Книги з живопису

Інтимні портрети від одного з найбільш новаторських художників-фігуративістів двадцятого століття та майстра намальованої плоті.

Цей важливий том, підготовлений давнім помічником і другом художника в студії, Девідом Доусоном, містить двадцять великих і рідкісних картин Лючіана Фрейда (1922-2011). Книга починається роботами з 1990 року, коли Фрейд почав малювати художника-перформансу Лі Бауері: ці масштабні портрети Бауері започаткували нове відчуття монументальності у творчості митця. Натхненний вражаючою статурою Бауері, Фрейд почав працювати в більшому масштабі, підкреслюючи фізичну присутність своїх суб’єктів. Незважаючи на свій грандіозний масштаб, предмети Фрейда все ще зображуються з почуттям інтимності, проникливої ​​чесності та психологічної глибини.

Оголене тіло — тема, яка має особливе значення у творчості Фрейда. Нагота була для Фрейда способом отримати більш правдивий портрет. У цій монографії дослідження Фрейда розглядаються по-новому, а Доусон розповідає про те, як Фрейд працював над цими портретами, і розповідає про нього, надаючи інтригуючий погляд за лаштунки життя сучасного майстра репрезентативного мистецтва.

Про автора

Девід Доусон — художник, який працював з Лючіаном Фрейдом протягом двадцяти п’яти років. Він є автором книги «Життя з Лючіаном Фрейдом».

Філіп де Монтебелло є директором Acquavella Galleries у Нью-Йорку, який займається спеціальними виставками та публікаціями. Монтебелло був колишнім директором Метрополітен-музею в Нью-Йорку з 1977 по 2008 рік.

Каталог виставки Lucian Freud: The Self-portraits, яка відкриється в RA в жовтні 2019 року. Автори-експерти, зокрема ті, хто знав і працював з Фрейдом, розкривають підхід до жанру, який є водночас несподіваним та інтригуючим.

Цей 152-сторінковий каталог у твердій обкладинці було опубліковано для супроводу виставки Люсіан Фрейд: Автопортрети в Королівській академії мистецтв, з 27 жовтня 2019 року по 26 січня 2020 року.

Перша книга, яка зосереджена на автопортретах Фрейда, дає захоплююче розуміння психіки цього загадкового, але надзвичайно закритого художника. Автори-експерти Девід Доусон, Джозеф Лео Кернер, Джаспер Шарп і Себастьян Смі розмірковують про місце Фрейда в історії автопортретів і роль, яку відіграють автопортрети в його ширшій творчості.

__________

У 1964 році Лючіан Фрейд поставив своїм студентам Норвічського коледжу мистецтв завдання: намалювати оголені автопортрети та зробити їх «відвертими, промовистими, правдоподібними... справді безсоромними». Це була порада, якої митець часто дотримувався. Внутрішні, непохитні та часто оголені, автопортрети Фрейда дають нам уявлення про розвиток його стилю як художника. Твори постійно нагадують глядачеві про неперевершену присутність художника, незалежно від того, чи він безпосередньо стикається з глядачем, чи присутній лише як тінь чи у відображенні.

Нариси провідних авторитетів, у тому числі тих, хто добре його знав, досліджують життя та творчість Фрейда, аналізують важливість автопортретів у його практиці та інтенсивність, яку він зберігав, вивчаючи власне.

Супроводжує виставку в Королівській академії мистецтв, Лондон (27 жовтня 2019 р. – 26 січня 2020 р.) і Музеї образотворчих мистецтв, Бостон (22 лютого – 25 травня 2020 р.). Виставка організована Королівською академією мистецтв, Лондон, у співпраці з Музеєм образотворчих мистецтв, Бостон.

Про авторів:

Девід Доусон – художник і фотограф, а також колишній асистент Фрейда в студії.Джозеф Лео Кернер – професор історії мистецтва та архітектури Томаса та старший науковий співробітник Товариства стипендіатів Гарвардського університету.Джаспер Шарп – допоміжний куратор відділу сучасного мистецтва Художньо-історичного музею у Відні. Лауреат Пулітцерівської премії мистецтвознавець Себастьян Смі є автором книги The Art of Rivalry: Four Friendships, Betrayals and Breakthroughs in Modern Art (2016).

A revelatory look at this Italian-American modernist painter of highly realistic and romanticized still lifes, landscapes, and portraits drawn from his life in the gay New York scene and rural Vermont.

