Книги з живопису

A revealing look at the evolution of male iconography in the work of one of the foremost painters of his generation.

Since raising the ire of the early-1990s arts establishment with his deliberately provocative portrayals of women, John Currin has been best known for his brazen, militantly incorrect female iconography. Yet Currin has represented a range of masculine identities throughout his career as well.

This volume is the first to focus exclusively on this aspect of his work, examining the evolution of his equally provocative depictions of men. It ranges from little-known early works on paper and a series of kitschy paintings of men with beards to signature eccentric figures such as the elderly reader in the painting 2070 (2005) and his more baroque genre scenes featuring male couples. Published to accompany the exhibition John Currin: My Life as a Man at the Dallas Contemporary, it offers a revealing new assessment of Currin's pictorial examinations of sexual politics.

About the Authors:

Alison M. Gingeras is a curator and writer based in New York and Warsaw. Naomi Fry is a staff writer at the New Yorker. Jamieson Webster is a clinical psychologist and psychoanalyst in private practice in New York.

Longtime music icon John Mellencamp’s artistic expression has never been limited to song.

The acclaimed singer-songwriter John Mellencamp has been an accomplished painter for more than four decades. This definitive survey — curated by Mellencamp himself — of his large-scale oil portraits and mixed-media assemblages documents America’s heart and soul, revealing unsettling but beautiful truths with an antiestablishment frown and a rich sense of narrative.

“Although we may primarily know Mellencamp as a rock star, one of the highest-selling of all time and a Hall of Famer, he is also a great painter, as this book shows. Not a musician who also paints... No, John legitimately belongs in the modern art pantheon,” says Bob Guccione Jr. in his essay that delineates the connection of Mellencamp’s music and art, both imbued with the earnest voice of America’s heartland.

About the Authors:

John Mellencamp, award-winning singer-songwriter and member of the Rock & Roll Hall of Fame, is also a painter, collector, and longtime activist who has exhibited his work in galleries and museums across the United States. Dr. Louis A. Zona is the executive director and chief curator of the Butler Institute of American Art, in Youngstown, Ohio. David L. Shirey is a former foreign correspondent, critic, and editor with Newsweek magazine, a critic and cultural writer for the New York Times, and former chair of the MFA Fine Arts program at New York City’s School of Visual Arts. Award-winning editor and publisher Bob Guccione Jr. has created and managed some of America’s most iconic publishing brands, including Spin magazine and Gear magazine.

______________

Пролистать книгу John Mellencamp: American Paintings and Assemblages

Класична монографія про улюбленого художника — перевидана у вражаючому форматі великого розміру

У ранніх роботах Джона Сінгера Сарджента (1856–1925) Генрі Джеймс побачив «трохи «моторошне» видовище таланту, якому на порозі своєї кар'єри більше нічого навчитися». Талант, навіть геній Сарджента, справді був моторошним, підкріплений з однаковою інтенсивністю його знаменитими світськими портретами, такими як скандальна Мадам Ікс; його повнорозмірними експонатами, такими як «Дочки Едварда Дарлі Бойта»; його тисячами акварелей, виконаних на пленері від Венеції до Корфу, від Мену до Монтани; та його амбітними фресками для громадських пам'ятників Бостона.

У Картері Реткліффі Сарджент знайшов біографа та критика, що відповідає стилю та витонченості. Реткліфф майстерно передає американське середовище експатріантів, у якому народився художник, і пропонує глибоке розуміння кожного етапу його кар'єри та кожного аспекту його творчості. Тепер ця знакова монографія вперше пропонується у спеціальному форматі збільшеного розміру, де всі 310 ілюстрацій відтворені у повному кольорі, багато з яких на всю сторінку. Вона також містить нову передмову автора та оновлену бібліографію.

Про автора:

Картер Реткліфф — поет, мистецтвознавець і редактор журналу Art in America. Серед його книг про мистецтво — The Fate of a Gesture: Jackson Pollock and Postwar American Art; Out of the Box: The Reinvention of Art; та монографії про Енді Воргола, Джорджію О'Кіф, Гілберта і Джорджа та інших. Він також опублікував численні збірки поезії та роман Tequila Mockingbird.

Squaring the Square

Josef Albers’s groundbreaking series Homage to the Square comprises roughly two thousand oil paintings. His continuous reflections and refinements for more than 25 years inspired numerous young minimal and conceptual artists in their search for a reduced formal language. This outstanding catalogue explores the secret of Albers’s subtle aesthetic and unearths its preconditions: What is the significance of the square? How does his impression of color and its use as a material change during this period? Featuring studies on paper, archival materials, as well as essays by internationally leading Albers experts such as Jeannette Redensek and Heinz Liesbrock, this richly illustrated publication sheds light on the various inspirations that influenced Albers early on in Europe and later in America, and illustrates the lasting impact of his art and thinking.

