

Max Weber studied under Matisse, associated with influential figures including Apollinaire, Picasso, and Delaunay, and is credited with bringing firsthand knowledge of the Parisian avant-garde to Alfred Stieglitz’s modernist circle in New York, inspiring a generation of artists. While his works are in important collections, they have not yet received the close study of the artist’s peers, such as Picasso, Braque, and Leger.

William C. Agee, a veteran museum curator and renowned scholar of twentieth-century American art, and scholar Pamela N. Koob take up the challenge in a lavishly illustrated volume, gathering together a selection of Max Weber’s best cubist works. Close readings of Weber’s paintings open the most complete survey to date of American cubism, with entries on key cubist works by Marsden Hartley, Stuart Davis, Hans Hofmann, Charles Sheeler, Morgan Russell, Stanton Macdonald-Wright, Alice Trumbull Mason, and David Smith, among many others. Filling in a missing piece of one of the twentieth century’s most influential movements, this critical reevaluation is long overdue.

About the Author:

William C. Agee held directorships at the Museum of Fine Arts, Houston and at the Pasadena Art Museum before serving as Evelyn Kranes Kossak Professor of Art History at Hunter. Agee has published numerous articles and monographs in conjunction with exhibitions he has organized. Pamela N. Koob is an independent scholar.

____________

Пролистать книгу Max Weber and American Cubism

Завдяки захопливому тексту відомого знавця Мікеланджело Вільяма Е. Воллеса, книга Michelangelo: The Complete Sculpture, Painting, Architecture об’єднує в одному вишуканому томі потужні скульптури, вражаючі картини та класичні архітектурні твори одного з найвидатніших художників усіх часів. Включаючи все, від його скульптур «П’єта» та «Давида» до прекрасних картин Сікстинської капели та Доні Тондо, книга дає можливість побачити творчість Мікеланджело як ніколи раніше та повніше зрозуміти художника, який через свої роботи говорив про своє життя та час. Фрески спеціально надруковані на цибулевому папері, щоб відтворити справжній вигляд світла, що відбивається від штукатурних стін. Приголомшливі чорно-білі фотографії скульптур надруковані в чотирьох кольорах, щоб підкреслити багатство деталей мармуру.

Про автора:

Вільям Е. Воллес — доцент кафедри історії мистецтв Вашингтонського університету в Сент-Луїсі та міжнародно визнаний експерт з Мікеланджело та його сучасників.

_____________

Погортати книгу Michelangelo: The Complete Sculpture, Painting, Architecture