This first comprehensive survey of the life and work of Luigi Lucioni (1900–1988) places him in the context of fellow Regionalist painters Grant Wood, Charles Sheeler, and Maxfield Parrish. Lucioni is known for meticulously rendered still lifes, landscapes, and arresting portraits drawn from his close-knit circle of queer New York artists and cultural figures, including Paul Cadmus, Jared French, George Platt Lynes, and Lincoln Kirstein. In the early 1930s, Lucioni discovered Vermont, whose landscapes reminded him of northern Italy. It was there that he met Electra Havemeyer Webb, who was to become his single most important patron. For more than 50 years, the New York City–based artist spent every summer painting landscapes of trees, barns, and buildings in Vermont with sharply observed realism and a cool, precise style.

Key scholars examine Lucioni’s oeuvre, materials, techniques, and his role in American modernism.

About the Author:

David Brody is Professor of Design Studies at Parson School of Design at the New School. Thomas Denenberg is Director of Shelburne Museum. Katie Wood Kirchhoff is Associate Curator at Shelburne Museum. Alexander Nemerov is Carl and Marilynn Thoma Provostial Professor in the Arts and Humanities and Chair of the Department of Art and Art History at Stanford University. Nancie Ravenel is Object Conservator, Preservation and Conservation at Shelburne Museum. Richard Saunders is Director of the Middlebury College Museum of Art.

____________

Пролистать книгу Luigi Lucioni: Modern Light

Тридцять п'ять сучасних художників створюють власні версії «Сніданку на траві».

Картину Едуара Мане «Сніданок на траві» (1863) зазвичай називають першою сучасною картиною. Вступний слайд на лекціях з історії мистецтва про модернізм, ця робота залишається однією з «найсміливіших картин, які коли-небудь бачили у Франції», як описав її Росс Кінг у книзі «Суд Паріса» (2006).

Як і Мане зі «Сніданком на траві», найпровокаційніші художники сьогодні об'єднують історичне та сучасне в одну площину. Джеффрі Дейтч запросив групу цих впливових художників створити власні версії, поєднані тут з історичними відгуками на картини Мане. У тонкому томі представлені ці часто гострі та сатиричні роботи разом із есе, що обговорюють тривалий вплив «Сніданку на траві» на сучасний фігуративний живопис.

Про авторів:

Джеффрі Дейтч допоміг побудувати кар'єру деяким із багатьох провідних сучасних художників як галерист та куратор. Він є колишнім директором Музею сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі.

Аруна Д'Суза пише про сучасне та сучасне мистецтво; інтерсекційні фемінізми та інші форми політики.

Марина Моларскі-Бек досліджує мистецтво ХХ століття, зосереджуючись на міжвоєнній фотографії та історії гендеру та сексуальності.

Томас Е. Кроу — американський історик мистецтва та мистецтвознавець, найбільш відомий своїми впливовими працями про роль мистецтва в сучасному суспільстві та культурі.

____________

Погортати книгу Luncheons on the Grass: Reimagining Manet's Le Déjeuner Sur L'Herbe​ на сайтi видавництва.

Алессандра Біджі Іотті та Джуліо Заватта — відомі мистецтвознавці, автори та професори, які організовували виставки, заходи та конференції в Італії та за кордоном. У цій книзі вони запрошують читача в подорож художніми галереями, музеями та місцями богослужіння, шукаючи як відомі, так і забуті шедеври маньєризму — найсуперечливішого стилю епохи Відродження. Маньєризм виник у пізні роки Високого італійського Відродження та продовжував існувати на початку 17 століття. Серед відомих художників, які працювали в цьому стилі, — Понтормо, Россо Фьорентіно, Парміджаніно та Джуліо Романо. Ця книга пропонує уявлення про цей рух у контексті свого часу та висвітлює забуті твори, що становлять важливу частину історії італійського мистецтва.

Текст англійською та італійською мовами.

Про автора:

Алессандра Біджі Іотті, Джуліо Заватта — мистецтвознавці, автори та професори, які організовували виставки, заходи та конференції, а також публікували есе та книги в Італії та за кордоном. Засновники журналу Taccuini d’Arte, вони курували кілька випусків Бієнале дизайну в Ріміні.

Знакова монографія безпрецедентного масштабу, яка дозволяє почути всі аспекти кар'єри Марка Ротко в повному складі, видана у тісній співпраці з родиною художника та містить улюблені роботи з головних колекцій, а також раніше не бачені полотна та картини на папері.