As an influential teacher, writer, painter, and color theorist Josef Albers (1888, Bottrop–1976, New Haven, CT) is one of the leading pioneers of twentieth-century modernism. From 1923 onwards he taught at the Bauhaus, and continued to do so after his emigration to the USA in 1933 at Black Mountain College in North Carolina, and at Yale University, where he worked on his Homage to the Square from 1950 until his death. 

Heinz Liesbrock (*1953) was the long-standing director of the Josef Albers Museum Quadrat in Bottrop. He has written extensively on Albers and his influence on art history.

Encompassing the entire career of the American surrealist painter Kay Sage, this catalogue raisonné features all her known mature works and the latest scholarship on a brilliant artist.

While her career as a painter was often eclipsed during her lifetime by that of her husband, Yves Tanguy, recent scholarship posits that the influence was mutual and that Kay Sage’s work was distinct from Tanguy’s. The full extent of Sage’s talent is laid bare in this stunning slip-cased book that includes many works that have not been viewed publicly since the 1940s and 1950s. An insightful essay explores Sage’s involvement with the Surrealists and her marriage to Tanguy, as a partner and sounding board. A generously illustrated chronology includes personal and archival material that reveals much about her life and practice. The paintings, collages, and works on paper — haunting, evocative, and original — are reproduced to full effect, each with comprehensive provenance and exhibition history. Impeccably researched and engagingly written, this monograph brings to life an intrepid and hugely gifted artist whose talent is long overdue for recognition.

About the Authors:

Jessie Sentivan is an independent art historian and curator. She has held positions at the Williams College Museum of Art and the Arthur Dove Catalogue Raisonné Project, and was a contributing editor of the Hans Hofmann Catalogue Raisonné of Paintings.

Stephen Robeson Miller has written extensively about Kay Sage and her art in publications such as Art International, Dada & Surrealism, and various galleries catalogues around the world. He was co-curator of the landmark traveling exhibition Double Solitaire: The Surreal Worlds of Kay Sage and Yves Tanguy in 2011. He is also the author of Kay Sage: The Biographical Chronology and Four Surrealist One-Act Plays. His research papers on Sage, including interviews, are located at the Archives of American Art, Smithsonian Institution.

Mary Ann Caws is Distinguished Professor Emerita of Comparative Literature, English, and French and Resident Professor at the Graduate School of the City University of New York. She is an Officier of the Palmes académiques, a Chevalier dans l'ordre des Arts et des Lettres, and a recipient of the Albert Nelson Marquis Lifetime Achievement Award. She is the author of The Eye in the Text: Essays on Perception, The Modern Art Cookbook, Blaise Pascal: Miracles and Reason, The Surrealist Look: an Erotics of Encounter, and Creative Gatherings: The Meeting Places of Modernism, among others.

This sumptuously produced monograph showcases the work of Utagawa Kuniyoshi, one of the last great Japanese masters of ukiyo-e prints, illustrations, and paintings.

Best known for his depictions of fierce samurai warriors in battle, Utagawa Kuniyoshi also produced landscapes, portraits of Kabuki actors, and images of mythical animals. His dynamic action scenes and fantastic creatures are recognized today as precursors of manga and anime. This dazzling volume by Matthi Forrer, one of the leading experts on ukiyo-e art, traces Kuniyoshi’s entire career. Chapters look at the major aspects of Kuniyoshi’s oeuvre; his book illustrations and portraits of fashionable women; his enormously popular series featuring actors, warriors, and landscapes; and the influence of Western art on his career. Meticulous, large-scale reproductions highlight the work’s clear outlines, elegantly muted palette, and precise details — from electrifying depictions of a tiger, mid-pounce, and light-hearted interpretations of Chinese folktales, to the terrifying figures of samurai swordsmen and romantic winter landscapes. A Japanese-style binding and box complete this luxurious package that promises an endlessly absorbing journey into the life of Kuniyoshi during the latter days of Japan’s Edo period.

About the Author:

Matthi Forrer is an independent curator and former Curator for Japanese Arts at the National Museum of Ethnology in Leiden, Netherlands. He is the author of numerous books on Japanese art, including Hokusai, Hiroshige, and Hiroshige: Prints and Drawings (all by Prestel).