Розкішний та вичерпний, цей викривальний том досліджує блискучість Марка Ротко (1903–1970), піонера Нью-Йоркської школи та визначної постаті абстрактного експресіонізму. Ілюстрована понад 275 зображеннями, що досліджують його картини, гравюри та роботи на папері, ця книга висвітлює найвідоміші, а також менш відомі роботи Ротко — від його ранніх фігуративних та сюрреалістичних робіт до його заворожливих кольорових картин величезного масштабу, більш обмеженої палітри його яскравих пізніх робіт та його останньої серії чорно-сірих картин. Серед художніх філософій Ротко він вважав, що живопис — це глибоко психологічний та духовний досвід, через який можна передати основні людські емоції. Це перша книга, що містить розкладні частини, на яких представлені роботи з каплиці Ротко в Х'юстоні та кімнати Ротко в колекції Філліпса у Вашингтоні, округ Колумбія.

Кейт Ротко Прізел та Крістофер Ротко спираються на глибокі знання творів мистецтва та життя художника, щоб дати повніше уявлення про свого батька та розмістити його в контексті історії мистецтва; вони прагнуть дати неупереджений портрет — людину та її творчість — водночас вводячи особисті деталі, де вони можуть пролити світло на нього. Олександр Немеров та Хіроші Сугімото пропонують роздуми про творчість художника.

Про автора:

Крістофер Ротко — син Марка Ротко, який активно бере участь в управлінні спадщиною свого батька. Він допоміг підготувати понад два десятки виставок Ротко. Кейт Ротко Прізел — дочка Марка Ротко. Вона боролася та виграла тривалу судову тяжбу, яка призвела до повернення майже 700 робіт її батька до його спадщини. Олександр Немеров — професор Стенфордського університету. Хіроші Сугімото — сучасний фотограф та архітектор.

____________

Погортати книгу Mark Rothko

This enthralling and comprehensive new book on Henri Matisse is an eye-opener for all students and art lovers interested in early twentieth-century art. Taking fifty of Matisse’s most iconic works of art, John Cauman provides an accessible narrative about the man and his work, deciphering the themes, methods and intentions of this truly great artist.

Chronologically spanning from the late nineteenth century to the mid 1950s, each painting, drawing and mural is described and analysed in beautiful detail, within the context of the period, so that the reader can really understand what the artist was hoping to achieve with each work. The paintings are prefaced by an informative introduction that presents the milieu and key characters that featured in Matisse’s life.

Among his most famous works, this book includes Luxe, calme et volupté (1904), Le Bonheur de vivre (The Joy of Life) (1905–6), Self-Portrait in a Striped Shirt (1906), Blue Nude (Memory of Biskra) (1907), Bathers by a River (1909-17), Harmony in Red (1908), Dance I (1909), Entrance to the Casbah (1912-13),  Pianist and Checker Players (1924), Still Life with a Magnolia (1941), Memory of Oceania (1951–2) and The Snail (1953).

About the Author:

John Cauman is an independent curator and writer on late 19th-century and early 20th-century art. He studied at Columbia and Bennington before receiving his PhD from City University of New York with a dissertation on Matisse and America: 1905-1933. He has contributed to various publications including Inheriting Cubism and co-curated the exhibition ‘Matisse and American Art’ at Montclair Art Museum in New Jersey, 2018.

Travel is a fundamental experience of human existence. For Max Beckmann it was of existential importance both in a symbolic, but also in a deeply personal sense. In the 1920s, he regularly traveled to the noble health resorts and palace hotels on the Dutch, Italian, and French coasts. His defamation as a "degenerate" artist by the Nazi regime, however, forced him to retreat, first from Frankfurt to Berlin and subsequently into exile in Amsterdam. His emigration to the United States marked the culmination of a life entwined with the longing to travel as well as uprooting, transit and exile. Max Beckmann. DEPARTURE assembles an outstanding selection of artworks and initiates a dialogue with hitherto unseen objects and materials from the Max Beckmann Archive. It shows Beckmann’s relationship to film and literature as a producer of images of aspirations and longing resonating with notions of identity and home.

About the Author:

Max Beckmann (1884-1950) is one of the most important artists of the 20th century. A star of the Berlin Secession, Beckmann’s career was slowed by World War I and a personal crisis, but continued in the 1920s. After the Nazis forced him to resign his professorship in Frankfurt in 1933, he went into exile in Amsterdam in 1937 and subsequently emigrated to the US in 1947. Teaching in St. Louis and New York, he became the most successful German artist in the United States of his time.

Cubism, widely regarded as the most influential style to emerge at the advent of modernism, had a home in New York and a leading figure in Max Weber.

Max Weber studied under Matisse, associated with influential figures including Apollinaire, Picasso, and Delaunay, and is credited with bringing firsthand knowledge of the Parisian avant-garde to Alfred Stieglitz’s modernist circle in New York, inspiring a generation of artists. While his works are in important collections, they have not yet received the close study of the artist’s peers, such as Picasso, Braque, and Leger.

William C. Agee, a veteran museum curator and renowned scholar of twentieth-century American art, and scholar Pamela N. Koob take up the challenge in a lavishly illustrated volume, gathering together a selection of Max Weber’s best cubist works. Close readings of Weber’s paintings open the most complete survey to date of American cubism, with entries on key cubist works by Marsden Hartley, Stuart Davis, Hans Hofmann, Charles Sheeler, Morgan Russell, Stanton Macdonald-Wright, Alice Trumbull Mason, and David Smith, among many others. Filling in a missing piece of one of the twentieth century’s most influential movements, this critical reevaluation is long overdue.

About the Author:

William C. Agee held directorships at the Museum of Fine Arts, Houston and at the Pasadena Art Museum before serving as Evelyn Kranes Kossak Professor of Art History at Hunter. Agee has published numerous articles and monographs in conjunction with exhibitions he has organized. Pamela N. Koob is an independent scholar.

____________

Пролистать книгу Max Weber and American Cubism

Завдяки захопливому тексту відомого знавця Мікеланджело Вільяма Е. Воллеса, книга Michelangelo: The Complete Sculpture, Painting, Architecture об’єднує в одному вишуканому томі потужні скульптури, вражаючі картини та класичні архітектурні твори одного з найвидатніших художників усіх часів. Включаючи все, від його скульптур «П’єта» та «Давида» до прекрасних картин Сікстинської капели та Доні Тондо, книга дає можливість побачити творчість Мікеланджело як ніколи раніше та повніше зрозуміти художника, який через свої роботи говорив про своє життя та час. Фрески спеціально надруковані на цибулевому папері, щоб відтворити справжній вигляд світла, що відбивається від штукатурних стін. Приголомшливі чорно-білі фотографії скульптур надруковані в чотирьох кольорах, щоб підкреслити багатство деталей мармуру.

Про автора:

Вільям Е. Воллес — доцент кафедри історії мистецтв Вашингтонського університету в Сент-Луїсі та міжнародно визнаний експерт з Мікеланджело та його сучасників.

_____________

Погортати книгу Michelangelo: The Complete Sculpture, Painting, Architecture

This exhibition catalog presents the recent atmospheric paintings of one of the most important representatives of contemporary Spanish art, inspired by the seascapes of his native Majorca.

Miquel Barceló (1957–) is a contemporary Spanish artist known for his experimental approach to painting and sculpture. Whether utilizing bleach, organic matter, or even live insects, Barceló’s neo-Expressionist oeuvre explores decomposition, light, and the natural landscape. Born in 1957 in Majorca, Spain, he credits the influence of Lucio Fontana. His work is both abstract and cerebral, as evidenced by his broad range of paintings, ceramics, and installations. In 2011, Barceló exhibited his sculpture in New York’s Union Square. Currently living and working in Paris and Majorca, the artist has works in the collections of the Guggenheim Museum Bilbao, the Museum of Modern Art in New York, and the Reina Sofía National Museum in Madrid, among others.

About the Author:

Acquavella Galleries is distinguished for its expertise in the files of nineteenth-, twentieth-, and twenty-first-century art. For more than ninety years, Acquavella Galleries has sold major paintings and sculpture to private collectors and museums worldwide.

Published on the twentieth anniversary of the founding of Neue Galerie New York, this stunning volume celebrates the varied achievements of modern art history in the German-speaking world by examining historical developments in Austria and Germany from 1890 to 1940.

Illustrated throughout with exquisite reproductions of the museum’s holdings, this book considers the influence of Friedrich Nietzsche and his writings on the fine arts and examines the founding of the Secessionist artists' organizations in Germany and Austria. Insightful essays trace the emergence of Expressionism and abstraction, as well as the development of such movements as Dada and New Objectivity. Evolutions in architecture and design are appraised through the legacy of the Arts and Crafts movement, as well as the establishment of the Darmstadt Artists’ Colony and the Wiener Werkstätte.