The Kunstmuseum Bern owns one of the most important art collections in Switzerland. Since the foundation of the Staatliche Kunstsammlung in Bern in 1809 and the opening of the first museum building in 1879 the collection has grown continuously and has attained world renown. Over 170 masterpieces of the collection are assembled in a single publication for the first time and made accessible to a broad public through new art-historical analyses and numerous colour illustrations.

The Kunstmuseum Bern houses prestigious works of Swiss and international art from the late thirteenth century until the present day. The collection contains over 3,000 paintings and sculptures and 48,000 works on paper and videos, including, for example, masterpieces by Duccio di Buoninsegna, Paul Cézanne, Salvador Dalí, Ferdinand Hodler, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Paul Klee, Franz Marc, Henri Matisse, Meret Oppenheim, Pablo Picasso and Felix Vallotton. The works assembled in this volume are presented with full-page illustrations and are re-examined by some 70 international authors. A historical survey describing the development of the museum and its collection opens and introduces the publication.

This volume is considered the most comprehensive monograph about the life and career of the female pioneer who integrated abstract painting, music, and dance, Lalan.

Born in Guizhou, Xie Jinglan (nicknamed “Lalan”) was a multidisciplinary artist trained across various art forms, including painting, music, and dance. Excelling in all such categories, Lalan united these fields in her artistic practice to create an oeuvre that epitomized “synthesized art.” Her lifelong explorations resulted in an unusual kind of exhibition/performance named Spectacle, which assimilates dance and music within her artworks. Her works can be found in important Western and Asian museums, such as the Centre Pompidou Musée National d’Art Moderne, and Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Shanghai Art Museum, and others.

This book reviews her entire career by selecting her most representative masterpieces and celebrating her life journey as the backdrop, between dream and drama. The materials in this book have been collected by a dedicated research team through a painstaking process lasting more than two years.

Lalan’s paintings are a melting pot of many important features inspired by traditional Chinese culture on the one hand (including the spirit of Taoism, the practice of qigong, and the essence of ink landscapes during the Song Dynasty), and Western abstract painting on the other.

About the Author:

Lalan studied music, dance, and art and produced works combining all three disciplines from the 1960s onward. Véronique Bergen is a philosopher, novelist, poet, and author of monographs and articles on contemporary artists.

Accompanying catalogue of an exhibition at Gagosian Gallery, Paris. The catalogue includes a fully illustrated, comprehensive listing of the paintings, drawings, and prints in Lichtenstein’s Expressionism series. Among the styles and movements appropriated by Lichtenstein, his borrowing of Expressionist motifs — from Alexei Jawlensky’s close-up, pensive faces to Ernst Ludwig Kirchner’s jagged, feline figures — strikes the clearest irony. Including key paintings, sculpture, drawings, and woodcuts, this catalogue demonstrates the bold paradox that Lichtenstein posed by translating Expressionist subjects into the primary colors and pop flatness of his signature style.

About the Authors:

Brenda Schmahmann is a research professor in the Faculty of Art, Design, and Architecture at the University of Johannesburg. She is the author of many articles and books, the most recent of which is Picturing Change: Curating Visual Culture at Post-Apartheid Universities. Hans Ulrich Obrist is a curator, critic, and art historian. He is codirector of exhibitions and programs and director of international projects at the Serpentine Gallery, London. Mayen Beckmann is the granddaughter of Max Beckmann and the editor of several publications that focus on the artist. Ruth Fine is a curator at the National Gallery of Art, Washington, D.C., and the author of the introduction to The Prints of Roy Lichtenstein: A Catalogue Raisonné, 1948–1993. Sidney B. Felsen is cofounder and codirector of Gemini G.E.L., an artists’ workshop and publisher of limited-edition prints and sculptures in L.A., and it had a long-standing publishing relationship with Roy Lichtenstein.

Розкішне однотомне видання відомого огляду Фейдона про одного з найвидатніших художників нашого часу

Величезний британський художник Лючіан Фрейд мав кар’єру, яка тривала понад сім десятиліть. Він працював майже до дня своєї смерті, поки не залишив незакінченим портрет друга та помічника студії Девіда Доусона.

Це відоме вшанування творчості Фрейда з 1930-х років до його смерті в 2011 році, яке вперше доступне в одному елегантно об’єднаному виданні, включає сотні картин, малюнків, ескізів і офортів – навіть особисті фотографії та ілюстровані приватні листи.

Ця книга, що містить вичерпний огляд його життя та творчості в одному розкішному томі, є чудовим доповненням до полиць шанувальників мистецтва. Створено у співпраці з архівом Люсіана Фрейда та Девідом Доусоном, директором архіву, і відредаговано Марком Холборном.