The book also examines the role of the German Werkbund and the founding of the Bauhaus school. Finally, the book briefly addresses the horrific impact of the National Socialists’ degenerate art campaign, which resulted in incalculable damage and led to the exile and death of artists and designers of the era. From well-known artists such as Otto Dix, Josef Hoffmann, Vasily Kandinsky, Gustav Klimt, and Egon Schiele, to lesser recognized but equally important figures, including Albert Birkle, Alfred Kubin, Felix Nussbaum, and Dagobert Peche, this book offers an authorative and kaleidoscopic look at a crucial moment in history and a portrait of radical thought that changed forever the way we experience art in our lives.

About the Authors:

Olaf Peters is Professor of Modern Art at Martin Luther University in Halle-Wittenberg and the author of Degenerate Art: The Attack on Modern Art in Nazi Germany 1937 and Berlin Metropolis: 1918-1933 (both by Prestel).

Renée Price is the Founding Director of Neue Galerie New York.

Відкрийте для себе еволюцію мистецтва Модільяні через призму його стосунків із торговцем мистецтвом Полем Гійомом.

Цей чудово ілюстрований каталог і супутня виставка в Musée de l’Orangerie у Парижі демонструють, як партнерство Модільяні з його галеристом Полем Гійомом вплинуло на його живопис. Коли Амедео Модільяні прибув до Парижа в 1906 році, єврейсько-італійський художник був художником. Його зустріч зі скульптором Костянтином Бранкузі в 1909 році стала відкриттям і надихнула Модільяні займатися скульптурою — майже виключно — до 1914 року, коли він зустрів арт-торговця Поля Гійома. Наслідки цієї зустрічі були раптовими й тотальними. Модільяні повернувся до живопису і ніколи не озирався назад. Цей том розкриває взаємозв’язок, який спонукав цю зміну, через аналіз картин Модільяні та творів Гійома. Маючи під рукою ці ресурси, читач отримує глибоке уявлення про цей інтригуючий дует, чиї поєднані таланти художника та промоутера залишили незгладимий слід в історії мистецтва двадцятого століття. Книга підкреслює їхню співучасть і спільні інтереси до африканського мистецтва, літератури та поезії.

Про автора:

Сесіль Жірардо є куратором Музею оранжері. Сімонетта Фракеллі – незалежний куратор та історик мистецтва. Яель Біро — помічник куратора африканського мистецтва Метрополітен-музею. Марі-Амелі Сено є куратором сучасного мистецтва.

Spot on: Amedeo Modigliani in an exciting joint catalogue

Amedeo Modigliani (1884–1920) moved to Paris as a 22-year-old art student and is regarded as probably the last true bohémien in Montmartre. The exhibition catalogue to mark the 100th anniversary of his death shows him for the first time as a leading member of the avant-garde who carried the revolution of Primitivism well into the 20th century.

Modigliani’s famous nudes, unusual portraits and unique sculptures are contrasted with works by Pablo Picasso, Constantin Brâncusi and André Derain as well as artefacts from so-called “primitive” cultures. In doing so the volume focuses in particular on Modigliani’s lifelong study of the art of Primitivism, which also interested the artist friends who influenced his work. Some 100 works are on view, including numerous main works by Modigliani from the great museums and most important private collections from America to Asia.

Цей том являє собою оновлену та поновлену версію Загального каталогу Музею Моранді в Болоньї, орієнтира не лише для шанувальників майстра та любителів мистецтва, а й для науковців та дослідників з усього світу. Потреба в перевиданні Загального каталогу після видань 1993, 1996 та 2004 років є частиною процесу підвищення цінності одного з найважливіших художників 20-го століття, який має міжнародне визнання та безперечну актуальність. До деяких текстів, що вже були представлені в попередньому виданні, додано нові та раніше неопубліковані історико-мистецькі внески високої наукової цінності, оновлену бібліографію та список виставок, а також оновлений вибір іконографічних інструментів, що супроводжують тексти. Кожна картина, кожна гравюра, кожен малюнок – це запрошення відкрити для себе мистецтво Моранді, з якого просочується пристрасна медитація про час, простір, мистецтво, життя та таємницю, що огортає все.