Про авторів:

Мартін Гейфорд – письменник і мистецтвознавець журналу The Spectator. Він сидів перед портретом Фрейда, досвід, описаний у «Людині з блакитним шарфом» (2010).

Художника Девіда Доусона представляє Marlborough Fine Art, Лондон. Помічник Фрейда з 1991 року до його смерті, він часто був моделлю для його картин.

Марк Холборн – редактор, дизайнер і письменник, який працював з багатьма провідними художниками протягом останніх 30 років.

Інтимні портрети від одного з найбільш новаторських художників-фігуративістів двадцятого століття та майстра намальованої плоті.

Цей важливий том, підготовлений давнім помічником і другом художника в студії, Девідом Доусоном, містить двадцять великих і рідкісних картин Лючіана Фрейда (1922-2011). Книга починається роботами з 1990 року, коли Фрейд почав малювати художника-перформансу Лі Бауері: ці масштабні портрети Бауері започаткували нове відчуття монументальності у творчості митця. Натхненний вражаючою статурою Бауері, Фрейд почав працювати в більшому масштабі, підкреслюючи фізичну присутність своїх суб’єктів. Незважаючи на свій грандіозний масштаб, предмети Фрейда все ще зображуються з почуттям інтимності, проникливої ​​чесності та психологічної глибини.

Оголене тіло — тема, яка має особливе значення у творчості Фрейда. Нагота була для Фрейда способом отримати більш правдивий портрет. У цій монографії дослідження Фрейда розглядаються по-новому, а Доусон розповідає про те, як Фрейд працював над цими портретами, і розповідає про нього, надаючи інтригуючий погляд за лаштунки життя сучасного майстра репрезентативного мистецтва.

Про автора

Девід Доусон — художник, який працював з Лючіаном Фрейдом протягом двадцяти п’яти років. Він є автором книги «Життя з Лючіаном Фрейдом».

Філіп де Монтебелло є директором Acquavella Galleries у Нью-Йорку, який займається спеціальними виставками та публікаціями. Монтебелло був колишнім директором Метрополітен-музею в Нью-Йорку з 1977 по 2008 рік.

Каталог виставки Lucian Freud: The Self-portraits, яка відкриється в RA в жовтні 2019 року. Автори-експерти, зокрема ті, хто знав і працював з Фрейдом, розкривають підхід до жанру, який є водночас несподіваним та інтригуючим.

Цей 152-сторінковий каталог у твердій обкладинці було опубліковано для супроводу виставки Люсіан Фрейд: Автопортрети в Королівській академії мистецтв, з 27 жовтня 2019 року по 26 січня 2020 року.

Перша книга, яка зосереджена на автопортретах Фрейда, дає захоплююче розуміння психіки цього загадкового, але надзвичайно закритого художника. Автори-експерти Девід Доусон, Джозеф Лео Кернер, Джаспер Шарп і Себастьян Смі розмірковують про місце Фрейда в історії автопортретів і роль, яку відіграють автопортрети в його ширшій творчості.

__________

У 1964 році Лючіан Фрейд поставив своїм студентам Норвічського коледжу мистецтв завдання: намалювати оголені автопортрети та зробити їх «відвертими, промовистими, правдоподібними... справді безсоромними». Це була порада, якої митець часто дотримувався. Внутрішні, непохитні та часто оголені, автопортрети Фрейда дають нам уявлення про розвиток його стилю як художника. Твори постійно нагадують глядачеві про неперевершену присутність художника, незалежно від того, чи він безпосередньо стикається з глядачем, чи присутній лише як тінь чи у відображенні.

Нариси провідних авторитетів, у тому числі тих, хто добре його знав, досліджують життя та творчість Фрейда, аналізують важливість автопортретів у його практиці та інтенсивність, яку він зберігав, вивчаючи власне.

Супроводжує виставку в Королівській академії мистецтв, Лондон (27 жовтня 2019 р. – 26 січня 2020 р.) і Музеї образотворчих мистецтв, Бостон (22 лютого – 25 травня 2020 р.). Виставка організована Королівською академією мистецтв, Лондон, у співпраці з Музеєм образотворчих мистецтв, Бостон.

Про авторів:

Девід Доусон – художник і фотограф, а також колишній асистент Фрейда в студії.Джозеф Лео Кернер – професор історії мистецтва та архітектури Томаса та старший науковий співробітник Товариства стипендіатів Гарвардського університету.Джаспер Шарп – допоміжний куратор відділу сучасного мистецтва Художньо-історичного музею у Відні. Лауреат Пулітцерівської премії мистецтвознавець Себастьян Смі є автором книги The Art of Rivalry: Four Friendships, Betrayals and Breakthroughs in Modern Art (2016).

A revelatory look at this Italian-American modernist painter of highly realistic and romanticized still lifes, landscapes, and portraits drawn from his life in the gay New York scene and rural Vermont.

This first comprehensive survey of the life and work of Luigi Lucioni (1900–1988) places him in the context of fellow Regionalist painters Grant Wood, Charles Sheeler, and Maxfield Parrish. Lucioni is known for meticulously rendered still lifes, landscapes, and arresting portraits drawn from his close-knit circle of queer New York artists and cultural figures, including Paul Cadmus, Jared French, George Platt Lynes, and Lincoln Kirstein. In the early 1930s, Lucioni discovered Vermont, whose landscapes reminded him of northern Italy. It was there that he met Electra Havemeyer Webb, who was to become his single most important patron. For more than 50 years, the New York City–based artist spent every summer painting landscapes of trees, barns, and buildings in Vermont with sharply observed realism and a cool, precise style.

Key scholars examine Lucioni’s oeuvre, materials, techniques, and his role in American modernism.

About the Author:

David Brody is Professor of Design Studies at Parson School of Design at the New School. Thomas Denenberg is Director of Shelburne Museum. Katie Wood Kirchhoff is Associate Curator at Shelburne Museum. Alexander Nemerov is Carl and Marilynn Thoma Provostial Professor in the Arts and Humanities and Chair of the Department of Art and Art History at Stanford University. Nancie Ravenel is Object Conservator, Preservation and Conservation at Shelburne Museum. Richard Saunders is Director of the Middlebury College Museum of Art.

____________

Пролистать книгу Luigi Lucioni: Modern Light

Тридцять п'ять сучасних художників створюють власні версії «Сніданку на траві».

Картину Едуара Мане «Сніданок на траві» (1863) зазвичай називають першою сучасною картиною. Вступний слайд на лекціях з історії мистецтва про модернізм, ця робота залишається однією з «найсміливіших картин, які коли-небудь бачили у Франції», як описав її Росс Кінг у книзі «Суд Паріса» (2006).

Як і Мане зі «Сніданком на траві», найпровокаційніші художники сьогодні об'єднують історичне та сучасне в одну площину. Джеффрі Дейтч запросив групу цих впливових художників створити власні версії, поєднані тут з історичними відгуками на картини Мане. У тонкому томі представлені ці часто гострі та сатиричні роботи разом із есе, що обговорюють тривалий вплив «Сніданку на траві» на сучасний фігуративний живопис.

Про авторів:

Джеффрі Дейтч допоміг побудувати кар'єру деяким із багатьох провідних сучасних художників як галерист та куратор. Він є колишнім директором Музею сучасного мистецтва в Лос-Анджелесі.

Аруна Д'Суза пише про сучасне та сучасне мистецтво; інтерсекційні фемінізми та інші форми політики.

Марина Моларскі-Бек досліджує мистецтво ХХ століття, зосереджуючись на міжвоєнній фотографії та історії гендеру та сексуальності.

Томас Е. Кроу — американський історик мистецтва та мистецтвознавець, найбільш відомий своїми впливовими працями про роль мистецтва в сучасному суспільстві та культурі.

____________

Погортати книгу Luncheons on the Grass: Reimagining Manet's Le Déjeuner Sur L'Herbe​ на сайтi видавництва.

Алессандра Біджі Іотті та Джуліо Заватта — відомі мистецтвознавці, автори та професори, які організовували виставки, заходи та конференції в Італії та за кордоном. У цій книзі вони запрошують читача в подорож художніми галереями, музеями та місцями богослужіння, шукаючи як відомі, так і забуті шедеври маньєризму — найсуперечливішого стилю епохи Відродження. Маньєризм виник у пізні роки Високого італійського Відродження та продовжував існувати на початку 17 століття. Серед відомих художників, які працювали в цьому стилі, — Понтормо, Россо Фьорентіно, Парміджаніно та Джуліо Романо. Ця книга пропонує уявлення про цей рух у контексті свого часу та висвітлює забуті твори, що становлять важливу частину історії італійського мистецтва.

Текст англійською та італійською мовами.

Про автора:

Алессандра Біджі Іотті, Джуліо Заватта — мистецтвознавці, автори та професори, які організовували виставки, заходи та конференції, а також публікували есе та книги в Італії та за кордоном. Засновники журналу Taccuini d’Arte, вони курували кілька випусків Бієнале дизайну в Ріміні.